Лекція 4. Музичний классицизм Загальна характеристика стилю

З середини XVIII до початку XIX ст. (орієнтовно 1750-1820 рр.) у Західній Європі, а потім і в Росії радикальна зміна поглядів на світ, перегляд соціальних цінностей і правил поведінки отримують відображення в музичному мистецтві, яке називають "класицизмом". Музичний класицизм не без підстав вважається стилем, а не просто епохою, як бароко: твори композиторів цього історичного етапу відрізняє яскраво виражене художнє єдність тем, образів, мови, форми. Саме в цей час у західноєвропейській музиці складаються "зразкові" для всієї подальшої історії структури сонати і симфонії, а в театрі формується психологічна драма. Іноді класицизм називають також музичним напрямком - напевно, в силу того, що при єдності принципів і способів відображення художньої дійсності надзвичайно виразно виражається феномен індивідуальності композитора. Найвідоміші представники музичного класицизму В. Гайдн, Ст.-А. Моцарт і Л. Бетховен для освіченого слухача з культивованими слухом (музичним багажем) невловимо і разом з тим недвозначно помітні. У кожного з них своя неповторна доля, і яскрава особистість визначає унікальний стиль, який цілком можливо простежити і пояснити.

Істотні зміни у цей час відрізняють музичне життя Європи. Це насамперед поява перших публічних концертів, освіта в столицях і великих містах музичних товариств і оркестрів. Оркестри розширюються за складом, з них йдуть орган і клавесин, збільшуються групи духових інструментів, в ужиток входить кларнет з його чутливим, повним млості звучанням. В придворному ритуалі міцне місце займає дозвіллєва музика камерних складів: касації, дивертисменти, серенади звучать під час трапези, прогулянок по парку, катання на воді. Інтенсивно розвивається любительське камерне музикування: отримують серйозне художнє виховання вельможі і аристократи багато грають в різних невеликих інструментальних складах. З цього середовища формується один з найважливіших жанрів епохи класицизму - струнний квартет. По глибині і актуальності образів, з розвиненою техніці музичної тканини і будовою форми він в змозі змагатися з симфонією - цієї своєрідної классицистской інструментальної драмою.

Опера в епоху класицизму

Незважаючи на те, що в сучасному уявленні музичний класицизм асоціюється з інструментальною музикою, інструментальними жанрами - сонатами, симфоній, квартетами Гайдна, Моцарта і Бетховена, огляд цього історичного періоду важливо почати саме з опери, оскільки інструментальну музику класицизму просто не можна зрозуміти поза контекстом классицистской опери. Сюжети, персонажі, типи драматичних колізій визначають зміст і подібну логіку інструментальних творів.

Друга половина XVIII ст. - час реформаторських процесів, можна сказати, революційних змін в опері. Вони пов'язані в першу чергу з іменами К. В. Глюка і Ст.-А. Моцарта. Перший створив з концертного подання, яким була опера - seria, справжню музичну драму, другий зробив комедію з ходульными поворотами сюжету динамічним виставою з психологічно різноманітними живими персонажами.

Крістоф Віллібальд Глюк (1714-1787) - австрійський композитор, дитинство і юність якого пройшли в Чехії, потім він переїхав до Мілана, де був керівником капели італійського аристократа А. Мельци. В Італії Глюк, природно, вчиться майстерності оперного композитора, ів 1741 р. в придворному театрі Мілана відбулася прем'єра першої опери "Ахашверош", з успіху якої починається його "італійська" слава оперного композитора. Після Мілана кілька міст - Реджіо, Болонья, Кремона, Вененція, Турин - ставлять його нові твори в традиційному жанрі опери seria з пишною декоративної вокалистикой. У 1748 р. Глюк завойовує Відень - його "Впізнана Семіраміда" з постановочним блиском, типовим для придворного театру, стає початком справжнього тріумфу композитора в головній музичній столиці XVIII століття. Італійські театри раніше замовляють опери віденського оперного маестро; в 1752 р. він пише для знаменитого театру Неаполя "Сан-Карло" оперу "Милосердя Тита", що пройшла з величезним успіхом, а за оперу "Антігона" у Римі Глюка нагороджують древнім орденом "Золотої шпори". Очоливши музичні "академії" в палаці австрійського принца, Глюк перетворює ці концерти в одне з найвизначніших подій музичного життя Відня.

Разом з тим вроджений інстинкт драматурга і відчуття незадоволеності оперою-sena з її культом співаків-віртуозів тягнуть композитора в сторону музичної драми, до античним зразком. І на рубежі 1760-х рр. Глюк вступає на шлях реформ: не технічно витончена колоратура, а драматична дія з гострими колізіями, вираженими музикою. Прем'єра у Відні в 1762 р. опери "Орфей і Еврідіка" стає маніфестом нового театру, а створена пізніше нова редакція для постановки в паризькій опері (1774) породжує гострі дебати, що призвели до "війні глюкистов і пичинистов", тобто прихильників глюковских реформ і захисників стандарту опери-seria1. У другій редакції партія Орфея, написана для кастрата, передана тенору.

В основі сюжету опери - давньогрецький міф про поета-співака Орфея, силою почуття і своєї майстерності разжалобившего фурій підземного царства, в яке потрапляє померла його дружина Еврідіка. Глюк здійснює тут абсолютно нові принципи композиції. Речитативи стають важливими монологами, в яких головне - передати музикою виразний сенс слів. Це ж вимога в аріях веде до суттєвого спрощення вокальної техніки - вони полонять красою і природністю мелодики. Персонажі з статичних фігур перетворюються на акторів, які вступають в активні дії, конфліктні відносини. Цієї необхідності - бути акторськи переконливим підпорядковується і хор. Оркестр точно виражає сенс того, що відбувається на сцені, "коментуючи" почуття героїв і події. Динамічність дії призводить до подолання так званої "номерний" структури опери - арії, речитативи і хори послідовно переходять один в одного, підкоряючись логіці сцени. Арія Орфея "я Втратив Еврідіку" надзвичайно виразна для сучасного слухача, зберігають свою неувядаемую красу і скорботні хори I дії. Кульмінацією драми є знаменита сцена з фурією з II дії, де музика яскраво втілює зловісні вигуки хору і скарги Орфея. Чудовий інструментальний фрагмент з цього акту - сумна мелодія для флейти - сьогодні відомий як виразна п'єса, яка прикрашає концертні програми флейтистів.

Наступного реформаторської оперою Глюка стає "Альцеста" з драми Евріпіда (лібрето Кальцабиджи), більш театрально статична, але також підпорядкована виразності слова. Після переїзду в 1774 р. в Париж, де він пробув п'ять років, Глюк остаточно довершує свою реформу під впливом французької театральної культури, створивши три знамениті опери "Іфігенія в Авліді" за драмою Расіна, "Іфігенія в Тавриді" (по трагедії де ла Туша) і "Армида" (на сюжет поеми Т. Тассо). Сильні пристрасті, конфлікт між вищими силами, владою і людиною, виражені яскравими засобами музики, надавали античних сюжетів пафос, близький і зрозумілий сучасникам.

Паризькі опери Глюка були дуже високо оцінені сучасниками, але їх подальше життя виявилася менш довговічною, ніж у "Орфея", взагалі став улюбленим сюжетом для кількох наступних поколінь. Спроби створити нові редакції не увінчалися успіхом.

Оперна реформа Глюка мала великий вплив на подальший розвиток жанру, хоча це було не безпосереднім впливом, а впливом по суті. Особливо значний вплив треба зазначити на оперне творчість "директора" музики віденського двору Антоніо Сальєрі (1750-1825) і композиторів епохи французької революції з їхнім героїчним пафосом. Інструментальне творчість Моцарта і Бетховена драматургічної рельєфністю форми і наскрізним розвитком, звичайно, зобов'язана завоювань Глюка. Але його антична тематика на якомусь етапі стала сприйматися досить відверненої, патетика пристрастей надто піднесеною, що дозволило у другій половині століття здобути перемогу новому жанру опери.

Класичним зразком цього нового типу комічної опери є "Служниця-пані"Джованні Баттіста Перголезі, композитора, який прожив всього 26 років, але прославив в черговий раз неаполітанську оперну школу. Написана в 1733 р. "Служниця-пані" розбурхала в 1752 р. Париж, в якому витримала близько 190 уявлень, і міцно завоювала Європу. Це одна з небагатьох опер класицизму, активно зберігаються в репертуарі сучасних музичних театрів.

Популярність опері - sena забезпечувала побутова сучасна тематика, рішуче протистоїть міфологічної опережена, а також національна музична основа. В опері - sena складалися свої шаблони, що йдуть від народної комедії масок (йеП'аге) - сюжетні лінії, типажі, сценічні прийоми.

Естафету Перголезі в останній третині сторіччя підхопив знаменитий неаполітанець Доменіко Чимароза (1749 - 1801). Він написав понад 70 опер, які з успіхом ставилися в багатьох великих містах Італії - Римі, Венеції, Мілані, Флоренції. Наприкінці 1780-х рр. Чимароза більше трьох років провів у Росії, керуючи придворним оперним театром. У 1792 р. у Відні, будучи капельмейстером при дворі імператора Леопольда II, Чимароза створює своє найкраще творіння - оперу "Таємний шлюб". Її постановка пішла з приголомшуючим успіхом - мабуть, єдиний випадок в історії, коли весь спектакль був повторений на біс. У рідному Неаполі, куди композитор повернувся в 1793 р., "Таємний шлюб" витримав понад 100 постановок, що було нечувано навіть для цієї країни меломанів. І сьогодні ця опера прикрашає сцени багатьох театрів світу.

Нитки опери-buffa ведуть безпосередньо до Моцарта, який у "Весіллі Фігаро" піднімає жанр на нову висоту лірико-психологічної трактуванням і неперевершеним музичною майстерністю.

Опери Вольфганга Амадея Моцарта - найзначніша сторінка його величезного творчого доробку. За своє коротке життя (1756-1791) він створив понад шести сотень творів, серед яких 41 симфонія, більше 40 інструментальних концертів, але саме опера визначає його стиль.

Свої перші опери Моцарт починає писати в дитинстві: у 12 років він створює комічні опери "Удавана простушка", "Бастьєн і Бастьена", а до 16 років вже є автором успішно йдуть в італійських оперних театрах опери-seria "Мітрідат" і "Лючіо Силла". Постановки в Мюнхені "Уявної садовницы" (1775) і "Ідоменея" (1781) принесли молодому композитору справжній великий успіх. Однак служба в Зальцбургського архієпископа Ієроніма Колоредо заважає Моцарту здійснити по-справжньому оперну кар'єру, і він, скандально пориваючи зі своїм "хазяїном", переїжджає до Відня.

Всі свої оперні шедеври Моцарт створює в останнє десятиліття життя: "Викрадення із Сералая" (1782), "Весілля Фігаро" (1786), "Дон Жуан" (1787), "Cosi fan tutte" (1790), "Чарівна флейта" (1791). Жодна з цих опер не може бути визначена регламентним жанром - seria, buffa або Singspiel; у всіх виявляється нестримна фантазія, виразність музичного втілення різноманітних почуттів героїв, що ламає стереотипи. Психологічна достовірність музичних характеристик була настільки приголомшливою, що сучасники далеко не завжди могли оцінити новаторство Моцарта і приймали його прем'єри досить прохолодно.

Найзнаменитіша, сама, мабуть, поширена в сучасному репертуарі і широко відома масового слухача опера Моцарта "Весілля Фігаро" - своєрідний "бренд" композитора. Вона лише формально може бути віднесена до жанру buffa з його безсоромними лакеями й усілякими шахраями і пройдисвітами. Лібретисту Моцарта Лоренцо да Понте довелося домагатися дозволу імператора на постановку і скорочувати соціально критично звучать сцени забороненого в Австрії творіння Бомарше. Але і того обставини, що героєм вистави стає спритний і хитромудрий слуга, а не вельможа, вистачило для того, щоб прем'єра в травні 1786 р. була прийнята у Відні досить прохолодно. Тільки після гарячого прийому постановки в кінці цього ж року в Празі успіх "Весілля Фігаро" на наступні століття (!) був забезпечений.

Основне гідність і новаторство цієї опери - в музичній окресленні персонажів і комічні колізії сюжету. Головний герой комедії - Фігаро - енергійна і дотепний, хитрий і закоханий, витончений і напористий. Його каватина з I дії "Якщо захоче пан пострибати" - іронічно галантне звернення до панові в жанрі менуету, а середній розділ - контрастне втілення енергійного спритника. Знаменита арія "Хлопчик жвавий, кучерявий, закоханий" з цього ж дії, що стала ще за життя Моцарта шлягером, - надзвичайно виразний героїко-комічний монолог.

Арії пажа Керубіно представляють собою ще один зразок любовної лірики класицизму з запалом і ніжністю, вираженої в глибоких благородних тонах.

"Весілля Фігаро" вражає не тільки своїми виразними аріями; величезну роль тут відіграють динамічні речитативні сцени і ансамблі. Самий видатний ансамбль - фінал другого акту, що складається з чергуються сцен Графа і Графині, потім терцета з Сюзанною, потім динамічними сценами з Фігаро і, нарешті, великим ансамблем всіх учасників сцени.

Менш популярна справжня опера buffa "Cosi fan tutte", дія якої практично складається з ансамблів. Деякі дослідники вважають недосконалим її лібрето, однак ця нехитра історія перероблялася і перейменовувалася незліченну кількість разів: "Жінки, подібні цій", "Послуга за послугу", "Хто виграв парі"; у Німеччині її ставили не тільки як "Помста дівчат", але і під назвою "Партизани". У Данії був поставлений "Втечу з монастиря", у Франції - "Безплідні зусилля любові" (пристосовані під текст Шекспіра) і навіть "Китайський чорнороб".

Багато шанувальників опер Моцарта сьогодні переконані, що музика його пережила драматургічні джерела і лібрето, а тому вимагає нових сюжетів, нових героїв і нових концепцій. Наприклад, постановник "Весілля Фігаро" в Зальцбурзі в ювілейний рік Моцарта режисер Клаус Гут змусив Сюзанну (Анна Нетребко) дійсно бути закоханою і в Фігаро, і в Графа. Сам він висловлювався так: "У цей "божевільний день" все, здається, обійшлося благополучно, але це не означає, що завтра роман Графа і служниці не стане реальністю..."

Безліч самих фантастичних постановок витримала в наші дні "Чарівна флейта" - повчальна і разом з тим повна чудес казка. Вона написана в традиційному австрійському жанрі зингшпиля, тобто з розмовними діалогами. Справжніми хітами є дві її арії - Цариці Ночі і птахолова Папагено.