11. Европейское искусство эпохи барокко

Барокко (от итал. barocco — «порочный», «распущенный», от порт. perola barroca — дословно «жемчужина с пороком») — стиль европейского искусства XVII—XVIII веков, центром которой была Италия. Искусству барокко свойственны грандиозность, пышность и динамика, патетическая приподнятость, интенсивность чувств, эффектность, совмещение иллюзорного и реального, контрасты масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени. Полнота жизни в чувственно-телесной радости бытия и в трагических конфликтах составляют основу прекрасного в искусстве барокко.

Живопись барокко отличается динамизмом, чувственностью и пышностью форм, самые характерные черты барокко в живописи — броская цветистость и динамичность.

Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Веласкес, Рибера, Эль Греко и Сурбаран. Для искусства Испании характерна декоративность, изощрённость форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, возвышенного и смешного.

В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франца Халса — в Харлеме, Рембранта — в Амстердаме, Вермеера — в Делфте. В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни.

В первой половине 18 столетия барокко эволюционирует к грациозной легкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с конца 18 столетия повсеместно вытесняется классицизмом.

Рассмотрим подробнее отдельных ярких представителей европейских художественных школ этого периода.

Караваджо, полное имя Микеланджело Меризи де Караваджо (годы жизни 1573–1610) - итальянский живописец, один из крупнейших мастеров барокко.

Портрет Караваджо

работы Оттавио Леони,

ок. 1610 года

Караваджо внес большой вклад в становление бытового жанра. Зрелые произведения художника - это монументальные полотна, обладающие исключительной драматической силой. Живописная манера Караваджо в этот период основана на мощных контрастах света и тени (так называемая манера письма «кьяроскуро»), выразительной простоте жестов, энергичной лепке объемов, насыщенности колорита - приёмах, создающих эмоциональное напряжение, острую аффектацию чувств. В поздних произведениях Караваджо обращается к теме одиночества человека, его привлекает образ небольшого содружества людей, объединённых родственной близостью и душевным теплом.

Реалистичность и правдивость трактовки натуры вызвали множество нападок на Караваджо со стороны духовенства и официальных лиц. Тем не менее, в самой Италии нашлось много его последователей, получивших название караваджистов. Через этап караваджизма прошли Питер Пауль Рубенс, Диего Веласкес, Рембрандт ван Рейн, Жорж де Латур.

Меризи да Караваджо. 1594-1595 гг. Мальчик, укушенный ящерицей.

Картина Караваджо «Мальчик, укушенный ящерицей» принадлежит к раннему периоду творчества художника. Эта картина является самым необычным жанровым натюрмортом для живописи этого периода. Караваджо в своей работе чрезвычайно реалистично показал через мгновенное действие реакцию персонажа картины на боль. Сюжет картины повествует, как мальчик подскакивает от укуса ящерицы, скрытой среди фруктов. Великолепный натюрморт размещен художником между подростком и зрителями. С огромным реализмом написаны стеклянная ваза с веточкой жасмина, гроздь вишен около вазы, отражение комнаты в изгибающемся контуре сосуда.

Композиция и замысел этой картины может иметь аллегорическое значение и являться повествованием о душевной боли, которую может причинить внезапное и неразделенное чувство.

Меризи да Караваджо. Лютнист. 1596г.

К числу лучших портретно-жанровых картин Караваджо относится «Лютнист». Перед юношей на столе художник изобразил скрипку, ноты, фрукты; рядом с ними вазу с цветами. С отточенным мастерством написаны мастером все эти предметы в своей осязаемой плотности, округлости и вещественности. Светотенью вылеплено лицо и фигура юноши, тёмный фон подчеркивает насыщенность выступающих вперед светлых тонов, предметность всего представленного живописцем на картине.

Караваджо точно передал эффект взаимного влияния освещенных предметов: на щёку лютниста падает отблеск его белой рубашки, а на тыльную сторону лютни — рефлекс от страниц нотной тетради.

Картина «Юдифь и Олоферн» была написана Караваджо по мотивам ветхозаветной второканонической «Книги Юдифи». Иудейская красавица, вдова Юдифь соблазнила вавилонского военачальника Олоферна, осадившего со своим войском иудейский город, при помощи служанки отрезала ему голову и отослала её в стан вражеских войск. Иудеи воспользовались смятением во вражеском лагере и разгромили вавилонские войска. Современникам Караваджо Юдифь представлялась образцом добродетели.

Черты лица Юдифи на картине Караваджо выражают не триумф или страсть, а скорее решимость и отвращение. Она убивает беззащитного Олоферна без применения большой силы, стараясь держаться подальше от своей жертвы.

Меризи да Караваджо. Саломея с головой Иоанна Крестителя 1607-1610 гг.

Большинство художников изображали Юдифь уже после убийства, с головой Олоферна в руках. Караваджо запечатлел сам момент обезглавливания, когда голова наполовину отделена от тела, но жертва всё ещё жива. Глаза Олоферна вылезли из орбит, рот замер в крике. Кроме этой картины Караваджо посвятил обезглавливанию «Жертвоприношение Исаака», «Саломея с головой Иоанна Крестителя», «Обезглавливание Иоанна Крестителя» и «Давид и Голиаф».

Меризи да Караваджо. Юдифь, убивающая Олоферна. 1597-1598 гг.

Другие известные произведения Меризи да Караваджо:

«Маленький больной Вакх», «Юноша с корзиной фруктов», «Шулеры».

Питер Пауль Рубенс. Автопортрет. 1623 г.

Питер Пауль Рубенс (годы жизни 1577-1640) - великий фламандский живописец-монументалист, график, архитектор-декоратор, оформитель театральных зрелищ, талантливый дипломат, ученый-гуманист. Рубенс — создатель монументальных барочных композиций, то запечатлевающих апофеоз героя, то исполненных трагизма. Сила пластического воображения, мощный реализм, динамичность форм и ритмов, торжество декоративного начала лежат в основе творчества Рубенса. Исполненное страстного жизнелюбия, многогранное и виртуозное творчество Рубенса оказало большое влияние на творчество художников XVIII-XIX веков.

Питер Пауль Рубенс. Суд Париса. 1605 г.

В картине «Суд Париса» раннего периода творчества Рубенс изобразил один из популярнейших мифологических сюжетов с яркостью и великолепием, типичными для стиля барокко. Роскошный колорит и трепетные, волнообразные движения кисти передают чувственную красоту женского тела. В дальнейшем при повторных вариантах этого сюжета (к нему художник возвращался на протяжении всей своей творческой жизни), чтобы передать чувственный трепет жизни, Рубенс использовал богатую цветовую гамму, вдохновляемый венецианскими мастерами, Тицианом и Веронезе. Текучие мазки кисти, сочный цвет и повышенная эмоциональность его композиций создали ему репутацию величайшего барочного живописца к северу от Альп.

Питер Пауль Рубенс. Союз Земли и Воды. 1618 г.

Картина Рубенса «Союз Земли и Воды» написана под сильным влиянием итальянских живописцев Тициана и Каррачи и изображает аллегорическую сцену союза Земли, которую олицетворяет чувственно прекрасная богиня Кибела, держащая в руке рог изобилия, и Воды - морского бога Нептуна, полного энергии и силы. Этот союз освящает крылатая Виктория, возлагающая золотую корону на голову богини. Современники Рубенса считали, что художник изобразил здесь союз города Антверпена с рекой Шельдой, то есть союз торговли и морских дорог - символ процветания Фландрии.

В 1620-е годы Рубенс много работал как портретист. Художник продолжил гуманистическую традицию портрета Высокого Возрождения, но проявил более непосредственное, личное отношение к людям, раскрывая чувственную полноту жизни и обаяние модели. «Портрет камеристки инфанты Изабеллы» чарует трепетом жизни, лиризмом юного образа. Лицо девушки, окруженное жемчужно-белой пеной воротника,

Питер Пауль Рубенс. Портрет камеристки инфанты Изабеллы 1624 г.

выделяется на темном фоне. Легкость письма, золотистые рефлексы и прозрачные тени, сопоставленные со свободно положенными холодными бликами, передают ясность и чистоту ее душевного мира. Волнистая линия мазка порождает иллюзию вибрации поверхности, ощущение внутренней жизни, движения. Считается, что в этом образе хрупкой юной девушки Рубенс попытался воплотить идеализированное представление о безвременно умершей дочери Кларе Сирене.

Питер Пауль Рубенс. Шубка 1630-е гг.

В 1626 году умерла первая жена Рубенса, Изабелла Брант. Женитьба Рубенса в 1630 году на шестнадцатилетней Елене Фаурмент стала новым этапом жизни художника, исполненным безмятежного семейного счастья. Рубенс приобретает поместье, включающее замок Стен (отсюда название этого периода — «стеновый»). Мастерство позднего Рубенса с блеском проявляется в сравнительно небольших произведениях, образ молодой жены становится лейтмотивом его творчества этого периода.

Из многочисленных, более двадцати, портретов Елены Фаурмент пользуется особой известностью венский портрет «Шубка» (известен и под названием «Венера в мехах»). Художник создает редкий по откровенности личного чувства и пленительности живописи образ обнаженной Елены с накинутой на плечи шубкой. Образ Елены Фаурмент, молодой фламандки, с ее упругим телом, атласной кожей, мягкими пушистыми волосами, блестящими глазами — пышной, цветущей, женственно-обаятельной, в этой картине полон особой свежести. Переливающееся нежными перламутровыми красками тело Елены Фаурмент оттенено темным пушистым мехом шубки, художник тонко чувствует оттенки полупрозрачных красок, нежных, красноватых теней, розовых мазков, переходящих друг в друга.

Другие известные произведения Питера Рубенса:

«Туалет Венеры», «Прометей прикованный», «Венера у зеркала», «Конный портрет Филиппа II», «Три грации».

Рембрандт Харменс ван Рейн. Автопортрет 1660 г.

Рембрандт Харменс ван Рейн (годы жизни 1606-1669), голландский живописец, рисовальщик и офортист. Творчество Рембрандта, проникнутое стремлением к глубоко философскому постижению жизни, внутреннего мира человека со всем богатством его душевных переживаний, знаменует собой вершину развития голландского искусства XVII века. Художественное наследие Рембрандта отличается исключительным многообразием: он писал портреты, натюрморты, пейзажи, жанровые сцены, картины на исторические, библейские, мифологические темы, Рембрандт был непревзойденным мастером рисунка и офорта. Влияние искусства Рембрандта было громадным, оно сказалось на творчестве не только его непосредственных учеников, из которых ближе всех подошел к пониманию учителя Карел Фабрициус, но и на искусстве каждого более или менее значительного голландского художника. Глубочайшее воздействие оказало впоследствии искусство Рембрандта и на развитие всего мирового реалистического искусства.

Рембрандт. Урок анатомии доктора Николаса Тюльпа. 1632 г.

Первая картина, прославившая Рембрандта – «Урок анатомии доктора Николаса Тюльпа». Голландская школа славилась групповыми портретами, а этот предназначался в дар доктору Тюльпу, причем его коллеги рассчитывали предстать на картине в самом выгодном свете. Живописец с блеском справился с этой задачей: передал индивидуальность каждого и объединил персонажей в цельную композицию: Тюльп читает лекцию, а слушатели с профессиональным интересом всматриваются в труп казненного преступника. Скорее всего, первоначально на картине были изображены шесть человек, а крайний слева и самый верхний дописаны художником позднее, как и список с именами собравшихся, находящийся в руках одного из персонажей.

Свободны и разнообразны по композиции автопортреты Рембрандта и портреты близких ему людей, в которых художник смело экспериментирует в поисках психологической выразительности.

Время создания картины “Автопортрет с Саскией” (другое её название «Блудный сын в таверне) относится к самому счастливому периоду жизни Рембрандта, когда он и добился популярности как художник, и был счастлив в семейной жизни. Это единственная картина Рембрандта, на которой он изобразил себя со своей первой женой Саскией.

Рембрандт. Блудный сын в таверне. (“Автопортрет с Саскией”), 1635 г.

Существует версия, что первоначально на картине были и другие персонажи, но потом художник решил оставить только себя и Саскию, и холст с левой стороны был обрезан самим Рембрандтом.

В картине “Автопортрет с Саскией” Рембрандт смело порывает с художественными канонами, её отличает живая непосредственность композиции, свободная манера живописи, мажорная, наполненная светом, красочная гамма.

Рембрандт. Даная. 1636—1647 гг.

В этот же период Рембрандт начинает писать знаменитую «Данаю». Классический сюжет картины — явление Зевса в виде золотого дождя к находящейся в заключении Данае, дочери царя Аргоса. Молодая обнажённая женщина в постели освещена потоком тёплого солнечного света, падающего через сдвинутый служанкой полог. Женщина приподняла голову над подушкой, протянув правую руку навстречу свету, словно пытаясь почувствовать его своей ладонью. Её доверчивый взгляд обращён в сторону света, губы чуть приоткрылись в полуулыбке. Обнажённое тело молодой женщины привлекает внимание мягкими контурами, игрой света и тени. Беззащитность и мягкость чувствуется во всей её фигуре, которая, несмотря на несоответствие современным канонам, является символом женственности и красоты.

Рембрандт. Ночной дозор. 1642 г.

В 1642 году Рембрандт получил заказ на один из шести групповых портретов амстердамских военных. При создании этого самого масштабного из своих произведений Рембрандт порвал с канонами голландской портретной живописи, за два столетия предсказав художественные находки XIX века — эпохи реализма и импрессионизма. Модели были изображены непосредственно в движении, что не было одобрено заказчиками, многие из них на картине оказались задвинутыми на задний план.

Монументальное полотно Рембрандта, запечатлевшее внезапное выступление в поход стрелковой роты, возглавляемой её командирами, было решено им как массовая сцена, пронизанная движением толпы конкретных и безымянных персонажей и построенная на мерцающем контрасте ярко освещенных цветовых пятен и затенённых зон. Весь композиционный и колористический строй картины проникнут торжественностью и героическим воодушевлением.

Рембрандт. Возвращение блудного сына. 1669 г.

Одно из последних полотен Рембрандта – «Возвращение блудного сына», где художник исследует общечеловеческое значение библейской притчи. В картине господствует фигура отца, возлагающего на плечи блудного сына руки широким, благословляющим жестом. Фигура сына изображена Рембрандтом со спины, стоящей перед отцом на коленях, образуя с ним монументальную группу. Отец - полный достоинства, с благородными чертами лица, одетый в царственно звучащие красные одеяния, кладёт руки на грязную рубашку сына, словно совершая священное таинство, внушая зрителю самые возвышенные чувства.

Другие известные произведения Рембрандта:

«Флора», «Святое семейство», «Христос, исцеляющий больных», «Синдики», «Аристотель с бюстом Гомера», «Еврейская невеста».

Диего Веласкес. Автопортрет. 1640 г.

Диего Веласкес (годы жизни 1599–1660), великий испанский живописец.

На формирование Диего Веласкеса как художника-портретиста большое влияние оказала жизнь при королевском дворе, научившая мастера постигать глубины человеческого характера, скрытые под маской придворного этикета.

В основе творческого метода Веласкеса лежит глубокое постижение жизни во всем богатстве и противоречивости её проявлений, целостность её образно-пластического воплощения, единство всех составляющих художественной формы.

Диего Веласкес. Венера с зеркалом. 1647-1651 гг.

Единственное сохранившиеся изображение обнаженной натуры в творчестве Веласкеса – картина «Венера с зеркалом». Подобные «греховные» сюжеты осуждались и запрещались Святой Инквизицией в Испании. В работе ощущается сильное влияние итальянской школы, и в первую очередь, творчества Тициана. В этой работе Веласкес объединил две устоявшиеся позы, в которых изображалась Венера — полулежащая и с зеркалом. Живопись Веласкеса здесь отличается прекрасными цветовыми контрастами: телесные тона кожи Купидона, более тёмные, чем тона кожи Венеры, контрастируют с его крыльями и перевязью; шёлковые простыни, на которых лежит богиня, находятся в контрасте с телесными тонами бархатистой кожи богини; чёрная рама зеркала чётко выделяется на заднем плане, вместе с обрамлением самой картины «эффект рамы» словно удваивается.

В 1650 Диего Веласкес едет в Рим, где пишет портрет папы Иннокентия Х. Эта работа Веласкеса по праву считается одной из вершин портретной живописи. Художник замечательно сумел выразить в портрете жёсткий характер папы. По свидетельствам современников, жестокость и подозрительность прекрасно уживались в Иннокентии Х с острым умом, замечательной образованностью и несгибаемой волей. Картина необыкновенно характерна для виртуозной манеры Веласкеса - особенно это проявляется в том, как он создает ослепительную гамму красных тонов. Колористическая гамма сконцентрирована на двух тонах — красном и белом, красный цвет разнообразен множеством оттенков. В

Диего Веласкес. Портрет папы Иннокентия Х. 1650 г.

контрасте к красному цвету выделяется белый цвет сутаны, воротника, манжет. Световые блики ложатся на румяное лицо папы, Веласкес прописывает даже капельки пота, выступившие на лбу и на носу модели. Глубоко посаженные, холодные глаза персонажа внимательно смотрят на зрителя, открывая нам человека умного, проницательного, коварного и безмерно жестокого. Контуры пальцев правой руки слегка размыты, и это создает ощущение, будто они нервно подрагивают от избытка рвущейся наружу энергии. Сам Иннокентий Х был в восторге от этой работы Веласкеса, хоть и сказал о ней: «Чересчур правдиво!».

Диего Веласкес. Менины. 1656 г.

«Менины» - одна из самых загадочных картин Веласкеса. В центре композиции представлена пятилетняя дочь испанского короля Филиппа IV, инфанта Маргарита, в окружении свиты служанок и карликов; слева Веласкес изобразил самого себя работающим над большим портретом короля и королевы, который отражается в зеркале на заднем плане. Сюжет полотна может трактоваться как портрет инфанты Маргариты в момент, когда в мастерскую заглянули король с королевой; или же это портрет королевской четы, когда в мастерскую вбежала инфанта со своими фрейлинами и карликами; а возможно художник изобразил самого себя в момент творчества.

Диего Веласкес. Портрет придворного карлика дона Себастьяна дель Морра. 1644 г.

В серии портретов шутов и карликов испанского двора художник Веласкес психологически точно, откровенно и непредвзято раскрывает характеры комедиантов, их душевное состояние, мир переживаний, поднимающийся подчас до скорбного трагизма. Этим портретам зрелого периода творчества художника Диего Веласкеса в большой степени свойственен артистизм и психологическая завершённость.

В портрете Себастьяна Морра, карлика с умным и печальным взглядом, почти полностью отсутствуют аксессуары; глубокий серо-коричневый фон, просвечивающий сквозь тонкий красочный слой холст - все это создаёт драматический психологизм картины.

Другие известные произведения Диего Веласкеса:

«Портрет Филиппа IV», «Конный портрет инфанта Балтазара Карлоса», «Изабелла Бурбонская», «Королева Мария-Анна Австрийская», «Портрет инфанты Маргариты в восьмилетнем возрасте».

Контрольные вопросы:
- особенности стиля барокко в изобразительном искусстве;
- творчество Меризи да Караваджо;	- творчество Питера Рубенса;
- творчество Рембрандта ван Рейна;	- творчество Диего Веласкеса.
Вопросы для самостоятельной проработки (возможные темы рефератов и семинаров):
- особенности стиля рококо в изобразительном искусстве;
- творчество Франсуа Буше;	- творчество Антуана Ватто;
- творчество Жана Фрагонара;	- творчество Эль Греко;
- творчество Хусепе де Риберы;	- творчество Франсиско Сурбарана.