Итальянский язык «l’arte lirica». Хрестоматия по чтению специальных текстов для студентов 1-2-го курсов направления 070100 «Музыкальное искусство», сп

Рецензенты:

канд. филол. наук, доцент кафедры французской филологии Кемеровского государственного университета Я. Р. Хайдаров, доцент кафедры дирижирования и академического пения Кемеровского государственного университета культуры и искусств

В. Л. Масягина

Утверждена на заседании кафедры иностранных языков 08.11.2010 г., протокол № 3.

Рекомендована к изданию учебно-методическим советом Социальногуманитарного института 23.11.2010 г., протокол № 3.

Итальянский язык «l’arte lirica» [Текст]: хрестоматия по чтению специальных текстов для студентов 1–2-го курсов направления 070100 «Музыкальное искусство», специализации «Академическое пение» / сост. М. В. Ворончихина. – Кемерово: КемГУКИ, 2011. – 124 с.

Составитель: ст. преп.

М. В. Ворончихина

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СОДЕРЖАНИЕ

Введение …………………………………………………...….………. 4

История развития оперного театра в Италии ………………….……. 5

Итальянские композиторы XVII–XX вв. …………………….…....… 17

Оперное искусство Италии ……………………………………..……. 29 Оперное искусство России …………………………….………...…… 73

Тексты арий …………………..………………………….………..….. 82 Список литературы …………………………………………..…..…… 98 Приложение 1 (список опер) ……………...……………………..…… 100 Приложение 2 (словарь) ………………………………………….…... 104

Приложение 3 (таблица неправильных глаголов).……………......… 113

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ВВЕДЕНИЕ

Данная хрестоматия представляет собой пособие по чтению специальных текстов на итальянском языке и предназначена для студентов 1–2-го курсов направления 070100 «Музыкальное искусство», специализации «Академическое пение».

Цель хрестоматии – получение дополнительной информации по специальности/направлению подготовки путем знакомства с аутентичными и классическими текстами. Задачей хрестоматии является закрепление, развитие и совершенствование навыков чтения на итальянском языке, перевода специальной литературы и овладение специальной лексикой.

Тексты хрестоматии представляют интересную информацию об истории музыкального театра в Италии, знаменитых итальянских композиторах, итальянских и отечественных вокалистах. Содержание текстов способствует формированию лингвострановедеческой и коммуникативной компетенции студентов, повышает их эрудицию, погружает в мир музыкального искусства, развивает эстетический вкус и интерес к чтению текстов в оригинале и, таким образом, способствует развитию интереса к будущей профессии.

Тексты хрестоматии предназначены для изучающего чтения (с извлечением полной информации) и просмотрового чтения (с извлечением необходимой информации); тексты для изучающего чтения предусмотрены для работы в аудитории, тексты для просмотрового чтения – для внеаудиторной работы. Тексты сопровождаются примечаниями, которые снимают экстралингвистические трудности. Выборочно тексты могут быть использованы для приема экзамена по итальянскому языку при поступлении в магистратуру в вузах культуры и искусств.

В хрестоматии приведен список рекомендованной литературы и словарей.

Хрестоматия сопровождается небольшим сборником арий, который построен по принципу – от простого к сложному, итальяно-русским словарем терминологического и контекстуального характера, таблицей неправильных глаголов.

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LO SVILUPPO DEL TEATRO MUSICALE IN ITALIA

La fioritura madrigalistica in Italia

Nel Quattrocento si nota la fioritura di musiche profane e popolari, dei canti carnavaleschi. Questi canti erano poesie, cantate al tempo di carnevale, in cui il popolo partecipava, come attore e spettatore, sui carri che erano palcoscenici ambulanti. I più in voga erano i trionfi, di carattere guerresco, e le canzoni a ballo di vario argomento; ci sono pervenuti più di 400 canti (celebri quelli di Lorenzo de' Medici)¹. Affini ai canti carnascialeschi erano altre forme: la frottola,componimento di soggetto amoroso, in forma di balata con accompagnamento strumentale (liuto, viola) e la villotta (a quattro voci). Il compito della musica divenne quello di nterpretare i sentimenti e le passioni della gente comune. La musica profana, e in particolare quella strumentale, conquistava posizioni sempre più elevate. Una nuova epoca è nata.

I caratteri propri del Rinascimento trovarono la loro più pura espressione nella pittura di Raffaello Sanzio (Santi) e nella musica di Giovanni Palestrina (1525–1594)². La forma musicale che venne maggiormente coltivata nel Cinquecento, fu il madrigale, la più tipica forma della lirica musicale italiana di questo periodo. Generalmente a cinque voci, era di argomento amoroso, ma anche satirico e burlesco, accompagnato da ritornelli strumentali. I madrigale fu prediletto dai compositori veneti e coltivato presso le corti. Tra i compositori più insigni è il bresciano Luca Marenzio³ (1553– 1599), autore di molti volumi di madrigali a quattro, cinque, sei voci. Una forma particolare del madrigale che costituisce uno dei precedenti del melodramma, è il madrigale drammatico o dialogato, spesso raffigurante scene comiche. In questo genere primeggiò il modenese Orazio Vecchi (1550– 1605); fra le sue composizioni madrigalesche, celebre l'"Amfiparnaso" a cinque voci, tratto da una commedia dell'arte. Agli inizi del Seicento, vede la luce il madrigale concertato, in cui si univano una о più voci e strumenti. Massimo esponente di questa nuova forma è il cremonese Claudio Monteverdi

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(1567–1643), i cui otto libri di madrigali rappresentano il apogeo e la sintesi di tutta la produzione in questo campo.

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1Lorenzo di Medici – итальянский государственный деятель и писатель эпохи Возрождения, покровитель наук и искусств.

2Giovanni Palestrina – один из величайших композиторов церковной музыки.

3Luca Morenzo – композитор эпохи Возрождения.

Le origini del teatro musicale italiano

Fino al 1594 gli spettacoli, in cui aveva parte la musica, furono sacre rappresentazioni, drammi sacri e favole pastorali con brani musicali, feste di corte con musica e comedie con musicali intermedi. Ma encore non c’era uno spettacolo teatrale, composto interamente di un’azione drammatica, tutta accompagnata da musica, e di musica che doveva commentare il soggetto, i sentimenti e fin le parole.

Un primo esperimento di un tale spettacolo si ebbe nel carnevale del 1594–1595 quando è reppresentata a Firenze in una casa private la “ Dafne “. L’autore dei versi fu Ottavio Rinuccini ¹, la musica era di Corsi e di Giacomo Peri², contrapunntista e cantore squisito. Essi facevano parte della famosa Camerata Fiorentina³ che sul finir del Cinquecento riuniva letterati, artisti, dilettanti, nobili fiorentini e intendeva di rinnovare l’arte musicale, riconduce alle fonti della tragedia greca. Essi si radunavano in casa di Bardi e di Corsi. La musica della “ Dafne “ è perduta, soltanto due brevi frammenti erano trovati nel Conservatorio di Bruxelles. Nel 1600 a Firenze fu rappresentata l’”Euridice “ dove assistí Claudio Monteverdi che con grande interesse ascoltò quest’opera. La tragedia di Rinuccini non è divisa in atti, ma inscene e si compone quasi tutta di lunghi recitative di una semplicità estrema; non ha sinfinía né preludio.Magnifico fu l’apparato scenico. Seguirono poi altre opera di Caccini e di Galli a Firenze, a Bologna e in alter città d’Italia, a Mantova fu rappresentato l’ ”Orfeo “ di Monteverdi nel 1607, ma appunto a Firenze, la sera del 6 ottobre 1600, nacque l’opera italiana.

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Claudio Monteverdi fece un passo avanti, egli la dotò di un linguaggio musicale più perfetto per esprimere tutte le passione drammatiche.

1O. Rinuccini – поэт и драматург, один из создателей первых опер.

2Corsi, Giacomo Peri – композиторы эпохи Ренессанса.

3La Camerata Fiorentina – Флорентийская камерата – содружество поэтов, музыкантов и философов, возникшее в 1580 году во Флоренции.

La nascita del melodrama a Firenze

Fin dagli ultimi anni del Cinquecento a Firenze, in casa di Giovanni Bardi¹ e poi in quella di Jacopo Corsi si riuniva la cosiddetta Camerata Fiorentina, un gruppo di intellettuali che intendevano risuscitare la tragedia greca e creare la forma in cui musica e testo drammatico avrebbero potuto unirsi. Essi crearono lo stile del "recitar cantando" basato sulla monodía con accompagnamento strumentale. Questo nuovo stile monodico creò il recitativo e l'aria. Vincenzo Galilei, umanista, compositore e teorico, accademico della Crusca² fu una delle figure dominanti nel gruppo della Camerata fiorentina. Unendo la pratica alla teoria, egli musicò l'episodio di Ugolino dalla "Divina Commedia" di Dante Alighieri ("Inferno", Canto 33), per voce sola con accompagnamento di viola.

Jacopo Peri e Giulio Caccini furono i primi esponenti del nuovo stile: continuando il tentativo del Galilei, il Caccini stabilí definitivamente uno stile di canto recitativo ("quasi in armonía favellare"). Jacopo Peri con il poeta Rinuccini creò il dramma recitativo con la "Dafne" (1594–95), che fu eseguita durante il carnevale nel 1598 in casa di Jacopo Corsi, un nobile fiorentino, amatore di arte e compositore; la sua casa era sempre aperta ai letterati, poeti e musicisti J. Corsi appartenne alla Camerata Fiorentina e contribuí alla "Dafne" come compositore, con due brani (musicò ultime due scene). L'entusiasmo per questa scoperta musicale (il dramma recitativo) fu enorme e venne poi definita "recitar" o "favellar cantando". (Purtroppo, la "Dafne" è perduta e di essa sappiamo soltanto che fu rappresentata in casa di Corsi dapprima, e poi, fu ripetuta nel 1599 alla corte dei Medici.) A questo primo esperimento seguí l'"Euridice", rappresentata al Palazzo Pitti il 6 ottobre 1600, perché è la data della nascita dell'opera. Era nato cosí il melodramma, quasi interamente

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recitativo, con brevi pezzi melodici, pochi cori e tenue accompagnamento strumentale; ma pur essendo quasi una semplice declamazione del testo, esso si diffuse subito in tutte le città italiane, dovunque accolto con entusiasmo. In breve tempo le conquiste della Camerata Fiorentina e il canto monodico fecero progressi grandissimi. Spetta a Monteverdi il merito di avere perfezionato e reso popolare la nuova forma dell'arte, liberandola dallo stile puramente recitativo e assegnanto alla musica una funzione veramente artistica. La sua opera principale è l’ Orfeo, rappresentato a Mantova nel 1607. Monteverdi fu anche un innovatore nel campo della tecnica musicale e della strumentazione.

1Giovanni Bardi – композитор и литературный критик эпохи Ренессанса.

2Crusca – академия Круска (основана в 1583 году), занималась проблемами итальянского языка.

Usi teatrali del Seicento a Venezia

Nel 1637 con la participazione di Monteverdi fu creato a Venezia il primo teatre musicale (il “ San Cassiano “), aperto al pubblico con il pagamento d’un biglietto d’ingresso. Fra due anni si aprirono altri due teatri con spettacoli di musica, poi il numero dei teatri lirici a Venezia crebbe fino a sedici.

I compositori prediletti dei teatri veneziani erano Monteverdi, Cavalli, Cesti, Caldara, Legrenzi. Il carattere del teatro musicale veneziano si differenzia dal teatro dei fiorentini, le favole mitologiche cedono a poco poco il posto ai soggetti storici. Il pubblico nuovo che ora frequentava il teatro, voleva appassionarsi e commuoversi alle vicende dell’azione drammatica, e lo spettacolo doveva essere presentare la vita reale. Il melodrama continuò a svilupparsi. Accanto al recitative si sviluppa la frase melodica che prende la forma di aria; i cori non hanno più una grande importanza e si sostituiscono dal canto monodico, dagli “ a soli “.

I teatri di Venezia erano di proprietà privata, sotto il controllo dell’Autorità Pubblica¹. I manifesti dovevano affiggersi in due luoghi: sulla Piazetta² e a Rialto³, nel centro di Venezia, e gli strillonni annuziavano dello spettacolo per via.

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Non vi era a teatro alcuna distinzioni di posti, né alcuna guardia sorvegliava la sala. All’ingresso del teatro si trovavano numerosi venditori di mele e pere cotte, di fritelle, liquori. L’illuminazione della sala era scarsa. Un fanale a olio che la illuminava veniva, appena s’alzava il sipario. Restavano accesi soltanto due doppieri di legno ai lati proscenio.

Tutta l’attenzione era concentrate al palcoscenico con lo splendore delle decorazioni e complicatezza dei meccanismi. Le spese delle rappresentazioni non erano molte: nulla, nei primi tempi, si pagava ai librettisti, ai quali bastava la gloria. Pochissimo ricevevano i compositori e i cantanti (solo alla fine della stagione).

A Venezia, oltre ai teatri pubblici e private, c’erano molti teatrini di marionette, nei quali si davano intere opera di musica, eseguite dalle marionette, ma cantante (internamente) anche da virtuosi eccellenti. Il teatro musicale diventò una passione generale, e la diffusione dell’opera musicale fu enorme.

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1Autorità Pubblica – государственные и муниципальные власти Венеции.

2Piazetta – небольшая площадь в Венеции.

3Rialto – дворец Риалто, принадлежавший влиятельным людям Венеции.

IL TEATRO MUSICALE A VENEZIA E A ROMA NEL SEICENTO

II teatro musicale a Venezia

Un avvenimento importante nel 1637 che doveva avere una grande influenza sullo sviluppo del melodramma: il primo teatro d'opera, aperto al pubblico a Venezia,costruito da una famiglia patrizia i Tron. Fu questo il San Cassiano¹, inaugurato con opera "Andromeda". II teatro d'opera conosce subito una fortuna straordinaria, tanto che altre famiglie patrizie si dedicarono alla stessa impresa; nel 1639 s'inaugurarono ancora due teatri lirici. Prima della fine del secolo Venezia contava ben sedici teatri d'opera. I "palchetti" (invenzione veneziana) veniano affittati per una stagione о per tutto l'anno, ed erano frequentati dalla nobiltà.

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Gli impresari dovettero rivolgersi a Monteverdi per ottenere da lui opere. La sua prima opera "Orfeo" fu rappresentata con gran successo. Nel 1608 Monteverdi compose la sua seconda opera "Arianna" e nel 1613 egli si trasferí a Venezia.

La stagione d'autunno del teatro S. Moisè a Venezia s'inaugura con una ripresa trionfale di "Arianna" di Monteverdi; il successo è cosi grande che 1'opera si dove ripetere ancora l'anno seguente.

Nel 1641 Monteverdi che ha 74 anni conduce avanti la composizione di due opere: "Le nozze di Enea con Lavinia" e "Il ritorno di Ulisse in patria" che sono messe nello stesso anno. L'attività di Monteverdi in questo periodo e grandissima, egli presenta al teatro Grimani² (S. S. Giovanni e Paolo) suo ultimo capolavoro: "L'incoronazione di Poppea", ottenendo un tal successo che l'opera dovette essere ripresa più volte negli anni seguenti fino al 1646. Il successore (e forse anche allievo) di Claudio Monteverdi a Venezia fu Francesco Cavalli (1602–1676), uno dei maggiori operisti del Seicento. Egli continuò le tendenze dell'opera veneziana con caratteristiche proprie. Svolgendo un'intensa attività in campo teatrale, F. Cavalli avra conosciuto le idee fondamentali della Camerata Fiorentina. Nel 1639 Cavalli scrisse la sua prima opera scenica "Le nozze di Teti e Peleo" (qui appare per la prima volta il nome d'opera). Nella prima opera del Cavalli si notano le forme e anche i difetti dei fiorentini; e opera ricca di brani musicali. Una delle sue migliori opere e la "Didone", rappresentata sulle scene del teatro a San Cassiano. Francesco Cavalli capì che la musica nel teatro doveva abbandonare a poco a poco la polifonía per accettare monodía, rinunziare allo stile madrigalesco, e perfezionare il nuovo stile recitativo. Il Cavalli creò il suo stile recitativo pieno di vita e di espressione. Nelle sue opere troviamo già le forme dell'aria tripartita.

Francesco Cavalli compose 40 opere.

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1San Cassiano – дворец (постройка XIV века), где жили влиятельные люди Вeнеции.

2Santi Giovanni e Paolo Grimani – владельцы театра Гримани.

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