Добавил:
Upload Опубликованный материал нарушает ваши авторские права? Сообщите нам.
Вуз: Предмет: Файл:
istoria_iskusstvo.doc
Скачиваний:
3
Добавлен:
22.09.2019
Размер:
459.26 Кб
Скачать

Вопрос 2.Скульптура Древнего царства в Египте.

Скульптура Древнего Египта имела ритуальное значение и была связана с культом мертвых. Основные черты скульптуры сложились в эпоху Древнего царства: симметрия и фронтальность в построении фигур, четкость и спокойствие поз наилучшим образом соответствовали культовому назначению статуй.

В пирамидах, в специальном помещении — сердабе, обязательно помещали статую умершего на случай, если что-то случится с мумией. Непременным условием было изображение фигуры целиком, либо стоящей с выдвинутой вперёд левой ногой — поза движения в вечности, либо сидящей на кубообразном троне, либо в позе «писца» со скрещенными ногами на земле. У фараонов были мощные тела и бесстрастные лица, сохранявшие, однако, портретные черты. Мужские фигуры окрашивали в кирпично-красный цвет, женские — в желтый. Волосы на прямо поставленных головах всегда были черными, а одежды белыми. Исключение составляли так называемые "гизехские головы", отличающиеся от канона.

В статуях поражает техника изготовления глаз. Египтяне фиксировали на них особое внимание путём сильного подкрашивания пастой, в которую добавляли толчёный малахит. Глаза статуй, делали из разных материалов: в бронзовую оболочку, соответствующую по форме орбите и образующие края век, вставляли кусочки алебастра, имитирующего белок, и горного хрусталя — для зрачка. Делалось это египтянами для того, чтобы скульптура выглядела живой, ведь, скульптура, исходя из религиозных представлений египтян, была воплощением Ка изображаемого человека.

Помимо статуй умерших в гробницу, особенно в Среднем царстве, помещали также фигурки работников, которые, как верили, должны были обеспечить загробное существование умершего. Отсюда проистекают и другие требования к скульпторам — изобразить людей, занятых самой разнообразной работой. В полном соответствии с общим канонами египетского искусства для каждого занятия выбирается характерный момент, который становится каноничным для этого типа. Общие же правила, например фронтальность и принятая раскраска, сохраняются и здесь.

Статуи играли большую роль и в архитектурном оформлении храмов: окаймляли дороги, ведущие в храм, стояли у пилонов, во дворах и внутренних помещениях. Статуи, имевшие большую архитектурно-декоративную нагрузку, отличались от чисто культовых. Их делали крупных размеров, меньше акцентируя внимание на деталях.

Билет 9

1

Эллинизм — период в истории Средиземноморья восточного, длившийся со времени походов Александра Македонского (356—323 до н. э.) до окончательного установления римского господства.

Особенностью эллинистического периода явилось широкое распространение греческих языка и культуры на территориях, вошедших в состав государств диадохов, которые образовались после смерти Александра Македонского на завоёванных им территориях, и взаимопроникновение греческой и восточных — в первую очередь персидской — культур, а также возникновением классического рабства.

Скульптура эллинизма: Ника Самофракийская и пергамский алтарь

которую воздвигли на маленьком острове Самофрака около 190 года до н. э. жители Родоса в память о победе, одержанной ими над флотом сирийского царя. Статуя сделана из парийского мрамора, корабль — из серого лартийского мрамора (Родос), правое крыло — гипсовая реконструкция. Голова и руки статуи отсутствуют.

Смена мировоззрения в эпоху эллинизма

Всеобшей известностью пользовались знаменитая библиотека в Александрии, где находилось семьсот тысяч папирусных свитков - сочинения по все отраслям знаний. Огромных успехов достигли в III веке до н. э. естественные науки, математика и медицина.

Портретное искусство эллинизма

В I веке до н. э., когда ослабленный войнами, обострением классовой борьбы и восстанием рабов, эллинистический мир приходит в упадок, на первый план в искусстве выступают трагические темы, в которых косвенно отражаются конфликты и противоречия эпохи.

Венера Милосская

Чрезмерное увлечение бытовой точностыо часто вырождается в мелочную повествовательность и даже отталкивающий натурализм. Таковы изображения стариков и старух, свойственные мастерам Александрии. Многочисленные завоевания Александра Македонского способствовали распространению греческой культуры далеко за пределами Эллады. Отныне непосредственными соседями Греции стало множество различных народов. Это принесло новый реализм в искусство того периода. Художники стали отдавать предпочтение изображению различных граней человеческой природы. Даже статуи богинь теперь имели человеческие лица.

Упадок и исчезновение эллинской культуры

Последний значительный памятник греческого искусства - скульптурная группа, изображающая гибель троянского жреца Лаокоона и его сыновей.

2 сикстинская капелла микеланджело

Ватикан богат музеями, как ни одно другое государство мира. В их числе и Сикстинская капелла. На ее сводах Микеланджело создал фреску, подарившую ему славу великого живописца и ставшую одним из самых известных произведений Ренессанса. Тела людей и небесных созданий сплетаются в рассказе библейской истории человечества. Христианская легенда и языческое поклонение красоте и силе человеческого тела. Две противоположные и обычно противоборствующие стихии соединены здесь творческим гением.

Микеланджело любят называть титаном Возрождения.

"Потоп" является первой композицией, выполненной художником на потолке Сикстинской капеллы. Главной идеей "Потопа" является не всемирная катастрофа, а человек со всеми его сильными и слабыми сторонами. Он показан в бесплодной борьбе со смертью, которая обрушивается на него проливным дождем с хмурого неба. Вся земля покрыта водой, только гребни гор, как маленькие островки, виднеются среди безбрежного океана.

Измученные и объятые ужасом люди с пожитками поднимаются на вершину одного из таких островков в надежде на спасение. Среди них мужчины, женщины и дети. Вот жених на руках несет испуганную невесту; мать, держа на руках малыша, пытается укрыть его от разбушевавшейся стихии; рядом обезумевший от страха юноша, надеясь уцелеть, карабкается на гнущееся под порывами ветра дерево. Среди безбрежного моря воды обезумевшие и озверевшие люди борются за место в уже переполненной лодке.

Билет № 10

1. Искусство императорского Рима.(II-Vвв. н.э.)

После пожара, который продолжался в Риме 5 дней и уничтожил 10 из 14 районов города, было положено начало нового строительства. Центром дворцовых сооружений стал "Золотой дом" Нерона, получивший название из-за необыкновенной роскоши в его отделке. В доме было три портика, его окружали пруд, напоминающий море, поля, виноградники, леса и луга.

Характерными памятниками императорского Рима стали амфитеатры. После гражданской войны к власти пришел Веспасиан, который начал строить амфитеатр Флавиев, получивший название Колизея, поскольку его строительство проходило рядом с колоссальной статуей Нерона, позднее уничтоженной. Имя архитектора, который возвел Колизей неизвестно. Здание имело форму эллипса с осями 190 на 156 м, высота его внешней стены равнялась 48.6 м. От нее по наклону к арене спускались разделенные проходами зрительные ряды, облицованные мрамором. В амфитеатре могли одновременно разместиться 50 тыс. зрителей. Арена с осями 87 на 54 м опиралась на систему опорных террас. Под ареной размещались коридоры, клетки, подсобные помещения. Снаружи ярусы были украшены аркадами и ордером - строгим тосканским, выше - более легким ионическим, еще выше - коринфским, на самом верху - тонкими коринфскими пилястрами. Вплоть до 405 года в Колизее проводились гладиаторские бои.

Самым грандиозным форумом считается форум Траяна - последний императорский форум, самый пышный из всех, отличался симметричностью и парадностью. На Форуме не было храма в честь богов, богом почитался сам Траян. Достопримечательность Форума - триумфальная колонна Траяна высотой 27 м, одновременно была гробницей - в ней помещалась урна с прахом Траяна. По всей колонне вился свиток с рассказом о походах императорской армии в Дакию. На колонне Траян изображен 90 раз, везде в гуще событий.

Триумфальные арки стали типичны для Рима и возводились еще в республиканский период. Они вели свое происхождение от городских ворот, разграничивающих свое и чужое пространство. Арки чаща всего ставились в честь одержанных побед. К 5 веку н.э. в Риме было 55 арок, а по всей Империи около 350 триумфальных арок. Арки представляли собой каменные монументальные ворота, оформленные скульптурными изображениями трофеев, пленных, героев. Одной из самых замечательных была арка Тита, поставленная на месте Золотого дома Нерона в 80 году, она поставлена в честь победоносного похода в Иудею и разграбление храма Соломона. Арка служила постаментом для бронзовой статуи императора, венчаемого богиней победы Викторией. Внешне строгая, внутри с рельефами, в проходе арка запечатлела триумфальный въезд Тита в Рим.

Арка Тита. Рим. 81 год.

Одним из сооружений императорского Рима является Пантеон. Храм был построен при императоре Адриане около 125 года. Пантеон представлял собой внешне глухое кольцо цилиндра, монументальный гранитный портик которого с двухскатной крышей служил проходом в центральное строение со стенами 6-ти метровой толщины, стены были расчленены нишами и колоннами, в нишах стояли статуи. Стены были отделаны мрамором и камнями, пол выложен мозаикой. Бетонный купол весил 46 тонн, был облегчен пятью рядами кессонов, имел диаметр 43 м, с центральным оком в 8,5 м. Площадь перед Пантеоном связывалась с ним центральной аркой, через которую необходимо было пройти по берегу Тибра через специально наведенный мост.

Римская культура республиканского периода

III—I века знаменуются дальнейшим развитием римской архитектуры и изобразительного искусства. Старый римский дом был одноэтажным, в центре его находился атриум — большое помещение, где горел очаг и находились семейные святыни. К атриуму примыкали спальни; других помещений в доме, как правило, не было. Теперь начинают строить дома в два-три этажа. В богатых домах атриум, украшенный колоннами, превращается в приёмную, к которой примыкает целый комплекс помещений: гостиная, столовая, спальня, ванная комната, закрытые дворики и сады, украшенные колоннадами и статуями. Стены облицовываются мрамором, полы делаются мозаичными. В городах строятся общественные здания совершенно нового архитектурного стиля — базилики; с начала II в. появляются монументальные декоративные сооружения — триумфальные арки.

Из завоёванных греческих городов в Рим в качестве военной добычи было привезено огромное количество статуй, которыми теперь украшаются римские площади, общественные и частные здания. Сами римляне создают новый жанр скульптуры, в развитии которого они достигают большого совершенства,—реалистический скульптурный портрет. Следует отметить также развитие фресковых росписей, которые со II в. начинают применяться главным образом для декоративных целей.

Меняется и облик самого города Рима. Он становится огромным по площади и числу населения городом. Полагают, что во II в. до н. э. в нём уже было около полумиллиона жителей. Население Италии стекается в него целыми толпами, кроме того, в Риме живёт теперь множество провинциалов — это главным образом греки, сирийцы, евреи.

В I в. до н. э. Рим становится крупнейшим международным центром, столицей великой средиземноморской державы. В городе строятся великолепные здания. Форум превращается в площадь, украшенную храмами, базиликами, портиками, арками, скульптурными изваяниями. Так, Помпеи построил первый каменный театр, Цезарь — прекрасный новый Форум, ставший впоследствии образцом для такого типа сооружений.

Наряду с роскошными кварталами, где находились общественные здания и богатые частные дома, в Риме существовал и целый ряд нищенских кварталов, в которых ютился городской плебс и где жалкие лачуги перемежались с многоэтажными доходными домами-трущобами, построенными на скорую руку предприимчивыми дельцами.

2. ГОТИКА. Готический стиль - это художественный стиль, явившийся завершающим этапом в развитии средних веков искусства стран Западной, Центральной и частично Восточной Европы (между серединой 12 и 16 веков). Термин "Готика" введен в эпоху Возрождения как уничижительное обозначение всего средневекового искусства, считавшегося "варварским". С начало 19 века, когда для искусства был принят термин романский стиль, были ограничены хронологические рамки Готики, в ней выделили раннюю, зрелую (высокую) и позднюю фазы.

Готика развивалась в странах, где господствовала католическая церковь, и под её эгидой феодально-церковной основы сохранялись в идеологии и культуре эпохи Готики. Готическое искусство оставалось преимущественно культовым по назначению и религиозным по тематике: оно было соотнесено с вечностью, с "высшими" иррациональными силами.

Для Готики характерны символико - аллегорический тип мышления и условность художественного языка. От романского стиля Готика унаследовала главенство архитектуры в системе искусств и традиционные типы культур, зданий. Особое место в искусстве Готики занимал собор - высший образец синтеза архитектуры, скульптуры и живописи (преимущественно витражей). Несоизмеримое с человеком пространство собора, вертикализм его башен и сводов, подчинение скульптуры ритмам динамичности архитектуры, многоцветное сияние витражей оказывали сильное эмоциональное воздействие на верующих.

ГОТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО - искусство цветущих торговых и ремесленных городов коммун, добившихся известности и самостоятельности внутри феодального мира. Между романским и готическим стилем трудно провести хронологическую границу. 12 век - расцвет романского стиля, вместе с тем с 1130 года появляются новые формы. Готический стиль в Западной Европе достиг вершин (высокая готика ) в 13 веке . Угасание приходится на 14-15 века (пламенеющая готика). Строительство осуществляется не только церковью , но и общиной (организованными в цехи профессиональными ремесленниками и архитекторами) . Между строительными артелями , странствовавшими из города в город , существовали связи ,обмен опытом и знаниями самые значительные сооружения , и прежде всего соборы , возводились на средства горожан. Часто над созданием одного памятника трудились многие поколения.

Грандиозные готические соборы резко отличались от монастырских церквей романского стиля. Они были вместительны , высоки, нарядны , зрелищно декорированы . Динамичность, легкость и живописность соборов определяет характер городского пейзажа. Вслед за собором устремлялись вверх и городские постройки. В замысле городского, а не монастырского собора проявились и новые идеи католической церкви, возросшее самосознание горожан, новые преставления о мире. Динамическая устремленность ввысь всех форм храма была порождена идеалистическим устремлением души к небу. Готический собор по сравнению с романским новая ступень в развитии базиликального типа постройки, в которой все элементы стали подчиняться единообразной системе. Главное отличие готического собора - устойчивая каркасная система, в которой конструктивную роль выполняют крестово-реберные стрельчатые своды, провезенные сетью выступающих ребер, выложенных из камня, арки стрельчатой формы, определяющие во многом внутренний и внешний облик соборы. Классическое выражение готический стиль получил во Франции. Величайшее сооружение - собор Парижской богоматери (заложен 1163 г, достраивался до середины 13 века). Зрелая готика отмечена дальнейшим нарастанием ветрикализма линий, динамической устремленностью ввысь. Реймский собор - место коронования французских королей одно из самых цельных произведений готики, замечательный синтез архитектуры и скульптуры.

Главные черты, характеризующие готическую скульптуру, могут быть сведены к следующему: во-первых, на смену господству в художественных концепциях абстрактного начала приходит интерес к явлениям реального мира, религиозная тематика сохраняет свое доминирующее положение, но ее образы меняются, наделяются чертами глубокой человечности.

3. Всем известна икона Святой Троицы Андрея Рублева. Рублев взял краски для своей иконы не из сумрачной Византийской палитры, а из окружающей его природы с ее белыми березками, зеленеющей рожью, золотистыми колосьями, яркими васильками. Сколько людей со времен преподобного Андрея застывало в восхищении перед этой иконой! Сколько иконописцев пытались повторить чудный образ! Несомненно, "Троица" Рублева — одно из самых знаменитых и таинственных произведений мировой живописи. Таким, как мы его знаем сейчас, это величайшее произведение мирового искусства предстало взору реставраторов в 1919 году.

Сюжет иконы построен на 18-й главе книги Бытия, где описывается, как Бог в виде трех мужей или ангелов явился праотцу Аврааму и его жене Сарре у мамврийского дуба. Многие христиане (а среди них такие авторитеты, как св. Кирилл Александрийский, св. Амвросий Медиоланский, св. Максим Исповедник) были убеждены, что в этом месте Ветхого Завета говорится о прообразе пресвятой и единосущной Троицы. Однако до Рублева иконописцы изображали только бытовую сцену: три ангела в гостях у Авраама и Сарры сидят за сервированным стадом в тени большого дуба. Никакой речи о Прообразе Троица здесь и быть не могло. А вот преподобный Андрей сумел воплотить на иконе главный догмат христианства!

Билет № 11

1. Древнеримский скульптурный портрет.

Из Греции искусство портретов перешло к римлянам, которые к прежним родам пластических портретных изображений (статуе и гермe) прибавили новый род — бюст. Многие греческие ремесленники работали в Риме, правда, уже с соблюдением желаний римского заказчика.

Развитие древнеримского портрета было связано с усилением интереса к конкретному человеку (в отличие от интереса к человеку вообще в искусстве Древней Греции). В основе художественной структуры древнеримского портрета — чёткая и скрупулёзная передача неповторимых черт модели. В отличие от древнегреческого портрета с его тягой к идеализации (греки считали, что хороший человек обязательно должен быть красивым), римский скульптурный портрет оказался максимально натуралистичным и до сих пор считается одним из наиболее реалистичных образцов жанра за всю историю искусства. Древние римляне считали личность человека достойной уважения в том виде, какая она есть, без всяких приукрас, со всеми морщинами, лысинами и избыточным весом (пример портрет императора Вителлия).

Римский портрет развился из посмертных масок, которые было принято снимать с умерших – отсюда реализм. Они изготавливались из воска и назывались imagines. Маски-слепки делались непосредственно с лиц усопших и потом обрабатывались с целью придания им большего натуроподобия. Это привело к прекрасному знанию римскими мастерами особенностей мускулатуры человеческого лица и его мимики, что повлекло за собой прекрасные результаты уже при обычном позировании. Корни подобного погребального культа переняли у этрусков, у которых портрет также был чрезвычайно развит.

Во времена Республики стало принято воздвигать в публичных местах статуи (уже в полный рост) политических должностных лиц или военный командиров. Подобная честь оказывалась по решению Сената, обычно в ознаменование побед, триумфов, политических достижений. В случае преступления человека его изображения уничтожались.

2. Творчество Феофана Грека.

Стиль Феофана Грека поражает выразительностью и экспрессией. Для его фресковых росписей характерна т. н. «скоропись», почти монохромная живопись и непроработанность мелких деталей изображения, что оказывает огромное воздействие на зрителя.

В творчестве Феофана Грека наиболее полно выразились и нашли свое идеальное воплощение два полюса византийской духовной жизни и её отражения в культуре — классическое начало (воспевание земной красоты как Божественного творения, как отсвета высшего совершенства) и устремление к духовному, отвергающего внешнее, эффектное, красивое.

Во фресках Феофана Грека – острая фиксация момента мистического видения, пронзительные вспышки света, резкими ударами падающие на лика, руки, одежды - символизирующие божественный свет. Ограниченность цветовой гаммы (чёрный, красновато-коричневый со многими оттенками, белый и др.) — будто образ монашеского, аскетического отречения от многообразия и многоцветия мира. Тревожность и острота искусства Феофана Грека рождены в духовной атмосфере позднего палеологовского времени, с характерным для него индивидуальным переживанием религии и тяготением к монашескому подвижничеству.

Совсем иной акцент — в иконах мастера. Их отличает мягкое многосложное письмо, насыщенные драгоценные цвета, чудесная и завораживающая красота, созерцательность, преображенность светом.

Им расписаны:

-Церковь Спаса Преображения (Новгород (1378)) (первая известная сохранившаяся работа)

-Собор Рождества Богородицы (1395) вместе с Семёном Чёрным)

-Архангельский собор Кремля(1399)

-Благовещенский собор Кремля вместе с Андреем Рублёвым и Прохором из Городца (1405)

Им написаны знаменитые иконы:

-Икона Божией Матери Донская (1380?)

-Успение (1380?)

-Преображение (1408)

3. Рафаэль «Сикстинская Мадонна».

Этот алтарный образ - последняя из крупных работ Рафаэля, посвященных его излюбленной теме. Еще в ранний период творчества он обращался к образу Мадонны с младенцем, каждый раз отыскивая новый подход. Преобладающий характер гения Рафаэля выражался в стремлении

к божеству, к преобразованию земного, человеческого в вечное, божественное.

Кажется, что занавес только что раздвинулся и взорам верующих открылось небесное видение - ступающая по облаку Дева Мария с младенцем Иисусом на руках. Мадонна держит доверчиво приникшего к ней Иисуса по-матерински заботливо и бережно. Гений Рафаэля словно заключил божественного младенца в магический круг, образуемый левой рукой Мадонны, ее ниспадающим покрывалом и правой рукой Иисуса. Взгляд ее, направленный сквозь зрителя, полон тревожного предвидения трагической судьбы сына. Лицо Мадонны - воплощение античного идеала красоты в соединении с духовностью христианского идеала.

Папа Сикст II, принявший мученическую смерть в 258 г. н.э. и причисленный к лику святых, просит Марию о заступничестве за всех, кто молится ей перед алтарем. Поза Святой Варвары, ее лицо и потупленный взор выражают покорность и благоговение. В глубине картины, на заднем плане, едва различимые в золотой дымке, смутно угадываются лица ангелов, усиливая общую возвышенную атмосферу. Взгляды и жесты двух ангелов на переднем плане обращены к Мадонне. Присутствие этих крылатых мальчиков, больше напоминающих мифологических амуров, придает полотну особую теплоту и человечность.

«Сикстинская Мадонна» была заказана Рафаэлю в 1512 году как алтарный образ для капеллы монастыря Святого Сикста в Пьяченце.

Билет № 12

Византийское искусство.

Периоды истории византийского искусства и их характеристика

• раннехристианский период (так называемой предвизантийской культуры, I-III века)

• ранневизантийский период, «золотой век» императора Юстиниана I, архитектуры храма Святой Софии в Константинополе и равеннских мозаик (VI-VII века)

• иконоборческий период (VIII-начало IX века). Император Лев III Исавр (717—741), основатель Исаврийской династии, издал Эдикт о запрещении икон. Этот период получил название «темное время» — во многом по аналогии со сходным этапом развития Западной Европы.

• период Македонского Возрождения (867—1056) Принято считать классическим периодом византийского искусства. XI век стал высшей точкой расцвета. Сведения о мире черпались из Библии и из произведений древних авторов. Гармония искусства достигалась за счёт строгой регламентации.

• период консервантизма при императорах династии Комнины (1081—1185)

• период Палеологовского Возрождения, возрождения эллинистических традиций (1261—145

Иконопись

Иконопись Византийской империи была крупнейшим художественным явлением в восточно-христианском мире. Византийская художественная культура не только стала родоначальницей некоторых национальных культур (например, Древнерусской), но и на протяжении всего своего существования оказывала влияние на иконопись других православных стран: Сербии, Болгарии, Македонии, Руси, Грузии, Сирии, Палестины, Египта. Так же под влиянием Византии находилась культура Италии, в особенности Венеции.Важнейшее значение для этих стран имели византийские иконографии и возникавшие в Византии новые стилистические течения.

Византийская мозаика

Главным наследством, доставшимся арабо-норманнскому стилю от византийского искусства, стали мозаики. Мозаики комниновского периода (XII век) наилучшим образом сохранились именно на Сицилии. К ним относятся мозаики соборов Чефалу и Монреале, церкви Марторана и Палатинской капеллы.

Наиболее любимым сюжетом сицилийских мозаичистов стало изображение Христа Пантократора в небесной славе. При этом, хотя мозаичисты строго следовали византийским канонам, образы Пантократора в каждом из перечисленных храмов являются индивидуальными, наделёнными своими специфическими чертами и особенностями. Образы Христа Пантократора в Чефалу и Монреале стали признанными образцами византийской мозаики.

Не менее распространённым сюжетом для сицилийских мозаик стало изображение Богородицы и апостолов. Не удаляясь от традиционного для Византии деисусного ряда, сицилийские мозаичисты сумели добиться эффекта живого соучастия святых в молитве общины. На мозаиках Чефалу и Монреале особые позы апостолов создали иллюзию их беседы друг с другом, свидетелями и участниками которой становятся все молящиеся во храме.

Сицилийские мозаичисты создали один из самых больших в мире мозаичных циклов в соборе Монреале – около 10 000 кв. м. площади. Мозаики Монреале распадаются на пять тематических циклов – Христос во славе, праздничный, чудеса Христовы, книга Бытия и жития апостолов Петра и Павла. Эти же циклы в меньшем, камерном варианте исполнены и в Палатинской капелле.

Собор Святой Софии.

Собо́р Свято́й Софи́и — Прему́дрости Бо́жией[1], Святая София Константинопольская, Айя-София (греч. Ἁγία Σοφία, полностью: Ναός τῆς Ἁγίας τοῦ Θεοῦ Σοφίας; тур. Ayasofya) — бывший патриарший православный собор, впоследствии — мечеть, ныне — музей; всемирно известный памятник византийского зодчества, символ «золотого века» Византии. Официальное название памятника на сегодняшний день Музей Айя-София (тур. Ayasofya Müzesi).

Во времена Византийской империи собор находился в центре Константинополя рядом с императорским дворцом. В настоящее время находится в историческом центре Стамбула, район Султанахмет. После захвата города османами Софийский собор был обращён в мечеть, а в 1935 году он приобрёл статус музея. В 1985 году Софийский собор в числе других памятников исторического центра Стамбула был включён в состав Всемирного наследия ЮНЕСКО[2].

Более тысячи лет Софийский собор в Константинополе оставался самым большим храмом в христианском мире — вплоть до постройки Собора Святого Петра в Риме. Высота Софийского собора — 55,6 метров, диаметр купола 31 метр

2.

Афи́нский акро́поль (греч. Ακρόπολη Αθηνών) — акрополь в городе Афины, представляющий собой 156-метровый скалистый холм с пологой вершиной (ок. 300 м в длину и 170 м в ширину).

Первые укрепления на скалистом отроге площадью 300 на 130 м, поднимающемся на окраине Афин, появились ещё задолго до наступления классического периода. Уже во времена архаики здесь располагались величественные храмы, скульптуры, различные предметы культа.

В микенский период (XV—XIII вв. до н. э.) являлся укрепленной царской резиденцией. В VII—VI вв. до н. э. в Акрополе велось большое строительство. При тиране Писистрате (560—527 гг. до н. э.) на месте царского дворца был построен храм богини Афины Гекатомпедон (то есть храм длиною в сто шагов; сохранились фрагменты скульптур фронтонов, выявлен фундамент). В 480 году до н. э. во время греко-персидских войн храмы Акрополя были разрушены персами. Жители Афин дали клятву восстановить святыни только после изгнания врагов из Эллады.

В 447 год до н. э. по инициативе Перикла на Акрополе началось новое строительство; руководство всеми работами было поручено знаменитому скульптору Фидию, который, видимо и явился автором проекта, лёгшего в основу всего комплекса, его архитектурного и скульптурного облика.

В V веке Парфенон стал церковью Богоматери, статуя Афины Парфенос была перевезена в Константинополь. После завоевания Греции турками (в XV веке) храм превратили в мечеть, к которой пристроили минареты, затем — в арсенал; Эрехтейон стал гаремом турецкого паши, храм Ники Аптерос был разобран, из его блоков сложена стена бастиона. В 1687 году после попадания ядра с венецианского корабля взрыв уничтожил почти всю центральную часть храма Афины — Девы, при неудачной попытке венецианцев снять скульптуры Парфенона несколько статуй были разбиты. В начале XIX века английский лорд Элгин выломал ряд метоп, десятки метров фриза и почти все сохранившиеся скульптуры фронтонов Парфенона, кариатиду — из портика Эрехтейона.

В 1827 году во время штурма Акрополя греческими повстанцами от пушечного ядра сильно пострадал храм Эрехтейон.

После провозглашения независимости Греции в ходе реставрационных работ (в основном в кон. XIX века) по возможности был восстановлен древний облик Акрополя: ликвидирована вся поздняя застройка на его территории, заново выложен храм Ники Аптерос и т. п. Рельефы и скульптуры храмов Акрополя находятся в Британском музее (Лондон), в Лувре (Париж) и Музее Акрополя. Остававшиеся

под открытым небом скульптуры сейчас заменены копиями.

3.

«Мо́на Ли́за» («Джоко́нда»; итал. La Gioconda, фр. La Joconde, полное название — Портре́т госпожи́ Ли́зы Джоко́ндо, итал. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) — картина Леонардо да Винчи, находящаяся в Лувре (Париж, Франция), одно из самых известных произведений живописи в мире[1][2], которое, как считается, является портретом Лизы Герардини, супруги торговца шёлком из Флоренции Франческо дель Джокондо, написанным около 1503—1505 года.

Полное название картины итал. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo — «Портрет госпожи Лизы Джокондо». По-итальянски ma donna значит «моя госпожа» (ср. англ. «миледи» и фр. «мадам»), в сокращённом варианте это выражение преобразовалось в monna или mona. Вторая часть имени модели, считающаяся фамилией её мужа — del Giocondo, по-итальянски также имеет прямое значение и переводится как «весёлый, играющий» и соответственно la Gioconda — «весёлая, играющая» (ср. с англ. joking).

Впервые название «La Joconda» упоминается в 1525 году в списке наследства художника Салаи, наследника и ученика да Винчи, который оставил картину своим сёстрам в Милане. Надпись описывает её как портрет дамы по имени Ла Джоконда[2].

Ещё первые итальянские биографы Леонардо да Винчи писали о месте, которое занимала эта картина в творчестве художника. От работы над «Моной Лизой» Леонардо не уклонялся — как это было со многими другими заказами, а, наоборот, отдавался ей с какой-то страстью. Ей было посвящено все время, остававшееся у него от работы над «Битвой при Ангиари»[1]. Он потратил на него значительное время и, покидая Италию в зрелом возрасте, увёз с собой во Францию в числе некоторых других избранных картин. Да Винчи испытывал особенную привязанность к этому портрету, а также много размышлял во время процесса его создания, в «Трактате о живописи» и в тех заметках о технике живописи, которые не вошли в него, можно найти множество указаний, с несомненностью относящихся к «Джоконде»[1

Билет 13

1. Романский стиль- художественный стиль, господствовавший в Западной Европе (а также затронувший некоторые страны Восточной Европы) в 10—12 вв. (в ряде мест — и в 13 в.), один из важнейших этапов развития средневекового европейского искусства. Термин "Р. с." был введён в начале 19 в

Р. с. впитал многочисленные элементы раннехристианского искусства, меровингского искусства, культуры "каролингского возрождения", искусства античности. В отличие от предшествующих ему тенденций средневекового искусства, носивших локальный характер, Романский стиль явился первой художественной системой средневековья, охватившей большинство европейских стран.

Отдельные романские здания и комплексы (церкви, монастыри, замки) нередко создавались среди сельского ландшафта и, размещаясь на холме или на возвышенном берегу реки, господствовали над округой как земное подобие "града божьего". Романские здания гармонируют с природным окружением, их компактные формы как бы повторяют и обогащают естественный рельеф, а местный камень, чаще всего служивший материалом, органично сочетается с почвой и зеленью. Наружный облик построек в Романском Стиле немалую роль играли массивные стены, тяжеловесность и толщина которых подчёркивались узкими проёмами окон и ступенчато углублёнными порталами, а также башни, которые становятся одним из важнейших элементов архитектурных композиций этого стиля. Романское здание представляло собой систему простых стереометрических объёмов (кубов, параллелепипедов, призм, цилиндров), поверхность которых расчленялась лопатками, фризами и галереями, ритмизирующими массив стены, но не нарушающими его монолитной целостности.

Этот абзац необязателен, но все же советую прочитать:

Храмы Романского стиля развивали унаследованные от раннехристианского зодчества типы базиликальной и центрической (чаще всего круглой в плане) церкви; в месте пересечения трансепта с продольными нефами возводились обычно световой фонарь или башня. Каждая из главных частей храма представляла собой отдельную пространственную ячейку, как внутри, так и снаружи четко обособленную от остальных, что во многом было обусловлено требованиями церковной иерархии: например, хор церкви был недоступен для паствы, занимавшей нефы. В интерьере мерные, медлительные ритмы разделяющих нефы аркад и подпружных арок, на значительном расстоянии друг от друга прорезавших каменную массу свода, рождали ощущение незыблемой устойчивости божественного мироустройства; это впечатление усиливалось самими сводами (преимущественно цилиндрическими, крестовыми, крестово-рёберными, реже — куполами), приходящими на смену плоским деревянным перекрытиям.

3 Пракситель — древнегреческий скульптор 4века до н. э. Предполагаемый автор знаменитых композиций «Гермес с младенцем Дионисом» и «Аполлон, убивающий ящерицу». Большинство работ Праксителя известно по римским копиям или по описаниям античных авторов. Скульптуры Праксителя раскрашивал афинский художник Никий. Считается, что Пракситель родился в Афинах. (Ко времени Александра Македонского скульптора уже не было в живых.)

Пракситель — первый скульптор, максимально реалистично изобразивший обнаженную женщину: скульптура Афродита Книдская, где обнаженная богиня придерживает рукой упавшее одеяние. Впоследствии очень многие скульпторы изображали богиню в подобно позе. Афродита Праксителя стала так популярна, что дала начало особому типу в женской скульптуры - типу Афродиты Книдской (к этому типу принадлежит, например, Венера Милосская).

Известные работы:

Гермес с младенцем Дионисом

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5b/H...

Афрдита Книдская

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/25/A...

кстати, голова Афродиты, которую мы рисовали на экзамене, тоже сделана Праксителем.

Билет №15

1. Искусство Древней Руси 11-13 веков (Домонгольского периода)

В период складывания и расцвета феодализма на Руси (конец Х–XVII вв.) искусство формировалось на основе достижений художественной культуры восточнославянских племен и обитавших до них на этих землях скифов и сарматов. Особенно ощутимым было влияние Византии с момента принятия Русью христианства (в 988 г.). Вместе с христианством Русь восприняла традиции античной, прежде всего греческой, культуры.

Важно отметить, что русское искусство периода Средневековья формировалось в столкновении двух укладов – патриархального и феодального и двух религий – язычества и христианства.

Для искусства домонгольской поры характерна одна отличительная черта – монументализм форм. Особое место в нем по праву занимает архитектура. Средневековое русское искусство определялось христианским мировоззрением. До нас дошли далеко не все архитектурные памятники того времени, многие сохранились в искаженном виде, о еще большем числе мы знаем лишь по археологическим раскопкам или по письменным источникам. Но те, что сохранились, естественно, имели культовое назначение. Еще в языческую пору на Руси была развита архитектура, в основном деревянная. Уже после принятия христианства летописец оставил нам свидетельство, что до каменной новгородской Софии на территории Новгородского кремля стоял тринадцатиглавый деревянный Софийский собор, срубленный новгородцами в конце Х в.. Многоглавие, таким образом, было исконно национальной чертой русского зодчества, воспринятой затем искусством Киевской Руси.

С христианством на Русь пришла крестово-купольная форма храма –типичная для греко-восточных православных стран. Крестово-купольной формы храм – прямоугольный в плане, четырьмя (или более) столбами его интерьер делится на продольные (по оси восток– запад) части – нефы (три, пять или более). Четыре центральных столба соединяются арками, поддерживающими через паруса барабан купола. Подкупольное пространство благодаря окнам барабана залито светом, оно является центром храма. Ячейки, примыкающие к подкупольному пространству, перекрыты цилиндрическими сводами. Все центральное пространство храма в плане образует крест, отсюда название системы подобного храма – крестово-купольная. В восточной стороне интерьера размещаются алтарные помещения – апсиды, обычно полукружиями выступающие на внешней стороне; поперечное пространство в западной части интерьера называется притвором, нартексом. В этой же западной части на втором ярусе располагаются хоры, где находились князь и его приближенные во время богослужения. В экстерьере домонгольского храма отличительной чертой является членение фасада плоскими вертикальными пилястрами без капителей (по-древнерусски –лопатками) на прясла. Полукруглое завершение прясла, форма которого определяется посводным покрытием, называется закомарой.

Наиболее распространенной в строительстве храмов техникой кладки в Киевской Руси была так называемая смешанная – «opus mixtum» – стены воздвигали из более тонкого, чем современный, кирпича-плинфы и камня на розовом известковом растворе – цемянке. На фасаде чередовался ряд кирпича с рядом цемянки, и оттого он казался полосатым, что уже само по себе было решением декоративного оформления экстерьера.

Сразу после принятия христианства в Киеве был построен храм Успения Богородицы, так называемая Десятинная церковь (989–996) – первый известный нам каменный храм Киевской Руси. Десятинная церковь (князь выделил на ее содержание 1/10 часть своих доходов – отсюда и название) была разрушена во время нашествия монголо-татар, поэтому мы можем судить о ней лишь по остаткам фундамента, некоторым элементам декора и по письменным источникам. От следующего, XI столетия в Киеве сохранилось несколько памятников, и самый известный из них – София Киевская, главный собор, где происходили церемонии посажения на княжеский стол и поставления на митрополичий престол.

Как и в Десятинной церкви, интерьер Софии Киевской был необычайно богат и живописен: хорошо освещенные алтарные помещения и центральное подкупольное пространство украшены мозаикой, столбы нефов, более темные боковые помещения под хорами, стены – фресками. Полы были также мозаичные и из шифера. Общее впечатление было величественным, необыкновенно торжественным.

Те же мастера, что строили Софию Киевскую, принимали участие в строительстве Софийского собора в Новгороде, сооруженного в 1045–1050 гг. при князе Владимире Ярославиче в центре кремля. Под 1036 г. в летописи впервые упоминается заложенный бесстрашным воином князем Мстиславом Тмутараканским собор Спаса Преображения в Чернигове: трехнефный, трехапсидный, пятиглавый кирпичный храм с круглой лестничной башней на хоры.

На протяжении XI и в XII в. христианство завоевывает прочные позиции. Возрастает роль церкви на всей обширной территории древнерусского государства. В архитектуре второй половины XI в. влияние церкви сказывается в усилении аскетизма в художественном облике храма по сравнению с праздничным, ликующим образом первой половины столетия.

В ряду изобразительных искусств Киевской Руси первое место принадлежит монументальной живописи – мозаике и фреске. Систему росписи культового здания, как и сам тип здания, русские мастера восприняли от византийцев. Но, как и в архитектуре, в русской живописи рано начинается переработка византийской традиции. Языческое народное искусство влияло на сложение приемов древнерусской живописи.

Мозаики и фрески Киевской Софии позволяют представить систему росписи средневекового храма. Росписи служат не только украшением сводов и стен собора, но и воплощают идеи, заложенные в архитектурном замысле в целом. Идеи христианской религии живописцы облекали в человеческие образы, создавая впечатление, что «Бог с людьми пребывает». Живопись должна была выражать связь небесного, горнего, с земным. Язык мозаик прост и лаконичен. Изображения плоскостны, что характерно для средневекового искусства. Фигуры как бы распластаны на золотом фоне, еще более подчеркивающем их плоскостность, формы грузны, жесты условны, складки одежд образуют орнаментальный рисунок. Мозаика кажется органично слитой с архитектурой: фигуры будто выступают из фона, отражая падающий свет, смальта то слабо мерцает, то вспыхивает ярким цветом. Живопись подкупольного пространства и апсид была исполнена в технике мозаики. Вся остальная часть украшена фреской, более дешевой и доступной формой монументальной живописи. На Руси именно эту технику ждало большое будущее.

В XI в., несомненно, было создано много икон, мы знаем даже имя одного русского мастера –Алимпий, –жившего в конце XI в.

Икона «Владимирская Богоматерь» , вывезенная из Константинополя в Киев в начале XII в., –произведение византийского искусства. Название «Владимирская» возникло после того, как в 1155 г. князь Андрей Боголюбский ушел из Киева во Владимир. С возвышением Москвы как центра русского государства икону перевезли в новую столицу и она стала государственной святыней, особенно почитаемой народом.

Особым разделом древнерусской живописи является искусство миниатюры рукописных книг, которые сами по себе представляли сложную и изысканную форму искусства. Написанные на пергамене – телячьей коже – книги украшались миниатюрами, заставками и инициалами. Древнейшей русской рукописью является «Остромирово Евангелие» , написанное в 1056–1057 гг. дьяконом Григорием для новгородского посадника Остромира. Краски миниатюр, изображающих евангелистов, яркие, наложены плоскостно, фигуры и складки одежд прочерчены золотыми линиями, что напоминает технику перегородчатой эмали.

В искусстве Древней Руси круглая скульптура не получила развития. Она напоминала языческого идола и потому не была популярна. Но русские мастера перенесли свой богатый опыт резчиков по дереву на изделия мелкой пластики, в искусство алтарных преград, в резьбу по камню, в литье (в частности монет). Сохранилось и несколько рельефов монументально-архитектурного назначения (два XI в. найдены в стене типографии Киево-Печерской лавры и два – Михайловского Златоверхого монастыря, XI – XII вв.). Они исполнены в красном шифере, подчеркнуто плоскостны.

2. Творчество Донателло

Донателло (около 1386, Флоренция, — 13.12.1466, там же), итальянский скульптор. Один из основоположников скульптуры Возрождения в Италии.

Творчество Донателло, впитавшее демократические традиции культуры Флоренции 14 в., представляет собой одну из вершин развития искусства флорентинского кватроченто( период Раннего Возрождения в Италии). В нём воплотились свойственные искусству Возрождения поиски новых, реалистических средств изображения действительности, пристальное внимание к человеку и его духовному миру. Глубокий интерес к реальности во всём многообразии её индивидуальных, конкретных проявлений сосуществует в творчестве Донателло со стремлением к возвышенному обобщению и героической типизации. Донателло одним из первых художественно осмыслил опыт античного искусства и пришёл к созданию классических форм и видов ренессансной скульптуры (свободно стоящей статуи, настенного надгробия, конного памятника, «живописного» рельефа).

Первым известным нам произведениям Донателло (статуи пророков для бокового портала флорентинского собора, 1406—08) ещё присущи готическая скованность и нерасчленённость форм, измельчённость линейного ритма. Однако уже мраморная статуя св. Марка, выполненная в 1411—13 для фасада церкви Орсанмикеле, является произведением скульптуры Ренессанса. Она отличается ясной тектоникой построения фигуры, спокойным величием и силой. В созданной для той же церкви статуе св. Георгия Донателло воплотил ренессансный идеал воина-героя, придав образу внутреннюю собранность и напряжение, патриотическое гражданственное звучание. Выполненные Донателло в 1416—35 совместно с помощниками статуи пророков для кампанилы флорентинского собора представляют собой галерею остро индивидуальных образов, исполненных суровой правды. В 1420-е гг. Донателло вырабатывает так называемый живописный тип рельефа, создавая впечатление глубины пространства с помощью линейной перспективы, точного разграничения планов и постепенного понижения высоты изображений (рельеф «Пир Ирода», 1423—27). В содружестве с архитектором Микелоццо он создаёт ренессансный тип настенного надгробия с античным по формам саркофагом, с аллегорическими фигурами и величественным ордерным обрамлением (надгробие папы Иоанна XXIII). Пребывание Донателло в Риме в начале 1430-х гг. углубило интерес художника к наследию античности. Впечатления от античного искусства воплотились в полном праздничности и изящества рельефе «Благовещение» с пышным антикизирующим декором (так называемый алтарь Кавальканти). Ренессансным претворением античных форм отмечена и созданная Донателло в 1430-х гг. бронзовая статуя Давида — первое изображение человеческой наготы в статуарной скульптуре Возрождения. Совершенство мягкой обобщённой пластики, юношеская гибкость и угловатость линий, настроение лирической мечтательности сочетаются в статуе с несвойственной искусству античности внутренней сложностью и многоплановостью образа. В 1434—43 Донателло оформляет интерьер Старой сакристии церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, где им совместно с Брунеллески осуществляется новый тип синтеза искусств, для которого характерна равнозначность архитектурных и скульптурных форм. Наивысший расцвет творчества Донателло связан с падуанским периодом. В Падуе Донателло создал первый светский монумент эпохи Возрождения — конный памятник кондотьеру Гаттамелате (1447—53), отличающийся величественной простотой построения, спокойствием и мужественной целеустремлённостью образа. Для церкви Сант-Антонио в Падуе Донателло выполнил в 1446—50 один из наиболее крупных скульптурных алтарей эпохи Возрождения, состоявший из статуй и рельефов, заключённых в строгое ордерное обрамление. В рельефах алтаря многофигурные сцены, жизненные и драматичные, мастерски развёрнуты в иллюзорном пространстве. Поздние произведения Донателло полны обострённой экспрессии и духовного надлома (статуя Марии Магдалины, группа «Юдифь и Олоферн», рельефы двух кафедр церкви Сан-Лоренцо, завершены учениками Донателло). Влияние творчества Донателло на развитие итальянского искусства эпохи Возрождения было огромным. Достижения Донателло были восприняты многими скульпторами кватроченто, а также живописцами Паоло Уччелло, Андреа дель Кастаньо, Андреа Мантеньей и др. Произведения Донателло изучали также Микеланджело и Рафаэль.

3."Менада" Скопаса

Скопас – греческий скульптор и архитектор 4 в. до н.э. с острова Парос, современник Праксителя. Руководил постройкой храма Афины в Теге, а в середине столетия работал над фризом мавзолея в Галикарнасе. Среди произведений, приписываемых ему, выделяется дрезденская мраморная статуэтка пляшущей менады, уменьшенная копия скульптуры, принадлежность которой Скопасу подтверждается литературно.

Характерно, что Скопас первым среди мастеров греческой классики стал отдавать решительное предпочтение мрамору, почти отказавшись от применения бронзы, излюбленного материала мастеров высокой классики, в особенности Мирона и Поликлета. Мрамор, дающий теплую игру света и тени, допускающий достижение то тонких, то резких фактурных контрастов, был ближе творчеству Скопаса, чем бронза с ее отлитыми формами и ясными силуэтными гранями. Знаменитая “Вакханка” – небольшая статуэтка служительницы культа Диониса – представляет Скопаса мастером новых пластических решений.

Мраморная «Менада» (танцующая вакханка) воплощает образ человека, одержимого бурным порывом страсти. Не воплощение образа героя, способного уверенно властвовать над своими страстями, а раскрытие необычайной экстатической страсти, охватывающей человека, характерно для «Менады». Интересно, что Менада Скопаса, в отличие от скульптур 5 в. до н.э., рассчитана на обозрение со всех сторон.

Танец опьяненной Менады стремителен. Ее голова запрокинута назад, отброшенные со лба волосы тяжелой волной спадают на плечи. Движения резко изогнутых складок короткого разрезанного на боку хитона подчеркивает бурный порыв тела. Движение, динамика – то, что характерно для творчества Скопаса.

Билет 16.

1. Древнерусское искусство 14-17вв.

В 14 в. Москва, где княжили потомки Александра Невского, становится центром собирания русских земель. Многое сделал для её возвышения митрополит Пётр (1308—26), перенёсший в Москву из Владимира, номинально ещё считавшегося столицей Руси, свою резиденцию. Заложенный Петром и законченный князем Иваном Калитой Успенский собор в Московском Кремле (1475—79) был одной из первых каменных построек, продолживших традиции владимиро-суздальского белокаменного зодчества (не сохранился). Активное строительство велось в период владычества митрополита Алексия (1354—78) при князьях Дмитрии Донском и его сыне Василии Дмитриевиче (белокаменные стены Кремля, 1367—68; собор Чудова монастыря, 1365). Церковь Рождества Богородицы в Кремле (1393), Успенский собор «на Городке» в Звенигороде (ок. 1400 г.) – небольшие одноглавые кубические храмы, отмеченные изяществом пропорций и благородной сдержанностью. Собор Андроникова монастыря в Москве (первая треть 15 в.) решён как пирамидальный объём, что подчёркнуто сужающимися кверху рядами кокошников. Высшего расцвета достигает в 15 в. живопись в творчестве Андрея Рублёва. В 1405 г. московский иконописец украсил Благовещенский собор Московского Кремля совместно с Феофаном Греком. В отличие от неистово-страстного и трагического искусства византийского мастера, творчество Андрея Рублёва проникнуто тихой молитвенной созерцательностью и нежной, светлой печалью. В его иконах и фресках мир горний (небесный) и мир дольний (земной) впервые предстали в нерасторжимом духовном единстве. В иконе «Троица» (1420-е гг.) в полную силу прозвучала идея гармонии и единения, столь важная в эпоху Куликовской битвы. Живописцами круга Феофана Грека создавались богато иллюстрированные богослужебные рукописные книги (Евангелие Хитрово; некоторые миниатюры, возможно, выполнены Андреем Рублёвым или близкими к нему мастерами). Творчество Андрея Рублёва оказало огромное влияние на московскую живопись не только 15 в., но и последующих столетий.

В 1480 г., в правление Ивана III, произошло окончательное освобождение от татаро-монгольского ига. Москва превращалась в столицу могущественного государства. Зримым воплощением новой роли Московии как великой европейской державы стал великолепный ансамбль зданий Соборной площади, стен и башен Московского Кремля, созданный на рубеже 15–16 вв. русскими и итальянскими зодчими. В столичной среде формируется утончённое и просветлённое искусство Дионисия, украсившего иконами Успенский собор Московского Кремля и создавшего грандиозные фресковые ансамбли в районе Белого озера (настенные росписи Ферапонтова монастыря, 1502). Переживает расцвет декоративно-прикладное искусство. Представители княжеских и боярских семей заказывали мастерам вышитые пелены, резную и драгоценную утварь, которые становились драгоценными вкладами в монастыри и храмы.

В 16 в. в Московии возводятся шатровые церкви (церковь Вознесения в Коломенском, 1532). Выдающимся памятником эпохи стал храм Василия Блаженного на Красной площади в Москве (1555—61). Для иконописи 16 в. характерна насыщенная переливчатая красочная гамма, обилие деталей, подробное повествование («Церковь воинствующая», 1550-е гг., посвящённая победе русского воинства под Казанью). Вкус к изяществу и роскоши находит отражение в многочисленных произведениях декоративно-прикладного искусства, в украшении книг. В 1564 г. Иван Фёдоров издал первую русскую печатную книгу «Апостол».

В 17 в. средоточием художественного производства в Московском государстве становится Оружейная палата, где работали лучшие русские и иноземные мастера, среди которых наиболее известен С. Ф. Ушаков. В культуре 17 в. усилилось светское начало, появился интерес к научному познанию мира. Это столетие стало переходной эпохой к искусству Нового времени. Своеобразным сплавом древних традиций и новых веяний отличаются парсуны – первые в русском искусстве портретные изображения (членов царских и боярских семейств), создававшиеся в иконописной технике. В 18 в., когда светские тенденции полностью возобладали в русской культуре, традиции и образы древнерусского искусства ещё долго сохранялись в обширных русских провинциях.

2.Творчество Мозаччо.

Томмазо ди сер Джованни ди Моне Кассаи был родом из Кастелло Сан Джованни в Вальдарно. Родился 21 декабря 1401 года.

Он был немного рассеянным и весьма беспечным и создавал впечатление человека, у которого вся душа и воля заняты предметами одного только искусства и которому почти нет дела до себя самого, а еще меньше – до других. Поэтому еще в детстве родные прозвали его Мазаччо (ласково-пренебрежительная форма от Томмазо).

Творческая деятельность Мазаччо, продолжавшаяся около шести лет, занимает важное место в истории не только итальянской, но и всей западноевропейской живописи. Наряду с архитектором Брунеллески и скульптором Донателло Мазаччо является основоположником искусства Раннего Возрождения, утвердившим в живописи новые эстетические представления о мире и человеке, новые изобразительные принципы.

Мазаччо начал художественную работу в то время, когда Мазолино расписывал в церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции капеллу Бранкаччи. Эта фресковая роспись считается самой значительной работой Мазаччо, именно здесь он реализовал свое новаторство.

одним из важных достижений Мазаччо была разработка системы глубинного изображения пространства с помощью прямой центральной перспективы, названной впоследствии итальянской. Она отражала новое отношение к миру, делая центр картины точкой схода перспективных линий. Также Мазаччо первым понял необходимость передачи фигур «в сокращении», если смотреть на них снизу, и преодолел прежнюю манеру письма, при которой все фигуры изображались на цыпочках. Он положил начало позам, движению, порыву в живописи, то есть изображению реальности.

На одной из картин кроме Христа, исцеляющего бесноватого, имеются еще прекрасные по перспективе дома, исполненные таким образом, что они одновременно показаны и изнутри и снаружи, так как он для большей трудности взял их не с лицевой стороны, а с угла.

Мазаччо больше других стремился изобразить и обнаженные тела. Он первым в живописи изобразил обнаженные тела Адама и Евы, изгнанных из рая («Изгнание из рая»).

В своих произведениях Мазаччо отличался величайшей легкостью и любил большую простоту драпировок. Его кисти принадлежит сделанная темперой картина, где изображена коленопреклоненная Мадонна с младенцем на руках перед святой Анной. В церкви Сан Никколо помещена в простенке сделанная темперой картина кисти Мазаччо, на которой изображено Благовещение и тут же здание со множеством колонн, прекрасно переданное в перспективе: помимо совершенства рисунка оно сделано в ослабевающих тонах, так что, мало-помалу бледнее, оно теряется из виду.

В Санта Мария Новелла, там, где имеется трансепт, Мазаччо написал фреской изображение Троицы, расположенное над алтарем св. Игнатия, а по сторонам – Мадонну и св. евангелиста Иоанна, созерцающих распятие Христа. С боков находятся две коленопреклоненные фигуры, которые, насколько можно судить, являются портретами заказчиков фрески; но они мало видны, потому что закрыты золотым орнаментом. Кроме фигур там особенно замечателен полукоробовый свод, изображенный в перспективе и разделенный на квадраты, заполненные розетками, которые так хорошо уменьшаются и увеличиваются в перспективе, что кажутся условно вытесненными в стене. В работе над «Троицей» Мазаччо впервые использовал картоны – подготовительные рисунки, при помощи сетки квадратов перенесенные на стены. Такой этап работы над живописным произведением получил широкое распространение в эпоху Возрождения.

Мазаччо написал еще на доске в Санта Мария Маджоре возле боковой двери, ведущей к Сан Джованни, в капелле, Мадонну, св. Екатерину и св. Юлиана; на пределле изобразил он несколько небольших фигур из жития св. Екатерины, равно как св. Юлиана, убившего отца и мать, а посередине изобразил Рождество Иисуса Христа.В церкви дель Кармине в Пизе на доске, внутри капеллы, помещающейся в трансепте, написана Мадонна с младенцем, а у ног их – несколько ангелочков, которые играют на музыкальных инструментах; один из них, играя на лютне, внимательно вслушивается в гармонию звуков. Посередине находится Мадонна, св. Петр, св. Иоанн Креститель, св. Юлиан и св. Николай – фигуры, полные движения и жизни. Внизу, на пределле находятся маленькие фигуры и изображены сцены из житий упомянутых святых, а в середине – три волхва, приносящие дары Христу; в этой части несколько лошадей списаны с натуры так живо, что невозможно желать лучшего; люди из свиты трех царей облачены в разные одежды. Вверху картина заканчивается несколькими квадратами с изображением множества святых вокруг распятия. Полагают, что фигура святого в епископской одежде, находящаяся в той же церкви на фреске возле двери, ведущей в монастырь, тоже сделана Мазаччо.

По возвращении из Пизы Мазаччо сделал во Флоренции картину на дереве с двумя словно бы живыми обнаженными фигурами, женской и мужской.

, он расписал для кардинала Сан-Клементе в церкви Сан Клементе капеллу, где изобразил фреской страсти Христовы с распятыми разбойниками, равно как житие св. мученицы Екатерины. Кроме того, он написал темперой много картин, которые или погибли, или пропали во время волнений в Риме. Одну картину он написал в церкви Санта Мария Маджоре в маленькой капелле около сакристии, где изобразил четырех святых, которые кажутся рельефными, а в середине - церковь Санта Мария делла Неве, тут же – портрет с натуры папы Мартина, который мотыгой указывает основание этой церкви, а рядом с ним император Сигизмунд II.

Когда в Риме при папе Мартине над фасадом церкви Сан Джанни работали Пизанелло и Джентиле да Фабриано, часть работы они поручали Мазаччо. Узнав, что Козимо Медичи, оказывавший ему великую помощь и покровительство, вызван из изгнания, он возвратился во Флоренцию. Здесь после смерти Мазолино ему поручили начатую последним работу в капелле Бранкаччи в Кармине, где, прежде чем приступить к работе, он написал как бы для опыта св. Павла, что возле веревок колокольни, чтобы показать, как в этой картине он выказал бесконечное умение, ибо голова этого святого, списанная с Бартоло ди Анджолино Анджолини, производит впечатление такого великого ужаса, что кажется, будто этой фигуре недостает только того, чтобы она заговорила. И, глядя на нее, тот, кто не знает св. Павла, увидит прямодушие римской гражданственности, соединенное с непобедимой мощью уверовавшей души, всецело устремленной к делам веры. В этой же картине художник показал такое умение изображать ракурс, взятый сверху вниз, которое было поистине изумительно, как то явствует в передаче ног апостолов, где легко разрешена трудность задачи, особенно в сравнении со старой манерой, которая все стоящие фигуры изображала приподнявшимися на носках.

Как раз в то время, когда он производил эту работу, была освящена церковь дель Кармине. В память этого события Мазаччо над воротами, ведущими из храма на монастырский двор, написал веронской зеленью все священнодействие, как оно происходило: он изобразил бесчисленное множество граждан, которые в плащах и капюшонах шествуют за процессией.

После этого Мазаччо вернулся к работе над капеллой Бранкаччи, продолжая сцены из жизни св. Петра, начатые Мазолино, и частью их закончил, а именно – сцену с папским престолом, исцеление больных, воскрешение мертвых, наконец, излечение хромых тенью, когда он проходит по храму вместе со св. Иоанном. Среди прочих выделяется та картина, где Петр по приказанию Христа извлекает деньги из живота рыбы, чтобы уплатить подать. Помимо изображения одного из апостолов в глубине картины, которое предоставляет собою портрет самого Мазаччо, сделанный им с себя при помощи зеркала так хорошо, что он кажется прямо живым, - мы видим здесь гнев св. Петра на требования и внимание апостолов, которые в разнообразных позах окружают Христа и ждут его решения с такой жизненностью движения, что в самом деле кажутся живыми, в особенности св. Петр, у которого кровь прилила к голове, потому что он н св. Петр, у которого кровь прилила к голове, потому что он нагнулся, стараясь достать деньги из живота рыбы; а еще лучше – сцена, когда он платит подать; здесь видно возбуждение, с каким он считает деньги, и вся алчность сборщика, который держит деньги в руке, и с наслаждением на них уставился. Мазаччо написал еще воскрешение царского сына святыми Петром и Павлом, но вследствие смерти художника эта работа осталась незавершенной, ее потом закончил Филиппино. В сцене крещения св. Петром высоко ценится обнаженная фигура одного из новокрещеных, который дрожит от холода. Она написана с прекрасной рельефностью и в мягкой манере, что всегда почиталось и с восхищением ценилось художниками.

3. Ника самофракийская

В 1863 году археолог Шарль Шампуазо, вернувшись из Греции, привез в Париж больше двухсот фрагментов мраморной скульптуры. Из них, благодаря усилиям реставраторов, в 1884 году возродилась крылатая богиня Ника, Победа. Даже лишенная головы и рук, с правым крылом из гипса (точной копией левого), она покорила ценителей искусства своей красотой и с тех пор считается одной их жемчужин Лувра.

Ее установили на верхней площадке мраморной лестницы Дару. «Лестница эта... была чудесна сама по себе, но главным ее чудом было то, что вся она, во всей стройности и строгости своего подъема, во всем праздничном, ярком чередовании света и тени на полированных плоскостях ее ступеней служила лишь пьедесталом стоявшей на верхней площадке фигуры, — Ариадна Эфрон, дочь Марины Цветаевой, описала в своих воспоминаниях впечатление от встречи с Никой. — То была статуя Самофракийской победы... Победа эта была столь огромна, что легко было, осознав лишь ее подножие — из каменных блоков слаженный нос корабля-триремы, — обогнуть его, так и не взглянув вверх.

Обезглавленная и безрукая, грубо изувеченная христианским варварством, оббитая и выщербленная прошедшими по ней тысячелетиями, ликующая богиня остановилась на бегу, чтобы протрубить победу, и триста лет до нашей эры отбушевавший ветер облепил ее юное, торжествующее тело складками одежды, влажной и отяжелевшей от брызг прибоя, затрепетал в ее широко и сильно раскинутых крыльях, ероша их мраморные перья...»

Самофракийской статую назвали по имени острова, где ее нашел Шампуазо. Самотраки (Самофраки), расположенный в северной части Эгейского моря, разделил судьбу многих греческих островов: его история переплелась с легендами. По одной из них, «Колебатель земли», бог морей Посейдон выбрал Самотраки своей обителью. На горе Фенгари, самой высокой в Эгейском море (1611 м), бог восседал, наблюдая за сражением под стенами Трои, рассказывает Гомер.

Просто так никого не пускает Посейдон на свой остров — непредсказуемый северный ветер и морские течения могут внезапно перевернуть и увлечь на дно корабли, и плавание на Самотраки не назовешь безопасным. Может быть, поэтому его жители всегда искали защиты у высших сил. С древних времен здесь поклонялись Кабирам — таинственным Великим богам, не входившим в греческий пантеон. Известно, что посвященному в Самофракийские мистерии они даровали защиту, особенно на море, и открывали таинства смерти и возрождения.

Самофракийское святилище особенно процветало в эллинистическую эпоху — тогда на религиозные празднества собирались почти все города Греции, привозя с собой богатые дары, и не счесть было тех, кто стремился приобщиться к таинствам Кабиров.

Ника Самофракийская, изваянная скульптором Пифокритом, как предполагают, в 190-180 годах до н.э., тоже была принесена в дар Кабирам — жители острова Родос благодарили их за победу в морском сражении.

Билет 18.

Тут вы можете оставить комментарий к выбранному абзацу или сообщить об ошибке.

Оставленные комментарии видны всем.

Соседние файлы в предмете [НЕСОРТИРОВАННОЕ]