33. Русское искусство первой половины 19 века. Федотов, Иванов.

Конец формы Под искусством понимается одна из важнейших форм общественного сознания, в основе которой лежит образное отражение действительности, прежде всего жизни человека, всей совокупности человеческих отношений, характеров, переживаний, а также мира, его окружающего. К произведениям искусства относят живописные полотна и статуи, симфонии, романы и поэмы, здания, движения танцоров, театральные спектакли и кинофильмы. Называя их, имеется в виду не само искусство в целом, а произведения различных видов искусства. Рассмотрим такие стороны искусства как изобразительное искусство (живопись), скульптуру, архитектуру, театр, музыку и литературу. XIX столетие вошло в историю России как время невиданного расцвета культуры, так что за ним прочно укрепился эпитет "классическое время". В этот период завершился процесс складывания русского литературного языка, культура сформировалась как национальная. Ее представителями были созданы произведения, ставшие по своему уровню бессмертными образцами для всех последующих поколений. Другая особенность культурного развития России в XIX в. в том, что, достигнув небывалого взлета художественного творчества, Россия дала миру великие памятники практически во всех областях духовной культуры - живописи, музыке, архитектуре, науке, технике, философии, театральном искусстве и, особенно, литературе. XIX век отмечен большими успехами в развитии художественного творчества многих европейских стран и США, но ни в одной из них не наблюдалось такого небывалого одновременного расцвета всех видов искусства. В XIX столетии литература в европейских странах играла ведущую роль, но достижения в русской литературе были столь значительными, что XIX век назвали золотым веком русской литературы.

Изобразительное искусство первой половины XIX века (о.А. Кипренский, в.А. Тропинин, а.Г. Венецианов, п.А. Федотов, к.П. Брюллов, а.А. Иванов)

Живопись - наиболее распространенный и, как правило, наиболее знакомый носителям культурных ценностей вид изобразителей искусства. Картины или, по крайней мере, их полиграфические воспроизведения - репродукции - встречаются человеку довольно часто.

Живопись в зависимости от избранного художником объекта изображения или особенности сюжета подразделяется на жанры: пейзаж (изображение природы), натюрморт (изображение различных предметов, цветов, фруктов и т.п.), портрет (изображение человека). Кроме того, в живописи существуют жанры бытовой, исторический, батальный. К живописи относят и такие ее монументальные виды как мозаика и фреска.

В русском искусстве первой половины XIX века были характерны романтизм и реализм. Однако официальным направлением в живописи этого периода был академический классицизм. Академия художеств стала реакционным и косным учреждением. Узкие рамки классического жанра, преобладание в нем религиозной тематики не устраивали молодых русских живописцев. Они искали свою тему, основным героем их произведений становился реальный человек.

В первой половине XIX века успешно развивалась портретная живопись. В ней романтизм переплетался с реализмом. Большую известность получили портреты замечательных русских художников О.А. Кипренского и В.А. Тропинина. Орест Адамович Кипренский в своих портретах дает верное изображение многих своих прославленных современников, но он не знает бесстрастной трезвости, равнодушия к человеку. Портреты О. Кипренского раскрывают в человеке его лучшие стороны; они невольно располагают к нему, пробуждают симпатию к модели; они проникнуты духом откровенности, как дружеские послания начала XIX века с их милым добродушием и непринужденностью - любимый вид русской поэзии того времени. Молодому Кипренскому принадлежит удивительно свежий по своей живописи автопортрет с его открытым, приветливым взглядом. Ему принадлежит вдохновенный, красочный портрет гусара Давыдова, героический, но лишенный бравурности генеральских портретов француза Гро и англичанина Дау. Кипренскому принадлежат портреты сосредоточенно задумчивых Голицына и Уварова, зарисовки героев Отечественной войны 1812 года, которые и в своих мундирах сохраняют жизненную теплоту и душевную проникновенность, наконец, ряд карандашных портретов, среди которых образы крепостных мальчиков и лицеиста Бакунина подкупают своим милым чистосердечием.

Особенно хороши женские портреты Кипренского. В них нет ни брызжущего через край здоровья и решимости английских красавиц, ни пикантного бесстрастия француженок, ни мелкопоместной уютности немецких хозяек. Образ женщина, созданный Кипренским, имеет глубоко русские корни. В начале XIX века духовное величие русской женщины сказалось в судьбе жен декабристов, которые поразили весть мир своей нравственной силой и стойкостью и самоотверженность. Этот высокий образ русской женщины, обаятельно женственной, но вместе с тем порывистой, деятельной, сосредоточенной, был увековечен в лучших портретах Кипренского, в его Растопчиной с ее задумчивым взором, как бы излучающим кроткий свет, в трогательно-грустной Авдулиной, в приветливой Хвостовой и в ряде других портретов и карандашных зарисовок.

Кисти Ореста Кипренского принадлежит один из лучших прижизненных портретов А.С. Пушкина - молодого, романтического, овеянного поэтической славой (1827). В 1827 году известные русские художники В.А. Тропинин и О.А. Кипренский писали портреты Александра Сергеевича Пушкина. Первый работал в Москве, второй - в Петербурге, и оба - с натуры. Тема созданных ими портретов - Пушкин - поэт.

Себя как в зеркале я вижу,

Но это зеркало мне льстит.

Оно гласит, что не унижу

Пристрастья важных аонид.

Так откликнулся А.С. Пушкин на портрет работы О.А. Кипренского, посвятив художнику свое знаменитое стихотворение "Кипренскому". В этом портрете Пушкин увидел себя поэтом - служителем муз. Этим, и только этим, польстило Пушкину "зеркало", созданное Кипренским. И не случайной существует мнение, что художник несколько позднее добавил в портрете статуэтку музы, деталь, как бы подсказанную поэтом.

Несколько в ином ключе решил портрет Пушкина В.А. Тропинин. В нем менее, чем в произведении О.А. Кипренского, подчеркнут момент портрета (Пушкин изображен в халате, с расстегнутым воротом). Тропинин также сумел показать своего героя в состоянии поэтического вдохновенья: "… минута - и стихи свободно потекут".

Образы, созданные выдающимся русским портретистом - Василием Андреевичем Тропининым реалистичны. Его творчество пронизывает стремление к изображению простых людей ("Кружевница", "Портрет сына"). Много замечательных портретов современников оставил выдающийся русский живописец К.П. Брюллов. Среди них портрет поэта В.А. Жуковского выполненный им в романтической манере.

В первой половине XIX века в русскую живопись входит бытовой сюжет, к которому одним из первых обратился художник Алексей Гаврилович Венецианов (1780 - 1847). Его картины "На пашне", "Утро помещицы" духовными нитями связаны с жизнью простого русского народа. Именно Венецианов сумел показать с такой безыскусственностью, с такой подкупающей искренностью и поэтичностью облик человека труда - крестьянина и выявить прекрасное в простом. В отношении художника к своим моделям не чувствует ничего барского, высокомерного - образы крестьян у него исполнены истинного человеческого достоинства.

Художественную деятельность А.Г. Венецианов начал в последние годы XVIII века как любитель-самоучка. Затем некоторое время учился в Петербурге у известного портретиста В.Л. Боровиковского, а также копировал в Эрмитаже картины европейских старых мастеров. В начале 20-х годов XIX века в своей усадьбе Сафонкова Тверской губернии он организовал художественную школу, которая просуществовала около двадцати лет. В основу педагогического и творческого метода А.Г. Венецианов положил работу с натуры. Он писал: "Ничего не изображать иначе, как только в натуре… и повиноваться ей одной". Именно этим последним девизом и объясняется пристрастие А.Г. Венецианова к интерьерам. Оно вызвано желанием изобразить человека в его привычной, естественной среде, в его быту. Модели Венецианова удивительно свободны, уютно чувствуют себя в пространстве, потому что это пространство обжито ими, здесь они не только позируют, но и живут, трудятся, на всем лежит отпечаток их деятельности. В этом - своеобразие живописи Венецианова, ее неувядающее обаяние.

Для Венецианова в понятие приближение к натуре "бесхитростного воззрения на натуру", ставшего его девизом, входило не только то, как нужно писать, но и что писать. Он выводит действие своих картин за пределы аристократических салонов, на просторы русских полей, на гумно, в крестьянскую избу.

Венециановское "Гумно" положило начало всему последующему творчеству художника. За этой картиной были созданы такие вещи, как "Чистка свеклы", "Утро помещицы" и множество портретных изображений крестьян. Последние не являются портретами в узком смысле - это жанровые портреты, содержащие зачатки сюжета, а иногда и перерастающие в жанровые сценки (например, "Вот те и батькин обед"). От портретов в собственном смысле, в традиции Боровиковского, Венецианов даже хотел вовсе отказаться. На портрете М.М. Философовой он писал в 1823 года: "Венецианов в марте 1823 года сим оставляет свою портретную живопись". Действительно, портретов такого рода у него с тех пор встречается мало.

Часто Венецианову в упрек ставят "идеализацию" и сентиментальность в изображении крестьян. Однако о нарочитом приукрашивании, в полном смысле этого слова, говорить нельзя. И принаряженные и причесанные, крестьяне у Венецианова сохраняют полную естественность. Художник не навязывает им ничего вычурного, несвойственного им. Так, например, когда мы смотрим на обнаженную девушку в позу вакханки, т.е. с чашей в одной руке и с другой рукой, закинутой за голову, мы видим, что она совершенно непохожа на античную героиню. Вся прелесть в том, как она неумело и напряженно держит чашу, в смущенной и чуть-чуть виноватой улыбке на ее простом круглом русском лице - она, видимо, стыдится своей наготы, робеет. Ни она, ни художник, пишущий ее, не могут и не хотят притворяться, и поэтому поза вакханки ничуть не мешает зрителю видеть в ней простую крестьянскую девушку.

В годы своего расцвета (20-30-е годы) Венецианов редко прибегал даже к такого рода "фантазиям". Вообще нарочито сочиненные композиции ему мало удавались. Его "Девушка с теленком" и не пытается сделать вид, что она в этот момент всерьез заинтересована своим теленком, она смотрит куда-то в сторону, потупив глаза, она смущена тем, что с нее пишут картину, - и в ней, в этой девушке, столько душевного здоровья и свежести, она так естественна в своем неподдельном смущении, что ее образ трогает зрителя.

Несмотря на праздничные наряды венециановских крестьян, мы чувствуем, что перед нами люди, привыкшие к нелегкому физическому труду. Например, в "Портрете крестьянина" художнику удалось изобразить тщательно приглаженные и, кажется, смазанные лампадным маслом волосы, но невозможно скрыть изможденность, измученность лица, застывшие в покорной печали выражения глаз.

Образы детей на полотнах А.Г. Венецианова особенно полны жизни и правды. Таков, например, его замечательный портрет Захарки. Это настоящий, типичный крестьянский мальчуган, "мужичок с ноготок". Он в большой отцовской шапке, держит на плече топор. Лицо с круглыми щеками совсем детское, но в выражении уже проглядывают мужицкая серьезность и основательность. Также и "Капитошка": девочка с коромыслом, по-бабьи повязанная платком, со своей лукавой остроглазой физиономией выглядит уже хозяйкой, степенной маленькой крестьянкой.

Глядя на людей из народа, запечатленных Венециановым, зрители верят, что они обладают высокими моральными качества, цельными характерами, что они исполнены большой, спокойной, может быть, дремлющей внутренней силы. Женщины Венецианова заставляют вспомнить "тип величавой славянки", позже воспетой Н.А. Некрасовым в своих произведениях.

"На пашне" - едва ли не лучшая из картин Венецианова. Пейзаж этой картины позволяет говорить о Венецианове как о предтече великих пейзажистов, прославивших русскую природу: Саврасова, Левитана. Это гимн русской весне. Широкое свежевспаханное поле, два-три тонких деревца, которые "как будто пухом зеленеют". Краски легки и воздушны; здесь легко дышится, как бывает только весной. Во всем передано ощущение этой весенней легкости - и в облаках, улетающих ввысь, и в фигуре женщины, идущей плавно, едва касаясь земли. Женщина эта не совсем обычная: она ростом гораздо выше своих лошадей, ведет их без малейшего усилия, движения ее подчеркнуто ритмичны и музыкальны. Ее можно воспринять как олицетворение весны. И этот полуфантастический, опоэтизированный образ так хорошо гармонирует со всем реальным окружением, так органически с ним сливается, "вписывается" в пейзаж, что иного мы себе и не мыслим, мы не ощущаем в нем ни малейшей фальши.

Картина "На жатве", напротив, поражает нас статичными горизонтальными линиями: поверхность ржи, линия помоста, на котором сидит крестьянка, и даже облака - здесь уже не летят, гонимые весенним ветром, а ровной, застывшей грядой нависают над землей, погруженной в истому летнего зноя.

Эти две небольшие картины - "На пашне" и "На жатве" - настоящие жемчужины русской живописи, самые ранние образцы реалистического национального проникнутого поэзией пейзажа.

Продолжателем традиции Венецианова был Павел Андреевич Федотов (1815-1852), работавший в жанре критического реализма. Его волновала только натура, только окружающая жизнь, которую он неустанно наблюдал, подмечая смешное, характерное, типичное. Он говорил: "Моего труда в мастерской только десятая доля - главная моя работа на улицах и в чужих домах. Я учусь жизнью, я тружусь, глядя в оба глаза" Петров-Стромкский В.Ф. Тысяча лет русского искусства: история, эстетика, культурология. - М., 1999., с. 220. .

Если Венецианов открыл путь будущему крестьянскому жанру, то Федотов - купеческому и мещанскому, а кроме того - современной психологии и нравственно-социальной проблематике. Последняя оказалась исключительно своевременной, в связи с чем Федотова даже считали отцом критического реализма, сравнивая с Гоголем.

Федотов П.А. был не только художником, хотя и не получившим профессионального художественного образования, но и поэтом. Его стихи отдают простонародностью, но именно они, а точнее поэма "Поправка обстоятельств, или Женитьба майора" послужила сюжетом картины "Сватовство майора" (1848). Стихотворством Федотов занимался в период службы в Финляндском полку. После выхода в отставку (1844 г.) он за три года написал три картины: "Свежий кавалер", "Разборчивая невеста" и "Сватовство майора", имевшие шумный успех. Единство поэзии и сатиры, красоты и смеха, к которому стремился художник, характерное взаимопроникновение обоих начал, полнее всего выразились в его шедевре "Сватовство майора". Здесь каждый предмет, весь интерьер, каждая фигура, вся мизансцена и композиция картины находятся в органической взаимосвязи. Все они и в целом, и по отдельности буквально - "перл создания". Это утверждение относится прежде всего к живописи, к мастерству художника. Что же до героев - мы можем судить о них только по тому, как они исполняют свои социальные амплуа и данные им сценические роли. Такая полная поглощенность человека ролью у самого художника вызывает грустную улыбку. Вместе с тем отблеск чувственного совершенства предметного мира ложится и на персонажи, позволяя предположить возможность лучшей, более достойной жизни для этих людей.

Сочувствие Федотова своим вовсе не идеальным героям нарастает в следующей картине "Не в пору гость" (или "Завтрак аристократа", 1851) и достигает нового качества во "Вдовушке". По-видимому, эта картина была принципиально важна для художника - существует не менее трех вариантов, в которых последовательно усиливается идеальность образа героини. Воплощенная здесь с пронзительной эмоциональностью трагическая судьба ждущей ребенка красавицы, внезапно оставшейся без средств к жизни, перекликается с биографическими обстоятельствами самого художника, которого как раз в это время покинула удача и настигли первые признаки психического расстройства. В портрете за спиной вдовушки Федотов изобразил себя. Он часто писал и рисовал себя в образе своих героев или рядом с ними, утверждая тем самым родство и равенство, а также свою позицию наблюдателя изнутри самой жизни.

Две последние картины Федотова - "Анкор, еще анкор!" (изображающая скучающего офицера, лежа дрессирующего собаку) и "Игроки" (1852) мало похожи на его прежние произведения. Как и раньше, это бытовые сценки, однако ничтожность изображенных событий через суггестивное воздействие колорита и светотени вырастает до символа обессмысленной жизни. В одной из фигур незавершенной картины "Игроки", которую Д.В. Сарабьянов назвал романтическим гротеском художник снова изобразил себя, но "… в страшной картине разрушения человеческой личности. Вместо реальных людей действуют, живут какой-то призрачной жизнью их тени и отраженья. Все погружается в живописную среду, которая делает мир призрачным. Средства выразительности приобретают метафорический, почти символический смысл " Сарабьянов Д.В. Русская живопись XIX века среди европейских школ. - М., 1980., с. 88. Сам П.А. Федотов определил идею "Игроков" так: "Они убивают время, пока оно не добьет их".

В картинах Федотова "Сватовство майора", "Свежий кавалер" и в других разоблачаются проявления мещанства, торгашеской морали, быт и нравы господствующего класса.

В живопись той эпохи настойчиво вторгались различные явления русской действительности. В ней нашли отражение предчувствие и ожидание перемен, крупных исторических событий. В этом плане характерны два монументальных полотна - "Последний день Помпеи" К.П. Брюллова и "Явление Христа народу" А.А. Иванова.

К.П. Брюллов в 1830 - 1833 годах пишет поразившую современников огромную картину "Последний день Помпеи". Несмотря на всю ложность ее бутафорского пафоса и безвкусную эстетизацию ужасного события, картина и сегодня может произвести впечатление грандиозностью своего замысла. В отдельных движениях и жестах некоторых ее героев выражение чувств жизненно правдиво. Во всяком случае ничего подобного русская академическая живопись не знала. Это смелая попытка компромисса классицизма и романтизма. Надо сказать, что "чисто художественные" достоинства и недостатки "Гибели Помпеи" совершенно второстепенны сравнительно с мощным эффектом, произведенным картиной (а главным образом - истолкованиями ее сюжета) в российском обществе. Восторженные строки ей посвятили Пушкин и Гоголь.

Неоконченная картина А.А. Иванова "Явление Христа народу", над которой художник работал с 1837 по 1857 годы, стала волнующим реалистическим символом истории, символом пути, сомнений и надежд человека, указывающим на невозможность окончательных решений и на необходимость исторического самопознания человеческого духа. Для того чтобы ввести историзм внутрь изображения, согласовав смысл видимости событий для их участников и для зрителей, художник объединил два разновременных евангельских события - проповедь Иоанна Крестителя и явление Христа.

К.П. Брюллов и А.А. Иванов акцентировали свое внимание на переломных моментах истории. В их картинах отразилось сознание неизбежности коренных преобразований в судьбах народа.

34.Русское искусство первой половины 19 века. Брюллов, Кипренский.

Изобразительное искусство первой половины XIX века (О.А. Кипренский, В.А. Тропинин, А.Г. Венецианов, П.А. Федотов, К.П. Брюллов, А.А. Иванов). В русском искусстве первой половины XIX века были характерны романтизм и реализм. Однако официальным направлением в живописи этого периода был академический классицизм. Узкие рамки классического жанра, преобладание в нем религиозной тематики не устраивали молодых русских живописцев. Они искали свою тему, основным героем их произведений становился реальный человек. В первой половине XIX века успешно развивалась портретная живопись. В ней романтизм переплетался с реализмом. Большую известность получили портреты замечательных русских художников О.А. Кипренского и В.А. Тропинина. Непосредственное воздействие на все области русской культуры того времени оказали крупнейшие исторические события. Героические походы Суворова на рубеже XVIII—XIX столетий, войны с Наполеоном и, наконец, народно-освободительная Отечественная война 1812 года, а вслед за ней дворянское революционное движение, вылившееся в восстание декабристов,— вот основные факты, содействовавшие перестройке общественного сознания и оформлению идеологии и эстетики того поколения русских художников, которое выступило в первые годы XIX века. Именно в этом поколении сложилось и созрело новое идейное и художественное направление — романтизм, который отчасти противопоставил себя классическим традициям, сложившимся в Академии художеств, а отчасти унаследовал и творчески переработал эти традиции. На смену классицизму с его гармоничной и рассудочной ясностью пришло эмоциональное искусство романтизма, посвятившее себя изображению сильных душевных движений и больших чувств. Основную роль в эстетике романтизма играли требования народности искусства и развития национальной культуры, свободной от иноземных влияний. Процесс обновления художественной жизни, всех основ и форм художественного творчества начался с попытки по-новому осмыслить реальную действительность, взглянуть на окружающий мир не сквозь призму условных традиционных правил, а свободным, испытующим, непредвзятым взглядом. Отсюда идут черты реализма в творчестве русских романтиков. В романтическом искусстве прогрессивные начала зачастую совмещаются с реакционными, обращение к действительности — со стилизацией, интересом к экзотике и идеализацией старины, гуманизм и демократичность — с индивидуализмом. Борьба этих двух тенденций в романтизме накладывает своеобразный отпечаток на историю русского и мирового искусства в XIX веке. Особенности прогрессивного русского романтизма в портретной живописи отчетливо выявляются в творчестве Кипренского, крупнейшего из русских романтиков. В цикле его ранних работ, написанных в 1800—1810-х годах, сложилось и окрепло мастерство замечательного художника и уже выкристаллизовалась новая концепция портрета, которую романтики выдвинули на смену репрезентативным изображениям XVIII века. В основу этой концепции были положены высокогуманистические представления о человеке. Сама русская действительность времен Отечественной войны и вызревания революционных декабристских идей подсказывала художникам новое понимание задач портрета. Работы Кипренского представляют собою результат углубленного изучения облика и характера его моделей. Именно обращенностью к жизни обусловлены черты реализма в портретной живописи Кипренского. Необходимо, однако же, сразу указать на исторически обусловленную ограниченность реалистических тенденций в творчестве романтиков. Только критический реализм, сложившийся во второй половине XIX века, сумел овладеть всей сложной совокупностью качеств, образующих человеческую личность, и с глубоким проникновением раскрыл в искусстве внутреннюю жизнь человека, его многогранный психический склад. Романтики не ставили себе такой цели. Психологическая задача оставалась, в сущности, за пределами их художественной системы. В эстетике прогрессивного русского романтизма проблема отношения к действительности сводилась, как известно, к требованию изображать «не условный, а избранный мир». Установка эта представляла собой значительный шаг вперед по сравнению с классицизмом, воплощавшим в искусстве именно «условный мир» отвлеченных идей и неизменно ориентировавшимся на античные образцы. Портретисты-романтики стремились уйти от будничной обыденности и представить человека в те, быть может, исключительные, «избранные» минуты, когда в нем раскрываются наиболее полно лучшие стороны его духовного облика. Так и Кипренский умел находить и выявлять в образах рядовых русских людей те черты благородства и величия, которые в пору Отечественной войны сделали из них героев. Люди, которых писал Кипренский, были в большинстве своем участниками войны, и в их душевном облике нетрудно заметить черты, типичные для всего поколения воинов и будущих декабристов; кажется, что некое родственное сходство объединяет героев Кипренского. Это не значит, конечно, что художник сознательно нивелировал их индивидуальности или стремился свести их к какому-то собирательному типу. Напротив, Кипренский проникновенно чуток и внимателен к душевному миру каждого из своих персонажей. Но в характеристике изображенных им людей художник неизменно выявляет и подчеркивает черты высокого благородства и напряженной интеллектуальной жизни. Портрет Давыдова представляет собой вершину не только юношеского периода Кипренского, но и всего его творчества в целом. В более поздние годы он уже не достигал ни такой живописной силы, ни такой проникновенности в раскрытии образа. Период зрелости художника отмечен, правда, рядом значительных достижений, среди которых особое место занимает вдохновенный портрет А. С. Пушкина (1827). Но ни одно из поздних произведений Кипренского не отражает в такой мере свою эпоху и ее лучшие чаяния, как портрет Давыдова. Путь от классицизма к критическому реализму через романтизм определил условное разделение истории русского искусства первой половины XIX в. как бы на два этапа, водоразделом которых явились 30-е годы.Архитектура первой трети века – это прежде всего решение больших градостроительных задач. В Петербурге завершается планировка основных площадей столицы: Дворцовой и Сенатской. Создаются лучшие ансамбли города. Особенно интенсивно после пожара 1812 г. строится Москва. Идеалом становится античность в ее греческом (и даже архаическом) варианте; гражданственная героика античности вдохновляет русских архитекторов. Используется дорический (или тосканский) ордер, который привлекает своей суровостью и лаконизмом. Некоторые элементы ордера укрупняются, особенно это касается колоннад и арок, подчеркивается мощь гладких стен. Архитектурный образ поражает величавостью и монументальностью. Огромную роль в общем облике здания играет скульптура, имеющая определенное смысловое значение. Многое решает цвет, обычно архитектура высокого классицизма двухцветна: колонны и лепные статуи – белые, фон – желтый или серый. Среди зданий главное место занимают общественные сооружения: театры, ведомства, учебные заведения, значительно реже возводятся дворцы и храмы (за исключением полковых соборов при казармах).

Орест Адамович Кипренский в своих портретах дает верное изображение многих своих прославленных современников, но он не знает бесстрастной трезвости, равнодушия к человеку. Портреты О. Кипренского раскрывают в человеке его лучшие стороны; они невольно располагают к нему, пробуждают симпатию к модели; они проникнуты духом откровенности, как дружеские послания начала XIX века с их милым добродушием и непринужденностью - любимый вид русской поэзии того времени. Молодому Кипренскому принадлежит удивительно свежий по своей живописи автопортрет с его открытым, приветливым взглядом. Ему принадлежит вдохновенный, красочный портрет гусара Давыдова, героический, но лишенный бравурности генеральских портретов француза Гро и англичанина Дау. Кипренскому принадлежат портреты сосредоточенно задумчивых Голицына и Уварова, зарисовки героев Отечественной войны 1812 года, которые и в своих мундирах сохраняют жизненную теплоту и душевную проникновенность, наконец, ряд карандашных портретов, среди которых образы крепостных мальчиков и лицеиста Бакунина подкупают своим милым чистосердечием. Особенно хороши женские портреты Кипренского. В них нет ни брызжущего через край здоровья и решимости английских красавиц, ни пикантного бесстрастия француженок, ни мелкопоместной уютности немецких хозяек. Образ женщины, созданный Кипренским, имеет глубоко русские корни. В начале XIX века духовное величие русской женщины сказалось в судьбе жен декабристов, которые поразили весь мир своей нравственной силой и стойкостью и самоотверженностью. Этот высокий образ русской женщины, обаятельно женственной, но вместе с тем порывистой, деятельной, сосредоточенной, был увековечен в лучших портретах Кипренского, в его Растопчиной с ее задумчивым взором, как бы излучающим кроткий свет, в трогательно-грустной Авдулиной, в приветливой Хвостовой и в ряде других портретов и карандашных зарисовок. Кисти Ореста Кипренского принадлежит один из лучших прижизненных портретов А.С. Пушкина - молодого, романтического, овеянного поэтической славой (1827). Кипренский был первым в ряду великих русских художников XIX века. Его творчество, сложившееся в самом начале столетия, не только свидетельствует о новом значительном подъеме русского искусства, но и представляет собою качественно новый этап в развитии национальной художественной культуры, этап, непосредственно связанный с теми социальными и идеологическими сдвигами, которые характеризуют русскую жизнь и общественное сознание первой четверти XIX века.

Карл Павлович Брюллов (1799 – 1852). К.П. Брюллов смог соединить академическое холодное мастерство с романтическим размахом, особенно в самой знаменитой своей картине. Он искал идеальное, светлое и радостное, но не шел трудными путями в искусстве. В картинах 20-ых годов на сюжеты античности, из итальянского ренессанса, из Библии преобладают декоративные элементы, внешний блеск. В 30-ые годы появляется трагическое восприятие жизни. В это время зреет центральный замысел Брюллова. «Последний день Помпеи» (1830 – 1833) гг. ГРМ. Перед нами многофигурная композиция. Гремит гром, сверкает молния, падают кумиры с крыш, объятые ужасом люди спасаются бегством. Но и в это время они сохраняют достоинство и величие. Это как бы предчувствие всемирной катастрофы. Главный герой картины – людская масса, человечество. Это было ощущение недавних европейских катастроф и предчувствие новых. Брюллов стремится максимально реалистично передать сюжет истории. Он был знаком с археологией, с археологами, которые вели раскопки Помпеи. На картине Брюллов изобразил реальный кусок города с его памятниками. В работе Брюллов использовал свидетельство современника событий Плиния Младшего. Все это преодолевало театрализованность академического полотна, эффектность поз, придуманное романтическое освещение с контрастами света и тьмы. Композиция довольно устойчива, а формы, сами фигуры находятся в движении. В этом и было соединение классицизма с романтическими тенденциями. На полотне Брюллов изобразил и себя в облике молодого художника с палитрой на голове, вглядывающегося в падающих кумиров. В 30-ые гг. Брюллов создает ряд парадных портретов. Он стал необыкновенно модным художником, заваленным заказами. Брюллов стремится запечатлеть некий возвышенный момент. Такова «Всадница» ГТГ. Воспитанница графини Самойловой – Джованина, юная девушка, в блестящем бело-голубом платье, отливающем серебром. Она гордо восседает на вороном коне. Конь поднялся на дыбы, но девушка сохраняет спокойствие. Фон – зелень, крыльцо богатой виллы. В 40-ые гг. художник искал психологической выразительности. Замечателен «Автопортрет» 1848 г. написанный художником после тяжелой болезни. Перед нами усталый, разочарованный, утомленный жизнью человек. Этот портрет далек от холодного академизма. Он написан в свободной манере, мазок широкий, не зализанный, что говорит о будущем русского искусства. Немеркнущими шедеврами русской живописи навсегда останутся его полотна «Всадница», «Вирсавия», «Итальянское утро», «Итальянский полдень», многочисленные парадные и интимные портреты. Однако художник всегда тяготел к большим историческим темам, к изображению значительных событий человеческой истории. Многие его замыслы в этом плане не были осуществлены. Никогда не покидала Брюллова мысль создать эпическое полотно на сюжет из русской истории. Он начинает картину «Осада Пскова войсками короля Стефана Батория». На ней изображен кульминационный момент осады 1581 г., когда псковские ратники и. горожане кидаются в атаку на прорвавшихся в город поляков и отбрасывают их за стены. Но картина осталась неоконченной, и задача создания подлинно национальных исторических картин была осуществлена не Брюлловым, а следующим поколением русских художников.