Добавил:
ivanov666
Опубликованный материал нарушает ваши авторские права? Сообщите нам.
Вуз:
Предмет:
Файл:Дизайн интерьеров. Учебное пособие
.pdf
метрические формы. Образцы, выполненные в стенах школы,
отличает энергичный ритм линий и пятен, чистый геометризм
предметов из дерева и металла. «Баухауз» искал конструктивность вещи, подчеркивал ее, выявлял, а иногда и утрировал, там,
где, казалось бы, ее нелегко было найти – в посуде, например.
Напряженные поиски новых конструктивных решений,
подчас неожиданных и
смелых, особенно характерны были в
мебельном производстве: в «Баухаузе» родились многие схемы,
сделавшие подлинную революцию – деревянные кресла Ритфельда, сиденья на металлической основе Марселя Брейера и
многое другое. Использование пружин для кресел способствовало улучшению эксплуатационных качеств.
Важной вехой в истории «Баухауза» был переезд учили-
ща из тихого патриархального Веймара
в промышленный город
Дессау. Здесь по проекту Гропиуса было построено замечательное, вошедшее в золотой фонд мировой архитектуры, специальное учебное здание, объединяющее учебные аудитории, мастерские, общежития студентов и профессоров. Это здание было во
всех отношениях манифестом новой архитектуры – разумной и
функциональной.
В последние годы существования «Баухауза», когда во гла
ве его стал Ганнес Майер, особенно повысилась теоретическая
подготовка студентов. Для изучения вопросов массового потребителя, для того, чтобы знать его нужды, постичь его вкусы, изучались социология и экономика. Чтобы понять процесс
производства, студенты должны были пройти непосредственно все его этапы. Такой метод изучения позволял им всесторонне
освоить воздействие внешней формы предмета, особенности
восприятия формы, фактуры, цвета, познакомиться с оптикой,
цветоведением, физиологией. Время, когда художник мог рассчитывать только на интуицию и личный опыт, как считали руководители «Баухауза», ушло безвозвратно: студент формировался как всесторонне развитая творческая личность.
Прогрессивность «Баухауза», передовые взгляды его про-
фессуры вызывали недовольство
местных властей. В 1930 годы
Майер отстраняется от руководства институтом. Во главе «Баухауза» становится замечательный архитектор Мис ван дер Роэ,
-
31
но существовать «Баухаузу» остается недолго. Сразу после прихода нацистов к власти в 1933 году он ликвидируется. Большинство руководителей «Баухауза», в том числе Гропиус, навсегда
уезжают из страны.
Значение «Баухауза» трудно переоценить. Он не только был
примером организации обучения дизайнеров, но и подлинной
научной лабораторией архитектуры и художественного конструирования дизайнерского
искусства. Методические разработки в области художественного восприятия, формообразования и цветоведения легли в основу многих теоретических трудов и не потеряли до сих пор своей научной ценности.
Впервые за всю историю архитектуры в «Баухаузе» был
поставлен на первое место вопрос об организации внутреннего пространства гостиниц. Методы дизайна предъявили
революционные требования к стилевым решениям в меблировке и
организации гостиничного пространства. Дизайн как вид художественного конструирования воплотился в нескольких направлениях: в архитектурном, промышленном (дизайн техники, мебели), интерьерном, фотодизайне.
Было введено пять качественных показателей: функцио-
нальность, совершенство, удобство, красота, качество.
Выдающиеся европейские дизайнеры стремились созда-
вать неповторимые интерьеры
холлов, номеров гостиниц в разных стилевых решениях. Таким образом, постепенно происходило становление дизайнерских стилей.
Во Франции в 1924–1930 годы возникло течение сюрреа-
лизм, основными чертами которого были образы из сновидений и свободное сочетание неожиданных предметов. Это движение появилось на нигилистических идеалах дадаизма (отсутствие определяющих характеристик), на
смену которому оно
пришло. Примерами сюрреализма в дизайне стали рекламные
плакаты английских художников 1930-х годов. Дизайнерские
работы Сальвадора Дали, например, его диван в форме губ, соз-
давали новые представления о том, какими должны быть искусство и дизайн, зачастую стирая грань между ними.
В 1920–1930-е годы огромную популярность в Европе имел
ар-деко, подлинный расцвет которого состоялся в США под на-
32
званием «американский модерн». Дизайнеры этого стиля широ-
ко использовали броские геометрические формы и гладкие поверхности из хрома и алюминия. Наиболее показательными образцами этого стиля являются произведения американского дизайнера интерьеров и мебели Дональда Дескея.
Американский модерн был декоративным стилем, в котором механическая эстетика использовалась для того, чтобы
подчеркнуть функции объекта. Механистические мотивы использовались и в орнаментации. В архитектуре американский
стиль модерн использовался по большей части для небоскребов
(в том числе и гостиниц) – выглядевших как «провозвестники
механистического будущего».
Американский модерн славился своей приверженностью
ко всему новому – от материалов до технологий. Благодаря ему
известными стали феноловые смолы и
бакелит. Кирпичные здания покрывались слоем бетона или гипса, чтобы поверхности
их стен походили на металлические. Поскольку океанский лайнер считался воплощением современности, не было ничего удивительного в том, что такие здания по форме напоминали корабли. Большинство дизайнеров стиля модерн работало по заказам богатых клиентов, поэтому вскоре
он стал символом американской мечты. Многие характеристики американского модерна впоследствии вновь проявились в постмодернизме.
В СССР конструктивисты Татлин, Родченко, Степанова и
Попова продолжали работать над дизайном керамики, мебели,
тканей и интерьеров до тех пор, пока в 1932 году Сталин не поставил этот стиль вне закона, объявив соцреализм единственной
допустимой формой искусства.
3.3. Характеристики дизайна середины ХХ – начала
ХХI вв. (неореализм, постмодернизм, хай-тек)
После Второй мировой войны строительство домов-башен
высотой до 30-ти этажей как в сочетании с невысокой застройкой протяженными корпусами, так и группами, стало распространенным приемом, в том числе и в отечественной практике.
В Москве
в 50-х годах ХХ века было построено два высотных
33
здания гостиниц «Ленинградская» (арх. Л.Н. Поляков и А.Б. Борецкий) и «Украина» (арх. А.Г. Мордвинов). Это были сооружения со сложным объемом и силуэтом. В интерьере обеих гостиниц были использованы мозаичные панно на стенах главного вестибюля, на потолках в большом количестве преобладала
лепнина (розетки, сложные карнизы
), лестницы были сделаны
в мраморе, применены инкрустированные паркетные полы, богатая осветительная арматура (торшеры, хрустальные люстры
и т.д.).
В современной архитектуре продолжается тенденция создания крупных высотных зданий, в том числе и гостиниц. Практически ни одно здание не обходится без светопрозрачных конструкций из алюминия. Окна, двери, вестибюли,
зимние сады
с применением цветных или полупрозрачных витражей являются неотъемлемой частью гостиниц. Современная дизайнерская мысль в архитектуре предусматривает многообразие форм,
сложную геометрию свето-прозрачных конструкций. Благодаря
легкости, прочности, долговечности и устойчивости к циклическим нагрузкам алюминий – оптимальный материал для изготовления окон, дверей, фасадов, атриумных конструкций и зимних
садов.
В 1950-х годах в Швейцарии и Германии возникло направление дизайна, получившее название «швейцарская школа»,
или – более соответствующее – «международный типографический стиль в рекламе». Оно просуществовало более 20 лет, привлекло к себе внимание всего мира и до сих пор оказывает влияние на развитие дизайна.
Для этого стиля были
характерны визуальное единство в
дизайне, которое достигалось асимметричной организацией отдельных элементов внутри решетки, выстроенной с математической точностью, использование реалистической фотографии
и представление визуальной и вербальной информации в простой, познавательной манере. Достижение ясности и порядка
было главной целью сторонников швейцарской школы. Решетки позволяли гармонично структурировать информацию. Корнями
это движение уходило в Баухауз.
34
В США и Великобритании возник стиль поп-арт (сокращенный вариант словосочетания «популярное искусство» –
popular art) как реакция на абстрактную живопись, которую сторонники поп-арта считали слишком сложной и элитарной. Сторонники этого стиля открыто оспаривали принципы «хорошего дизайна», отрицая модерн и его ценности и заменяя их своими – разнообразием
, весельем, бунтарством, создавая недолговечные, одноразовые вещи. Вдохновленные «низким искусством» – рекламой, упаковкой и пр. – художники, в частности
Энди Уорхол и Дэвид Хокни, перенесли ценности масс культуры в дизайн интерьеров, обоев, настенную и плакатную живопись, открывая для себя новый мир, полный веселья и свободы.
Излюбленным материалом дизайнеров стал
пластик, изделия из которого – ярких цветов и броских форм – пришлись по
вкусу молодежи. В результате в дешевых отелях появились мебель и товары низкого качества. Основной упор в промышленности делался на массовое потребление, а не на производство
дорогих и долговечных вещей – в противовес стилю модерн.
Однако сам поп-арт
просуществовал недолго, но сторонники
его оказали огромное влияние на мир искусства и дизайна.
Во второй половине 1960-х годов, после мебельной выставки в Милане (1966 год), организованной Этторе Сотсассом,
мощным течением в дизайне был радикальный дизайн, или антидизайн. Отвергая формалистические ценности итальянского
неомодернизма, последователи этого движения стремились обновить культурную
и политическую роль дизайна, и считали,
что изначальные цели модерна к тому времени превратились в
примитивный маркетинговый инструмент.
Они оспаривали традиции «хорошего дизайна» и использовали все методы, которые критиковали модернисты. Антидизайну были свойственны непрактичность, ироничность, китч,
использование насыщенных цветов, нарушение пропорций –
таким образом, ставились под сомнение концепции «хорошего
дизайна
» и функциональные свойства объектов.
Одновременно с этим стилем в архитектуре и дизайне появился термин «минимализм». Его характерными чертами являлось: сокращение выразительных средств, широкое использо-
35
вание незаполненных пространств, абсолютная простота и чистота линий – наглядным примером служат работы Джона Паусона. Его архитектурные концепции строятся на свойствах пространства, света и материалов, он отвергает манерность в стилистике объектов.
В связи с нефтяным кризисом начала 1970-х годов возник-
ла необходимость в более рациональном подходе к дизайну
, и
поп-арт уступил место возрождению ремесел.
В последней трети ХХ в. стали появляться многофункциональные комплексы в крупных центрах городов, совмещенные
с офисами, отелями, вокзалами и остановочными пунктами городского транспорта, а иногда и с культовыми учреждениями.
Эти комплексы включали в себя здания с помещениями для различных целей (
торговля, досуг, рекреация, управление и т.д.)
или трансформируемые с этой целью.
В 1980-е годы антидизайн с его лозунгом «декоративность
ради декоративности» превратился в движение, получившее
международное признание – постмодернизм. Общепринятого определения оно не получило. Однако многие философы
склонны считать сущностью постмодернизма плюрализм, возможный при распаде единства стилей и принятый
позитивно,
как раскрепощение, допускающее множественность форм языковых игр.
Выставка архитектуры постмодернизма на венецианском
Биеннале в 1980 году под девизом «Присутствие прошлого» показала новые версии историзма. Американцы Р. Вентури, Ч. Мур, Р. Стерн, австриец Х. Холляйн развивали линию
ироничного гротеска. Основная часть европейцев, намечая линии дальнейшего развития поп-
арта, тяготела к возрождению
культурной преемственности – испанец Р. Бофилл, итальянцы
А. Росси и П. Портогези, люксембуржец Л. Крир.
Постмодернизм был перенесен на крупные престижные
объекты. Начало положил американец Ф. Джонсон. Для небоскреба АТТ в Нью-Йорке (1978–1983 гг.) он использовал традиционное тройственное расчленение объема, массивную облицовку из розового гранита
, обобщенные «классические» очер-
тания завершения и портала.
36
Башне «Плейст-гласс» в Питсбурге (1984–1985 гг.) Джонсон придал неоготические очертания, но традиционная каменная форма воспроизведена в эфемерности стеклянных поверхностей.
Монументальная символика возрождаемого неоклассицизма выражена Р. Бофиллом в 1980-е годы во Франции, где зодчий соорудил несколько крупных комплексов, проведя популистскую идею «дворцов для всех» с колоннами
– стеклянными
цилиндрами или колоннами – комнатами.
Антирационалистический подход царил в дизайне в декадентские 1980-е годы. Внутри него образовалось множество
направлений, включая деконструктивизм, хай-тек и постиндустриализм.
Внедрение в архитектуру и дизайн стиля хай-тек (англ.
high-tech, ироничное сопряжение искусствоведческого, «высокий стиль», и technology, техника) произошло в 1970–1980 годы.
Хай-
тек ввел в круг формообразующих элементов архитектуры скрытые обычно системы инженерного обеспечения здания,
придавая им нарочито драматизированную форму, определяемую не столько технической целесообразностью, сколько образным смыслом.
В хай-теке есть элемент игры, мистификации, иронизирующей над преклонением перед всемогуществом современной
техники. Небоскреб Гонконгского и Шанхайского здания в Гон
конге (построен в 1979–1986 годах архитектором Н. Фостером) высотой 47 этажей имеет вынесенный наружу скелет. Его
мачты-колонны соединены четырьмя поясами ферм, к которым
подвешены этажи; здание имеет лифты и лестницы, вынесенные на торцы, и нерасчлененную поверхность этажей; барочная зрелищность отличает 50-метровый высоты холл, объединяющий нижнюю зону.
Хай-
тек создает особенно впечатляющие эффекты в подобных громадных пространствах. Его приемы использовались в
интерьерах атриумов сверхсооружений – общественных центров, гостиниц, офисов. Тема получила интригующую сложную
разработку в здании центра штата Иллинойс в Чикаго, основу
геометрии которого образует четверть гигантского усеченно-
-
37
го конуса; через все 16 этажей проходит пространство атриума. Хай-тек галерей, лестниц и лифтов приобрел «пиранезианский» масштаб. В отелях Калифорнии мебель в стиле хай-тек
сделана из асбоцементных труб.
В Великобритании вслед за массовым производством воз-
никло одно из постмодернистских течений – постиндустри-
ализм. В дизайне возникновение этого стиля означало
пере-
ход от массового производства к выпуску серий товаров для
конкретной, заранее определенной целевой аудитории, а также уникальных изделий. Освободившись от необходимости думать о промышленном выпуске своих изделий, дизайнеры стали использовать в работе абсолютно новый подход, допускающий полную творческую свободу.
Первыми дизайнерами постиндустриализма стали Рон
Арад
и Том Диксон. Примером такого изделия является стереосистема «Арада» из бетона (1984 год). Том Диксон создавал
проекты сварной мебели (кресло-пилон, или кресло S), в дизайне которых заметны индустриальные мотивы, выпускаемые в
ограниченном количестве экземпляров.
Дизайнеры постмодернизма преуспели в создании нового
постмодернистского языка в дизайне, который противопоставляли традициям стиля модерн
. Постмодернизм, с его тягой к
экспериментированию и искрометной иронией, а также с концепцией «полезных предметов искусства», стал абсолютно новым подходом и жанром дизайнерской практики.
Постмодернисты выступали за слияние изящных искусств
и массовой культуры, элитарного и популярного искусства.
Использова-ние цвета, декоративных элементов, текстур, заимствование из других стилей
и эксцентрические элементы, свойственные работам Этторе Соттсасса, группам «Мемфис» и “Stu-
dio Alchimia”, – быстро стали характерными и для движения
постмодернизма в целом. В дизайне доминировали яркие, броские изделия, ограниченными партиями выпускались керамика,
текстиль, мебель, лампы и пр. Группа «Мемфис», стиль которой
часто называли «фруктовым салатом», производила предметы
мебели и небольшие
дизайнерские объекты с ярко выраженны-
ми приметами постмодернизма.
38
В архитектуре примером эстетики постмодернизма может
считаться нью-йоркское здание компании «AT&T», построенное Филиппом Джонсоном (1978–1983 гг.). Оно шокирова-
ло архитектурную общественность и своей декоративностью,
и использованием мотивов из «низшего» в дизайнерской иерархии мебельного производства. Основание этого, в остальном непримечательного небоскреба в интернациональном стиле выполнено в стиле барокко. Подобное
использование визуальных элементов вне их привычного контекста – одна из тактик деконструктивизма, направления, возникшего в литературе, а затем в 1970–1980 годах перекочевавшего в изобразительное искусство.
В конце 1970-х – начале 1980-х годов швейцарская школа начала утрачивать свое влияние. Если модернисты отрицали исторические стили и орнаментацию, дизайнеры постмодернизма именно за их счет расширяли свои творческие возможности.
Стиль деконструктивизм, возникший в 1980-х годах, от-
носился в основном к архитектуре и дизайну интерьеров. Для
этого стиля характерны ломаные формы и перекрывающиеся
поверхности – по контрасту с логикой и порядком, что свойственно модерну. Представители этого стиля стали участниками выставки
нью-йоркского Музея современного искусства в
1988 году. Среди них были архитекторы: Питер Эйзенман, Заха
Хадид, Фрэнк Гери, Бернар Чуми. Устроитель выставки Филип Джонсон тщательно подбирал для нее экспонаты с характерными геометрическими узорами, неровными поверхностями, осколками стекла и металла – все эти элементы вскоре перекочевали из архитектуры в
графический дизайн, где сниска-
ли большой успех.
Однако к началу 1990-х годов, в момент экономического
спада, дизайнеры вновь обратили взоры к более рациональному подходу. Постмодернистская эстетика по-прежнему присутствует в искусстве, а мы снова и снова возвращаемся к вопросу
о том, что же в дизайне является главным.
39
Россия. г. Москва. Гостиница «Савой».
Фрагмент фасада
Россия. г. Москва. Гостиница «Савой».
Фасад здания гостиницы
40
Соседние файлы в предмете [НЕСОРТИРОВАННОЕ]