Раздел 2 живописный пейзаж как средство развития колористического видения студентов педагогического техникума

2.1 История развития пейзажа как жанра живописи

О пейзажах, которые могли быть созданы художниками Древней Греции и Древнего Рима, нам практически ни чего не известно. Можно предположить, что они были выполнены в традициях того времени и являлись такими же шедеврами, как античные скульптуры. В средние века пейзажная живопись как тоновая еще не существовала. Тем не менее, в пятнадцатом веке итальянские и фламандские художники в своих работах не религиозные темы использовали картины природы в качестве фона [18].

Современный пейзаж превратился в самостоятельный жанр изобразительного искусства, что особенно проявлялось в период романтизма.

Жанр – от «французского» вид, род (франц . genre) (в искусстве) исторически сложившееся внутреннее подразделение во всех видах искусства; тип художественного произведения в единстве специфических свойств его формы и содержания. Понятие "жанр" обобщает черты, свойственные обширной группе произведений какой-либо эпохи, нации или мирового искусства вообще.

В различные периоды своей истории изобразительное искусство выполняло разные функции, древние наскальные изображения имели культовое значение в жизни доисторических людей. Во время античности картины рассказывали о жизни людей или о жизни мифологических персонажах. В средние века живопись в основном служила интересам религии, а кроме того, выполняла изобразительную функцию в обществе, большинство членов, которых были не грамотны. До этого времени пейзажная живопись практически не существовала, природа изображается лишь условно - как фон для сюжета из жизни святых или персонажей Евангелия.

До эпохи Возрождения, когда пейзаж впервые был признан жанром изобразительного искусства, пейзаж служил лишь фоном сюжетно тематических картин. В обоих случаях они выполняли символическую функцию. Часто для изображения растительности или гор использовали один и тот же шаблон, а их размеры выбирались в соответствии с важностью изображенной фигуры, которая и являлась истиной темой картины [15].

В эпоху Возрождения художники стали сами вбирать сюжеты для своих картин. На основе художественных принципов Греко-римского классицизма выросло новое направление живописи, отражавшее мир природы. Для изображения глубины пространства художники стали использовать перспективу, и это позволило создавать реалистические и достоверные пейзажи.

Художники эпохи Возрождения делали наброски ландшафтов, художники романтического направления выражали в них свое переживание, реалисты отображали картины природы, импрессионисты анализировали, постимпрессионисты интегрировали пейзажи, норовисты и экспрессионисты изображали природу в экспрессивной манере, кубисты сформулировали новое понятие пейзажа, а у сюрреалистов он глубоко символичен. Современная пейзажная живопись позволяет использовать из этих стилей, а так же многие другие. Моне сказал: «Я знаю только, что нечто для выражения того, что чувствую в присутствии природы, и очень часто совершенно забываю основополагающие правила живописи, если они вообще когда - либо существовали» [25].

В различные периоды истории живописи по-разному использовали свет и цвет на своих картинах. При создании интимных картин было достаточно барочной светотени, однако масштабные эпические полотна требовали более широкой цветовой гаммы и ярко выраженного света.

Художники - импрессионисты стремились по-новому выразить свое видение мира. Они создавали картины, основываясь на чистом восприятии, а

не на общепринятых идеалах и канонах. Главным в них был свет.

В импрессионизме и последующих направлениях живописи пейзаж, как никакой другой жанр, позволял экспериментировать опробовать новые технические приемы и сочетании цветов.

Первый кто усилил звучание темы природы в своих работах, традиционно считается Джорджоне (Джорджо Барбарелли ди Кастельфранко). Его творчество отличает особая поэтичность и создание единства человека и природы.

После возрожденческие пейзажи выполняли по тем же классическим канонам освещения и пространственного распределения элементов. Пространство на них по прежнему декорация для сюжета. Тогда как истинной целью пейзажной живописи является изображение пространства самого по себе. Если композицией пейзажей классицизма основаны на пропорциональности и симметрии, то пейзажи барокко более динамичны. Тем другим свойственны характерное освещение и сюрреалистичные тона, создающие особое драматически-мрачное настроение.

Пейзаж позднего барокко отличает более мягкий свет, они вызывают у зрителя ощущение тихой элегической грусти.

В период романтизма художники воспевали естественность и красоту природы, создавая глубоко одухотворенные пейзажи, в которых выражали свои романтические переживания. Впервые за всю историю живописи пейзажи превратились в самостоятельные произведения искусства и перестали быть просто фоном. Чаще всего они изображали созидательные и разрушительные силы природы.

С утверждением реализма пейзажи стали более обычными и простыми, без драматических оттенков и преувеличений. При их создании художники следовали простому принципу: они изображали только то, что видели.

В последней четверти девятнадцатого века художники стали исследовать новые методы реалистичного изображения окружающей природы. В живописи возникло новое направление, представители, которые работали на пленэре, стремясь точно передать свои представления от природы. В этом они были последователями барбизонской школы мастеров реалистичного пейзажа.

Пейзаж стал в большой степени предметом научных исследований, чем художественного изображения. Художники анализировали изменения цвета в тени, а также влияния атмосферы (размытость контуров). Они открыли для себя возможности использования новых живописных техник, в частности технику свободных мазков, и более яркую цветовую палитру.

Импрессионизм отправной для создания всех стилей на рубеже девятнадцатых и двадцатых веков. Многие импрессионисты до конца жизни сохранили приверженность принципам своего направления, однако, ряд мастеров, используя их открытия, стремились найти новые выражения.

Наиболее известным представителем постимпрессионизма является Ван Гог, Гоген и Сезанн, которые не зависимо друг от друга разработали три разных художественных стиля.

Ван Гог по-новому определил реализм в пейзаже, а его картины с поразительными цветами открыли путь к экспрессионизму.

Гоген является создателем символических и декоративных картин с использованием ярких насыщенных и упрощенных, «первобытных», цветов.

Сезанн конструировал цветом форму и объем, используя более мягкие и естественные тона.

Первая треть двадцатого века характеризуется не бываемым расцветом изобразительного искусства в Европе. Художники, которые начинали как импрессионисты (Пикассо, Матисс, Мондриан, Шиле, Мунк и Миро), создавали новые направления в живописи. Фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, сюрреализм, и т.д. возникали как результат их творческих поисков [11].

Пейзаж оказался идеальным жанром для подобных экспериментов, поскольку, имея вековые традиции, в тоже время позволял новаторам испытать свои силы в передаче формы, цвета и пространства разными способами. Цвет уже не использовался лишь для создания определенной атмосферы, художники работали абсолютно свободно, воплощая соответственные идеи и замыслы. В этом смысле пейзажи двадцатого века гораздо больше говорят о состоянии души мастера, чем о реальном уголке природы, изображенной на картине.

Каждый человек имеет четкое представление о том, что такое пейзаж. Во всяком случае, при упоминании о пейзаже в нашем мозгу появляются многочисленные образы, объединенные одним общим впечатлением: открытого пространства, возникающий при общении с природой, когда человек чувствует себя частицей [22].

Жанры живописи:

- исторический, батальный;

- религиозный, мифологический;

- бытовой, натюрморт, пейзаж, портрет;

- анималистический.

Виды пейзажа: сельский, городской, архитектурный, индустриальный, морской (марина), речной.

Итак, пейзаж обычно ассоциируется с понятием, характерным пространство, - таким, как простор или уединенность, глубина или сад. Для изображения всего этого используется цвет и свет, перспектива и т.д.

Так же жанр пейзажной живописи весьма обширный, его обычно делят на тематические группы, каждая из которых диктует определенный подход к изображению. Вид засеянного поля требует особое внимание к текстуре, тогда как изображение расположенной вдали горной цепи - анализа синих тонов для создания определенного эффекта. Пейзажи можно классифицировать по форме, что связано, сполем зрения пространством, которое художник хочет изобразить. Есть пейзажи с изображением ближнего, среднего или дальнего плана, с одной или несколькими точками, в небольшой степени привлекающий внимание учителя; пейзажи, земной поверхности или атмосферы и свет, а так же те, которые словно вовлекают зрителя внутрь полотна или позволяют ему визуально переносить в открытое пространство. Каждый эффект требует особой трактовки, а желаемого результата можно достичь путем правильного использования линий, цвета, формы и текстуры. Распространена так же классификация: на пейзаже изображали землю, воду или небо. Каждая группа включает разновидности: это могут быть городские пейзажи, сценка из повседневной живописи с изображением реки или леса, закрыто облаками небо и т.д.

Панорамный пейзаж представляет собой один из наиболее распространенных типов и позволяет изобразить открытое пространство. На картине может быть, большой и очень дальний план, но, ни когда не ближний [19].

Данный тип пейзажа идеально подходит для изображения грандиозных и впечатлительных сцен - например, заката солнца, бескрайних морских просторов, экзотических и эффективных видов. При этом зритель может почувствовать себя частицей природы.

Если взгляд зрителя сосредотачивается, на каком - либо определенном элементе пейзажа и постепенно возвращается к нему, это происходит потому, что цель художника состояла в выделении именно этого элемента. Изгиб дороги, упавшее дерево, дом или поляна в лесу могут стать сюжетно - композиционным центром всей картины. С точки зрения композиционной в геометрическом центре картины. Этот предмет не должен быть изолирован от других изображенных предметов; он не может занимать любое место и обычно составляет единое целое с остальными элементами пейзажа. Размер главного элемента так же имеет значение. Чаще всего он расположен ближе всего к художнику, но это может быть и любая фигура вдали, если она привлекает к себе зрителя [21].

Не все пейзажи рождают ощущения открытости пространства. Окутывающие, создают противоположный эффект, приглашая зрителя проникнуть глубже в чащу леса или отдохнуть в тени деревьев. Такие пейзажи словно бы окружают, обволакиваю зрителя, создавая почти осязаемое ощущение пространства благодаря передаче пространства благодаря передаче текстуры и светотеневых эффектов. Человек ощущает себя частью этого пейзажа.

В отличие от панорамных пейзажей, где свет идет с неба и равномерно освещает, всю сцену на свет пробивается, в просветы между деревьями. Это явление полностью изменяет восприятие пространства. В результате свет кажется более рассеянным или более контрастным.

В отличие от плоских предметов трехмерные имеют длину, ширину и высоту, т.е. объем. Одним из способов изображения пейзажа состоит в изображении как более или менее выраженного рельефа. Такой тип пейзажа называется типографическим и представляет собой скульптурный вид, определенным рельефом земной поверхности. В этом смысле типографический пейзаж напоминает тело человека, как писал известный художественный критик Джон Раскин (1891 - 1900): «Горы выполняют такую же функцию на теле земли, что и мышцы на теле человека... Гора - это скелеты земли» [9].

Пейзаж считается сельским, если на нем изображены горы или поля. Сельские пейзажи могут изображать деревни с людьми, животными и различными постройками при условии, при условии, что все эти элементы не являются основными предметами изображения. Сельская жизнь является не иссекаемым источником вдохновения и творческого развития художника, так как только там он видит природу в ее чистейшей форме. На большинстве пейзажей небо является одним из основных элементов. В 1892 году Сислей сказал: «Небо не может быть просто фоном. Я уделяю особое внимание этой части пейзажа, потому, что хочу, вы поняли, насколько она важна для меня. Я всегда начинаю свою работу с неба». Свет, льющийся с неба, освещает пейзаж и позволяет зрителю увидеть изображенный на картине предмет, оценить его цвет и почувствовать настроения художника.

На пейзаже, изображено небо, оно является основным элементом, на котором будет сосредоточено основное внимание зрителей. Картины, изображение небо - это особый жанр пейзажной живописи, заслуживающий отдельного рассмотрения. Небо имеет самые невообразимые цвета и пробуждает в нас очень сильные эмоции.

Вода очень часто изображается на пейзажах как основной или как дополнительный элемент композиции. Ее присутствие создает особую чарующую атмосферу. На разных пейзажах художники изображают движущуюся или не подвижную воду, в которой, как в зеркале, отражаются горы и деревья, растущие по берегам.

Пейзаж с изображением повседневной жизни существует с периода барокко. На них изображены сцены из повседневной жизни людей разных стран и культур. Именно художники барокко обнаружили художественный потенциал с участием людей, занятых простым повседневным трудом [13].

Исходя, из выше изложенного становится ясно, что живопись возникла с древних времен и постоянно развивалась. В настоящее время, мы считаем, что живопись развивается, до сих пор и будет развиваться.

Масляные краски считаются самым благородным изобразительным материалом, а техника масляной живописи - самой сложной из всех живописных техник. Первое утверждение, безусловно, справедливо, ведь, как мы знаем, наиболее известные картины западных художников написаны маслом. Что же касается сложности, писать масляными красками не труднее и не проще, чем любым другим изобразительным материалом. В искусстве все зависит от мастерства художника.

История масляной живописи - это хронология целого ряда замечательных нововведений, предложенных великими художниками европейской школы. Их работы позволяют считать масляные краски наиболее универсальным изобразительным материалом [2].

По сравнению с акварелью или пастелью масляная живопись требует применения несколько большего количества инструментов. Кроме того, масляные краски сохнут медленно, поэтому данный вид живописи требует терпения и определенных усилий. Масляные краски обладают определенными свойствами, и, если не соблюдать установленных правил работы ими, могут возникнуть трудности.

По сравнению с другими видами живописи масляная сравнительно молода и насчитывает не более шестисот лет. Это очень не много, если сравнить с тушью, применявшейся на востоке уже две тысячи лет назад, или акварелью, которая широко применялась в странах Средиземноморья пять тысяч лет назад. Однако именно масляная живопись сыграла ведущую роль, в развитии европейского искусства начиная с периода предвозрождения и до наших дней.

На протяжении последних шести столетий масляные краски использовались для создания самых разнообразных произведений искусства: от лакированных картин Ван Эйка, до полотен художников - импрессионистов, от многослойных полотен Тициана и утонченных работ Веласкеса, до великолепных картин Тернера с удивительными световоздушными эффектами и натуралистических полотен исторических живописцев девятнадцатого века и т.д.

Художественные возможности масляных красок кажутся безграничными, ими можно накладывать самые разнообразные мазки: изящные и энергичные, прозрачные или не прозрачные [18].

Масляные краски состоят из красочного пимента и масла. Пигмент определяет цвет любого вида красок и представляет собой порошкообразное или синтетическое вещество. Для изготовления красок можно использовать масло различного происхождения (например, маковое или масло грецкого ореха), однако обычно используется льняное масло или смесь, содержащая его качество масляной краски, является качество красочного пигмента, его концентрация и степень смешивания с маслом.

Пигмент на гладкую поверхность (мрамор или стекло). Сверху нашивается небольшое количество масла, и художник начинает растирать пигмент с маслом до получения густой консистенции, с широким основанием. Не следует добавлять слишком масла, иначе оно поднимается на поверхность, после того как мы положим смесь в баночку. Готовая краска должна иметь густую однородную консистенцию и не содержать на поверхности видимых частей пигмента.

Масляные краски высшего качества очень дороги, и это понятно: для их изготовления используют высококачественные пигменты (некоторые из них очень дороги) и максимально рафинированные масла. А, кроме того, приготовленной краске следует, дать отстоятся, не менее шести месяцев, чтобы удалить «поднявшиеся» на поверхность лишнее масло. Немногие фирмы, выпускающие масляные краски, так скрупулезно следуют технологии. Однако и краски среднего качества, каковых большинство на рынке, вполне годятся как для любителей, так и для профессионалов. Иногда из открытой тубы с такой краской может выделяться масло, которое можно удалить салфеткой [18].

Классический набор художника включает все необходимое, кроме холстов, которые из-за своих размеров не поместятся в этюдник. Выпускается большое количество возможных видов этюдников разного качества; некоторые из них имеют выдвижные ящики для дополнительных принадлежностей, изготовленные из высококачественной древесины и покрыты лаком, но, по правде говоря, совершенно не нужны. Покупая этюдник, помните: он не может быть маленьким, ведь в нем вы должны разместить все необходимые принадлежности. Достаточно, если в этюднике будет три отделения: для кистей, больших туб с краской, для красок и еще одно отделение для растворителей, угольных палочек и прочее (см. приложение А, рисунок2).

Не маленькие палитры: они годятся только для очень специфических работ. А так как палитра должна поместиться в этюдник. Убедитесь, что палитра покрыта лаком (тогда ее будет легче чистить и мыть) и ее удобно держать(см. приложение А, рисунок3,4).

Многие художники начинают выполнять работу с наброска, по - этому в наборе должна быть обязательно коробочка угольных палочек и чистая тряпочка для стираний линий наброска. В дополнении к ним или вместо них можно использовать угольные карандаши или грифеля, закрепленными во втулке.

Кисти должны свободно помещаться в ящик (см. приложение А, рисунок7).

Контейнеры для масла, не обязательная принадлежность, однако работать сними гораздо удобнее, чем с банками, которые приходится размещать на столе или другой большой поверхности.

Держатели для холстов представляют собой два складных деревянных бруска с вертикальными желобами, куда вставляются наклеенные на картон холсты.

В качестве растворителя при работе маслом чаще всего обычный или очищенный скипидар, однако, некоторые используют смесь масла и растворителя или специальные средства.

Художники обычно используют белила чаще, чем другие краски, по - этому советуем вам иметь в наборе большую тубу белил. В набор так же могут входить большие тубы с красками тех цветов, которые художник использует чаще других.

При покупке ящика убедитесь. Что отделения для красок достаточно полное и способно вместить необходимый набор туб. Чаще всего художник использует порядок десяти-пятнадцати красок, некоторые из них в больших тубах.

Мастихины бывают твердыми и гибкими, длинными и короткими, имеющие форму ножа и мастерка; каждый тип имеет определенное значение. Мы рекомендуем, иметь в наборе длинны, гибкий мастихин в форме мастерка, который используется наиболее часто (см. приложение А, рисунок 6, 8).

Таким образом, художник, работающим маслом, испытывает ни с чем несравнимое удовольствие, беря в руки краски, смешивая их на палитре, нанося краски на холст, создавая нужные текстуры с помощью мастихина, смешивая различные тона на холсте. Для настоящего художника процесс работы также важен, как результат.