40 В. Васнецов. Раннее творчество. Обращение к эпосу и сказочным сюжетам: поиск живописной метафоры.

Васнецов родился в одной из вятских деревень 15 мая 1848 года. Богатый народными талантами край воспитал в душе маленького Виктора Васнецова необычайную тягу к искусству и творчеству. Будущего художника окружали народные умельцы и мастера различных жанров. Да и сама народная жизнь того времени способствовала развитию творческого таланта. Рисовать Васнецов начал еще в раннем детстве, однако родители будущего великого мастера не придавали этому значения. Вопреки желанию родителей, видевших в сыне будущего священника, Виктор Васнецов решил посвятить свою жизнь изобразительному искусству. Любознательность и особое внимание к жизни народа, присущее художнику еще с раннего детства, необыкновенная любовь к народным сказаниям и былинам, к русской истории определили основное направление творчества художника. Сам художник Васнецов считал, что народ, не ценящий своего прошлого, не может рассчитывать на хорошее будущее. Потому в своем творчестве с особым вниманием относился к российской истории. Изображая исторические картины, Виктор Васнецов не просто воспроизводил того или иного героя определенного времени, а досконально изучал передаваемый на картине исторический период. Виктор Васнецов– автор целого ряда широко известных картин, изображающих многогранную жизнь простого народа. Среди картин, относящихся к раннему творчеству Васнецова, известны зарисовки, изображающие жизнь простых людей, рабочих, крестьян, детей, нищих. Виктор Михайлович Васнецов с особым вниманием следил за простыми людьми и изображал их на своих полотнах. Чуть позже в своем творчестве Васнецов начал изображать героев различных русских сказок и былин. Знаменитая «Аленушка», «Богатыри» и другие картины. Даже расписывая стены Владимирского собора, Васнецов изображал не строгие канонические лики святых, как требовали настоятели собора. Героями его творчества стали вполне реальные русские люди, заслужившие своей жизнью уважение своих соотечественников и самого художника. В основном стены Владимирского собора украсили изображения русских князей, среди которых Невский, князь Владимир, Боголюбский, Донской и другие. В более зрелом творчестве Виктор Васенцов переходит от простых зарисовок народной жизни к более монументальным полотнам. Однако, основным вдохновителем творчества Васнецова на протяжении всей жизни остался русский народ. 

41 М. Врубель. Тема Демона.

Михаил Врубель был одержим образом Демона. Тот, словно требуя своего воплощения, неотступно преследовал художника, манил неуловимостью облика, заставлял возвращаться к себе вновь и вновь, избирать все новые материалы и художественные техники. Это был такой образ, который все время был связан с Врубелем какими-то мистическими отношениями. Казалось, что не М. Врубель пишет Демона, а Демон приходит к художнику в особенную, самую нужную минуту и призывает его к себе.

В первый раз Демон явился мастеру еще в Киеве, во время работы М. Врубеля во Владимирском соборе. Христос и Демон - вот два образа, между которыми металась душа художника. Христос - покой и уверенность в непогрешимости истины, Демон - смятение, протест, жажда красоты и безграничной свободы. И художник выбирает... второго.

Этот роковой образ волновал М. Врубеля. Демон был любимым детищем фантазии художника, что не могло быть навеяно только лермонтовской поэмой. Поэма о Демоне лишь подсказала М. Врубелю имя того, кто уже с детства был знаком ему, кто возникал в глубине его собственного сердца и жадно хотел воплотиться в творческих грезах. Демон для М. Врубеля был вещим сном о самом себе.

Работу над ним он начал еще в Одессе, а через год были написаны серой краской голова и торс будущего "Демона". Для фона М. Врубель пользовался фотографией, которая в опрокинутом виде представляла удивительно сложный узор, похожий на угасший кратер или "пейзаж на Луне". Но тщетно работал художник, и в одну из минут усталости, разочарованный, он уничтожил его. Для Кирилловской церкви в Киеве М. Врубель создал ряд монументальных фресок, превосходящих мастерством и лирическим истолкованием художественную иконографию фресок XII века. Одна из них - "Ангелы с лабарами" - является воплощением демонических подсознательных сил, которые уже тогда под спудом тлели в душе художника. Даже голова пророка Моисея на хорах является каким-то прообразом будущего "Демона". Огромные глаза скорбно и зловеще смотрят из-под властных бровей.

М. Врубель верил, что "Демон" прославит его. Что бы ни писал он в эти годы, Демон всегда жил в нем и неизменно участвовал во всей его жизни. Часто этот образ менялся, исчезал и возникал снова, а прежние холсты записывались чем-нибудь другим. Духовная жизнь М. Врубеля сделалась невыносимой, невозможной без Демона, но тот не показывал своего лица, был неуловим. Холсты с его изображениями переезжали вместе с художником с квартиры на квартиру, из одной мастерской в другую, но этот образ пока никак не давался М. Врубелю.

Впервые увидел он своего Демона в Москве, где думал провести несколько дней (по пути из Казани в Киев), а остался в ней почти до конца своей жизни. В доме СИ. Мамонтова Демон только на миг появился из своей туманности, но художник ясно увидел его. Демон был где-то далеко, на вершине горы, может быть, даже на другой планете. Он сидел грустный в лучах заката или разноцветной радуги. Но М. Врубель чувствовал, что это все еще не тот монументальный Демон, которого он так долго искал. Пока это было просто "нечто демоническое" - полуобнаженная, крылатая, уныло-задумчивая фигура сидит, обхватив колени, и смотрит на цветную поляну, с которой ей протягивают ветви, гнущиеся под цветами. Художник поспешил воплотить в живописи это видение, этот образ еще не настоящего Демона, уверенный в том, что он все равно напишет свое заветное полотно.

Уже в 1890 году в Москве М. Врубель пишет "Демона сидящего". Художник поставил тогда перед собой сложную и едва ли исполнимую задачу: изобразить средствами живописи то неуловимое и невидимое, что называется "настроением души". Здесь все строится на "чуть-чуть", на тончайшей и зыбкой грани. Если сделать в этой картине цвета и формы хотя бы немного пореальнее и попредметнее, то хрупкий образ рассыплется. Вместо мечты и сказки предстанут лишь грубые декорации, все станет предметным и плоским. Все странно в "Демоне сидящем", огромно и красиво, но какой-то беспокойной красотой: и лиловые сумрачные небеса, и диковинные цветы-кристаллы, и одинокая фигура печального Демона, и сумеречная таинственность безбрежных миров.

О чем думает и о чем скорбит "Демон сидящий"? Многие видели в нем юность и нерастраченный жар, лиричность и человечность, а также то, что в нем еще нет злобы и презрения. И сам М. Врубель в 1890 году верил в то, что, поднявшись вместе со своим Демоном на такую высоту, оттуда можно будет видеть всю "скорбь мира, взятую вместе". Художник утверждал, что вид этой скорби необходим, потому что она подвигнет и принудит нас к сочувствию.

"Сидящий Демон" - печальный, тоскливый, по-микеланджеловски мощный, в глубоком раздумье бессильно охватил руками колени. За ним простирается фантастически причудливый пейзаж с красными, золотистыми "мозаичными пятнами": огневое небо с лиловыми тучами, фантастические цветы, гармонично сросшееся скопление кристаллических камней и слитков, которым уподобляются формы самого Демона. На картине М. Врубеля предстает как будто совсем иной, чужой нам план бытия - исполинский, почти устрашающий, на котором все земное углубляется в своем значении.

Окруженный скалами, горящими, как самоцветы, Демон кажется слитым с ними, вырастающим из них и властвующим над миром. Но нет торжества в этой властной фигуре, неизгладимая тоска сковывает его силы - тоска и во взгляде, и в наклоне головы, и в заломленных руках.

М. Врубель сознательно выбирает "тесный" продолговатый формат холста, который неожиданно как бы придавливает, срезает сверху фигуру Демона и тем самым подчеркивает его скованность. Однако при этом художнику надо было подчеркнуть, что Демон для него - идеал прекрасного человека, и потому кристаллы граненых объемов заставляют сверкать голубые и синие тона одеяний Демона, но в рисунке мускулов и жесте рук уже ощущается бессилие.

Красота Демона не только в страдании, с каким он переживает свою судьбу изгоя, но и в тоске по истинному, когда-то отринутому им бытию. Он свободен, но он одинок, ибо покинут Богом и далек от людей. Однако этот Страшный суд и мука от богооставленности не могут длиться вечно, и поэтому в позе и лице Демона нет ожесточения или отчаяния, а есть даже какое-то странное для богоборца смирение.

При взгляде на эту картину у зрителя складывается впечатление мира фантастического, сказочно прекрасного, но вместе с тем какого-то неживого, как будто окаменевшего. Это впечатление помогает понять тоску Демона, его одиночество, его влечение в невидимую долину...

Какое горькое томленье... Жить для себя, скучать собой!

Выше уже говорилось, что "Демон сидящий" - это миф, созданный еще молодым М. Врубелем о самом себе, фантастический и вместе с тем подлинно вещий, как и все мифы. Лик Демона печален, но это печаль юности, он еще далек от отчаяния и полон гордой веры в мощь своих крыльев.

Как ни велико значение "Демона сидящего" для самого М. Врубеля - это для него лишь преддверие, предчувствие Демона настоящего. Вслед за ним последовали картины "Демон летящий", которая осталась незавершенной, и "Демон поверженный".

"Демон поверженный" - потерпевший крушение, но не сломленный и не убитый. Разбитое тело, жалкая и страшная гримаса потемневшего лица - вот финал героической схватки с Богом на фоне рассыпанных по скалам сказочных павлиньих перьев. В каждом изгибе сломанного тела, в каждой складке величественных и неприступных гор слышатся отзвуки только что отзвучавшей битвы. И вместе с тем есть что-то бесконечно гордое, непримиримое и дерзкое в фанатично горящих глазах Демона, какое-то мрачное упоение стихией борьбы.

М. Врубеля так захватила эта тема, как будто не Демон, а он сам участвовал в схватке с Богом. Художник работал по 24 часа в сутки, забыв обо всем на свете: жена, друзья, сын Савочка, весь привычный мир отодвинулись куда-то далеко, остались только он, Демон и упоение изнурительной, беспощадной борьбы. Десятки раз художник что-то переделывал, менял, дописывал, и все равно ему казалось, что Демон выходит не таким, каким он видит его в своем воображении. В нетерпении художник залеплял куски непросохшей еще краски газетной бумагой и писал прямо по ней.

Даже когда "Демона поверженного" поместили уже в зале выставки "Мира искусств", М. Врубель не успокоился: приходил к своему Демону и все время что-то изменял в его лице, делая его то скорбным, то злым, то страшным и все равно для художника бесконечно прекрасным.

Александр Бенуа, наблюдавший за этой лихорадочной работой над "Демоном поверженным", писал потом: "Верится, что Князь Мира позировал ему. Есть что-то глубоко правдивое в этих ужасных и прекрасных, до слез волнующих картинах. Его Демон остался верен своей натуре. Он, полюбивший Врубеля, все же и обманул его. Эти сеансы были сплошным издевательством и дразнением. Врубель видел то одну, то другую сторону своего божества, то сразу ту и другую, и в погоне за этим неуловимым он быстро стал продвигаться к пропасти, к которой его толкало увлечение проклятым".

43 Историко-бытовая живопись А.Рябушкина.

Родился в селе Станичная Слобода Тамбовской губернии в семье крестьянина-иконописца. Учился в Московском Училище Живописи, Ваяния и Зодчества у В.Г.Перова и И.М.Прянишникова и в петербургской Академии Художеств. Его искусство впоследствии станет идеальным сочетанием московского и петербургского начал, соединив пристрастие художника к бытовому жанру, импрессионистической свободе мазка, красочности с уравновешенной графической линией и стилизаторской игрой. Рябушкин - автор разнообразнейших произведений: иллюстраций, журнальных рисунков, икон, церковных росписей, декоративных панно и живописных работ. Отказавшись от пенсионерской поездки за границу, он много путешествовал по России, старинным русским городам - Новгороду, Угличу, Ярославлю, где изучал в музеях местные древности, копировал фрески, писал этюды средневековой архитектуры. Все это впоследствии отразится в его живописных шедеврах 1890-х годов («Русские женщины XVII столетия в церкви», 1899; «Московская улица XVII века в праздничный день», 1895). На полотне «Свадебный поезд в Москве» (1901) оживают образы древней Москвы XVII столетия. На дальнем плане движется красочная свадебная процессия, но все внимание зрителя приковано не к ней, а к фигуре молодой девушки на первом плане. Она стремится подальше уйти от шумного празднества, ее лицо выражает печаль. Что с ней произошло неизвестно - возможно, на месте невесты должна была быть она или ее жених уехал далеко, а может быть, и погиб - каждый вправе увидеть здесь свою историю. Творчество Рябушкина - мотивы бытового историзма времен Московской Руси, но это события не большой истории, а истории повседневно-будничной, уже после великого события, когда жизнь вошла в привычную колею («Семья купца в XVII веке», 1896), хотя художник обращался и непосредственно к историческому жанру («Потешные Петра I в Кружале», «Сидение о делах царя Михаила Федоровича с боярами в его государевой комнате», 1890-е). Большая роль в произведении отведена пейзажу. Холодный осенний день, темные тучи, поредевшая листва деревьев вносят печальную ноту в общий настрой. Ясно чувствуется отношение художника к изображаемому - тонкое, добродушное и слегка ироническое. И вместе с тем он восхищается самобытностью, наивной простотой, нарядностью и красочностью этой жизни. В декоративном решении полотна Рябушкин идет от традиции русской иконописи и фресковых росписей. Он не стремится к иллюзорной передаче предметов. Живопись его отличается плотностью, локальными пятнами, декоративной четкостью. Найденная художником живописная система стала его новым творческим открытием, результатом творческого осмысления задач историко-бытового жанра.Интерес к эпохе XVII века выразился у Рябушкина в замысле создать серию исторических картин-портретов, где были бы запечатлены типы, представляющие разные слои общества того времени. Художнику удалось написать только "Семью купца" (1897, ГРМ). Портрет отличается статичностью композиции, неподвижностью изображенных фигур. Художник показал их не идеализируя и не шаржируя.Не удовлетворенный первым вариантом, стремясь к единству художественной трактовки всего произведения, Рябушкин переработал и изменил его, усилив гуманистическую основу, сделав более живыми и миловидными образы девушек.В 1899 году Рябушкин окончил одно из самых любимых полотен "Русские женщины XVII столетия в Церкви" (ГТГ). Художник проявил необыкновенное чувство декоративности, умение создать целостный цветовой ансамбль из красочных одежд женщин и ярких росписей интерьера. Плавным и певучим ритмом, редкой звучностью красок, светлой гармонией картина воспринимается подобно старинной мелодичной песне. Тонкая, изящная живопись напоминает и древние ярославские фрески, и драгоценную эмаль, и старинную миниатюру. Картины Рябушкина "Русские женщины XVII столетия в церкви" и "Семья купца" были награждены почетными дипломами на Международной выставке в Париже.