Добавил:
ivanov666
Опубликованный материал нарушает ваши авторские права? Сообщите нам.
Вуз:
Предмет:
Файл:Симфония светотени, формы и колорита
.pdf
делимость конструкции композиции — означает невозможность
воспринимать картину как сумму нескольких самостоятельных
частей.
Композиционная идея находится художником в процессе творчества и объединяет в одно целое все компоненты будущего произведения. Целостность кадра нередко находится уже в набросках — пластических абстракциях будущего произведения.
Итак, закон целостности — это необходимость связи и взаимной согласованности всех элементов композиции. Закон целостности требует подчеркнутого выделения центра зрительского внимания. В совершенной композиции всё должно быть настолько
уместно, что нельзя убрать ни одну деталь без ущерба для целого.
Все части кадра-картины находятся во взаимной связи и соподчинении. И, конечно, все изображаемые предметы-объекты целесообразно размещать на плоскости холста, экрана, фотографии так,
чтобы они легко, ясно и красиво воспринимались зрителем.
Закон контрастов
Иначе — это закон единства противоположностей, ибо контрасты, в глубоком значении этого слова, — одно из главных, неотъемлемых условий зарождения, существования, развития материи,
а значит и самой жизни.
Без контрастов в природе и обществе не может быть ни движения, ни изменений, ни развития. Контрасты — это наличие резко
противоположных сторон, и при этом единство их противоречий.
Для мастера фотографии и кино контраст света и тени, то есть
светотеневой контраст, является практически главным изобразительным средством. Здесь же добавляется контраст цветов, то есть
контраст колористический.
Одним из основных законов композиции произведения считается драматургический контраст (конфликт) между персонажами,
внутрикадровый конфликт в пьесе, кинофильме.
Контрасты — это необходимое условие для того, чтобы зритель
просто увидел изображение. Сюжетные, светотеневые, цветовые
контрасты создают выразительность произведению искусства.
Поэтому основная работа над произведением связана с проблемой
71
определения характера контрастов в прямой связи с созданием художественного образа.
Леонардо да Винчи (1452–1519) в «Трактате о живописи» гово-
рит о контрасте величин (толстый — тонкий, высокий — низкий).
Микеланджело Буонарроти (1475–1564) придавал большое значение контрастам объема и плоскости (например, во время росписи Сикстинской капеллы в Ватикане).
Форму предметов и человека мы воспринимаем благодаря контрасту света и тени, а также цветовому контрасту.
Живопись и цветная фотография часто строятся на контрасте
теплых и холодных цветов. Сила цвета усиливается от сочетания с
контрастным (дополнительным) цветом, например, красного с зеленым, синего с оранжевым, желтого с фиолетовым и т. д.
Интересны контрасты в построении сюжета, контрасты положений, психологические контрасты. Примерами контрастов
положений и психологических контрастов могут служить произведения Н. Ярошенко «Всюду жизнь» (1988) и Б. Иогансона «На
старом уральском заводе» (1937).
Роль контрастов в композиции универсальна, они имеют прямое отношение ко всем элементам композиции.
Закон новизны
Художественный образ — это всегда новое, должно быть новым
в искусстве и по содержанию, и по форме. Поскольку искусство является формой эстетического познания мира, новизна проявляется
прежде всего в необычном, т. е. новом «открытии картин мира».
Выдающиеся произведения в искусстве отличаются неожиданностью решения, ощущением впервые созданного и увиденного,
сильным эстетическим зарядом. Произведения великих мастеров
разных эпох и школ каждый раз волнуют нас заново своей нестареющей красотой, гармонией и даже новизной.
Приведу примеры из русской живописной классики:
А. Саврасов (1830–1897) — «Грачи прилетели» (1891); И. Левитан
(1860–1900) — «Золотая осень»; А. Куинджи (1841– 1910) — «Березовая роща» (1879); В. Поленов (1844–1927) — «Московский дворик» (1878).
72
Из фильмов хотелось бы назвать «Бесприданницу» Протазанова и Магидсона, «Летят журавли» Калатозова и Урусевского, «Андрей Рублёв» Тарковского и Юсова.
Эти произведения можно смотреть бесчисленное количество
раз, и каждый просмотр доставит удовольствие. Разве не так?
«Новизна является драгоценнейшим качеством композиции»
(Е. Кибрик).
Настоящее высокое искусство может создать художник, ярко
чувствующий и умеющий находить в обыденном необычное, новое и это происходит, когда мастер полон любопытства ко всему
происходящему в жизни, к познанию.
Закон новизны — наиболее почитаемый автором этой книги
закон, к нему он обращается при оценке студенческих учебных
фоторабот, а также при посещении музеев и различных выставок.
Закон подчиненности всех средств композиции
идейному замыслу
Художник посредством композиции выражает то, что его заинтересовало, увлекло, показывает свое отношение к изображаемому, то есть дает ему нравственную и эстетическую оценку. Однако
произведение становится художественным явлением лишь тогда,
когда оно одухотворено идейным замыслом, высокой и интересной мыслью.
Этот закон требует учитывать соотношение главной мысли и
объема, света, цвета, тона и формы, передачи ритма и пластики,
состояния движения и состояния покоя, симметрии и асимметрии, сюжетного и зрительного центра, соразмерности частей и
целого, гармонии и соотношения пропорций и пр.
Мы разобрали четыре закона композиции. На мой взгляд, они
являются основными. Эти законы никак не мешают полету творческой фантазии, они не заставляют автора подгонять что-то в
своем творчестве, эти законы существуют как бы над творческим
процессом, и знать их и постоянно сверять со своим творчеством
совершенно необходимо.
О законах композиции писали многие, но наиболее ясно и последовательно они изложены в книге профессора Е. Шорохова
73
«Композиция», которая вся посвящена непростым проблемам
композиционного творчества. Именно к этой книге я отсылаю
всех интересующихся законами композиции.
А теперь мы подходим к удивительным открытиям, которые
произошли многие тысячелетия до нашей эры! Вот в далёком
3 тысячелетии у фараона был главный архитектор по имени Хеси
Ра. Он разработал и внедрил в строительство систему канонов,
пропорций, фактически законов. Убедительный пример; пирамиды в Гизе были построены в канонах, открытых гением древнего
архитектора Хеси Ра! Он применил в строительстве свой, сегодня
известный как «древнеегипетский канон». Он определял пропорциональную соразмерность тех древних сооружений и даже всех
последующих времён и до наших дней! Сегодня уже давно и всеми
признано, что в Древнем Египте существовала великая и до сих
пор удивляющая нас цивилизация!
Живший в Древней Греции в 5 веке до нашей эры Поликлет был
скульптором и теоретиком искусства. Он вывел цифровой закон
идеальных соотношений и пропорций человеческого тела и затем
как бы перенес эти пропорции в искусство. Именем Поликлета
назван древнегреческий канон, который использован при строительстве самого выдающегося памятника Древней Эллады Парфенона. Крупнейший архитектор того времени Иктин участвовал в
создании Парфенона, а скульптор Фидий слепил скульптуры для
фронтона этого великого храма. Фидий в своих скульптурах, также опирался на пропорции найденного канона. А современный
архитектор Ле Корбюзье (1887–1965) вообще считал, что Парфенон это скорее скульптура, так как в этом храме нет ни одной прямой линии! Пантеон в Риме был построен как храм всех богов в
125 году. Прекрасно и значимо: Парфенон в Афинах и Пантеон в
Риме практически у всех вызывает высокое резонансное психологическое удовольствие и желание любоваться этими шедеврами
долго и с большим наслаждением. Великий катарсис испытал я
при первом знакомстве и с не меньшим при следующих встречах
с этими величайшими творениями человеческого разума. Оказалось с Парфеноном я знаком с самого дня рождения. Мой отец
был довольно успешным архитектором, он построил ряд зданий
74
в Москве, также в Болгарии, Албании, Румынии, консультировал
проект киностудии в Китае, а главным делом его жизни был гигантский проект «Большого Мосфильма», который так и до наших дней не осуществлён полностью. А когда я родился, мой отец
повесил над моей колыбелью фотографию Парфенона! Посетив в
первый раз Афины, я, естественно, как старого и великого друга с
огромной радостью обнял одну из колонн Парфенона! Через годы
храм оказался за оградой и повторить объятия уже не удалось, но
впечатление от высоты человеческой эстетической мысли снова
и снова доставили радость и великолепный энергетический заряд! Современные города! Ощущение странное — это бетонные
коробки и несуразные башни, грубо обструганные сверху, Говорю
только об виденном мной; хаос скребущих небо зданий в Нью–
Йорке, затем эта мода разлилась по миру. Высотки-небоскрёбы в
Сингапуре, Париже, Маниле, а теперь и в Москве! Впечатление
гнетуще-ущербное, об удовольствии говорить не приходится. Современные зодчии делают вид, что совершенно не знакомы с шедеврами прошлых столетий и даже тысячелетий. Это очень грустно! В 15–16 веках успешно работает, точнее творит, удивительно
одарённая гигантская личность по имени Леонардо да Винчи
(1452–1519). Уникален диапазон его творческих интересов: живописец, архитектор и великий учёный в одном лице. Леонардо как
бы подытожил открытия своих предщественников и соединил их
со своими работами по анализу пропорций в искусстве. Он изучал
пропорции идеального человеческого тела и на основе этих исследований создал канон, которому дал название «Золотое сечение».
Этот канон-закон очевидно самый умный в общечеловеческой
истории. Канон в переводе с греческого означает правило, норма,
то что соблюдается всеми, в искусстве это прежде всего система
пропорций. Итак, золотое сечение — это деление целого на две
неравные части причём так, чтобы большая часть относилась к
меньшей, как целое относится к большей. Математически это выглядит так — 1: 1,6180339… Можно записать и так — 5/3, точнее 8/5,
ещё точнее 13/8. Золотое сечение удивительно универсально — это
и музыка, которая тесно завязана на гармонии и математической
основе, также при создании шедевров живописи, архитектуры,
75
фотографии, кино… А вот астроном Иоганн Кеплер доказывал
математическую гармонию нашей Вселенной! Действительно, почему нам так комфортно и радостно при общении с Парфеноном,
с храмом Вознесения в Коломенском, храмом Покрова на Нерли?
Возвышенная красота и радующая глаз гармония ощущается уже
издали при подходе к этому удивительному храму на речке Нерль!
Одно совершенно ясно: эти храмы построены с применением пропорций золотого сечения! В заключении скажу: не думайте, что
достаточно взять на съемку… линейку и ваш шедевр уже можно
нести на выставку. Нет, творчество подразумевает ещё кое-что,
глубинное и. важное, линейкой и формулой не измеряемое! Да, в
творческом процесс нередко нарушаются каноны и правила. Так
для чего же знать и изучать всё вышеизложенное? Это как алфавит, камертон в творческом процессе, некоторый уровень, эталон
для сравнения и личной оценки своего творчества.
Строя кадр, картину, художник решает одновременно очень
много разноуровневых задач: построение кадра (то есть расположение объемных и находящихся на разном расстоянии предметов
на плоском экране, холсте, фотобумаге). В то же время автор пытается выделить среди объектов главный, причем выделить композиционно, светотенью, колористическим акцентом, масштабом
изображения. Если что-то мешает в кадре, создаваемой картине
(например, дерево растет не там, где нужно автору), живописец
может передвинуть его или вообще исключить; кинооператор,
фотохудожники не всегда могут вывести дерево из кадра, тогда
приходится перекрывать его чем-то ближе расположенным или
вывести дерево из резкости, приглушить, вывести из светового
пространства в тень, или найти множество других решений. И так
приходится строить каждый кадр.
Поэтому снять хороший кадр — дело достаточно трудное. Отличных «выставочных» кадров вообще мало. Впрочем, как и во
всех видах искусства.
Парадоксальность композиционного построения кадра заключена еще и в том, что автор строит каждый раз свой кадр,
пропуская всю его конструкцию через себя, свой мозг, часто при
этом сознательно нарушая устоявшиеся правила. В этом творче-
76
ская натура находит определенное удовлетворение, и свою свободу — свободу творчества!
В заключение этой главы я приведу основные заповеди композиционного построения кадра, которыми пользуюсь в своем творчестве. Они совпадают с вышеизложенными законами:
1. Композиция должна быть цельной, четкой, неделимой — за-
кон целостности;
2. Надо находить ясную, легко читаемую структуру компози-
ции — закон контрастов;
3. Композиция должна быть новой, то есть не повторять най-
денную другими авторами конструкцию кадра;
4. Кадр не должен быть загроможден подробностями. Необходимо помнить, что кинокадр осмысливается зрителями на экране
всего секунды. Также плохо воспринимаются и перегруженные
подробностями живописные полотна и фотопроизведения;
5. Автор должен нести как бы моральную «ответственность»
за всё, что взято в кадр, за любую мелочь, случайно, по недосмотру
попавшую в поле зрения объектива;
6. Необходимо бережно относиться к портретному творчеству, особенно в павильоне: не искажать лицо световыми «ожогами», не «калечить» лицо случайным неграмотным светом. В мировой практике это случается довольно часто, так как не все мастера,
очевидно, знают о творческих принципах установки света в павильоне (об этом подробно поговорим ниже);
7. Мысль должна доминировать и вести за собой форму, которая, художественно оформляя мысль, делает ее наглядной, эстетически интересной и профессионально грамотной. Конструкция
картины-кадра целиком зависит от основной мысли произведения.
Причем композиция кадра, несущего глубокую и сложную мысль,
будет чаще всего структурно напряженной, то есть взаимовлияние
мысли на композиционное построение и на главную идею просматривается фактически в любом художественном произведении;
8. Всякий штамп (прием, часто повторяющаяся композиционная находка) — недопустим. Это ясно всем мастерам. Однако,
нередко сумма накопленных навыков, приемов подменяет творческое отношение к каждой фото- и киносъемке;
77
9. Важная мысль: Школа с большой буквы должна стать фундаментом личного творчества. Школы могут в чем-то различаться, но в конечном итоге Школа как профессиональный фундамент
должна стать глубинным смыслом творческого процесса живописца, кинооператора, скульптора, фотомастера, архитектора.
В заключение хочу сказать несколько слов о часто встречающихся, но достаточно невыразительных построениях фотокадракартины. Яркий пример: центр кадра — это пространство энергетической неопределённости. Учитывая тот факт, что все виды
изобразительного искусства по своей природе виртуальны, то
есть изображают фрагменты жизни, как бы параллельной с реальной, желательно, концентрируя в кадре изображаемые предметы,
не забывать об энергетической составляющей композиции кадра.
Центральная композиция нередко приводит к статичному, примитивному изобразительному решению. Центральное расположение
главного объекта съёмки чаще всего прослеживается в бытовых
фотографиях на паспорт и у начинающих фотолюбителей. Но,
если проанализировать композиции великих живописцев, кинооператоров и фотомастеров, то окажется, что композиционных
построений великое множество. При этом большинство мастеров
стараются избегать центрального построения композиции и широко используют периферийные площади кадра-картины.
Да, центр кадра как бы равнодушен! Объект в центре кадра
представляет максимальную степень покоя. Сюжетно важный
объект в углу или углах кадра вносит беспокойство, неуравновешенность, а равноудалённость от границ кадра воспринимается
как покой, равнодушие, сонливость. Децентрированное расположение основных объектов съёмки действительно усиливает драматургическую насыщенность, эмоциональное звучание кадра.
Строя композицию, мы как бы стараемся углубить плоскость
картины и создать иллюзию трёхмерного пространства.
В книгах, статьях о фотографии часто повторяются странные
советы. Вот некоторые из них. Если портретируемый смотрит в левую часть кадра, то надо оставлять большее пространство в левой
части кадра. Если, например, снимаются мотоциклетные гонки, то
надо оставлять перед мотоциклом пространство в кадре, чтобы
78
было куда ему ехать. Фотографическое творчество сегодня опровергает эти советы и допускает решить эту композиционную задачу индивидуально, т. е. каждому автору по-своему.
Часто рекомендуется «правило третей», оно же «правило четырёх активных точек». Рекомендуется мысленно разделить плоскость кадра на 9 равных частей с помощью двух вертикальных
и двух горизонтальных линий, проведённых на расстоянии одной
трети от вертикальных и горизонтальных границ кадра. В точках
пересечений этих воображаемых линий некоторые авторы рекомендуют размещать сюжетно важные объекты кадра. Соглашаясь
с тем, что эти советы в ряде построений композиции могут быть,
я категорически против понятий «надо» или «компонуй так». В
конце концов, это и есть шаблон! Именно эти и многие другие советы, усвоенные на различных фотокурсах, прочитанные в книгах
прошлого века, приводят к шаблонному подходу в творчестве. И
действительно, многие фотоработы на выставках, в книгах, газетах, журналах производят унылое впечатление от композиционных шаблонов.
Хотелось бы в этой книге избежать этих категоричных и явно
ненужных советов. Надо все вопросы построения кадра оставить
каждой творческой личности на своё собственное решение. Нередко, нарушая многие слишком устоявшиеся общепринятые шаблоны, мастер создаёт что-то новое и значительное. Запомним:
шедевры в искусстве по накатанным стандартам не рождаются!
Этот факт в истории искусства многократно и убедительно подтверждён!
ШКОЛА КОМПОЗИЦИИ
В ФОТОГРАФИИ
НАТЮРМОРТ КАК ЖАНР ЖИВОПИСИ,
ФОТОГРАФИИ И КИНО
Приступаем к изучению программы фотокомпозиция. Для раз-
минки предлагаю девиз: «Ни дня без кадра!». Итак, вперёд!
Натюрморт — это мир предметов, вещей, которые окружают
нас. Натюрморт — неодушевленная натура. Есть еще одно употребляемое реже название этого жанра — «стиллевен», то есть тихая
жизнь. В Древней Греции существовали натюрморты-обманки:
тщательно выписанные предметы, воспринимаемые как настоящие. Говорят, древнегреческий художник Зевксис (5–4 в. до н. э.)
изобразил мозаику — разновидность монументальной живописи,
выполняемой из цветных камней, смальты, керамики — он изобразил виноградную кисть так, что птицы пытались ее — мозаику,
клевать. Но это по литературным записям. Из этих же источников
известно, что Зевксис в своём творчестве одним из первых применил светотень! Для нас это важное сведение.
Как самостоятельный жанр живописи натюрморт сформировался в Голландии в XVII веке, хотя натюрморты вводились в живую ткань картины и много раньше. Голландцы Питер Артсен и
Иоахим Бейкелар (XVI в.) родоначальники натюрморта как жанра.
Их творчество продолжил фламандский художник, ученик Питера
Пауля Рубенса Франс Снейдерс (1579–1657). Его кисти принадлежит изображение всякой снеди — мясных и рыбных деликатесов,
овощей, фруктов — всего, что так близко зрителям всех времен.
Имя Снейдерса неразрывно связано с этим жанром.
Так или иначе, отдали должное жанру натюрморта многие живописцы, среди которых великие имена: Рембрандт, Караваджо,
Франсиско Сурбаран, Жан Батист Симеон Шарден, Эдуард Мане,
Огюст Ренуар, Клод Моне, Пьер Боннар, Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Поль Сезанн, Анри Матисс и др.
80
Соседние файлы в предмете [НЕСОРТИРОВАННОЕ]