Юрий Николаевич Бутусов

Юрий Николаевич Бутусов (род. 1961) — российский театральный режиссёр. Главный режиссёр Санкт-Петербургского академического театра имени Ленсовета (c 18 февраля 2011 года).

Юрий Бутусов один из немногих театральных режиссеров, кому удалось сразу по окончании института мощно заявить о себе в театральном мире. За свой дипломный спектакль «В ожидании Годо» начинающий режиссер получил «Золотую маску», что само по себе о многом говорит. Он один из немногих настоящих творцов, кто сегодня может талантливо, красиво, без пошлости и ругани поставить на сцене классическую пьесу о нашем непростом времени.

Родился Юрий Николаевич 24 сентября 1961 года в Гатчине, в семье, не имеющей никакого отношения к театру (как это часто бывает с по-настоящему талантливыми людьми). До ЛГИТМиКа им. Черкасова добрался не сразу, решив освоить профессию театрального режиссера почти в 30 лет. Уже в юности занимался в театральной студии, затем попал в знаменитый питерский театр «Перекресток», которым руководил Вениамин Фильштинский. Бутусов пробовал поступать на актерский факультет, но не прошел по конкурсу. Продолжая заниматься в «Перекрестке», работал сторожем и уже в следующий раз поступил, но на режиссерский факультет, на курс Ирины Малочевской, проработавшей пятнадцать лет ассистентом у Г. Товстоногова.

«В ожидании Годо...»

Как оказалось судьба не зря привела его в институт именно в этот год. Тогда же на курс актерского факультета поступили три актера, с именами которых будет связано восхождение звезды театральной режиссуры Юрия Бутусова. Михаил Трухин, Константин Хабенский и Михаил Пореченков составили костяк его команды, которая на протяжении нескольких лет собирала аншлаги в петербургском театре им. Ленсовета.

Началось всё на третьем курсе обучения, когда начинающий режиссер пошёл против правил и в свой спектакль «Женитьба» (Н. В. Гоголь) пригласил Михаила Трухина с параллельного актерского курса. Спектакль несколько раз игрался в Учебном театре, который на тот момент заменяла аудитория на пятьдесят человек.

Дипломный спектакль «В ожидании Годо», первую пробу которого Юрий Николаевич делал еще на третьем курсе со своими сокурсниками, было решено ставить в «Перекрестке» Фильштинского, к тому времени переименованном в «Театр на Крюковом канале». На курсе Фильштинского и училась знаменитая троица, там же обучался и Андрей Зибров, также сыгравший в «Годо» и последующих спектаклях режиссера.

Абсурдная пьеса С. Беккета, минимум декораций, и четыре молодых актера, двое из которых ждут у дерева оригинальной конструкции того самого Годо. Был ли это Годо на самом деле или это имя просто стало символом нового начала, но спектакль потряс зрителей. Дипломная работа Юрия Бутусова настолько понравилась художественному руководителю театра им. Ленсовета Владиславу Пази, что он не побоялся взять всю команду в свой театр. Сам Бутусов за «Годо» был удостоен высшей театральной премии «Золотая маска».

От Беккета до Шекспира

Все следующие постановки Юрия Бутусова так или иначе перекликались с театром абсурда: «Войцек» Г. Бюхнера, «Калигула» А. Камю, «Сторож» Г. Пинтера (Театр на Литейном). Однако позже режиссер почувствовал вкус к классике и в его репертуаре появился Эжен Ионеско, а затем и Уильям Шекспир. Причем почти каждый спектакль Бутусова отмечается не только зрительской любовью, но и той или иной театральной премией.

Несмотря на успешность работы с командой своих актеров, Бутусов уходит из театра им. Ленсовета и уезжает в Москву. Здесь он ставит «Макбетта» Ионеско в «Сатириконе», пьесу современных драматургов братьев Пресняковых «Воскресение. Супер» в Табакерке.

Сегодня Юрий Бутусов уже не только режиссер, известный лишь в узких театральных кругах или славном городе Санкт-Петербурге, а одна из значимых персон московской театральной жизни. Лучшие площадки страны, лучшие пьесы Шекспира, сопровождаемые его неординарным и порой поистине гениальным видением театра с радостью распахивают перед ним двери.

Бутусов любит играть с предметами - в его постановках всегда находится оригинальное применение самым обычным вещам, будь то дерево в «Годо» или стол, служащий для героев «Гамлета» и ложем, и плахой, и иконой. Необычен образ короля Лира, который пытается оживить трёх своих дочерей, усаживая каждую по очереди у пианино, а они вновь и внось падают вниз, или князя Нехлюдова, прощающегося с Масловой, сидящей на крутящемся столе.

Он подходит к самой сложнейшей драматургии без лишних нежностей и восхвалений, и рассказывает их как очень простые и понятные любому зрителю истории. Он всегда работает в диалоге со зрителем, и последнему такая манера разговора нравится. При минимуме декораций, отказе от атрибутов, показывающих место нахождения героев в том или ином времени, Юрию Николаевичу всегда удается создать ощущение погруженности зрителя в заданные временные рамки. Мы оказываемся в датском Эльсиноре и слышим завывания ветра, создаваемые, чем бы вы подумали - консервными банками! Вокзальный сумрак создает дымка, пущенная в сцене отъезда каторжных в «Воскресение. Супер».

О своих находках и идеях Бутусов говорит просто: «Это происходит совершенно естественным образом. Я об этом не задумываюсь. Как мне интересно, так и делаю. Каждая деталь должна иметь функциональное значение, во всех моих спектаклях важное значение имеет пространство. Я так научен. По-другому не умею».

Сам Юрий Бутусов восхищается постановками Эймунтаса Некрошюса, Петра Фоменко и считает репертуарный театр гениальной идеей. Тем не менее мастер всегда мечтал о «театре-доме», которых сегодня почти не существует: «каждый режиссёр хочет иметь свой маленький дом, свой маленький театр. Когда-то это получилось.... Во всяком случае, на одном спектакле это случилось точно». То, что получилось когда-то, зрителям определенно понравилось, более того принесло известность и следующую за ней широкую востребованность всем участникам этого «дома».

Сегодня к Юрию Бутусову выстраиваются в очередь лучшие столичные театры, он преподает в Санкт-Петербургской Академии театрального искусства на актерско-режиссерком курсе, где когда-то учился сам и глубоко верит, что «все люди, с которыми мы встречаемся, живут в нас, взаимосвязи остаются и, так или иначе, влияют на нашу жизнь». Встретившись один раз с Юрием Бутусовым в его спектакле, взаимосвязь с ним остается навсегда. Его идеи долго будоражат, не отпускают, оставляя после себя послевкусие как после вина, а ведь вино с годами становится только лучше.

Бутусов и его команда

Если вы подумали, что звание питерского принца адресовано только Михаилу Трухину, исполняющему роль Гамлета в одноименной постановке, то вы ошибаетесь. И режиссер спектакля Юрий Бутусов, и главные партнеры Трухина по сцене - Константин Хабенский в роли Клавдия и Михаил Пореченков в роли Полония - родом из Питера. Хотя место рождения тут совершенно не при чём. Эта команда существует уже давно. Начиналось всё лет 10 назад ещё в Санкт-Петербурге, когда актерский факультет ЛГИТМиКа выпустил трёх вышеназванных актеров, а режиссерский - Бутусова. Их совместный дипломный спектакль «В ожидании Годо» и стал моментом рождения команды, которая несколько лет радовала своими постановками петербуржцев. С уходом Хабенского и Пореченкова из Ленсовета в МХТ компания не собиралась вместе на постановках несколько лет, но такой союз как вино - чем дольше лежит нетронутым, тем вкуснее его потом пить.

«Гамлет» - это классика. Ставить классику, с одной стороны, выгодно - она всегда в моде, всегда найдёт своего зрителя. С другой стороны, поставить классику так, чтобы кого-то удивить, найти в избитом сюжете то, чего ещё не видели, - задача неимоверно сложная. Бутусов с нею справился. Подошёл к известному всем произведению Шекспира очень оригинально, хотя почему оригинально - по-своему, по-бутусовски. Главная сцена страны, популярные актеры, немного юмора, минимум декораций, простота костюмов - основные составляющие его спектакля.

Юрий Бутусов - режиссер очень своеобразный, его спектакли имеют своё театральное дыхание, их ни с чем ни спутать, ни с чем не сравнить. Взгляд на театр через призму Бутусова, несомненно, интересен. Одни называют его авангардным, вторые андеграундным, третьи просто гением. Одни до позеленения критикуют его постановки, другие просто восхищаются его талантом и неординарным подходом к театру.

Действие происходит  всё там же в Эльсиноре, и герои находятся в том же времени - но мы не видим тяжелых высоких воротников и громоздких декораций. Тем не менее мы чувствуем атмосферу Дании, мы слышим завывания ветра и даже ощущаем холод. Герои произносят шекспировские тексты в переводе Пастернака до боли близкого сердцу - по-нашему, с иронией, шутками и фарсом. Такое восприятие даёт расслабиться зрителю и ещё больше прочувствовать трагедию Гамлета.

Интересен «Гамлет» Бутусова и использованными приёмами. Так, сторожил, видящих призраков в начале спектакля, играют всё те же Хабенский, Пореченков и Трухин, затем скидывают с себя шубы и становятся величественными персонами. Призрак в исполнении актера Сергея Сосновского также предстает перед нами и в роли актера с труппой, заехавшей в Эльсинор. Их выступление и помогло Гамлету окончательно разоблачить Клавдия. В сцене покаяния Клавдий переворачивает стол, на обратной стороне его нарисован крест, у которого и молится Клавдий. Подобными метафоричными находками, игрой с предметом спектакль Бутусова пронизан насквозь, что делает его постановку неожиданной и удивительной.  

Принц Датский и его трагедия

Нить сюжета и суть трагедии принца все знают наизусть, и всё же напомним. Гамлет, принц Дании, встречает призрака своего отца, умершего два месяца назад. Призрак сообщает ему, что был убит от руки брата Клавдия, нынешнего короля Дании, женившегося на матери Гамлета Гертруде. Гамлет хочет докопаться до истины и отомстить убийце. Всё бы ничего, но вот убийца не хочет быть отомщенным, более того, он ещё и принца на тот свет отправить хочет, чтобы не мешался под ногами. В этом противостоянии короля Клавдия и принца Гамлета и заключается вся суть спектакля.

Михаил Трухин в роли Гамлета дебютировал на московской сцене. Дебютировал так удачно, что был зачислен в труппу театра. Его Гамлет живёт в сегодняшнем дне, он говорит о существующих проблемах -  каждому зрителю понятна его боль. Он ироничен, колок, меток в своих замечаниях - его душевные терзания пронзают душу зрителя и делают причастным к сюжету. Хотя изначально  сюжет уже причастен к нашей жизни.

Бутусов лишил Гамлета единственного друга по пьесе - Горацио, тем самым сделав принца ещё более одиноким  в своих терзаниях, что вызывает у зрителя сопереживание, любовь к герою. Он разочаровывается во всех и вся, он готов бросить вызов всем - королю, матери, друзьям детства, которые шпионят за ним по просьбе Клавдия, всем приближенным. Он не боится ничего, он слеп в своём желании отомстить за смерть отца. И в своей слепоте он сам становится убийцей приближенного к королю Полония, что влечет за собой смерть возлюбленной принца - Офелии. В итоге круг мести замыкается в финальной сцене, где погибают все - виновные и невиновные. Отсутствие у Бутусова единственного шекспировского свидетеля трагедии - Горацио - делает зрителей последними, кто видел, что случилось в Эльсиноре.

Гамлет и партнеры

Невозможно было бы до конца понять трагедию Гамлета без главного его врага - Клавдия. Их борьба ведёт линию сюжета. Клавдий Хабенского вызвал много различных отзывов, хотя нет, почему различных - все в один голос твердят «он замечателен!». Но от того, что на стадии зарождения идеи о постановке «Гамлета» Бутусов принцем видел Хабенского, критики неустанно сравнивают его с Трухиным. «Хабенский так сыграл Клавдия, что затмил самого Гамлета». Нет, он не затмил, просто он сыграл Клавдия так, как ещё никто его не играл. Он на своём месте, Клавдий очень значимый персонаж в пьесе, без раскрытия его образа картина не может быть завершенной.

Хабенский показал его внутренний мир, мы видим на сцене не простого убийцу, а человека со своими мыслями, сомнениями, идеями, страхами, желаниями... Где-то он даже напоминает Гамлета, только постарше, похитрее. Хабенскому в этой роли удалось то, что не удавалось ещё никому из актеров, игравших Клавдия, - он раскрыл этого персонажа, сделал из него живого человека, близкого и понятного нам, такого, что даже сцена его убиения вызывает сожаление.

Не меньший восторг вызвал Михаил Пореченков в роли Полония. Шекспир звал его героя «несчастный хлопотун», Пореченков показал, что значат эти слова своей непосредственной игрой, комичным изображением героя. Его Полоний очень ярок и запоминается зрителю не меньше, чем главные герои. Он смешон в своем желании выслужиться перед королём и задаёт веселый тон всему спектаклю. Один только его танец со скамьёй чего стоит.

Удивительна и Гертруда в исполнении Марины Голуб. У неё получилась настоящая королева-мать. Она сдержана, умна, влюблена в Клавдия, который, если смотреть на Хабенского, моложе её. В отличие от других персонажей, Гертруда не ёрничает, не иронизирует - в её героине больше трагизма.

После просмотра спектакля понимаешь, что "Гамлет" - это не просто классика, это вечная классика, это живое произведение. Гамлет Бутусова живёт в сегодняшнем дне, он напоминает нам о том, что в лживости, мести и страхе мы можем потерять, а может и никогда не найти любовь, дружбу, и просто саму жизнь в их первозданном виде.

Поэтому в постановке Бутусова Гамлет даже два раза читает монолог «Быть или не быть?», оба раза обнимая при этом Офелию. Только первый раз он обнимает живую девушку и говорит, разрываясь сомнениями, с душащей его жаждой мести и болью предательства. А в конце спектакля он держит уже умершую Офелию, в голосе принца столько отчаяния, тоски и обреченности. На глаза наворачиваются слёзы. Вдруг становится ясным, что вот так и проходит жизнь - пусто, без любви, без веры, без надежды, а ведь всё, чего он хотел, - это лишь знать правду и наказать виновных.