30. Дизайн в эпоху постмодернизма.

В постиндустриальном обществе 80-х была окончательно разрушена господствовшая до этого доктрина современного движения «форма следует за функцией». На смену функциональному диктату модерна («современного движения») пришли поп культура и различные течения радикального дизайна, подготовив почву для появления нового стиля – постмодерн. В художественном

Корни постмодерна берут свое начало в поп-культуре и радикальных течениях дизайна. Само понятие «постмодерн» в архитектурной теории начало употребляться с начала 70-х. В 1966г. в США вышла книга Роберта Вентури « Сложность и противоречия в архитектуре», она стала называться «библией постмодернизма». В более широком смысле это понятие начало применяться после издания книги Чарльза Дженкса «Язык архитектуры постмодерна».

В Италии представителями постмодерна являлись миланские группы «Алхимия» и «Мемфис». В их работах прослеживаются исторические формы, популярная культурная линия, встречаются эклектические мотивы. «Мемфис» понятию «постмодерн» предпочитал название «новый интернациональный стиль». «Мемфис» был основан в 1981г. ( основатели Эторе Соттсас, Андре Бранзи и Мекеле де Луки) как отделение студии «Алхимия». В своем творчестве он ориентировался на будничность жизни. Из повседневности был позаимствован декор: комиксы, фильмы, движение панков или китч. Все это представлялось кричаще пестро, наигранно, образно и шутливо. Утилитарные качества предметов зачастую отодвигались на второй план. Стекло, сталь, алюминий, ламинат стали применяться в новых смысловых комбинациях. Использовались коллажи в которых на первый план выдвигалась декоративность и принцип хаоса. В своей деятельности «Мемфис» использовал новые знания в области социологии и маркетинга, стремясь снабжать рынок адресно, с ориентацией на определенные социальные группы и структуры, с учетом их традиций и характера взаимоотношений. Популярность работ группы стали толчком для развития в 80-е г. «нового дизайна».

В разное время в «Мемфисе» работали известные архитекторы и дизайнеры из различных стран: Матео Тун, Майкл Грайфс, Арата Исозаки, Широ Курамата, Джавье Марискал.

Альдо Росси – известный итальянский архитектор, дизайнер, теоретик, один из лидеров постмодерна. К его наиболее крупным произведениям относяться театральные постройки в Генуе и Торонто, проекты предметов домашней утвари для фирмы «Алесси». Он концептуально осмысливал архитектурные формы и получаемые абстракции переносил на свои промышленные объекты.

Майкл Грейвс – архитектор и дизайнер – ведущий мастер американского постмодерна. Получил известность своими игривыми проектами для итальянской группы «Мемфис». Его чайник со свистком в виде птицы стал любимым для полумиллиона пользователей, а так же ознаменовал переход шутливого поп -дизайна в жилище.

Широ Курамата – величайший дизайнер Японии. «поэт креативной пустоты», который изучил западный модернизм Баухауза вместе с сюрреалистическими и минималистическими элементами и соединил их в восточной философии. Через игру формы он стремился достичь ее функциональности. Ключом его формообразования является прозрачность и легкость. Своим творчеством Курамата перевел обыденные индустриальные материалы в разряд поэтических объектов.

Штефан Веверка – немецкий дизайнер, художник и архитектор. Его проекты отличаются модернисткой направленностью и высоким функционализмом. Обращается к проектированию комбинированной мебели, которая позволяет трансформировать и расширять функции затесненного пространства. Ему принадлежит идея кухни, которая подобно дереву, «осваивает» пространство. В 1985г. появляется его «Цела» - шкаф и кровать рабочая плоскость и книжная полка в одном компактном блоке. Вершиной его поисков является «остров для сидения» - сооруженный из плоских геометрических форм в стеклянном павильоне выставки «Документа -8».

Филип Старк родился 18 января 1949 года. Французский дизайнер, архитектор, несмнено является одним из лидеров современного дизайна. В 1968 году в 18 лет, Филипп Старк проявил себя как самостоятельная личность, основал свое первое проектное бюро, где занимался надувными рекламными инсталляциями. Начав в 70-е годы свое творчество с надувного дома, он сразу весьма тут же заявил тем самым о себе как о новаторе. С 1969 года работает в тесном сотрудничестве с Пьером Карденом, прежде чем обратиться в 1975 году к независимому творчеству дизайна интерьера и промышленного дизайна. В 1984 году начал работать с компанией Baleri Italia в сфере предметного дизайна. В следующие четверть века он сотрудничал с подавляющим большинством известных производителей мебели, ванных, аксессуаров и декора. Его работы демонстрируются в постоянных коллекциях Музея декоративного искусства в Париже и Музея дизайна (Design Museum) в Лондоне. Старк больше занят серийным выпуском товаров широкого потребления со скромным дизайном, чем созданием уникальных вещей Как архитектор Филипп Старк прославился своими сооружениями в Японии: по его проектам построены здание "Пламя" (общественно-культурный центр и бар-ресторан, 1989) и офис "Нани-Нани" для фирмы "Рику-го" в Токио (1990), офис "Зеленый барон" для компании "Мэйсэй" в Осаке (1991). Он проектирует частные дома, здания промышленных предприятий в Европе и Америке. В Париже по его проекту строится "улица Старка" - ансамбль жилых и общественных зданий, занявший территорию одного из островов на Сене (1991). Вещи Старка узнаваемы, любимы и притягательны. При том, что Филипп Старк постмодернист, приемлющий, любые разнородные стили и отрицающий впринципе такое понятие как "стиль", является носителем яркого собственного стиля: взглянув на спроектированную им вещь, сразу навевает, да это он - Старк...

Доминирующие черты его дизайна - супертехнологизм как говорят люди дизайнерски подкованный хай-тэк - точность аналитического расчета, изобретательность, остроумие, крик конструктивных решений, склонность к эффектам зрелищным и бросским, а так же ироничность. В самых различных произведениях кажется, руководствуется он принципами прямо разносторонними. Его идеи экономии материалов воплощенные во многих проектах как минимализация вещной среды (например идея о том что четвертая ножка сиденья как бы является лишней и поэтому нередко убирается как "ненужное излишество") явно противоречат чрезмерности, превосходящей любые разумные потребности, взывающей к роскоши мегаинтерьеров созданным им его ресторанов и отелей, там где туалеты великолепием отделки и разнеживающим комфортом соперничают с парадными холлами.

Дизайн в Японии. Дизайн начал стремительно развиваться в Японии после второй мировой войны. XX в. создал множество новых вещей, которым надо было найти адекватную внешнюю форму. Красота, естественно вырастающая из целесообразности, стала основой общемирового взгляда на современный дизайн. Закономерно, что Япония стала одним из мировых лидеров в этой сфере. Развитие дизайна в послевоенной Японии происходило на фоне общего стремительного роста промышленного производства, в результате которого Япония превратилась в страну высокоразвитой индустрии. Действительно, в формировании предметного мира японцы с древнейших времен придерживались концепции, основу которой составляют функциональность, лаконизм, сдержанность и чистота форм. Самым главным источником вдохновения по-прежнему остается природа. Предпочтение отдается тому направлению дизайна, в котором человеческое сознание проявляется через образы природы.

Японский автомобильный дизайн, начавшись с принципиальной ориентации на отсутствие всякого дизайна, незаметно совершил переворот в наших умах. То, что когда-то казалось «техногенным обмылком», в конечном счете сформировало идею автомобиля наших дней.

Можно сказать, что современной бытовой и электронной техникой, машинами и оборудованием, интерьерами жилых домов и офисов, а также многим-многим другим мир обязан дизайну Японии.

В результате, начала взаимодействия с другими культурами Япония стала многое заимствовать у Запада, который, впоследствии, сильно изменил всю японскую культуру. Один из старейших дизайнеров Японии К.Акаси относит зарождение дизайнерского движения в стране к 1901 г., когда в Токийском высшем политехническом училище было открыто отделение промышленного проектирования. В 1936 году было впервые создано японское художественно-промышленное общество. Затем, в 1952 году, 25 специалистов в области дизайна основали «Japan Industrial Designers' Association», которая до сих пор остается единственной профессиональной организацией промышленных дизайнеров в Японии. Повышенный функционализм, осознанное применение каждой детали и минимальное использование материалов стали залогом успеха японского дизайна в как в 20-ом, так и 21-ом веке.

Кинетизм.  — движение, приводящий в движение) — направление в современном искусстве, обыгрывающее эффекты реального движения всего произведения или отдельных его составляющих. Кинетизм основывается на представлении о том, что с помощью света и движения можно создать произведение искусства. Объекты представляют собой движущиеся установки, производящие при перемещении интересные сочетания света и тени, иногда звучащие. Эти тщательно сконструированные устройства из металла, стекла или других материалов, соединённые с мигающими световыми устройствами, получили название «мобилей».

Кинетическое искусство зародилось в 20-30-х гг. ХХ в., его представители хотели преодолеть традиционную статичность скульптуры, вписать её в окружающую среду. Опыты создания динамической пластики встречаются в футуризме, дадаизме, Баухаузе и русском конструктивизме. Окончательно течение оформилось в 60-е гг. в творчестве французского художника Николя Шеффера. Приёмы кинетического искусства нашли широкое применение в организации различных выставок, шоу, в оформлении парков и площадей. Элементы кинетизма издревле существовали в виде разного рода ручных или механических трюков, оживлявших скульптуру, архитектуру, прикладные искусства (движущиеся фигуры часов и т. д.), в особенности в театральной сценографии. Ярким примером русского кинетического искусства считают всемирно известный проект Владимира Евграфовича Татлина (1885–1953) – «Памятник III Интернационала» (1919–1920) Концептуализм (от лат. conceptus — мысль, представление) — литературно-художественное направление постмодернизма, оформившееся в конце 60-х — начале 70-х годов ХХ века в Америке и Европе.В концептуализме концепция произведения важнее его физического выражения, цель искусства — в передаче идеи. Концептуальные объекты могут существовать в виде фраз, текстов, схем, графиков, чертежей, фотографий, аудио- и видео- материалов. Объектом искусства может стать любой предмет, явление, процесс, поскольку концептуальное искусство представляет собой чистый художественный жест. Концептуальное искусство оформилось как движение на протяжении 1960-х. В 1970 состоялась первая выставка концептуального искусства Концептуальное искусство и концептуальные художники, которая была проведена в Нью-Йоркском культурном центре.

Примеры:

1960 — Акция Ива Клейна, названная «Прыжок в пустоту» («A Leap Into The Void»), во время которой он прыгнул из окна.

1960 — Художник Stanley Brouwn заявил, что все обувные магазины Амстердама составляют выставку его работ. В Ванкувере Иан и Ингрид Бакстер выставили содержимое четырёхкомнатной квартиры, упакованное в пластиковые пакеты.