Добавил:
ivanov666
Опубликованный материал нарушает ваши авторские права? Сообщите нам.
Вуз:
Предмет:
Файл:Мировая культура и искусство. Учебное пособие для студентов вузов, обучающихся по направлению «Культурология», по социально-гуманитарным специальностя
.pdf
настроениям и переживаниям. Наибольшей известностью пользуются его картины «Весна» è «Рождение Венеры». До сих пор загадочным остается сюжет картины «Весна», где на цветистой лужайке, огороженной деревьями с оранжевыми плодами на ветвях, расположились различные мифологические персонажи: Меркурий,
три грации, Венера, над которой парит Амур, богиня весны и цветов Флора, лесная нимфа и бог легкого ветра Зефир. Персонажи не
связаны между собой развитием действия, они погружены в себя,
молчаливы, задумчивы, внутренне одиноки. Они даже не замечают
друг друга. Какое-то странное настроение рождают эти красивые и
утонченные образы — мечтательная грусть, тихая радость, неясная,
смутная тоска и светлая надежда.
Близка по настроению и картина «Рождение Венеры», где обнаженная языческая богиня любви медленно подплывает к берегу,
стоя в раковине, гонимая легким дуновением Зефиров. Венеру
встречает нимфа, готовая укрыть ее легким покрывалом. Удивительно и прекрасно лицо богини, полное затаенной печали. Как
считают искусствоведы, «Рождение Венеры» — это не языческое
воспевание женской красоты. В ней больше красоты духовной, а ее
нагота означает естественность и чистоту.
Высокое Возрождение. С конца XV в. искусство итальянского
Возрождения вступает в новый период своего развития, получивший название Высокого Возрождения. Если Проторенессанс длился
почти полтора столетия, Раннее Возрождение — почти столетие, то
Высокое — всего около сорока лет. Но именно чинквиченто дало
миру столь многочисленную плеяду мастеров редкой гениальности
и разносторонности: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буанаротти, Доменико Гирландайо, Андреа Вероккио.
Искусство Высокого Возрождения стало выражением всей сложности и масштабности исторического бытия эпохи, будто бы в противоположность все более усиливающемуся политическому и экономическому упадку, искусство чинквиченто проникнуто высокими
и светлыми идеалами. Никогда еще герои живописных и скульптурных произведений не были такими возвышенными, свободными
и могучими. В них воплощался титанический идеал человека новой
эпохи, утверждающего себя в гармоничном и разумно устроенном
мире. Поэтому от предшествующего периода — искусства кватроченто его отличает прежде всего крупный масштаб образов. Многие
произведения были очень большими по размерам, но это не было
их главной чертой. Монументальность произведений этой эпохи
проявлялась не только внешне: как грандиозные, так и небольшие
по размерам художественные произведения отличались внутренней
значительностью, глубиной, сложностью, особым величием образов.
231
2
Такие произведения создавали художники нового типа — активные творческие личности, свободные от прежних цеховых ограничений, сознающие свое высокое назначение; люди огромных
знаний, владеющие всеми ценностями культуры своего времени.
Среди целой плеяды художников чинквиченто безусловно выделяются три разносторонних мыслителя и художника — Леонардо да
Винчи, Рафаэль и Микеланджело, которых еще современники назвали божественными. Они стали олицетворением главных ценностей итальянского Возрождения: интеллекта, гармонии и мощи. Все
трое были великими живописцами, работали в сфере как монументальной живописи (фрески), так и станковой. Каждый из них стал
первооткрывателем идей, образов, приемов, определивших дальнейшее развитие изобразительного искусства.
Три гениальных мастера словно отражают разные стороны европейской культуры: Леонардо — дерзновенный прорыв в неведомое,
жажду познания мира, проникновение в тайны природы; Рафаэль —
постижение тончайших движений человеческой души; Микеланджело — титаническую героику, трагедийность и величественность.
Одновременно они воплощают и три основных пласта живописи:
Леонардо — эпически-повествовательный, Рафаэль — лирический,
Микеланджело — драматический.
Леонардо Да Винчи (1452—1519) является, пожалуй, самой необыкновенной фигурой в истории мировой художественной культуры. Он в полном смысле был Homo universale (человеком универсальным), так как обладал разносторонними способностями и
дарованиями. Он одновременно был художником, теоретиком искусства, скульптором, архитектором, математиком, физиком, астрономом, анатомом и инженером. Леонардо был новатором во всех
областях культуры и большую часть времени отдавал науке. Он
являет собой единственный пример великого живописца, для которого его искусство не было главным делом жизни.
Число дошедших до нас достоверно принадлежащих ему картин —
около пятнадцати. И это не потому, что часть его произведений погибла, а скорее потому, что, бесконечно экспериментируя, стремясь
достичь совершенства, он часто не заканчивал свои работы. Большая часть его начинаний осталась в рисунках и записях. Леонардо
был многогранен и нетерпелив, его захватывал сам процесс познания и творчества: сделав какое-то изобретение или произведение,
он отбрасывал его, чтобы взяться за другое.
Его важнейшими творениями стали фреска «Тайная вечеря» в
одном из миланских монастырей, а также всемирно известный
портрет молодой флорентийки Моны Лизы. Фреска «Тайная вечеря»
заставляет удивляться интеллектуальной силе художника, тому, как
тщательно продумана композиция произведения. В этой картине
23
Леонардо дает новое, отличное от традиционного, решение библейской темы: он впервые изображает психологический конфликт, открытое проявление сильных чувств, сам процесс драматического
события. Христос сказал апостолам: «Один из вас предаст меня».
Художники кватроченто обычно представляли апостолов, сидящими в этот момент изолированно друг от друга, в статичных и однообразных позах, Иуду выделяли, помещая отдельно на противоположной стороне стола. У Леонардо апостолы после слов Христа
приходят в сильное волнение, которое выражается в движениях и
позах, жестах рук и мимике. Они изумлены, потрясены, негодуют,
сомневаются, обсуждают. Художник разбивает апостолов на четыре
группы по три человека в каждой. Иуду да Винчи помещает рядом
с любимыми учениками, выделяя лишь падающей на лицо тенью.
Бурное движение и эмоциональная напряженность апостолов сочетаются с благородным спокойствием Христа, что создает гармоническую завершенность композиции в целом.
Однако самым знаменитым произведением Леонардо да Винчи
и, пожалуй, всей мировой живописи является портрет Моны Лизы,
супруги богатого флорентийца Франческо дель Джокондо. С этим
портретом, также известным под названием «Джоконда», связано
огромное количество легенд, научных гипотез, исследований. Традиционная композиционная схема — человеческая фигура на первом плане на фоне пейзажа обрела невиданную ранее психологическую глубину образа, стала высочайшим художественным воплощением человеческой личности. Портрет завораживает и восхищает
тем, что в нем при внешней неподвижности модели передана жизнь
души, неуловимо меняющиеся оттенки мыслей, чувств, настроений.
Особо очевиден контраст между необыкновенно живым выражением лица Моны Лизы и неподвижно величественной позой, характер которой отражает пейзаж.
Рафаэль Санти (1483—1520) — художник совершенно иного
склада, нежели Леонардо. Он не был новатором в искусстве — значение его творчества состоит в том, что оно явило собой синтез
достижений предшествующих художников и стало, таким образом,
наиболее ярким выражением классической линии в искусстве чинквиченто. Его художественные произведения полны гармонии и ясности, человек в них совершенен, а мир находится в равновесии.
Рафаэль воплотил в своих произведениях самые светлые и возвышенные представления ренессансного гуманизма о человеке, о его
исключительном месте в окружающем мире.
Излюбленным образом художника был образ Мадонны, в котором он смог с наибольшей полнотой раскрыть свои представления
о благородстве и совершенстве человека, о гармонии внешней и
внутренней красоты. Картины на этот сюжет Рафаэль писал всю
233
4
свою жизнь. Но по мере того, как художник становился все более
зрелым, менялся и характер образа; трогательность, легкий лиризм,
мягкая задушевность, нежность юных мадонн его ранних произведений сменились выражением большой душевной силы, глубокой,
самоотверженной материнской любви.
Наиболее прославленным творением Рафаэля и одним из самых
известных произведений мировой живописи является его «Сикстин-
ская Мадонна» — картина, написанная для церкви св. Сикста одного из итальянских монастырей. Традиционная композиция явления
Богоматери представлена художником в виде юной мадонны, легко
ступающей босыми ногами по облакам и несущей людям своего
сына — Христа. Она предчувствует его гибель, скорбит об этом, но
понимает необходимость принесения этой жертвы во имя искупления грехов человечества. Глубокую религиозность художник соединил с высокой человечностью, создав самое великое и прекрасное
воплощение темы материнства. Одухотворенное лицо Мадонны выражает и бесконечную любовь, и предвидение трагической судьбы
сына, осознание ее неизбежности и скорбную готовность принести
его в жертву ради людей.
Итальянское Возрождение дало миру целую плеяду прославленных мастеров, но мощь творческого гения Микеланджело Буо-
нарроти (1475—1564) выделяет его даже среди величайших художников той эпохи. Его искусство знаменует собой не только кульминацию эпохи Возрождения, но и ее завершение. Более чем
семидесятилетний творческий путь Микеланджело совпал с историческим периодом, полным бурных потрясений. И очень важным на
этом пути явилось полное слияние для художника понятий человека и борца. Способность к героическому подвигу, борьба за свободу — вот что служило лейтмотивом его творчества.
Микеланджело превыше всех искусств ставил скульптуру и хотел быть только скульптором. Но волею судьбы он стал еще и живописцем, и архитектором. Стремясь к воплощению своей главной
темы — борьбы духа и материи, он впервые в истории скульптуры
соединил идеал телесной красоты с отвлеченной духовной идеей,
найдя основную форму ее выражения в статуе Давида. В отличие от
своих предшественников — Донателло и Верроккьо — Микеланджело изобразил героя перед свершением подвига. Гигантская фигура
олицетворяет безграничную мощь свободного человека, передает
одновременно и красоту идеализированного тела, и огромное внутреннее напряжение в момент предельной собранности сил и воли.
Самым выдающимся и грандиозным произведением мастера
стала роспись потолка и стены Сикстинской капеллы Ватиканского
2
дворца (общая площадь фрески свыше 600 м
). На плафоне капел-
лы он изобразил ветхозаветные сюжеты — от Сотворения мира до
23
5
Потопа. По бокам их продолжением стали сюжеты «Давид и Голиаф»,
«Юдифь и Олоферн», «Казнь Амана» è «Медный змей». В эпоху Возрождения плафонная живопись носила преимущественно декоративный характер, ограничиваясь несложной тематикой. Микеланджело, напротив, изобразил картины сотворения мира и жизни первых людей на земле, эпизоды из Библии, пророков и сивилл
(пророчиц), предков Христа. На потолке капеллы он создал мир титанов. Его Бог — вдохновенный творец, в мощном порыве создающий Вселенную и человека; могучи и прекрасны телом и духом
первые люди, пророки и сивиллы отважны в своем прозрении будущего, каким бы грозным оно им не представлялось.
Наиболее впечатляющей фреской из всей росписи является
сцена Страшного суда, размещенная на алтарной (восточной) стене
капеллы. Композиция «Страшного суда» задумана художником как
множество обнаженных человеческих фигур, окружающих Бога в
световом нимбе. Центральным персонажем фрески является фигура
Христа, поднявшего в грозном жесте правую руку. Слева от него
изображены разверзшиеся могилы и восстающие из них мертвецы.
Выше — устремляющиеся вверх души, над которыми расположены
праведники. В самой верхней части фрески изображены ангелы, несущие орудия мучений Христа. В правой стороне, ниже ангелов —
опять праведники, под которыми — восставшие титаны, еще ниже —
ладья с Хароном, который гонит грешников в ад. Все изображение
пронизано движением, в котором даже мощные фигуры с широкими плечами и хорошо развитым торсом не в силах противоборствовать судьбе.
Позднее Возрождение (Возрождение в Венеции). Ñ 40-õ ãã. XVI â.
начинается период Позднего Возрождения. Италия того времени
подпала под власть иностранных держав и стала главным оплотом
феодально-католической реакции. Только относительная свобода
богатой Венецианской республики и от власти папы, и от господства интервентов обеспечила развитие искусства в этом регионе.
Возрождение в Венеции обладало своими особенностями, так как
имело другие источники, чем во Флоренции.
Уже с XIII в. Венеция была колониальной державой, которой
принадлежали территории на побережьях Италии, Греции, островах
Эгейского моря. Она торговала с Византией, Сирией, Египтом, Индией. В результате интенсивной торговли к ней стекались огромные
богатства. Венеция была торгово-олигархической республикой, и
власть правящей касты была устойчивой, ибо она защищала свое
положение с помощью крайне жестоких и коварных мер. Открытая
всем влияниям Запада и Востока республика издавна черпала в
культурах разных стран то, что могло украшать и радовать: визан-
23
6
тийскую нарядность и золотой блеск, каменную узорность мавританских памятников, фантастичность готических храмов.
Пристрастие к роскоши, декоративности и нелюбовь к ученым
изысканиям задерживали проникновение в Венецию художественных
идей и практики флорентийского Возрождения. Основные характерные черты творчества живописцев, скульпторов, архитекторов Флоренции и Рима не отвечали вкусам, сложившимся в Венеции. Здесь
ренессансное искусство питалось любовью не к античности, а к
своему городу, определялось его особенностями. Синее небо и море, нарядные фасады дворцов способствовали формированию особого художественного стиля, отличавшегося увлечением цветом, его
переливами, сочетаниями. Поэтому венецианские художники, которые были только живописцами, видели в красочности и цвете основу живописи. Пристрастие к цвету следовало и из укоренившейся
в них любви к богатым украшениям, ярким краскам и обильной
позолоте в произведениях искусства Востока. Венецианское Возрождение также оказалось богатым на имена великих живописцев и
скульпторов. В эту эпоху творили Тициан, Веронезе, Тинторетто,
Джорджоне, Корреджо, Бенвенуто Челлини.
Первым наиболее известным художником Высокого Возрождения в Венеции стал Джорджо де Кастельфранко, прозванный современниками Джорджоне (1476 или 1477—1510). В его творчестве
окончательно побеждает светское начало, что проявляется в господстве сюжетов на мифологические и литературные темы. Более того,
именно в произведениях Джорджоне происходит рождение станковой картины, с которой связаны особенности творчества художника: сюжеты его картин отличаются отсутствием четко выраженной
фабулы и активного действия; в трактовке сюжета основной акцент
делается на воплощении тонких и сложных эмоций, придающих
картинам Джорджоне особое настроение — элегически мечтательное или спокойно-сосредоточенное.
До сих пор не выяснено точное число подлинных произведений
мастера, их количество колеблется от четырех до шестидесяти одного. Однако исследователи творчества художника сходятся во мнении, что лучшими его произведениями являются картины «Юдифь»
è «Спящая Венера». В полотне «Юдифь» Джорджоне не иллюстрирует содержание известного мифа. Вся действенная сторона подвига
Юдифи остается в стороне. Перед нами лишь итог события: одинокая фигура молодой женщины, в глубочайшей задумчивости стоящей на каменной террасе, за которой расстилается изумительный
по красоте пейзаж. Ее атрибуты — меч и голова Олоферна — почти
не привлекают внимания. Огромную художественную значимость
приобретает колорит картины с ее прозрачными и нежными красками, с удивительными оттенками платья Юдифи.
23
7
«Спящая Венера» — наиболее известное произведение Джорджоне, в котором впервые обнаженная женская фигура была представлена без какого бы то ни было сюжетного действия: посреди холмистого луга на темно-красном с белой атласной подкладкой покрывале лежит прекрасная молодая женщина. Ее обнаженная
фигура расположена по диагонали на фоне пейзажа, в котором господствуют зеленые и коричневые тона. Венера погружена в спокойный сон, под которым подразумевается предрасположенность
души к возвышенному единению с Богом. Умиротворенность и покой наполняют природу с ее бесконечным небом, белыми облаками, с уходящими в глубину далями.
Вершиной Высокого Возрождения в Венеции стало творчество
Тициана Вечеллио (ок. 1476/77—1489/90—1576) (в историю искусства
он вошел не под фамилией, а под собственным именем), художника
с огромным творческим потенциалом, прошедшего сложный и драматический жизненный путь, в ходе которого его мировоззрение существенно изменилось. Тициан сложился как человек и как художник в эпоху наивысшего культурного расцвета Венеции. Его первые
произведения наполнены шумной и яркой жизнью, в то время как
последние произведения полны чувства мрачной тревоги и отчаяния.
Художник прожил долгую жизнь (около 90 лет) и оставил огромнейшее наследие. Он создавал композиции на религиозные и
мифологические темы, и вместе с тем, был великолепным мастером
одного из самых сложных жанров — «ню» (по-французски — нагой,
раздетый), изображения обнаженного тела. В ренессансной живописи так обычно представляли античных богинь и мифологических
героинь. Его «Лежащая Венера» è «Даная» являют собой изображения пленительных, пышущих здоровьем венецианок в интерьерах
богатых венецианских домов.
Тициан вошел в историю культуры как великий портретистпсихолог. Его кисти принадлежит обширная галерея портретных
образов — императоры, короли, папы, вельможи. Если в ранних
портретах он, как это было принято, прославлял красоту, силу, достоинство, цельность натуры своих моделей, то более поздние произведения отличаются сложностью и противоречивостью образов. В
них видно переплетение одухотворенности, утонченной интеллектуальности, благородства с горечью сомнений и разочарований, печали и затаенной тревоги. В картинах, созданных Тицианом в последние годы творчества, звучит уже подлинный трагизм. Наиболее
известным произведением Тициана этого периода является картина
«Святой Себастиан».
Последняя четверть XVI в. стала для культуры Возрождения
временем упадка. Творчество художников, которых стали называть
маньеристами (от èòàë. маниеризмо — вычурность), а все направ-
23
ление — «маньеризмом» — приобрело изощренный, вычурный характер. Венецианская школа живописи дольше других сопротивлялась проникновению маньеризма и сохраняла верность традициям
Возрождения. Однако и ее образы становились менее возвышенными
и героическими, более земными, связанными с реальной жизнью.
14.3. Искусство Северного Возрождения
До конца XV в. Ренессанс был явлением только итальянской культуры. Но на рубеже XV—XVI вв. возрожденческая культура преодолела национальные границы Италии и быстро распространилась по
другим странам Западной Европы, расположенным к северу от
Альп: в Нидерландах, Германии и Франции. Использование термина «возрождение» по отношению к культуре этих стран достаточно
условно, так как ее формирование опиралось не на возрожденное
античное наследие, а на идеи религиозного обновления. Тем не менее, сущность происходящих процессов и в Италии, и в этих странах была общей: расшатывание феодального мировоззрения, становление буржуазного гуманизма, рост самосознания личности.
Развитие Северного Ренессанса хронологически запоздало по
отношению к итальянскому на целое столетие и происходило на
совершенно другой основе: так, в Италии основой гуманизма служили учения античных философов-язычников, а в северных странах он основывался на воскрешении демократической религии
ранних христиан с ее требованием социальной справедливости. Если идеалом итальянского Ренессанса была сильная героическая
личность, то в северных странах идеалом стала христианская любовь к ближнему. Поэтому в художественной культуре Северного
Возрождения сохранилось значительно больше черт средневекового
мировоззрения, религиозного чувства, символики, она более условна по форме, более архаична и менее знакома с античностью.
Философской основой Северного Возрождения был пантеизм
(обожествление Вселенной, природы). Не отрицая прямо существование Бога, это учение растворяет его в природе, наделяет ее божественными атрибутами, такими как вечность, бесконечность, безграничность. Поскольку пантеисты считали, что в каждой частице
мира есть частица Бога, они делали вывод, что любое проявление
природы достойно изображения. Такие представления привели к
появлению в художественной культуре Северного Возрождения ïåé-
çàæà как самостоятельного жанра.
Второй жанр, возникший в Германии в последней трети XV столетия и получивший развитие в искусстве Северного Ренессанса, —
это портрет. Немецкий портрет отличался от портретной живописи
итальянского Возрождения. Итальянские художники в своем пре-
238
9
клонении перед человеком создавали идеал красоты. Немецкие
мастера были безразличны к красоте, для них главным было — передать характер, добиться эмоциональной выразительности образа.
В итальянском Возрождении на первом плане была эстетическая
сторона, в северном — этическая.
Третий жанр искусства северного Ренессанса, который сформировался и получил развитие прежде всего в Нидерландах — это áû-
товая картина. Нидерландских художников отличала необычайная
виртуозность письма, где любая мельчайшая подробность изображалась с большой тщательностью. Это делало картины очень увлекательными для зрителя: чем больше разглядываешь, тем больше
находишь интересных деталей.
Давая сравнительную характеристику итальянского и северного
Возрождения, следует обратить внимание на еще одно существенное
различие между ними. Итальянскому Ренессансу присуще стремление к восстановлению античной культуры, стремление к раскрепощению, освобождению от церковных догм, к светской образованности. В Северном Возрождении главное место занимали вопросы
религиозного совершенствования, обновления католической церкви
и ее учения. Северный гуманизм привел к реформации и протестантизму.
Возрождение в Нидерландах. Каждая страна имела свои особенно-
сти в становлении культуры Возрождения, но в наибольшей степени
самобытный характер Северного Ренессанса проявился в художественной культуре Нидерландов и Германии. Главными центрами искусства были Антверпен, Нюрнберг, Аугсбург, Галле, Амстердам.
Нидерландами в XV в. называли земли у берегов Северного моря, где теперь расположены Голландия и Бельгия. Богатые области,
объединенные под властью бургундских герцогов, в экономическом
и культурном отношении первенствовали среди европейских стран.
Рост городов и уклад городской жизни способствовали формированию нового отношения к конкретной повседневной деятельности.
Обыденные жизненные явления окружались благоговейным почитанием и ореолом святости: свое дело, свой дом, свое имущество,
своя капелла, свой святой покровитель, своя семья. Во всех слоях
общества чрезвычайно повысилось стремление к украшению и опоэтизированию повседневности. Нидерландские художники обожествляли каждую травинку своего северного пейзажа, копировали
мельчайшие детали быта и во всем этом видели прекрасное.
Становление нового искусства началось уже в первой трети XV в.
и было связано с творчеством живописца ßíà âàí Ýéêà (îê. 1390—
1426), которому безоговорочно принадлежит первенство в нидерландском ренессансе. Главное создание ван Эйка — грандиозный
Гентский алтарь — полиптих (т.е. сложенный много раз) для одной
23
0
из капелл в Генте, в котором выражено новое мировоззрение, новое
представление о человеке и Вселенной. Двенадцать изображений на
наружных створках полиптиха (в закрытом виде) и четырнадцать на
внутренних (в раскрытом виде) создают образ Вселенной: небесных
сфер, населенных небожителями и земли с ее далями, лесами, долинами и горами.
Яну ван Эйку традиционно приписывают изобретение техники
масляной живописи. Это не совсем точно, поскольку способ применения растительных масел как связующего вещества для краски
был известен и раньше. Но художник усовершенствовал этот способ и впервые применил масляную живопись при создании алтарных картин. Из Нидерландов эта техника постепенно распространилась в Италию и другие страны, вытеснив темперу.
В XV в. впервые в европейском искусстве самостоятельным направлением в живописи становится бытовой жанр. У нидерландских художников не было стремления к идеализации, героизации,
возвеличиванию человека и его деяний. Напротив, их отличал пристальный взгляд на мир и правдивое, непосредственное его изображение, уважение к будничной жизни и любовь к миру вещей. Все
это и привело к появлению картин на бытовые темы. Особое место
в формировании и утверждении этого жанра принадлежит двум
мастерам — Иеронимусу Босху и Питеру Брейгелю.
Для современного зрителя творчество Босха (ок. 1460—1516)
очень сложно и загадочно, поскольку он постоянно прибегал к
иносказаниям. Вероятно, современникам аллегорический смысл его
образов был понятен, ибо его произведения пользовались большой
популярностью. Сюжетная основа его картин была направлена на
демонстрацию отрицательных явлений жизни. В своем творчестве
Босх выступал как моралист, страстный проповедник, бичующий
зло и пороки погрязшего в грехах мира. В его картинах дьявол принимает разнообразные причудливые обличья, зло проникает повсюду, а человек предстает как раб греховности, как безвольное,
бессильное и ничтожное существо.
Свои картины на темы ада, рая, Страшного суда, искушения
святых художник населил легионами фантастических тварей, у которых самым невероятным образом сочетаются части самых различных животных, растений, предметов, а иногда и человека. Полные злобной активности, эти существа объединяются с маленькими
беспомощными фигурками людей, с птицами, рыбами, зверями,
порождая ощущение неизменного, суетного, лишенного разумной
основы существования. Никто из последующих мастеров живописи
не создал столь фантастических, граничащих с безумием образов.
Закономерно, что сложные процессы общественной жизни середины XVI в. в Нидерландах оказали влияние на развитие живописи.
24
Соседние файлы в предмете [НЕСОРТИРОВАННОЕ]