24. Роль новаторской художественной школы в развитии советского дизайна (вхуемас, вхутеин).

После 1917г. в Советской России была осуществлена реорганизация всей системы художественного образования. Во многих городах были созданы учебные заведения нового типа – свободные государственные художественные мастерские( СГХМ). Основной идеей их создания был отход от академических методов обучения, введение новой системы организации индивидуальных мастерских. На основе Строгановского художественно – промышленного училища и Училища живописи ваяния и зодчества были созданы Первые и Вторые СГХМ, которые в 1920 г., были слиты во ВХУТЕМАС (Высшие художественно-технические мастерские) — московское учебное заведение, созданное в 1920 году в Москве путём объединения первых и вторых Государственных свободных художественных мастерских (образованных ранее на основе Строгановского художественно-промышленного училища и Московского училища живописи, ваяния и зодчества). Включал факультеты: художественные (живописный, скульптурный, архитектурный) и производственные (полиграфический, текстильный, керамический, деревообделочный и металлообрабатывающий). Практически В. готовил в основном художников-станковистов и архитекторов. Одновременно перед производственными факультетами была поставлена задача подготовки художников нового типа, способных работать не только в традиционных видах искусств пластических, но и в создании всей предметной среды, окружающей человека (предметы быта, орудия труда и пр. В 1926-1927 ВХУТЕМАС был реорганизован во ВХУТЕИН. ВХУТЕИН - Высший государственный художественно-технический институт. Учрежден в Москве в 1926-27 на базе ВХУТЕМАСа. Состоял из основного (общеобразовательного) отделения и факультетов: архитектурного, скульптурного, живописного, полиграфического, деревоотделочного, металлообрабатывающего и текстильного. Постановка общего и профессионального художественного образования во ВХУТЕИНе была значительно улучшена по сравнению с ВХУТЕМАСом. ВХУТЕИН в 1930 году разделился на несколько самостоятельных институтов:

• Архитектурный (ныне МАрхИ)

• Художественный (ныне Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова)

• Полиграфический (ныне Полиграфический институт)

Текстильный (ныне Московский государственный текстильный университет им. А. Н. Косыгина)

25. Художественный авангард в России

Авангард — одно из направлений модернизма в России в 1900-1930 гг., рассвет которого пришелся на 1914–1922 гг.

Основными направлениями русского авангарда были:

• Абстракционизм, Василий Кандинский

• Супрематизм, Казимир Малевич

• Конструктивизм, Владимир Татлин

• Кубофутуризм (Кубизм, Футуризм), Владимир Маяковский

Абстракционизм (лат. abstractio — удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. В живописи России XX века главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (работавший в Германии, где и создал первые абстрактные композиции). Нонфигуративное искусство, течение в искусстве многих, главным образом капиталистических, стран, принципиально отказавшееся от каких-либо признаков изображения реальных предметов в живописи, скульптуре и графике. Полностью порывает с общественными и познавательными задачами художественного творчества, заменяет их выражением неких "очищенных от реальности" духовных сущностей, чисто субъективных эмоций.

Супрематизм (от лат. supremus — наивысший) — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х гг. К. С. Малевичем. Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции. Цель супрематизма — выражение реальности в простых формах (прямая, квадрат, треугольник, круг), которые лежат в основе всех других форм физического мира. Стиль оказал большое влияние на конструктивизм, производственное искусство. Сам Малевич и его ученики (Н. М. Суетин, И. Г. Чашник и др.) неоднократно переводили супрематическую стилистику в архитектурные проекты, дизайн предметов быта (в особенности художественного фарфора), оформление выставок.

Конструктивизм известен также как советский конструктивизм. Возник в России после революции 1917 года. Русские конструктивисты считали что искусство и дизайн должны подчиняться производственному процессу. Они использовали геометрически точные, почти математические методы работы. Основные формы — прямоугольники, квадраты и круги. С помощью них они воспевали превосходство машин над природой. Из-за нестабильной экономической и политической ситуации в стране конструктивисты не могли воплощать в жизнь крупномасштабные проекты, они работали над плакатами, книгами, керамикой. Основные черты конструктивизма — плоскостные линейные формы, динамика, подвижные элементы, минимализация пространства, использование стекла, стали, пластика. Конструктивисты утверждали что художник — это рабочий, чьей обязанностью является создание новых, функциональных объектов. Яркие представители Родченко, варвара Степанова,Владимир Татлин.

Кубофутуризм — специфич. направление в рус. живописи 1-й пол. 1910-х гг. Представляет собой сочетание приемов франц. кубизма (геометризация и расчленение реального объема, сдвиг формы). По внешнему виду кубофутуристические работы перекликаются с созданными в то же время композициями Ф.Леже и представляют собой полупредметные композиции, составленные из цилиндро-, конусо-, колбо-, кожухообразных полых объемных цветных форм, нередко имеющих металлический блеск. Уже в первых подобных работах Малевича заметна тенденция к переходу от природного ритма к чисто механическим ритмам машинного мира («Плотник», 1912, «Точильщик», 1912, «Портрет Клюна», 1913). 26. 30-е г. 20 в. в Европейском дизайне (стримлайн, ар-деко) и особенности советского дизайна в предвоенный период.

Ар Деко зародился во франции в 1920-х годах. Основные черты — геометрические ступенчатые формы, яркие цвета, четкие края, скругленные углы, дорогостоящие материалы : эмаль, слоновая кость, бронза, камень кожа. Стиль воспевал путешествия, скорость, роскош. Влияние египетского и ацтекского искусства, ткани с мотивами шкур животных. Ориентировался стиль в первую очередь на рынок предметов роскоши, он охватил все сферы дизайна. Использовались повторяющиеся и перекрывающие геометрические узоры, цветные изображения, зигзагообразные рисунки. В США для стиля были характерны роскош, полет воображения. Классическими примерами архитектуры Ар Деко были Крайслер билдинг и Эмпайер стейт билдинг. Этот стиль был стилем дорогих лайнеров и голивудских интерьеров. Ар-деко незаметно исчез после подъема массового производства, когда к нему стали относится как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному.

Стримлайн или аэростиль. Американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия. Сторонники этого стиля выступали за единство и целостность форм. В основном это относилось к дизайну самолетов, автомобилей и поездов. Наиболее выгодной с точки зрения скорости была яйцевидная и каплевидная обтекаемая форма. К концу 1930 обтекаемые формы уже использовались не из соображений функциональности - теперь они несли эстетическую нагрузку.Излюбленным материалов дизайнеров был Бакелит — пластический материал, хорошо поддающийся твердению. Ежегодное изменение в стилистике объектов приводило к тому что они быстро выходили из моды.Таким образом формировалась мода на обтекаемую форму во всех областях потребления. Созданная мода на обтекаемые формы помогла производителям повысить конкурентноспособность своих товаров, а ежегодное обновление внешнего вида изделий помогло увеличить эстетический срок службы продукции, а также объемы продаж. Народившийся стиль отражал всеобщее стремление к прогрессу. Новый стиль времен Большой депрессии быстро распространился на все - точилки для карандашей, домашние вентиляторы, фасады магазинов, бензозаправочные колонки. По словам дизайнера Раймонда Лоуи, "этот стиль, устраняя все лишнее, символизирует простоту и отвечает подсознательному стремлению человека к гармонии и упорядоченности". В 1934 году обтекаемая форма холодильника "СоМзрог." для фирмы "Зеагз" стала первым примером бытовой техники в США, отмеченным за его внешний вид, а не за эксплуатационные качества. Стиль был первым использовавшим электрический свет в архитектурных сооружениях, использовалось внутренне освещенных архитектурного стекла. В стиле счезла характерное для ар-деко ненужное украшение. Острые углы были заменены на простые, аэродинамические кривые. Экзотические леса и камни были заменены на цемент и стекло.

Реймонд Лоуи — мастер промышленного дизайна, автор логотипов, промышленных образцов и почтовых марок.Лоуи получил во Франции инженерное образование, в студенческие годы занимался авиамоделизмом. Он нашёл работу художника-иллюстратора в журналах мод, рисовал рекламу для нью-йоркских магазинов. Во второй половине 1920-х годов Лоуи был главным дизайнером в General Electric, но в самом начале Великой депрессии 1929 года ушёл в самостоятельный бизнес. Первый заказ пришёл от производителя типографского оборудования, пожелавшего «упаковать» свои машины в современную по тем временам оболочку. В 1932 году пришёл настоящий успех — заказ Sears на дизайн холодильника Coldspot. Холодильник, спроектированный Лоуи и Германом Прайсом, разошёлся по стране тиражом в 210 000 штук. В нём, по идее Лоуи, были впервые применены нержавеющие полки из алюминия. После войны Лоуи выполнил дизайн тепловозов c «акульей мордой», маневровых тепловозов и электровозов, разрабатывал схемы окраски и интерьеры для пассажирских поездов. В 1932 году Лоуи обратился к дизайну автомобилей для фирмы Hupmobile. Лоуи стал главным дизайнером сельхозтехники International Harvester, создав линию проектов, продержавшихся на конвейере почти четверть века.

Советский дизайн. Первое десятилетие существования Советского государства оставило нам богатое своими достижениями и противоречиями творческое наследие. Вопрос о создании предметной среды, отвечающей новым социальным идеалам, и внедрении художественного творчества в производство был поставлен в общегосударственном масштабе уже в 1918 году. Вскоре был поставлен вопрос и о подготовке специальных художников с техническим уклоном.В1920 году были созданы Московские государственные высшие художественно-технические мастерские (сокращенно ВХУТЕМАС). Это должно было быть специальное высшее учебное заведение, имеющее целью подготовку «художников-мастеров высшей квалификации для промышленности». Несмотря на искреннее желание включиться в производственную жизнь и принести народу конкретную пользу, они стояли очень далеко от реальных задач производства того времени. Они считали, что старую культуру надо полностью разрушить и на её развалинах построить совершенно новую, коллективистскую культуру всемирной коммуны. Одними из наиболее интересных представителей этого нового течения в искусстве были В. Татлин, А. Родченко, Л. Попова. В. Татлин Ещё до революции, в середине 1910-х годов, он возглавил новое течение в искусстве, получившее название «конструктивизм». Главная идея этого течения — создание искусства будущего — завтрашнего и даже послезавтрашнего дня. От многочисленных экспериментов с отвлечёнными пространственно-конструктивными формами он постепенно перешел к конструированию реальных вещей. С увлечением работал он в области агитплаката и рекламы вместе с Маяковским. Дизайнерские разработки Родченко показывают, что он уделял большое внимание вопросам художественного формообразования, которое рассматривал в тесной связи с социально-этической ролью вещи в новом обществе. В 1925 году он разработал комплексное оборудование для рабочего клуба. Простота форм была здесь как бы новым эстетическим идеалом, противопоставлявшимся буржуазной роскоши. Параллельно художникам-«производственникам» работали производственники в полном смысле этого слова инженеры-конструкторы, которые в той или иной мере решали реальные вопросы проектирования вещей. Это было как бы другое течение, которое впоследствии вылилось в советский дизайн. Позднее, в тридцатых годах, наметились заметные сдвиги в области нарастающего дизайнерского проектирования, перестройка его в расчете на массовое производство. Наиболее заметно это было в тех областях, в которых технический уровень был относительно высоким. К таким областям в первую очередь относились железные дороги, бывшие и до революции одними из лучших в мире. Были созданы новые типы паровозов, тепловозов, электровозов. Особенно значительным событием в развитии советского дизайна было создание прославленного Московского метрополитена, который с самого начала его проектирования и сооружения мыслился как целостный архитектурно-транспортный комплекс. Архитекторы тут практически превратились в дизайнеров, решая не только архитектуру станций, но и архитектуру вагонов, и шрифт надписей, и форму эскалаторов, и местоположение проектируемых станций, и их увязку с наземным транспортом.

27. Дизайн послевоенной эпохи в Европе ( органический дизайн, Ульмская школа и неофункционализм. Стиль «Оливетти»).

Ульмская школа была новой передовой школой для дизайнеров, которая заменила Баухауз после второй мировой войны. Основана в 1951 году. Её первым директором стал Макс Билл, получивший дизайнерское образование в Баухаузе. Он придерживался концепции чистого, функционального дизайна на протяжении тех пяти лет, пока был директором в Ульме. В течение второй половины 50-х годов эта концепция получила теоретическое обоснование. К этому времени директором Ульмской школы стал аргентинец Томас Мальдонадо. Так называемая ульмская концепция дизайна, имевшая принципиально антикоммерческую направленность и привлекавшая внимание к социально-гуманистическим аспектам оформления предметной среды, оказала глубокое воздействие на деятельность мастеров художественного конструирования 1960—70-х гг.

Стиль«Оливетти». Olivetti — итальянская компания, производитель пишущих машинок, компьютеров, принтеров и других машин для решения коммерческих задач. Olivetti прославилась вниманием, уделявшимся дизайну - предубеждения в области дизайна развились в полноценную корпоративную философию, охватывавшую всё: от формы клавиши пробела до цветовой гаммы рекламного плаката. Камилло Оливетти в 1912 году писал: "Эстетическая сторона конструктивного решения машинки также требует особого внимания... Пишущая машинка не должна быть оформлена в сомнительном вкусе. Она должна иметь внешность одновременно серьезную и элегантную".

Органический дизайн основан на концепции органической архитектуры, впервые предложенный Френком Ллойдом Райтом и Чарлзом Ренни Макинтошем в конце XIX века. Ее главный постулат утверждал, что отдельные элементы, например, предметы мебели, должны визуально и функционально вписываться как в интерьер, так и  в общую концепцию здания. Более того, по их мнению, само здание также должно соотноситься с местностью, где оно построено, - будь то через структуру, материалы или цвета.

Несмотря на то, что понятия интеграции и естественности изначально были заложены в этом подходе, они не обязательно выражались во внешнем виде объектов, а органические формы не сразу стали его центральной темой. Однако постепенно органические функциональные формы завоевали дизайн; их плавные, эргономичные линии мы можем наблюдать в дизайне и в наши дни.

Одним из основателей органического дизайна был финский архитектор Алвар Аалто, чьей творческой философией впоследствии стали руководствоваться продолжатели этого стиля Чарльз и Рей Имз. Аалто был убежден, что использование натуральных материалов – это способ удовлетворить как потребительские, так и психологические запросы потребителей. В 1940 г. в Музее современного искусства в Нью-Йорке прошла выставка-конкурс «Органический дизайн в мебели для дома». Целью ее было представить на суд публики мебель, изготовленную с использованием органического подхода.

Второе рождение органический стиль пережил в 1990-х, после того, как в 1991 г. в лондонском Музее дизайна прошла выставка с простым названием «Органический дизайн». Новые технологии и материалы, особенно пластмассы, и возможность компьютерного дизайна – внесло свою лепту в эволюцию этого стиля.

Биоморфизм   1935-1955. Известен также как зооморфизм и неоорганический стиль. Для биоморфизма характерно использование природных форм, причем с исключительно декоративными целями, эстетика биоморфизма подразумевала «маскировку механизмов и отход от их первоначального внешнего вида. Оценить по достоинству этот стиль стало возможно с изобретением новых технологий и материалов, в частности пластика. Поэтому с точки зрения производства, это направление может считаться интегрированным в механистическую эстетику. Биоморфизм подразумевает цельные объекты плавных, естественных форм, выполненные из высокотехнологичных материалов,  - например, это может быть лестница, напоминающая спираль ДНК.

Главным центром биоморфизма стала Кранбрукская Академия художест, директором которой был финский архитектор Эро Сааринен, еще одним ведущим пропагандистом этого стиля стал итальянский дизайнер Карло Моллино с его футуристической биоморфной мебелью. Его изделия были выполнены из гнутой древесины и по форме напоминали животных. Сааринен, а также Чарльз и Рей Имз воплощали этот стиль в своей мебели из пластика.