Добавил:
Upload Опубликованный материал нарушает ваши авторские права? Сообщите нам.
Вуз: Предмет: Файл:
istoria_iskusstvo.doc
Скачиваний:
3
Добавлен:
22.09.2019
Размер:
459.26 Кб
Скачать

чБИЛЕТ№1

первобытное искусство палеолита, мезолита, неолита

Актуальность темы обусловлена тем, что древнейшие сохранившиеся художественные произведения были созданы в первобытную эпоху, примерно шестьдесят тысяч лет тому назад

Первобытное искусство отразило первые представления человека об окружающем мире, благодаря ему сохранялись и передавались знания и навыки, происходило общение людей друг с другом. В духовной культуре первобытного мира искусство стало играть такую же универсальную роль, какую заострённый камень выполнял в трудовой деятельности.

Под первобытной культурой принято понимать архаичную культуру, которая характеризует верования, традиции и искусство народов, живших более 30000 лет тому назад и давно умерших, либо тех народов, которые существуют сегодня, сохранив в нетронутом виде первобытный образ жизни. Первобытная культура охватывает преимущественно искусство каменного века, это бесписьменная культура.

Специалисты полагают, что жанры первобытного искусства возникали примерно в такой временной последовательности:

- каменная культура,

- наскальная живопись,

- глиняная посуда .

1.Искусство эпохи палеолита

Каменный век – древнейший период в истории человечества (начался свыше 2 млн. лет назад, продолжался до VI тысячелетия до н. э.), когда орудия труда и оружие изготовлялись из камня (отсюда и название эпохи – каменный век); делится на палеолит, мезолит и неолит.

Первые произведения первобытного искусства созданы около 30 тысяч лет назад, в конце эпохи палеолита, или древнего каменного века.

Самыми древними скульптурными изображениями на сегодняшний день являются так называемые “палеолитические венеры” – примитивные женские фигурки. Они ещё очень далеки от реального сходства с человеческим телом. Всем им присущи некоторые общие черты: увеличенные бёдра, живот и груди, отсутствие ступней ног. Первобытных скульпторов не интересовали даже черты лица. Их задача заключалась не в том, чтобы воспроизвести конкретную натуру, а в том, чтобы создать некий обобщённый образ женщины-матери, символ плодородия и хранительницы очага. Мужские изображения в эпоху палеолита очень редки. Помимо женщин изображали животных: лошадей, коз, северных оленей и др. В то время люди ещё не знали металла и почти вся палеолитическая скульптура выполнена из камня или кости.

В истории пещерной живописи эпохи палеолита специалисты выделяют несколько периодов. В глубокой древности (примерно с XXX тысячелетия до н. э.) первобытные художники заполняли поверхность внутри контура рисунка чёрной или красной краской.

Позднее (примерно с XVIII и по XV тысячелетие до н. э.) первобытные мастера стали больше внимания уделять деталям: косыми параллельными штрихами они изображали шерсть, научились пользоваться дополнительными цветами (различными оттенками жёлтой и красной краски), чтобы нарисовать пятна на шкурах быков, лошадей и бизонов.

В XII тысячелетии до н. э. пещерное искусство достигло своего расцвета. Живопись того времени передавала объём, перспективу, цвети пропорции фигур, движение. Тогда же были созданы громадные живописные “полотна”, покрывшие своды глубоких пещер.

Наряду с пещерными росписями и рисунками в ту пору изготовляли разнообразные изваяния из кости и камня. Их делали с помощью примитивных инструментов, и эта работа требовала исключительного терпения. Создание изваяний, без сомнения, тоже было связано с первобытными верованиями.

Искусство эпохи мезолита

В эпоху мезолита, или среднего каменного века (XII-VIII тысячелетия до н. э.), изменились климатические условия на планете. Одни животные, на которых охотились, исчезли; им на смену пришли другие. Стало развиваться рыболовство. Люди создали новые виды орудий труда, оружия (лук и стрелы), приручили собаку. Все эти перемены, безусловно, оказали влияние на сознание первобытного человека, что отразилось и в искусстве.

(Об этом свидетельствуют, например, наскальные рисунки в прибрежных горный районах Восточной Испании, между городами Барселона и Валенсия.)Центральное место в наскальной живописи занимали сцены охоты, в которых охотники и животные связаны энергично разворачивающимся действием.

Первобытный художник освободил фигуры от всего, с его точки зрения второстепенного, что мешало бы передавать и воспринимать сложные позы, действие, саму суть происходящего. Человек для него – это прежде всего воплощённое движение.

Искусство эпохи неолита

В эпоху неолита человеку угрожала худшая из опасностей – другой человек. Новые поселения возникали на островах в излучинах рек, на небольших холмах, т. е. В местах, защищённых от внезапного нападения .

Наскальная живопись в эпоху неолита становится всё более схематичной и условной: изображения лишь слегка напоминают человека или животное. Это явление характерно для разных районов земного шара. Таковы, например, найденные на территории Норвегии наскальные рисунки оленей, медведей, китов и тюленей, достигающие восьми метров в длину. Помимо схематизма они отличаются небрежностью исполнения. Наряду со стилизованными рисунками людей и животных встречаются разнообразные геометрические фигуры (круги, прямоугольники, ромбы и спирали и т.д.), изображения оружия (топоры и кинжалы) и средств передвижения (лодки и корабли). Воспроизведение живой природы отходит на второй план.

За каменным веком следовал бронзовый (он получил своё название от широко распространённого тогда сплава металлов - бронзы). Эпоха бронзы началась в Западной Европе сравнительно поздно, около четырёх тысяч лет назад. Бронзу было гораздо легче обрабатывать, нежели камень, её можно было отливать в формы и шлифовать. Поэтому в бронзовом веке изготовляли всякого рода предметы обихода, богато украшенные орнаментом и обладающие высокой художественной ценностью. Орнаментальные украшения состояли большей частью из кругов, спиралей, волнистых линий и тому подобных мотивов. Особое внимание уделяли украшениям - они были крупного размера и сразу бросались в глаза. Стоунхендж построен из ста двадцати каменных глыб весом до семи тонн каждая, а в диаметре составляет тридцать метров. Любопытно, что горы Преселли в Южном Уэльсе, откуда, как предполагалось, доставляли строительный материал для этого сооружения, находятся в двухстах восьмидесяти километрах от Стоунхенджа. Однако современные геологи считают, что каменные глыбы попали в окрестности Стоунхенджа с ледниками из разных мест. Предполагается, что там поклонялись солнцу.

2. портретное искусство Рафаэля

Портреты Рафаэля составляют самостоятельную и законченную область творчества художника. Профессор Борис Робертович Виппер дал такое определение Рафаэлю – портретисту: «Рафаэль был замечательным портретистом, одним из самых великих портретистов во всей истории европейской живописи».

Портреты Рафаэля хронологически разбиваются на две группы: ранние портреты, написанные до отъезда в Рим, преимущественно во Флоренции и под воздействием живописи Леонардо да Винчи, и портреты зрелой поры творчества, написанные в Риме с 1508 по 1520 год.

Изучение портретов Рафаэля имеет своё самостоятельное значение потому, что в этой области творчества наиболее ощутимо видны реалистические основы всего его искусства, которые составляют ценность и привлекательность его картин.

К ранним портретам Рафаэля относятся работы, созданные до 1508 года – времени появления художника в Риме и начала работ над фресками «Станца делла Сеньятура» в Ватиканском дворце при папе Юлии Втором. В ранний период Рафаэль работает в родном Урбино, а окончательно его талант раскрывается, формируется и мужает во Флоренции. К этому времени относятся портреты Анджело и Маддалены Дони, автопортрет и вызывающие споры о подлинности рафаэлевской кисти «Немая», портреты беременной женщины и женщины с единорогом, портрет юноши из Будапештского музея изобразительных искусств.

В основе всего портретного искусства Рафаэля с самых первых работ лежит огромный труд рисовальщика. Художник много рисует, особенно с натуры, постоянно исследуя и совершенствуя своё мастерство

В рисунках Рафаэля всегда твёрдо чувствуется контур, охватывающий всю форму, и уже внутри его идёт проработка деталей и моделировка объёмов. Это свойство его рисунков явится и свойством его портретов, где контур основных объёмов будет ясен и чёток и, в отличие от Леонардо, не будет поглощаться «сфумато».

Рафаэль считал сходство непременным условием для портретного изображения. Этим Рафаэль обладал в полной мере. Уже первые портреты подтвердили это первоначальное и непременное качество художника – портретиста.

«Немая» композиционно почти без всяких изменений следует «Моне Лизе» Леонардо да Винчи: поворот в три четверти к зрителю, полуфигура, обнажённая грудь и плечи, положение рук. Правда, « Немая» написана на глухом фоне, что впоследствии станет правилом для портретов Рафаэля. Но самое поразительное в этом портрете – это ощущение того, что изображённая женщина действительно молчит и не может говорить, хотя никаких явных намёков художник не представляет, за исключением плотно сжатого рта. В этом, может быть, сказалось уже то необычное искусство, о котором подробно писал Леонардо: « Живописец, знакомый с природой нервов, коротких и длинных мускулов, будет хорошо знать при движении тела, сколько нервов и какие были тому причиной, и какой мускул является причиной сокращения этого нерва, и какие жилы, обращённые в тончайшие хрящи, окружают и включают в себя названный мускул». Вот это глубочайшие знание человеческой природы и умение передать эти знания средствами живописи и определяют тот эффект когда об изображённой с полной уверенностью можем сказать, что она – немая, её речевой аппарат полностью бездействует. Это чувствуется по выражению лица, взгляда, губ. В 1975 году « Немая» была похищена из герцогского дворца г. Урбино. К счастью, через год она была найдена в Швейцарии.

В 1508 году по приглашению Юлия Второго Рафаэль появляется в Римме и с тех пор до самой смерти живёт в Вечном городе. Здесь портретное искусство Рафаэля достигает своих вершин.

Самый известный портрет Рафаэля – портрет его давнего покровителя и друга Бальдассаре Кастильоне. С 1661 года он находится в коллекции Лувра и сейчас занимает одно из самых видных мест в музее. Он расположен в одном из центральных залов и висит напротив « Моны Лизы» Леонардо да Винчи. « Шедевр Рафаэля – луврский портрет графа Кастильоне, - пишет Алпатов – После мучительной загадочности Джоконды глаз отдыхает перед портретом Рафаэля, открытым взору каждого и вместе с тем возвышенно прекрасным».

Граф Бальдассаре Кастильоне – дипломат, философ, поэт. Его образ отличался среди многих ярких деятелей итальянского Возрождения не своими желаниями, необузданными страстями, гениальными способностями, а цельностью и гармоничной уравновешенностью характера, согласием между собственным пониманием окружающего мира и той действительностью, в которой он жил. Такая личность сама по себе органично подходила к представлениям художника об идеальном человеке. Поэтому так естественно, что мастерство живописца, его колористический дар непринуждённо соединялись на полотне с внутренней характеристикой модели.

Взгляд Кастильоне спокойно обращён к зрителям. Может даже показаться, что в нём заметны некоторая вялость и застылость, но это ощущение тут же проходит, когда видишь тонкие, как бы до мельчайших деталей отточенные черты лица, которые могут быть присущи только деятельному и достаточно энергичному человеку. Фигура Кастильоне собрана, очерчена замкнутой линией, огибающей плечи, руки, соединённые в ладонях между собой. Таким же кругом представляется объём головы с мягкой шляпой, которая подчёркивает рельефную моделировку и лицо. На нём и сосредоточено основное внимание художника. Нежнейшая не уловимая серебристая гамма тонов объединяет чёрные, коричневые, серые, зеленоватые и белые цвета одежды. Цвет мерцает и переливается в перламутровых отливах наряда Кастильоне, нигде не раздражая глаз диссонансами и небрежными контрастами. Портреты Рафаэля явились в определённой мере изобразительным выражением философского понимания человека в эпоху Высокого Возрождения, сконцентрировав в себе художественное воплощение ренессансных идеалов личности.

3. владимирская богоматерь

Чудотворная икона Богоматери, называемая Владимирскою, как говорит предание, была написана святым Евангелистом Лукою, еще при жизни Богоматери, на доске из того стола, за которым трапезовал Иисус Христос со Своею Матерью и Иосифом, и получила благословение от Нее Самой. Когда святой Лука принес эту икону к Богородице, Она, увидев Свое изображение, повторила пророчество: «Отныне ублажать Мя ecu роди, — и прибавила: — Благодать Родившегося от Меня и Моя да будет с сею иконою». И эта благодать по слову Владычицы постоянно пребывает с Ее иконою, проявляясь в бесчисленных чудотворениях. В 450 году при императоре Феодосии Младшем, она была перенесена в Константинополь. В половине XII века Цареградский Патриарх Лука Хризоверг прислал эту святыню в Киев великому князю Юрию Владимировичу Долгорукому. Икону поставили в Вышгород в Девичьем монастыре. Скоро она прославилась чудесами.

Однажды клирики Вышегородской обители, войдя в храм, увидели, что икона сошла со своего места и стоит среди церкви на воздухе; они взяли ее и поставили на другом месте, но скоро увидели опять икону на воздухе. Слух об этом чуде дошел до князя Вышегородского — Андрея, сына Юрия Долгорукого, он пошел в церковь посмотреть на чудную икону, помолился пред нею и, собираясь ехать в Суздальскую землю, взял с собою икону.

На дороге к Суздалю дошли до реки Вузы; князь послал одного всадника поискать в реке брода; едва всадник съехал с берега, как завяз с конем в глубине реки. Князь, огорченный этим, со слезами стал молиться пред иконою Богоматери; вдруг всадник показался на другом берегу, не потерпев вреда.

В другой раз конь, который вез повозку священника, сопровождавшего икону из Вышгорода, сбил с себя слугу, переломил ему ноги, а жену священника топтал ногами, и, схватив зубами, тащил по земле до тех пор, пока она не умерла. Священник, сильно опечаленный этим, со слезами молился пред иконою Богоматери, и внезапно его жена ожила, а слуга исцелел.

Невдалеке от Владимира на берегу Клязьмы кони, везшие икону, неожиданно остановились и никак не могли двинуться с места. Думая, что лошади устали, запрягли других, но и эти не двигались с места. Князь в страхе пал пред чудною иконою и усердно молился.

Во сне ему явилась Богоматерь и повелела поставить икону во Владимире. Выстроив здесь каменную церковь, князь на время поставил в ней святую икону, и место назвал Боголюбовым, потому что его возлюбила Богородица. Выстроив во Владимире богатый храм в честь Успения Богоматери, князь Андрей перенес в него икону Богородицы, украсил ее золотом, серебром, драгоценными каменьями и дорогим жемчугом так богато, что одного золота пошло более 30 гривен (более 12 кг).

С этих пор икона Богоматери стала называться Владимирскою.

Через некоторое время по поставлении иконы Богоматери в Успенском соборе, великий князь начал строить в городе золотые ворота, известь была не крепка, свод обрушился и задавил 12 человек. Тяжело было Великому Князю, потому что он себя обвинял в смерти этих людей. Со слезами пал он пред иконою Богоматери и, усердно помолившись, велел разбирать упавший свод. К изумлению всех, заваленные камнями оказались все живы.

Князь Андрей был свидетелем многих чудес от святой иконы Богоматери, имел к ней особенную веру, и, когда отправлялся на войну, всегда брал с собою эту икону. В 1 164 году, отправляясь в поход против волжских болгар, он взял ее и крест. Перед сражением благочестивый князь подкрепил себя приобщением Святых Тайн и молитвою пред иконою Богоматери. «Всяк уповаяй на Тя, Госпоже, — говорил он в молитве, — не погибнет. И я грешный имею в Тебе стену и покров».

По примеру князя и все воины усердно молились перед иконою Богоматери, со слезами лобызали ее и с надеждою на помощь Божию отправились против врага. Болгары были разбиты, а князь далеко их преследовал. По возвращении на место битвы, князь прежде всего отслужил благодарственный молебен Богоматери, В это время от святого креста и иконы Богородицы воссиял свет, озаривший весь полк.

Память об этом чуде и доселе сохраняется в празднестве Происхождения Честных Древ Креста Господня 1/14 августа, которое установлено по желанию Андрея и по сношению с императором греческим Мануилом, который в этот же день видел свет от креста Господня и чудесно победил Сарацин.

В 1169 году Феодор, назначенный в Константинополе Епископом Ростовским, не захотев по гордости принять благословенье от Киевского Митрополита, осмелился не только затворить соборный храм Владимирский, в котором стояла чудотворная икона Богоматери — Владимирская, вследствие чего прекратилось богослужение, но дерзнул хулить Богоматерь, за что был лишен сана и строго наказан.

В 1175 году благочестивый князь Андрей Боголюбский был убит Кучковичами; во Владимире открылся мятеж; священник, чтобы прекратить его, облачась, с иконою Богоматери Боголюбской обходил улицы города; мятеж утих, стали заботиться о погребении тела Андрея, и за воротами Владимира духовенство встретило его с иконою Богоматери Владимирской. По смерти Андрея, среди смут о престолонаследии, владимирцы не раз получали помощь и заступление от Богоматери и Ей Одной приписывали возвышение Владимира.

Мстислав и Ярополк Ростиславовичи, по молодости и неопытности, послушали совета лживых бояр и в первый день княжения во Владимире (в 1176 г.) взяли к себе ключи от Соборного Владимирского храма, а икону Богоматери отдали в Рязань князю Глебу. Но скоро Глеб с покорностью возвратил во Владимир чудотворную икону.

В 1237 году татары осадили, взяли Владимир, сожгли и разграбили Соборный храм, а также и с чудотворной иконы сняли драгоценный оклад, но икона не потерпела вреда ни от рук врагов, ни от огня и вскоре была опять украшена великим князем Георгием Ярославичем.

В 1395 году Владимирскую икону перенесли в Москву, чтобы спасти столицу и все государство от нашествия татар. Тамерлан с огромным войском вступил в Россию и дошел до Дона, наводя на всех ужас своими опустошениями и жестокостью. Московский великий князь Василий Дмитриевич решился встретить его с войском на берегах Оки. Но единственно только надеясь на помощь Божию, князь послал в Москву к Митрополиту Киприану повеление принести из Владимира в Москву чудотворную икону Богоматери Владимирской. Митрополит с радостью исполнил приказание князя, тотчас послал во Владимир важнейших из духовенства Московского Успенского Собора. Между тем в Москве народ был целый день в храме, священники служили молебны о князе и войске, сам Митрополит почти не выходил из церкви.

Когда посланное во Владимир духовенство подошло с чудотворною иконою к Москве, Митрополит, епископы и все духовенство города, в облачении, в сопровождении великокняжеского семейства, бояр и множества народа встретили икону на Кучковом поле. Народ со слезами обратился к Богородице с следующей молитвой: «Мать Божия! Спаси землю Русскую!»

Матерь Божия спасла ее.

В память этого чудного заступления Богоматери, на месте сретения Ее иконы решили построить церковь и монастырь, который и назван Сретенским. Тогда же было установлено праздновать 26 августа/8 сентября, как день избавления России, с крестным ходом в Москве из Успенского Собора в Сретенский монастырь.

Свержение татарского ига в России также приписывают заступлению Владимирской иконы Богоматери. ». В благодарность Богоматери за спасение от Ахмата, установили крестный ход в Сретенский монастырь 23 июня/6 июля.

Билет №2

1.Основные этапы развития искусства Египта. Общая характеристика. Социально- экономические особенности. Виды изобразительных искусств.

Основные этапы развития искусства Египта.

Искусство Древнего Царства (XXXII в. — XXIV в. до н. э.)

В первой половине III тысячелетия до нашей эры сложился монументальный стиль египетского искусства, выработались изобразительные каноны, которые потом свято оберегались на протяжении веков. Их постоянство обусловлено особенностями развития древнеегипетского общества, а также тем, что искусство Египта было составной частью культа, заупокойного ритуала. Оно связано с религией, обоготворявшей силы природы и земную власть. В этот период создаются такие архитектурные сооружения как Великие Пирамиды и Большой Сфинкс.

Искусство Среднего Царства (XXI в. — XVIII в. до н. э.)

Пирамиды стали скромнее, меньше размерами; уже ни один фараон не отважился на сооружение таких гигантских усыпальниц как Хеопс или Хефрен. Снижается пафос монументальности. Отсюда усиление жанровых «вольностей» в трактовке сюжетов, в композиции. В портрете усиливаются черты индивидуальной характерности.

Искусство Нового Царства (XVII в. — XI в. до н. э.)

Более смелые и внутренне более значительные сдвиги в художественной культуре.

Вместо архитектуры гробниц расцветает архитектура храмов. Жрецы в эту эпоху, стали самостоятельной политической силой, конкурирующей даже с властью царя. Поэтому не только заупокойные храмы царей, а главным образом храмы-святилища, посвященные различным ипостасям бога Амона, определяли архитектурный облик Египта. В течение нескольких веков строились и достраивались знаменитые храмы Амона-Ра в Карнаке и Луксоре, близ Фив. Многообразные художественные поиски периода XVIII династии подготовили появление заключительного, совсем уже новаторского этапа, связанного с царствованием фараона-реформатора Эхнатона. Искусство времён Эхнатона обратилось к неизведанному до него: к простым чувствам людей, к их душевным состояниям. В произведениях амарнского стиля разрушена броня душевной непроницаемости: здесь вопли и стоны плакальщиков, здесь мрачная покорность пленённых негров, здесь, наконец, лирические сцены семейной жизни Эхнатона, — он обнимает жену, ласкает ребёнка.

Социально- экономические особенности.

Большинство древних египтян были земледельцами, привязанными к земле. Древнейшими жилищами человека в долине Нила были ямы и пещеры; из натянутых на шестах шкур и плетёнок устраивались навесы и шатры. Постепенно появились тростниковые хижины, обмазанные глиной. Жилища вождей племён выделялись лишь своими размерами; святилища также устраивали в больших хижинах, из таких племенных духов и тотемов впоследствии развились представления о древнеегипетских богах. Постепенно для постройки жилищ начали изготовлять кирпич-сырец. И всё больше применять в быту глиняные изделия. Самыми ранними из них являются глиняные сосуды, расписанные несложными белыми узорами по красному фону глины. С течением времени формы сосудов становились разнообразнее; менялся и сам тип росписей и их техника.

Виды изобразительных искусств.

Живопись. Художники придерживались форм и канонов, которые были разработаны ещё во времена Древнего царства. Эти художественные стандарты выражались в простых линиях, формах, характерной плоской проекции фигур, без указания пространственной глубины, что создавало ощущение порядка и баланса композиции. Изображения и текст были тесно переплетены на усыпальницах и стенах храмов, гробницах, стелах и статуях.

Скульптура. Скульптура Древнего Египта имела ритуальное значение и была связана с культом мертвых. Основные черты скульптуры сложились в эпоху Древнего царства: симметрия и фронтальность в построении фигур, четкость и спокойствие поз наилучшим образом соответствовали культовому назначению статуй.

2. Этрусские вазы, живопись, скульптура.

Свои керамические изделия этруски создавали, вдохновляясь работами греческих мастеров. Формы сосудов менялись на протяжении столетий, равно как техника изготовления и стиль. Виллановианцы изготовляли гончарные изделия из материала, часто называемого импасто, хотя это не совсем корректный термин для описания италийских сосудов из глины с примесью, обожженных до коричневого или черного цвета. Приблизительно в середине VII века до н. э. в Этрурии появились настоящие сосуды буккеро — характерная для этрусков черная керамика. Ранние сосуды буккеро были тонкостенные, украшенные насечками и орнаментом. Позднее излюбленным мотивом стала процессия животных и людей. Постепенно сосуды буккеро становились вычурными, перегруженными украшениями. Этот тип керамики исчез уже к V веку до н. э. В VI веке получила распространение чернофигурная керамика. Этруски в основном копировали изделия из Коринфа и Ионии, добавляя что-то свое. Этруски продолжали производить чернофигурные сосуды, когда греки перешли к краснофигурной технике. Настоящая краснофигурная керамика появилась в Этрурии во второй половине V века до н. э. Излюбленными сюжетами были мифологические эпизоды, сцены прощания с умершими. Центром производства были Вульчи. Расписанная керамика продолжала производиться в III и даже во II веке до н. э. Но постепенно стиль склонялся к черной керамике — сосуд покрывался краской, что имитировало металл. Встречались посеребренные сосуды, изысканной формы, украшенные горельефами. Поистине знаменитой стала керамика из Ареццо, использовавшаяся на столах римлян в последующие столетия.

Живопись этрусков связана с греческой и проходит в своем развитии этапы, сходные с этапами эволюции греческой вазописи. Обнаженные или одетые в красочные костюмы человеческие фигуры даны в теплых звучных тонах - желтых, коричневых, красных, обогащенных пятнами зеленого и голубого; будучи контрастно сопоставлены друг с другом и объединены в общую композицию, они производят сильный декоративный эффект. Роспись применялась также и в наружном убранстве зданий.

Важное место в этрусской скульптуре принадлежит портрету. Зарождение этрусского портрета уходит далеко вглубь веков и связано с погребальным культом. На крышке погребальной урны обычно помещалось портретное изображение умершего. Характерным видом этрусской скульптуры являются монументальные терракотовые саркофаги с фигурами умерших.

3.Микеланджело «Давид».

Давид — мраморная статуя работы Микеланджело, впервые представшая очам изумлённой флорентийской публики на площади Синьории 8 сентября 1504 года. С тех пор 5-метровое изваяние стало восприниматься как символ Флорентийской республики и одна из вершин не только искусства Возрождения, но и человеческого гения в целом. Статуя, предназначавшаяся для кругового обзора, изображает обнажённого Давида, сосредоточенного на предстоящей схватке с Голиафом. В этом сюжете состояло иконографическое новшество, поскольку Вероккьо, Донателло и прочие предшественники Микеланджело предпочитали изображать Давида в момент торжества после победы над гигантом. Юноша готовится к бою с превосходящим его по силе врагом. Он спокоен и сосредоточен, но мышцы его напряжены. Брови грозно сдвинуты, в них читается нечто устрашающее. Через левое плечо он перекинул пращу, нижний кончик которой подхватывает его правая рука. Свободная поза героя — классический пример контрапоста — уже подготавливает смертоносное движение.

Билет №3

1.Искусство Египта Древнего Царства.

Древнее царство (30-24 века до н.э.)

Расцвет искусства Древнего Египта начинается в 3 тысячелетии до н.э. после объединения страны. В укрепление неограниченной власти фараоны объявили себя сынами солнца, которое почиталось как бог живых царей. Богом умерших был Осирис. Скульптура Древнего Египта, с самого возникновения связанная с заупокойным культом, тяготела к точному портретному изображению.

Особое значение в 3 тысячелетия до н.э. приобрело строительство гигантских гробниц. Они состояли из подземного помещения, куда ставился саркофаг, и масштабы - надземного холма, облицованного кирпичом.

Однако в нарастающей грандиозности фараонов III династии сказалось желание возвеличить в веках жизнь правителя. Усыпальница фараона Джосера в Саккаре (28 в. до н.э.), возведенная зодчим Имхотепом, достигала в высоту более 60 м и состояла из семи убывающих кверху каменных ступеней. Однако здесь еще не были достигнуты ясность и простота, тот ничем не сдерживаемый плавный подъем ввысь, которые выражены в пирамидах фараоно последующей IV династии.

Одним из "семи чудес света" называли пирамиды Хеопса, Хефрена и Микерина (28 в. до н.э.) в Гизе. Их образ воплотил величие и дерзновенную смелость человеческого замысла противопоставить векам деятельность своих рук и разума.

Огромная масса пирамид, сложенных из мощных каменных блоков, поражает простотой и ясностью формы. В плане каждой пирамиды - квадрат, а стороны представляют собой равнобедренные треугольники. Высота наиболее грандиозной пирамиды Хеопса 146,6 м, длина стороны основания 233 м. Пирамиды в Гизе составляли часть грандиозного ансамбля. Они были соединены с Нилом длинными коридорами. Ансамбль дополняет гигантская фигура сфинкса, стоящая на пути к пирамиде Хефрена. Высеченный из массива единой скалы, сфинкс с широко открытым взглядом, устремленным в пространство, словно утверждал идею вечного покоя. Неотъемлемую часть храма и гробниц составляли статуи фараонов, знати, придворных писцов. Все они были выполнены в рамках строгих канонов.

Люди изображались в спокойных, полных неподвижного величия позах, словно застывшие в веках.

Вместе с тем, скульптура Древнего царства отличается острым реализмом, огромной внутренней энергией. Индивидуализированные лица портретируемых еще более оживлялись яркой раскраской, инкрустацией глаз горным хрусталем и эбеновым деревом. Статуя сидящего писца Каи (середина 3 тысячелетия, Париж, Лувр), выполненная из известняка, с внимательным взглядом больших глаз, поражает остро выраженной портретностью. Деревянная статуя вельможи Каапера, опирающегося на посох (Каир, Музей), отличается правдивостью и индивидуальностью (прозвана "сельским старостой"). Простота обобщенных форм, совершенство исполнения присущи парным статуям Рахотепа и его супруги Неферт (Каир, Музей). Они сидят на жестких кубических тронах с прямыми спинками, разъединенные расстоянием и направлением взглядов, устремленных прямо перед собой. По традиции мужская статуя раскрашена красно-коричневой краской, женская - желтоватой, волосы - черной, одежда - белой. Несмотря на неподвижность и лаконизм, их образы полны обаяния, чистоты и ясности. Рельефы и росписи, украшающие стены гробниц, также связаны с заупокойным культом. Рельефы обычно плоски, почти не выступают над поверхностью стены. Силуэт фигур ясен и графичен. В деревянном рельефе, изображающем зодчего Хесира (Каир, Музей) весь облик - развернутые широкие плечи, узкие бедра в профиль, густая шапка волос, гордое лицо - создают ощущение внутренней силы человека, подчеркивают красоту и ритмичность его упругого движения. Для рельефов Древнего царства типичен принцип фризового развития сюжетов, разворачивающихся сцена за сценой. Та же чистота линий, сдержанность и спокойная ясность ритмов - в росписях из гробницы в Медуме. В росписях стен применялись обычно золотистые, оранжево-красные, зеленые, синие и бирюзовые краски, нанесенные на сухую поверхность. Часто специальные углубления заполнялись цветными пастами, похожими на инкрустацию. Обобщенные контурные линии подчеркивали плоскость стены, монументальную целостность ансамбля.

2.Творчество Джотто.

Творчество Джотто знаменует становление того мощного художественного явления, каким стало искусство эпохи Возрождения в Италии. Подлинный реформатор живописи, он решительно порывает со средневековыми традициями. Самое известное произведение Джотто – цикл фресок с изображением эпизодов из жизни Христа и Марии в капелле дель Арена в Падуе (ок. 1305). Владея способами светотеневой моделировки формы, он добивался изображения объемных, весомых фигур, полных живых чувств и переживаний («Оплакивание Христа»). Такое земное начало было резко отлично от художественных приемов предшественников Джотто и его современников, придавало особую выразительность и значительность всем сценам. Фрески располагаются на стене в четком порядке, создавая величавый ансамбль. Их композиционный ритм прекрасно соответствует и избранным сюжетам, которые трактуются с эпической сдержанностью и торжественностью. Все персонажи наделены пластической цельностью, одухотворенностью, силой. Как драматические события показаны столкновения разных человеческих характеров (сцена «Поцелуй Иуды»).

Фрески, написанные позднее в капеллах Перуцци и Барди флорентийской церкви Санта-Кроче, также отличаются жизненностью образов, хотя в них уже меньше экспрессии, напротив, здесь Джотто стремится к некоторой сдержанности чувств, к еще большей торжественности и величавости. Прекрасной земной женщиной изобразил художник «Мадонну» (Галерея Уффици, Флоренция).

Джотто был не только живописцем, но и зодчим. Ему принадлежит проект кампанилы (звонницы) собора во Флоренции.

Искусство Джотто с его искренностью и простотой, ясное по мысли, полное веры в человека, положило начало живописи Раннего Возрождения.

Джотто создал облик мира, адекватный реальному по своим основным свойствам — материальности и пространственной протяженности. Использовав ряд известных в его время приемов — угловые ракурсы, упрощенную, т. н. античную, перспективу, он сообщил сценическому пространству иллюзию глубины, ясность и четкость структуры. Одновременно он разработал приемы тональной светотеневой моделировки форм при помощи постепенного высветления основного, насыщенного красочного тона, что позволило придать формам почти скульптурную объемность и в то же время сохранить сияющую чистоту цвета, его декоративные функции.

3.Боттичелли «Рождение венеры из морской пены.»

Неописуемое очарование испытывает каждый, кто смотрит "Рождение Венеры" Сандро Боттичелли. Некогда эта картина помещалась в одном из залов виллы Медичи, теперь она украшает собой флорентийскую Галерею Уффици. К "Рождению Венеры" нет другого отношения, кроме безусловного поклонения.

...Только что рожденная из морской пены Венера, подплывающая на раковине к берегу, - центральный образ картины. Слева от нее дуют Зефиры, и от их дыхания сыплются розы, словно наполняющие картину благоухающим ароматом. Ритм падения розовых лепестков подобен ритму изумрудных морских волн, образуемых движением раковины.

С другой стороны спешит к богине нимфа Ора, торопясь набросить на нее пурпурный плащ. Но Симонетта-Венера с телом античной богини остается безучастной и к страстному дыханию Зефиров, и к действиям целомудренной Оры. Давно уже было замечено, что хрупкая Венера Боттичелли мало напоминает классический прототип, но зато очень близка образам его скорбных мадонн.

На картине Боттичелли запечатлен тот момент, те часы полуночные, когда (по словам поэта В. Брюсова) еще "...не властен свет", но уже "расточилась тьма". Предрассветное утро, легкой рябью подернуто и еле-еле плещется пустынное море... Лишь на заднем плане картины виднеется голый берег с несколькими острыми мысками, да на берегу с правой стороны колышутся апельсиновые деревья.

Картина "Рождение Венеры" написана Боттичелли около 1485 года, когда (по выражению Ваза

Картина "Рождение Венеры" написана Боттичелли около 1485 года, когда (по выражению Вазари) "художник уже настолько уверенно владеет кистью, что может изображать на своих полотнах все, что захочет". Вот и здесь, хотя всякое действие на картине отсутствует, Ветра и Нимфа как будто полны движения. Каждая деталь этого произведения подобна музыке. Ритм композиции присутствует во всей картине - и в изгибе юного тела, и прядях волос, так красиво рвущихся к ветру, и в общей согласованности ее рук, в отставленной ноге, в повороте головы и фигурах, которые ее окружают. На картине Сандро Боттичелли царствует обнаженная женщина, сотканная из ритмов мягких линий и целомудренно прикрывающая грудь и лоно...

Вглядитесь в эту Венеру - в эту стыдливую девушку, в глазах которой блуждает какая-то светлая печаль, будто на мучения идет богиня в земную жизнь. А лицо Венеры, прекрасное лицо Симонетты Веспуччи, стало для многих символом "боттичеллевского настроения".

Билет №5

1.Основные этапы развития греческого искусства, их социально-экономические особенности.

Виды изобразительных искусств.

Периодизация древнегреческого искусства

Эгейкое искусство (III–II тыс. до н.э.)

общее название цивилизаций бронзового века

Гомеровский период(XI–IX вв. до н.э.)

Протогеометрика (Субмикенский период) — ок.1050 г. до н.э.— ок. 900 г. до н.э.

Геометрика (расцвет) — ок.900 г. до н.э.— ок. 750 г. до н.э.

Поздний геометрический период (Депилон) — ок.750 г. до н.э.— нач. VII в. до н.э.

Характеризуется упадком культуры и утратой письменности. Происходит окончательное разрушение остатков микенской (ахейской) цивилизации, возрождение и господство родоплеменных отношений, но одновременно и их трансформация в раннеклассовые, а также формирование уникальных предполисных общественных структур.

Эпитет «Гомеровская» Греция этого периода получила из-за того, что «Илиада» и «Одиссея» легендарного Гомера являются единственными письменными источниками того времени.

Архаический период (VIII–VI вв. до н.э.)

Ранняя архаика — нач. 7 в. до н.э. — 570-е гг. до н.э.

Зрелая архаика — 570-е гг. до н.э. — 525-е гг. до н.э.

Поздняя архаика — 525-е гг. до н.э. — 490-е гг. до н.э.

В этот период, наступивший вслед за «тёмными веками», наблюдалось значительное развитие политической теории, подъём демократии, философии, театра, поэзии, возрождение письменного языка (появление греческого алфавита взамен забытого в период «тёмных веков» Линейного письма).

Классический период (V–IV вв. до н.э.)

Ранняя классика («Строгий стиль») — 1-я пол. V в. до н.э.

Высокая классика — 2-я пол. V в. до н.э.

Поздняя классика — IV в. до н.э.

Период высшего расцвета полисного устройства. В результате победы греков в греко-персидских войнах (500—449 до н. э.) происходит возвышение Афин.

Эллинистический период (III–I вв. до н.э.)

334—281 гг. до н. э.— образование империи Александра Македонского и ее распад в результате войн диадохов;

280 г. до н. э.— середина II в. до н. э.— период зрелости эллинизма развивался в последнее столетие существования.

Середина II в. до н. э. — 30 г. до н.э. — период упадка эллинизма и его гибели.

Виды избразительных искусств:

Живопись

Вазопись

Архитектура

Скульптура

2.Творчество Боттичелли.

Сандро Боттичелли (1 марта 1445 — 17 мая 1510) — прозвание флорентийского художника Алессандро ди Мариано ди Ванни Филипепи, который привёл искусство кватроченто на порог Высокого Возрождения.

Глубоко религиозный человек, Боттичелли работал во всех крупных храмах Флоренции и в Сикстинской капелле Ватикана, однако в истории искусства остался в первую очередь как автор крупноформатных поэтичных полотен на сюжеты, вдохновлённые классической античностью, — «Весна» и «Рождение Венеры». Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи. Потом работал у известного скульптора Верроккьо. В 1470 г. организует собственную мастерскую.

Тонкость и точность линий он перенял у второго своего брата, который был ювелиром. Некоторое время учился вместе с Леонардо да Винчи в мастерской Вероккио. Оригинальная же черта собственного таланта Боттичелли состоит в наклонности к фантастическому. Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию, и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами. Особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине, и боги ветров осыпают её дождем из роз, и гонят раковину к берегу.

Лучшим творением Боттичелли считают начатые им в 1474 году фрески в Сикстинской капелле Ватикана. Предположительно Боттичелли был приверженцем Савонаролы. Усердно изучал Данте; плодом этого изучения явились гравюры на меди, приложенные к вышедшему в свет во Флоренции в 1481 году изданию дантова «Ада» (издание Магны). Выполнил множество картин по заказам Медичи. В частности, расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. В 1470-1480-х гг портрет становится самостоятельным жанром в творчестве Ботичелли («Человек с медалью», ок. 1474; «Юноша»,1480-е гг). Боттичелли прославился своим тонким эстетическим вкусом и такими произведениями, как «Благовещение» (1489—1490), «Покинутая» (1495—1500) и т. д

Произведения:

Александр Бенуа

Мадонна с Младенцем и ангелом (1465—1467 гг.)

Мадонна делла Лоджия (ок.1467 г.)

Поклонение волхвов, (ок. 1475 г.)

Весна, (между 1477 и 1478 гг.)

Фрески Сикстинской капеллы (1481 г.)

Мадонна Магнификат, (1481 г.)

Венера и Марс, (1483 г.)

Портрет юноши, (1483 г.)

Рождение Венеры, (ок. 1484 г.)

Алтарь Барди (Мадонна Барди), (ок.1485)

Мадонна с гранатом, (ок. 1487 г.)

Благовещенье, (1489—1490 гг.)

Клевета, (1495 г.)

иллюстрации к «Божественной комедии» Данте.

Новелла о Настаджио дельи Онести — I, II, III эпизоды — Музей Прадо, IV эпизод — частная коллекция.

«Покинутая»

«Мадонна с младенцем»

3.

Андрей Рублёв (около 1340/1350 — 17 октября 1428)

"Спас Звенигородский"- произведение, оказавшее огромное влияние на современников художника, и на все последующие поколения русских людей. Он жив, открыт, величествен, и одновременно в нем ощущается мягкость соответственно славянскому типу, он имеет некрупные черты лица, обрамленного русой шелковистой бородкой. Цветовую гамму составляют золотистые, разных оттенков охры лика, темноватая легкая лазурь гиматия (на одежде). Выражение лица в сочетании с цветовой гаммой создает впечатление мудрого спокойствия. Живопись на поверхности доски сохранилась плохо, осталась только часть с изображением лица Спаса. Но все уцелевшее так великолепно, что это произведение, бесспорно, является одним из шедевров древнерусского искусства. Благородная простота образа «Спаса» и его монументальный характер - типические особенности стиля Рублева.

Билет №6

Вопрос 1

Период греческой архаики (от греческого архайос - древний) - это эпоха формирования монументальных изобразительных и архитектурных тенденций. В эпоху архаики сложились такие архитектурные понятия, как дорический и ионический ордера, появились основные типы монументальной скульптуры: статуи куроса и коры.Период архаики в социально-политическом плане характеризовался системными переменами в укладе жизни Древней Греции: формировался и развивался рабовладельческий строй, появлялись первые незаисимые полисы - города-государства.Эти перемены способствовали бурному развитию материальной культуры. Впервые в истории античной Греции возводятся монументальные мосты, сооружаются сложные водопроводные системы, до сих пор поражающие изяществом инженерных решений, вокруг греческих полисов возводятся мощные крепостные стены.Художники и владельцы мастерских начинают использовать труд рабов. В VII веке до нашей эры появляются и первые деньги.

Кора — это изображение женщины (всегда молодой), в статичной позе, одетой в традиционную греческую одежду, с архаической улыбкой на устах.Коры практически всегда изображались стоящими во весь рост, с одной ногой слегка выдвинутой вперед (с сомкнутыми ногами — редко), и с одной рукой, придерживающей одежды таким образом, чтобы не наступить на них в движении. Свободная рука часто держала приношение тому богу или богине, которому они были посвящены. Одеяния кор составляли как и ионический хитон, так и более плотный пеплос (большинство аттических статуй). Иногда пеплос надевался поверх хитона. Скульпторы находили большое наслаждение, создавая складками тканей ритмические мотивы, показывая, как они драпируются на полностью скрытом человеческим теле, а также создавая орнаментальную канву одежды, которая либо высекалась в мраморе, либо расписывалась поверх него красками.Большинство кор выполнены в человеческий рост, или немногим меньше его. Тип статуи развивался исходя из тех же технических методов и пропорций, что и куросы. Правда, в случае кор человеческая анатомия скрыта под драпировками и не так важна. Зато взамен этого линии тканей, окутывая гладкие формы, свободно текут, создавая безмятежное, практически гипнотическое настроение, которое вдобавок дополняется мирным выражением лица и статичной позой.Как и куросы, создавались и с вотивными, и с мемориальными целями: богатые донаторы посвящали их как подарок божествам, значительно реже — чтобы отмечать надгробие членов семьи. Во многих случаях на базах статуй (иногда на их одеждах) высекалась короткая надпись, озвучивающая предназначение статуи, имена патрона и скульптора. Согласно большинству современных интерпретаций археологических свидетельств, коры никогда не являлись изображением какого-либо божества.

Куросы отличаются строгой фронтальностью композиции, суммарностью трактовки форм человеческого тела; лица их оживлены т. н. архаической улыбкой.Они изображали молодых людей, стоящих в фронтальной позе, с левой ногой, выдвинутой вперед. Руки тесно прижаты к телу — к бедрам, прямо вытянуты вдоль туловища, и пальцы согнуты (хотя есть и несколько статуй, одна из рук которых согнута в локте, протягивая приношение).Куросы демонстрируют практически идеальную симметрию во всех анатомических частях тела, сведенных к простым геометрическим формам.Самые ранние куросы изготавливались из дерева (см. ксоанон) и поэтому не сохранились. Но в VII в. до н. э. греки научились у древних египтян искусству обработки камня металлическими инструментами, и начали высекать куросов из горных пород — по большей части из паросского и самосского мрамора. Причем в отличие от своих предшественников они использовали уже не медь и бронзу, а железо, поэтому могли резать лучше.В VII в., когда появились первые статуи человека в полный рост, куросы служили для двух целей. В храмах они были знаком вотивных обещаний видных эллинов, чему свидетельство — надписи, которые часто встречаются на их постаментах. Кроме того, их также устанавливали на кладбищах, чтобы обозначить могилы знатных граждан. На кладбищах эти куросы изображали покойных, как греческой

Тут вы можете оставить комментарий к выбранному абзацу или сообщить об ошибке.

Оставленные комментарии видны всем.

Соседние файлы в предмете [НЕСОРТИРОВАННОЕ]