20. Европейское искусство первой половины 19 века.

Великая Французская революция (1789—99), уничтожившая монархию и установившая республику, надолго определила пути развития европейской культуры. Главным открытием века стало осознание неповторимой ценности человеческой личности. Именно в XIX в. мастер, который со времён Возрождения работал главным образом по частным заказам, оказался лицом к лицу с тысячами посетителей художественных выставок, со зрительской массой. Впервые художник стремился выделиться из окружавшей его среды. В XIX в. расцвели наиболее лиричные, интимные виды искусства, в которых зритель как бы остаётся наедине с автором, — живопись, музыка и художественная литература; а искусства, адресованные многим, например архитектура, переживали кризис.  В XIX столетии европейцы начали осознавать единство человечества, равноправие разных народов и культур. Наряду с античностью они открыли для себя средние века — своё национальное прошлое — и мусульманский мир. Широкой публике стали доступны многочисленные музеи, они служили великолепной школой для будущих художников. В искусстве первой половины XIX в. соперничали два направления — неоклассицизм и романтизм. Расцвет неоклассицизма пришёлся на годы Великой французской революции и период правления Наполеона I. Этот стиль господствовал в архитектуре, изобразительном и декоративно-прикладном искусстве на протяжении трёх первых десятилетий XIX в. Для людей того времени жизнь древних греков и римлян была не только идеалом красоты, но и моделью мира, который они пытались построить. Новое направление в европейской культуре — романтизм (франц. romantisme) — выражало взгляды молодого поколения рубежа XVIII— XIX вв., испытавшего разочарование в прописных истинах Просвещения. Мир романтиков таинствен, противоречив и безграничен; художник должен был воплотить его многообразие в своём творчестве. Для художника-романтика не было и не могло быть законов в искусстве: ведь всё, что он создавал, рождалось в глубине его души. Единственное правило, которое он чтил, — это верность себе, искренность художественного языка. В первой половине XIX столетия в Европе развернулось невиданное по размаху градостроительство. Париж, Берлин — обрели свой характерный облик; в их архитектурных ансамблях усилилась роль общественных зданий. Неоклассицизм в первой половине XIX в. пережил поздний расцвет. К середине столетия основной проблемой европейского зодчества стали поиски стиля. Вследствие романтического увлечения стариной многие мастера попытались возродить традиции архитектуры прошлого — так возникли неоготика, неоренессанс, необарокко. Усилия зодчих нередко приводили к эклектизму. Архитектура Франции В годы Великой французской революции во Франции не построили ни одного долговечного сооружения. На площади Бастилии, на руинах старой тюрьмы, воздвигли павильон с надписью: «Здесь танцуют». Площадь Людовика XVбыла названа площадью Революции (ныне площадь Согласия) и дополнена триумфальными арками «в честь побед, одержанных над тиранией», статуями Свободы, фонтанами с эмблемами. Позднее на местеконной статуи Людовика XVв центре площади установили гильотину. Марсово поле стало местом народных собраний с алтарём Отечества в центре. Париж был украшен новыми монументами: скульптурными памятниками «Возрождённая природа», «Слава французского народа», колонной в честь солдат, умерших за родину, и др.В искусстве наполеоновской Франции господствующая роль осталась за неоклассицизмом (который в своё время был объявлен Конвентом, т.е. официальным стилем революции). При этом архитектурные формы приобрели особую пышность и торжественность, а масштабы строительства — грандиозный размах. Неоклассицизм времён Наполеона I получил название ампир (франц. empire — «империя»). Главным мероприятием Наполеона в области архитектуры стала реконструкция Парижа. По плану перестройки французской столицы, предполагалось связать средневековые кварталы системой проспектов, пересекающих город по оси «восток — запад», повторив маршрут революционных праздничных шествий от руин Бастилии до площади Революции (Согласия). Этот проект был осуществлён, но в изменённом виде; теперь ансамбль парадного центра города включал дворцовые комплексы Луври Тюильри,площадь Согласия. Отсюда новый проспект Елисейские Поля вёл к западной окраине города, где скрещивалось несколько дорог (в 1970 г. переименованная в площадь Шарля де Голля). Ключевые пункты новой планировки столицы были отмечены монументами, прославлявшими победы императорской армии. Нередко их проектировали, используя черты известных древнеримских памятников. Например,триумфальная колоннанаВандомской площадиповторила формуколонны императора Траяна, а въездные ворота дворца Тюильри, которые сейчас более известны кактриумфальная аркаплощади Карусель, — уменьшенная копия знаменитойтриумфальной арки Септимия Севера.Живопись Франции В первой половине XIX в. французская школа живописи упрочила своё первенство в искусстве Западной Европы. Теодор Жерико и Эжен Делакруа творчески восприняли их свободную манеру и колорит, подготовив рождение импрессионизма и тем самым всей современной живописи. К началу XIX в. общепризнанным лидером среди французских художников был Жак Луи Давид (1748—1825) — самый последовательный представитель неоклассицизма в живописи и чуткий летописец своего бурного времени. Творчество Давида имеет ярко выраженную публицистическую направленность, художник стремится выразить героические идеалы через образы античности («Клятва Горациев»). Во время революции Давид исполнил несколько исторических картин на современные темы. При Наполеоне I создал ряд заказных декоративно-эффектных парадных композиций («Наполеон при переходе через Сен-Бернар»). Писал мифологические композиции, работал в жанре портрета («Портрет Пьера Серизиа»). Среди учеников Давида были Жан Антуан Гро (1771—1835) и  Жан Огюст Доминик Энгр (1780—1867). Основоположником романтического направления в изобразительном искусстве был французский живописец и график Теодор Жерико (1791—1824). Жерико первым во французской живописи выразил свойственное романтизму острое чувство конфликтности мира, стремление к воплощению драматических явлений современности и сильных страстей («Плот «Медузы»). Ранние произведения Жерико отражают героику наполеоновских войн («Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку»). Жерико создавал исторические композиции, писал лошадей и сцены скачек, портреты, в том числе серию портретов душевнобольных. Жерико выступил пионером литографии во Франции («Возвращение из России»). Работал также в области скульптуры.  20-е гг. XIX в. были для Франции временем становления романтического искусства. Молодые художники объявили своим учителям настоящую войну. Живописец Эжен Фердинанд Виктор Делакруа (1798—1863). Художник предпочитал сюжеты, полные драматизма и внутренней напряженности. Он создавал исторические картины, в том числе на современные темы («Резня на Хиосе»); писал религиозные и мифологические композиции, портреты. Широко известны исполненные Делакруа произведения монументальной живописи — росписи Бурбонского и Люксембургского дворцов, Парижской ратуши и церкви Сен-Сюльпис. Делакруа работал также в области графики — в частности, создал серии литографических иллюстраций к «Фаусту» Гёте («Фауст, соблазняющий Маргариту») и «Гамлету» Шекспира. Эжен Делакруа — самый независимый живописец во Франции первой половины XIX в. Его живописная система явилась новым шагом в развитии французской живописи. Художник одним из первых начал применять принцип разложения цвета, систему дополнительных тонов, цветовых теней и рефлексов, отчасти предвосхитив открытия импрессионизма. Архитектура Германии Крупнейшим центром зодчества в Германии в первой половине XIX в. был Берлин. Развитие немецкой архитектурной школы этого периода во многом определило творчество двух мастеров — К. Ф. Шинкеля и Ф. К. Л. фон Кленце. Карл Фридрих Шинкель (1781—1841) — виднейший немецкий архитектор первой половины XIX в. В истории искусства Шинкель занял почетное место как новатор немецкой архитектуры, выведший ее из застоя, в котором она находилась в начале XIX столетия. Он стремился возродить зодчество классической древности, преимущественно древнегреческое, применяя его к условиям северного климата и к потребностям современной жизни, в чем и преуспел. Главные его произведения выдержаны в более или менее строгом греческом стиле. Новая караульня в Берлине, возведённая по его проекту в 1816—18 гг., — суровое приземистое здание с глухими стенами. Угловые выступы усиливают впечатление мощности сооружения, портик же вносит в композицию оттенок официальной торжественности. Самая известная постройка Шинкеля — Старый музей в Берлине (1824—28), прообразом которого послужила греческая стоя (открытая колоннада). Романтические устремления Шинкеля проявились в его увлечении неоготикой (Вердерская церковь, 1825—28). В последнее десятилетие Шинкель создает целый ряд проектов нового типа (Строительная академия в Берлине, 1831—35) — связывающих творчество великого зодчего с рационалистическими тенденциями архитектуры эпохи модерна. Другой крупнейший представитель неоклассицизма — Франц Карл Лео фон Кленце (1784—1864) — был придворным архитектором короля Баварии Людвига I, чье страстное увлечение древнегреческим искусством оказало значительное влияние на формирование стиля зодчего. Произведениям Кленце, возродившим формы древнегреческого зодчества, свойственны внушительная мощь и торжественная представительность. Кленце много и плодотворно занимался градостроительными работами (Мюнхен, Афины), в основе которых лежит строгая логичность и регулярность планировки архитектурных ансамблей улиц и площадей. Самые знаменитые работы в Мюнхене— ансамбль площади Кёнигсплац, спроектированной по античному образцу: «дорические» Пропилеи (1846—60), «ионическая» Глиптотека (1816—30), «коринфское» Античное собрание. Живопись Германии Германия в начале XIX в. переживала общественно-политический подъём. В те годы в Германии сильным было увлечение средневековьем, возрос интерес к национальной истории и культуре. Одним из самых ярких представителей романтизма в немецкой живописи первой половины XIX столетия был Филипп Отто Рунге (1777—1810) — живописец, график и теоретик искусства. Большую часть творческого наследия Рунге составляют портреты, в которых пристальное внимание к натуре сочетается с глубокой эмоциональностью, скрытой под внешней созерцательностью образов («Портрет родителей художника с внуками»). Рунге создал глубоко символичный аллегорический цикл «Времена дня» (не закончен), в котором воплотил свои представления о мистической одухотворенности природы, о слиянии художника-творца с мирозданием («Утро, малый вариант»). Европейская скульптура в начале XIX в. Европейская скульптура в начале XIX века пережила краткий период расцвета. Но уже в 20-х гг. он сменился упадком и застоем. Господствующим и наиболее плодотворным стилем оставался неоклассицизм.  Романтизм привнёс в скульптуру интерес к личности; о его влиянии свидетельствуют многочисленные памятники великим людям прошлого, воздвигнутые в различных европейских городах в 20—30-е гг. XIX в. В целом же скульптура с её обобщённым художественным языком не могла вместить всего многообразия впечатлений от жизни, которая менялась буквально на глазах. Главным искусством XIX столетия стала живопись, а скульптуре предстояло ещё долго идти по пути мелочного и унылого натурализма, до тех пор пока в 80-е гг. французский мастер Огюст Роден не вернул её высокое предназначение. Одно из самых значительных мест в истории европейского искусства XVIII — начала XIX вв. занимает имя Антонио Кановы — итальянского скульптора, крупнейшего представителя неоклассицизма. Канова работал в различных жанрах. Основоположник неоклассицистического надгробия в итальянском искусстве, он создал целый ряд блестящих мемориальных памятников (надгробие эрцгерцогини Марии Кристины Австрийской). В портретных бюстах современников воплотил свои представления о гражданственности, нравственных идеалах, возвышенной красоте человеческого духа. В духе романтических идеалов эпохи обращался к религиозным сюжетам («Кающаяся Мария Магдалина»). Создавал статуи-аллегории, исторические монументы. Подлинной классикой мировой скульптуры стали мифологические статуи и скульптурные группы Кановы, отличающиеся необыкновенной легкостью движения фигур, грациозностью жестов, ясностью и изяществом пластической формы («Амур и Психея»). Наряду с Кановой крупнейшим представителем неоклассицизма в европейском искусстве был датский скульптор Бертель Торвальдсен (1768/1770—1844). Лучшие творения Торвальдсена (гл. обр., на мифологические сюжеты) отличаются строгой гармонией композиции, пластической завершенностью, ясной и отчетливой красотой скульптурной формы («Ганимед, кормящий Зевсова орла», «Меркурий»). Торвальдсен много и плодотворно работал в рельефе, создав целый ряд выдающихся произведений неоклассицизма («Гименей и Амур»). Торвальдсен создал большое количество портретных бюстов, увековечив в мраморе монархов и многочисленных представителей аристократии целого ряда государств. Торвальлдсен разрабатывал также библейские и христианские мотивы, однако эти работы не стали самыми удачными в его творчестве. Крупным мастером неоклассицизма был Готфрид фон Шадов (1764—1850) — немецкий скульптор, рисовальщик и гравер. Часто используя мотивы античной пластики, Шадов создавал как строгие официальные монументы (квадрига с фигурой Победы для Бранденбургских ворот в Берлине), так и более камерные композиции, отмеченные пластической грацией и эмоциональной открытостью («Кронпринцесса Луиза и принцесса Фредерика»). Однако скульптору была ближе реалистическая, почти бытовая трактовка образов, даже когда он работал над памятниками (статуя генерала Х.И. фон Цитена). Шадов прославился как портретист; он создал целый ряд портретных бюстов деятелей немецкой культуры («И.В. Гёте», 1808, Нац. галерея, Берлин), блестящим реалистом проявил себя и в официальных портретах. Работал в области мемориальной скульптуры. Живопись Испании После расцвета в XVII столетии испанская живопись переживала упадок. Её художники работали под влиянием итальянской и французской традиций, а их полотна были слабыми и подражательными. В это время сформировался талант Франсиско Гойи (1746—1828) — испанского живописца, рисовальщика и гравера. В его работах как в зеркале отразились события, происходившие в стране на протяжении более чем пятидесяти лет. Гойя исполнил росписи церквей и монастырей в Сарагосе и Мадриде. Для Королевской шпалерной мануфактуры написал свыше шестидесяти монументально-декоративных панно, изображающих сцены повседневной жизни, труда и праздничных народных развлечений («Продавец посуды»). Гойя известен как блестящий портретист. Даже выполняя официальные заказы, ему удавалось создать яркий образ, передать наиболее характерные черты модели («Портрет герцогини Альба»). Гойя создавал также религиозные, мифологические, исторические композиции («Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года»), жанровые сцены («Кузнецы»). Одно из наиболее значительных произведений Гойи — серия офортов «Капричос» (1797—98), в которой он создал причудливый мир, где реальное переплетается с фантастическим: сцены с натуры и гротескные картинки, высмеивающие человеческие пороки; сатира на существующие в обществе порядки и царство фантасмагории и чертовщины («Какой златоуст!»).  В 1823 г. завершилась вторая революция. Эти события нашли отражение в новой серии офортов, получившей название «Бедствия войны» (1810—20). В этих графических работах присутствует жестокий реализм, который позволяет зрителю пережить войну вместе с художником как чудовищную катастрофу («Все проходит»). Назарейцы Новой чертой культурной жизни Европы в XIX в. стало появление групп художников, связанных общими взглядами на искусство. Едва ли не первым таким объединением был «Союз Святого Луки», который основали в 1809 г. студенты венской Академии художеств Фридрих Иоганн Овербек и Франц Пфорр. Смыслом их искусства было христианское благочестие, основным творческим методом — подражание немецким и итальянским живописцам XV в. Молодые мастера сразу вступили в конфликт со сторонниками неоклассицизма, а впоследствии породило насмешливое прозвище «назарейцы». Романтизм «Союза Св. Луки» можно назвать классицизмом наизнанку; это чувствовал Каспар Давид Фридрих, сравнивавший его художников с ростовщиками, которые живут прибылью с чужой собственности. Назарейцы не пошли дальше прекрасной и благородной мечты о духовно богатом и общественно значимом искусстве.  Живопись бидермейера Бидермейер (нем. Biedermeier) — стиль в искусстве Германии и Австрии, который развивался в 10— 40-х гг. XIX в. Название ему дали пародийные юмористические стихи Л. Эйхродта и А. Куссмауля. Их вымышленный автор, учитель Готлиб Бидермейер — скромный обыватель: благодушный, сентиментальный, незадачливый, любитель спокойной жизни и уюта.  Для живописи бидермейера характерны небольшой формат полотен, тщательная и тонкая манера письма, как правило, отсутствие действия в изображаемых сценах, пристрастие к мелким деталям. Бидермейер освоил художественный опыт романтизма с его поэтическим взглядом на мир, порой окрашенным иронией, но при этом сгладил крайности этого стиля, «одомашнил» его в соответствии с бесконфликтной натурой обывателя. Мастера бидермейера пробовали силы в портрете, пейзаже и других жанрах, но ярчайшим выражением стиля стала бытовая живопись.Бидермейер унаследовал от романтизма интерес к отечественной истории и фольклору, в особенности к миру немецких сказок. Типичным представителем австрийского бидермейера был Фердинанд Георг Вальдмюллер (1793—1865).  Живопись Англии В английской живописи академическая школа, основы которой были заложены в XVIII столетии первым президентом Королевской академии искусств Джошуа Рейнолдсом, сохраняла главенствующее положение в течение всей первой половины XIX в. Однако наиболее заметным явлением в те годы оказался пейзаж, который в академической среде воспринимался как второстепенный, незначительный жанр. С одной стороны, стремление к реальному отображению мира, утверждение самоценности простых сельских ландшафтов, а с другой — природа как мир страстей и бурных переживаний — всё это нашло яркое выражение в творчестве английских художников. Искусство Англии вступило в эпоху романтизма. Поэт и художник Уильям Блейк стоит особняком в истории английского искусства. Личность сложная и неоднозначная, Блейк был для своего времени знаковой фигурой, воплощением духа романтизма. У Блейка мир поэзии и изобразительного искусства взаимопроникают друг в друга, так что их невозможно разделить («Когда запели звезды». Иллюстрация к Книге Иова). В его графике нельзя точно определить, где заканчивается текст и начинается иллюстрация. Более того, нельзя с уверенностью сказать, что изображение иллюстрирует текст, а не наоборот, это их абсолютный синтез. Стиль Блейка для европейского искусства XIX в. уникален. Пейзажист Джон Констебл как художник сложился самостоятельно, изучая природу и произведения Я. Рёйсдала, Н. Пуссена, К. Лоррена, а также английских пейзажистов XVIII в. Отказавшись от всякой идеализации природы, Констебл изображал обыденную сельскую местность во всей её свежести и непосредственности, воссоздавая трепетность свето-воздушной среды. Свои пейзажи Констебл создавал на основе огромного количества пленэрных этюдов, а некоторые картины, впервые в истории пейзажа, писал целиком с натуры. Искусство Констебла оказало заметное влияние на французскую романтическую живопись, сыграло важную роль в формировании Барбизонской школы. Один из самых успешных художников в истории искусства, Уильям Тёрнер вошел в историю как мастер морских далей и небесных просторов, виртуоз света и туманной дымки. Тёрнер создал новый тип романтического пейзажа. Сумев преодолеть рамки описательности и пристрастие к изображению руин, он превратил пейзаж в средство выражения романтических переживаний («Венеция. Вид на восток от острова Джудекка. Восход»). Позднее приемы изображения различных состояний свето-воздушной среды были перенесены им в масляную живопись. Декоративно-прикладное искусство Каждая эпоха накладывает свой отпечаток на предметы, окружающие человека. Мастера копировали античную мебель и посуду, найденные при раскопках в Помпеях, в декоративно-прикладном искусстве возобладало влияние императорского Рима и эпохи Возрождения. В наполеоновские времена Европа послушно повторяла пришедшие из Франции формы, мотивы и орнаменты. Только Англия, отвергая всё французское, ориентировалась на устаревшие образцы XVIII в. да российские мастера проявляли заметную творческую самостоятельность. Лишь после 1815 г. декоративно-прикладные изделия каждой страны обрели своеобразные национальные черты, но законодательницей вкусов оставалась Франция.  В 1815 г. империя Наполеона пала, правление Бурбонов было восстановлено, наступил период Реставрации (1815—30). Стиль Реставрации унаследовал многое от ампира, но полностью утратил присущую ему строгость пропорций и форм, а украшения стали чрезмерно тяжеловесными и пышными. В Германии и Австрии процветал стиль бидермейер. Для созданных в этом стиле предметов характерны неприхотливость и лёгкость очертаний, которые ценились больше, чем пышность и величественность.  До начала XIX в. любое изделие — кувшин, серьги или мебельный гарнитур — было неповторимым произведением мастера, который создавал его от начала и до конца. Позднее мастера заменили художник, рисовавший будущую вещь, и ремесленник, воплощавший замысел в дереве, фарфоре, металле. По одному рисунку изготовляли десятки одинаковых предметов. Часть работы стали выполнять механизмы, и декоративно-прикладное искусство к середине XIX в. постепенно превратилось в отрасль промышленности. Таким образом, рассматривая искусство данного периода следует отметить наличие двух тенденций, которые развиваются уже в искусстве первой трети XIX века: с одной стороны, в стилях "ампир" и "неоклассицизм" создаются величественные образы скульптуры, архитектуры и живописи. Их задача- создание героической действительности, сообщить произведениям высокий гражданский пафос. Как и многие "большие" стили, ампир, объединив лишь на некоторое время всю Европу, был обречён на весьма непродолжительное существование. Что же касается романтизма, то с его подлинным расцветом будет связан уже следующий период в искусстве Европы и Франции.