39. Высокое Возрождение

Время самого пышного развития ренессансного стиля в Италии принято называть Высоким Возрождением, приблизительно с 1500 по 1580 гг. В это время центр тяжести итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II, человека честолюбивого, привлекшего к своему двору лучших творцов Италии.

Античное изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство водворяются вместо игривой красоты, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для полного воплощения своих замыслов. Новое мировоззрение наилучшим образом воплотилось в творчестве художников, которых с полным правом называют гениями: Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Джорджоне и Тициана.

Леонардо да Винчи(1452-1520), старший из них, обладал талантами в разных областях, редко останавливался подолгу на одном предмете и в одном месте. Такая разбросанность может быть объяснена обилием талантов, которыми был награжден Леонардо, и легкостью, с которой они все реализовывались, а также любознательностью и безграничным интересом к миру. Леонардо да Винчи хотел познать тайные силы природы, зачастую зловещие и смертоносные. Полностью познав ее, он хотел стать властелином природы. Эта форма гордыни была свойственно людям эпохи Возрождения.

Многие работы из творчества Леонардо да Винчи не дошли до наших дней, некоторые разрушились от старости, некоторые погибли в пожарах и наводнениях, некоторые не были созданы.

Первым учителем его стал Верроккьо. Но уже в 20 лет Леонардо стал почетным членом Гильдии Художников Флоренции. В своей работе он применил новую технику, недавно появившуюся в Италии, рисования масляными красками. С их помощью Леонардо смог превзойти мастерство своего учителя, в использовании света и краски.

Популярный среди заказчиков сюжет Мадонны с младенцем Леонардо оснастил новым мотивом, поместив библейских героев в пейзаж, которому приданы идеальные черты, и в котором показаны достижения линейной и воздушной перспективы. Такова «Мадонна в скалах». Хотя пещера слабо освещена, картина не темная. Тончайшая светотень (сфумато) создает впечатление неяркого рассеянного света, моделирует лица и руки. Леонардо связывает фигуры не только общностью настроения, но и единством пространства.

Из всех фоновых пейзажей он особенно любил рисовать долину реки Арно, в которой вырос. Она составляет фон и знаменитой «Моны Лизы». Примечательно, что изображенный там мостик через реку сохранился до наших дней. Эта небольшая по размерам картина производит особое впечатление не только письмом фигуры и лица, но за счет пейзажа, где глубина пространства, воздушная дымка переданы с величайшим совершенством. Техника сфумато здесь доведена до совершенства: дымка светотени окутывая фигуру, смягчает контуры и тени, делает выражение лица неуловимым.

«Тайная вечеря», фреска площадью 4,5 на 8,6 метров, расположена на стене трапезной доминиканского монастыря Санта Мария делле Грацие в Милане. Леонардо ориентировал перспективу фрески на зрителя, чтобы она органично вошла в интерьер трапезной: перспективное сокращение боковых стен, изображенных на фреске, продолжает реальное пространство трапезной. На ней – 12 апостолов и Иисус, сидящие за столом. Показан драматический момент, когда Христос только что произнес слова: «Один из вас предаст Меня», и разная эмоциональная реакция апостолов на эти слова. Композиция построена так, что в центре – Христос, изображенный на фоне проема задней стены. Двенадцать апостолов разделены на четыре группы по три фигуры в каждой. Иуда оказался в одиночестве, как и Иисус.

Неуемное стремление Леонардо к экспериментаторству сыграло роковую роль в судьбе фрески. Он отказался от техники аффреско и стал рисовать разновидностью техники асекко, т.е. по сухой штукатурке. Он покрыл стену специальным составом из смолы и мастики, и писал темперой. Краски начали отслаиваться. «Тайная вечеря» неоднократно реставрировалась, но к середине ХХ в. фреска пришла в плачевное состояние, Проведенные недавно реставрационные работы позволили говорить о том, что этот шедевр эпохи Возрождения спасен.

Одним из известнейших мастеров этой эпохи заслуженно считается великий художник, скульптор, поэт и философ, Микеланджело Буанаротти(1475-1564). Своим основным занятием он считал скульптуру. Глубокое изучение античных образцов и анатомии человека позволили овладеть ему прекрасной техникой пластики. Статуя Давида, выполненная им в 29-летнем возрасте, показывает зрелость его мастерства.

Методы обработки мрамора Микеланджело отличались от современников-скульпторов. О способах его работы свидетельствуют четыре незаконченные статуи. Микеланджело обрабатывал глыбу мрамора с одной стороны, как бы высвобождая скульптуру. Его современники работали с глыбой мрамора одновременно со всех сторон.

Но самым грандиозным из его творений являются фрески Сикстинского плафона. Микеланджело создал свой собственный проект, символика которого до сих пор не расшифрована и подвергается противоречивому истолкованию. Например, некоторые искусствоведы считают т.н. «Сивилл» мужскими образами. Цикл включает в себя темы из книги Бытия от «Сотворения мира» до «Всемирного потопа».

Эта роспись – прославление разума человека, его творческого гения и героических деяний. Не случайно в центре всей циклопической композиции находятся встречающиеся руки Творца и Адама, этим подчеркнут прежде всего созидательный порыв, выраженный в движениях рук. Титаническая сила, интеллект, прозорливая мудрость и возвышенная красота характеризуют образы пророков и пророчиц. Позы и жесты трех сотен персонажей ни разу не повторяются.

В отличие от Перуджино и Боттичелли талант Микеланджело с возрастом не угасал. В 60 лет он начал работу над фреской «Страшный суд» для Сикстинской капеллы. Микеланджело отошел от традиционной иконографии. Страшный суд изображается не в момент свершения, когда грешники и праведники уже отделены друг от друга, а самое его начало. Динамика картины создана диссонирующими позами персонажей, они полны отчаяния. В общей массе и грешники, и праведники, их сложно различить. Бог страшен, люди терзаются неизвестностью. Все обнажены, как и сказано в Библии, ибо будут они судимы лишь по делам их. После смерти Микеланджело эту фреску чуть было не уничтожили по приказу папы Павла IV, которого не устраивала наготы святых. Но все закончилась на «одевании» фигур, которым была пририсована одежда.

Рафаэль Санти(1483-1520), младший из четверки гениев Возрождения, собрав технические и идейные достижения старших, создал свой собственный идеал гармонии. Его образы благородны и обаятельны за счет потрясающего чувства меры, умения сочетать реальные и воображаемые, фантастические образы. Его «Мадонны» представляют собой синтез двух миров – греческой классики и христианского мира: «эллинизированное христианство».

За год до смерти Рафаэль закончил самую известную свою картину – знаменитую Сикстинскую мадонну, которая писалась для церкви святого Сикста в Пьяченце. Неземная сущность Мадонны подчеркивается той легкостью, с которой она ступает по облакам. Занавес, открывающий ее людям, откинут святым духом. Но скорбь, рожденная знанием судьбы ребенка, делает ее земной женщиной. Неповторимой чертой картины является иллюзия движения всех ее элементов, одежд, занавесей, движений фигур. Картина реагирует и на движение человека-зрителя, по мере приближения к ней восстают новые и новые детали.

Тициан Вечеллио (1477-1576), венецианец, аристократ, автор множества грандиозных картин на библейские и античные сюжеты, тонкий портретист и колорист. Он наделил своих героинь волосами особого цвета старой меди, который и вошел в историю как тициановский.

Мало кто был равен Тициану по исключительно благоприятному ходу жизни. Он был замечательно здоров и удачлив, от судьбы видел только счастье и благополучие. Конечно, в Венеции у него были соперники, однако он с легкостью побеждал их силой своего таланта и необыкновенным умением завоевывать расположенность знатных особ. Он всегда зарабатывал много, ему охотно и щедро платили за его вещи. В последние годы мог работать только для собственного удовольствия, и еще, чтобы не лишиться той блестящей репутации, которую он заработал.

Тициан рано выработал самостоятельный стиль. Его образы спокойны и радостны, отмечены жизненным полнокровием, яркостью чувств, печатью внутренней просветленности.  Затем сложная политическая ситуация вокруг его родного города изменила колористику и композицию его картин. Он строил композиции картин по диагонали, пронизывая их стремительным движением, пользовался интенсивными контрастами синих и красных цветовых пятен. В поздний период творчества Тициан достиг не только вершин живописного мастерства, но и величайших глубин в истолковании мифологических и религиозных тем.

Картина «Любовь земная и Любовь небесная» написана им в 40-летнем возрасте. У нее были различные названия: «Красота приукрашенная и неприукрашенная» (1613), «Три типа любви» (1650), «Божественная и светская женщины» (1700), и, в конце концов, «Любовь земная и Любовь небесная» (1792 и 1833). На картине изображена сцена с тремя фигурами: две женщины и ребенок около саркофага. Вокруг пейзаж, хорошо освещенный солнцем. Женщины похожи друг на друга и вызывают впечатление, что речь идет о том же человеке. Одна из девушек в сцене роскошно одета и держит в руке наполненный золотом и драгоценными камнями сосуд, который символизирует эфемерное земное счастье. Вторая девушка, нагая, олицетворяет богиню Венеру и держит сосуд с огнем, символизирующим вечное небесное счастье.

Таким образом, искусство Высокого Возрождения остается верным традициям реализма в синтезе с широтой обобщения и величавостью задумок. Грандиозность данного искусства было почитаемо еще современниками, так Вазари говорил о нем как о высшей ступени совершенства.