Сложеникина Основные этапы истории российского и зарубежного дизайна

ектирует аналогичную группу Those Things, состоящую из стула, стола и табуретки. За этот комплект он был отмечен призом Британского консульства промышленного дизайна.

Поп-культура не только использовала бесчисленные источники рекламы, упаковки, комиксов, телевидения, но и создавала собственные галереи поп-героев и героинь.

ЭНДИ УОРХОЛ (Andy Warhol, 1928—1987). Один из самых известныххудожниковамериканскогопопарта, один из крупнейших художников современности, Уорхол воспроизводилвещиобществапотребления, чтобы они говорили сами за себя. Основным средством выражения была шелкография. Его творчество неотделимо от такого понятия, как «массовая культура». Он много сделал для того, чтобы искусство стало максимально доступно широким

массам, чтобы люди научились видеть красоту повседневных вещей, понимая, что все, что окружает человека, прекрасно по своей сути.

Для Уорхола искусство было способом любить поверхностную суть вещей. Именно такая проницательность помогла ему понять, что именно это делает искусство безграничным.

320

Работы Э. Уорхолла разных периодов

Энди Уорхол — «человек мира», сумевший показать нам этот мир во всем его великолепии и разнообразии. Творчество художника до сих пор привлекает вниманиемногихмиллионовлюдей. Следуетотметить

тот факт, что работы художника являются одними из наиболее продаваемых произведений искусства на сегодняшний день.

Эстетика Оп-Арта

Художники1960-хстремилисьсократитьдистанциюмеждусво- импроизведениемизрителем. Дляэтогохудожникисоздавалитрехмерные конструкции, которые зритель должен пройти. Иллюзия третьего измерения создавалась также оптическими и световыми эффектами. Так возникли новые направления в искусстве «Situation Art», «Op Art» (оптическое искусство), «Кинетическое искусство».

Эстетическая специфика Оп-Арта заключается в замене классической перспективы многофокусным видением виртуального оптического пространства. Движение в нем всегда виртуально, а не реально: визуализируетсясамаегоидея. Создаетсяиллюзия«ожившего пространства», плоскостное восприятие картины разрушается. Оп-Арт возник в 1965 г. в США. Новое художественное движение заявило о себе проведением выставки «Отзывчивый глаз», представившей картины его создателей — Я. Эгема, Н. Шёффера, Х.-Р. Демарко, А. иЖ. Дуарте, А. Асизаидр. ПервыепроизведенияОп-Арта были черно-белыми (В. Вазарели, В. Райли); в дальнейшем цвета служат достижению максимальных контрастов их интенсивности, созданиюоптическогоцветовогосмешения, вызывающегоиллюзию

321

движения. Динамическому эффекту подчинены и поиски оптимальных соотношений между светом и различными материалами — зеркалами, наборами оптических стекол, металлическими пластинами и т.д. (X. Мэк, Д. Ле Парк, Г. Алвиани).

Художники оп-арта использовали различные зрительные иллюзии, опираясь на особенности восприятия плоских и пространственных фигур. Оптическое искусство — искусство оптических иллюзий, опирающеесянаособенностивизуальноговосприятия. Восприятие рисунка основано на оптической иллюзии: изображение существует не только на холсте, но в действительности и в глазах, и в голове зрителя.

Оптическая живопись основывается на зрительных иллюзиях, возникающих при восприятии некоторых конфигураций на плоскости. Например, при рассматривании чередующихся черных и белых концентрических окружностей появляются пересекающие их лучи, которые вращаются наподобие пропеллера. Чертеж куба, на которомобозначенывсеегоребра, оказываетсядляглазанеустойчивым, и его грани постоянно меняются местами, то выдвигаясь вперед, то отступая в глубину. При пересечении отрезка прямой штрихами может возникнуть ощущение ломаной линии. Взаимоналожение двух геометрических (например, кольцевых) структур дает эффект волн. Яркаяирезкообозначеннаяформапровоцируеттакназываемыйпоследовательный образ, т.е. иллюзорную форму той же конфигурации и контрастного цвета.

Оптические иллюзии помогают обнаружить некоторые закономерностизрительноговосприятия, поэтомуимуделялипристальное внимание псиxoлоги. Сконструированные ими визуальные тесты имелиэкспериментальныйхарактер. Привосприятииреальныхобъектов иллюзии возникают редко. Поэтому, чтобы выявить скрытые механизмы человеческой перцепции, необходимо было поставить глаз в необычные условия, заставить его решать нетиповые задачи. Опытные графические образцы, созданные, например, школой гештальтпсихологии, привеликформулированиюнекоторыхправил, по которым протекает процесс зрительного восприятия.

Мало отразившись на архитектуре, оп-арт оказал большое влияние на графический дизайн и оформление интерьеров. Так, стены

322

оклеивали разноцветными обоями с муаровыми и концентрическими узорами, имитирующими движение и вибрацию, или украшали большими настенными панно («Суперграфика»). Для зрительного увеличения объема помещения применяли различные оптические эффекты. Яркими примерами здесь могут служить знаменитый нарисованный бассейн и спускающаяся в него лестница с «настоящими» перилами, а также «дверь», приоткрытая в несуществующую комнату. Иллюзия пространственного перемещения, парения, слияния форм достигалась при помощи резких цветовых и тональных

323

контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий. Часто применялисьустановкименяющегосясвета, динамическиеконструкции, использовались материалы с отражающей поверхностью (металл, стекло, пластик), различные ткани.

324

(белый — черный). Чаще всего она выполнялась из прозрачных материалов с отражающей поверхностью (стекло, пластик, переплетенные металлические нити каркаса).

ВИКТОР ВАЗАРЕЛИ (Victor Vasarely, 1908—1997). французский жи-

вописец, графикискульпторвенгерского происхождения, крупнейший представитель оп-арта. В 1917 г. вступил в «Мухей» в Будапеште. ПерехалвПариж(1930 г.), работалв рекламных агентствах.

Вопрос о задачах дизайна в обществе в начале 1970-х годов ставился уже по-новому — «во-

прос о функции предмета в чисто техническом аспекте перерос в символическое и социальное». Эстетические образцы искались теперь в собственных областях дизайна. В США появились первые теории, которые ставили в центр культурные, психологические и семантические аспекты, и в критическом разделении с «Современным движением» предвосхитили зарождающуюся теорию постмодерна.

В. Вазарели. Гештальт III. 1969 г.

В. Вазарелли. Лошадь

325

МАЙКЛ ГРЕЙВС (1934 г.) — совре-

менный американский архитектор и дизайнер. Постройки Майкла Грейвcа последних лет относятся к так называемому поставангарду.

Известен как один из основных представителей «нью-йоркского авангарда» и как художник-монументалист. Его архитектурный язык, легко узнаваемый, опирается на творчество Микеле Сан Микеле и Леду. Здания, построенныепоегопроектамвстилепостмодернизма, отличаются утонченной элегантностью.

326

ОЛЕГ КАССИНИ (Oleg Cassini, 1913— 2006) — американский дизайнер одежды, известный тем, что одевалЖаклин Кеннеди. Его одежда также появлялась во многих голливудских фильмах. Родился в Париже 11 апреля 1913 г.

Работать как модельер начал в Париже в 1935 г. В 1936 г. переехал в НьюЙорк, где вскоре открыл свою студию дизайна. Затем стал дизайнером голливуд-

ских киностудий Paramount и 20th Century Fox.

В 1942 г. ушел добровольцем на фронт. С 1950 г., после открытия в Нью-Йорке собственной фирмы по оптовой продаже одежды, началась его мировая слава. В 1960 г. он был объявлен официальным модельером Первой леди США Жаклин Кеннеди.

Жаклин Кеннеди в платьях О. Кассини

СОЛ БАСС (Saul Bass, 1920—1996) — аме-

риканский графический дизайнер, родился в Нью-Йоркев1920 г. Онбылоднимизпервых реализаторов творческих идей в названиях фильмов и финальных титрах. Большинство людей как раз и знает его по работам в киноиндустрии, егостихия— этопостерыкфильмам, титры и названия. Сол— создательбольшинства известных логотипов в Северной

327

Америке, включая логотип Звонка (или Колокольчика) в 1969 г. и земного шара для сети AT&T в 1983 г.

К концу 1970-х и в начале 1980-х годов технологии миниатюризации в электронике радикальным образом изменили быт американцев. Влияниекомпьютеризацииреволюционизировалоиспособкоммуникации людей, и природу самого дизайна. Компьютеризированныепроизводственныелиниисделалипроцесспроизводствагораздо болеегибким, существенносокративсроки, необходимыедляпроизводства изделий, что стало залогом большей дифференциации и в дизайне— такимпосвоейприродебылопроизводство100 летназад. Вдополнение, меньшиепосвоимразмерамчасти, типамикрочипов, сделали и сами изделия меньше, портативнее и более индивидуальными, символизируя все нарастающую дистанцию в межличностных отношениях людей, а также эгоцентризм, который захлестнул культуру в конце ХХ в. Использование микрокомпонентов также означало, чтовсевозможныеэлектронныеприспособлениявсебольшенапоминалиигрушки: компьютерная«мышь» отMacintosh всего лишь один пример. Триумф микропроцессоров сделал машины и более персонализированными, и более «интимными» — люди стали носить их на своем теле. Sony Walkman — переносное стерео, которое можно было носить и на поясе, и вокруг шеи. Люди стали одевать на себя калькуляторы, пейджеры, сотовые и даже лэптопы. Влияниеминиатюризациинадизайн— то, чтоисторикPeter Dormer назвал «большим подарком электронных технологий дизайнеру» — стало «средством создания образов личной свободы».

В то время как микропроцессоры позволили объектам стать меньше, тоньше и портативнее, дизайн постмодернизма также изменял внешний вид изделий массового производства. Архитектор Robert Venturi (1925) стал одним из первых американских пропагандистов постмодернистскогодизайна, написавв1972 г. «ЗнанияизЛасВегаса». ФормальнооснованнаявИталиив1981 г., названная«Мемфис», школа постмодернизма восприняла яркие стили и цвета. «Мемфис», намекающая своим названием и на Элвиса, и на Древний Египет, выступала против засилья официального дизайна модернизма, который в глазах приверженцев этой школы выступал на стороне технологичности и

328

С. Басс. Логотипы

крупных американских корпораций. В противовес этому, дизайн постмодернизма стремился к большей эгалитарности и включении стилевыхэлементовкакиз«высокого», так и из «низкого» искусств — от мрамора до формайки, от греческих колонндоперфорации.

Появление постмодернизма многие рассматриваюткактриумфповерхности над сутью. Являясь в гораздобольшейстепениплодом века информации, нежели промышленности, постмодернизм, возможно, означа-

ет конец господства дизайна промышленного и начало новой этики дизайна, основывающейся на сверхреальности виртуального пространства, а не на материальных и осязаемых объектах.

329