Вопрос 2. Творчество Рафаэля.

(род.1483–ум.1520)

Его искусство предельно гармонично, дышит внутренним миром, душевной чистотой, умиротворением.

Сюжеты произведений Рафаэль разнообразны, но на протяжении всей жизни художника особенно привлекал образ Богоматери, его именовали "мастером мадонн". За свою недолгую жизнь Рафаэль создал много станковых картин, всемирно прославленные фрески, превосходные портреты.

Время отрочества Рафаэля совпало с началом эпохи Возрождения. В отличие от Леонардо Рафаэль полностью принадлежал своему времени. В его произведениях нет ничего странного, таинственного и загадочного. В них все ясно и прозрачно, все прекрасно и совершенно. Он с наибольшей силой воплотил положительный идеал прекрасного человека. В его творчестве царит жизнеутверждающее начало.

Рафаэль родился в Урбино в апреле 1483 в семье живописца Джованни Санти. Джованни Санти был придворным художником и возглавлял самую известную в Урбино художественную мастерскую. Здесь Рафаэль приобрел первые навыки ремесла. На стиль работ оказал заметное влияние Перуджино. Сохранились фрагменты большого алтарного образа, написанного Рафаэлем ок. 1500 для этого города. В контракте Рафаэль назван мастером. Около 1503 Рафаэль написал большой алтарный образ – Коронование Марии. К этому времени он уже работал в мастерской Перуджино. Этот ранний период творчества Рафаэля завершает картина Обручение Марии (1504).

В 1504 Рафаэль впервые приехал во Флоренцию, где одновременно с Рафаэлем работали Микеланджело и Леонардо да Винчи. Из произведений Микеланджело Рафаэль воспринял новую скульптурную трактовку форм человеческого тела, а из работ Леонардо – монументальность композиции и интерес к техническим экспериментам. За четыре года, проведенные во Флоренции, художник создал огромное количество картин.

В течение флорентийского периода творчества колорит в произведениях Рафаэля становится более сдержанным и приобретает большее тональное единство, в сравнении с яркими интенсивными цветами его ранних работ, выполненных под влиянием Перуджино.

С ростом его славы количество получаемых заказов стало настолько огромным, что превосходило реальные возможности мастера, и он был вынужден перепоручать работу над некоторыми из них своим помощникам. (Фрески)

Вклад Рафаэля в портретную живопись эпохи Возрождения может сравниться только с наследием Тициана. Портреты Рафаэля прошли ту же эволюцию, что и его религиозная живопись. Одними из лучших работ в этом жанре, относящихся к раннему периоду творчества, являются парные портреты супругов Анджело и Маддалены Дони (ок. 1507). По приезде Рафаэля в Рим портрет занимает более важное место в его творчестве. При создании Портрета папы Юлия II Рафаэль использовал новый формат: папа показан в необычном для портретирования эмоциональном состоянии – во время депрессии и болезни. К этому периоду творчества Рафаэля относятся также портреты Алессандро Фарнезе (1514) и Портрет папы Льва X с кардиналами Джулио Медичи и Луиджи Росси (ок. 1518). Портретом друга Рафаэля, литератора Бальдассаре Кастильоне (ок. 1514), восхищались Рембрандт и Рубенс. В поздних работах (Портрет Иоанны Арагонской и Ла Форнарина) появляется декоративная усложненность и некоторая холодность, характерные для маньеристических портретов.

Обычно первым шагом Рафаэля в архитектуре считают создание образа идеального храма в картине Обручение Марии (1504).Такие римские постройки Рафаэля, как церковь Сант Элиджо дельи Орефичи (1509) и капелла Киджи в церкви Санта Мария дель Пополо (1512–1520), по стилю близки произведениям Браманте. Созданное им Палаццо дель Аквила (не сохранилось) было выполнено в более декоративном стиле, чем строгие классические постройки Браманте: фасад обильно украшен стуковым декором, что привело, с одной стороны, к усложнению общей композиции, а с другой – к утрате ясности структуры здания. Вилла Мадама, начатая Рафаэлем незадолго до смерти и так и не законченная, по сложности плана может сравниться только с античными сооружениями. Использованные здесь декоративные мотивы (декорация выполнена Джованни да Удине после 1520, вероятно, по рисункам Рафаэля) являются подражаниями античным гротескам и сделаны из позолоченного и раскрашенного стука в технике низкого рельефа. В живописи и архитектуре произведения Рафаэля последних лет его жизни послужили отправной точкой для мастеров следующего этапа развития итальянского искусства – маньеризма.

Вопорс 3. Феофан Грек - "Макарий Египетский"

Феофан Грек – выдающийся средневековый живописец, родом из Византии, более тридцати лет работавший на Руси, где имел мастерскую, учеников и последователей.

Его энергичную, стремительную манеру письма не спутаешь ни с какой другой. Во фресковых росписях Феофана Грека есть и великолепное мастерство колорита, и суровый, порой даже грозный аскетизм. Бросая коричневые краски на лица и темно-синие на одежду, он наносил поверх основных то­нов несколько более светлых слоев. При прорисовке лиц он делал резкие «пробелы», «перистые» линии, вблизи кажущиеся грубыми, рваными и хаотичными. Но издали они воспринимаются как слитные и удивительно гармоничные. В его манере письма решающее значение приобретает светотень, с помощью которой он добивается объемности изображения. А главное, что отличает художественный стиль Феофана Грека, - это проникновенное понимание души человека, его высоких внутренних порывов и стремлений.

Герои произведений Феофана Грека - седобородые монахи-старцы (столпники), отшельники, добро­вольно принявшие обет отречения.

Выдающееся произведение Феофана Грека - фрески церкви Спаса на Ильиной улице в Новгороде (1378), сохранившиеся лишь частично. Манера Феофана Грека индивидуальна, но его внутренние творческие искания совпали с характерными для новгородской школы мотивами. В колорите он использовал принципы контраста, хотя не прибегал к яркой, пестрой расцветке. Чтобы добиться резкого эффекта, ему достаточно было на коричневое пятно лица или одежды как бы обрушить удары коротких белильных мазков. Стремительное движение кисти превращало их буквально в зигзаги молний, озарявших мглу. В мировом искусстве Средневековья немного художественных образов, способных сравниться, например, с созданным Феофаном Греком образом одного из первых отшельников в истории христианства - Макария Египетского.

Согласно легенде, Макарий, потрясенный мерзостью, царившей в жизни, удалился в пустыню. Считая все то недостойное, что ему пришлось увидеть, якобы связанным с плотским началом в человеке, он решил «встать над плотью». Отшельник изнурял свое тело постами и религиозными бдениями.

В изображении Феофана Грека он кажется почти бесплотным. Темный «лик» святого бороздят резкие белильные штрихи, выявляющие скулы, надбровные дуги, поднятые в молитвенном жесте кисти иссохших рук.

Билет 23.

1.Искусство возрождения в Нидерландах

Своеобразным очагом искусства Возрождения 15—16 веков были Нидерланды — одна из самых богатых и передовых стран Европы, успешно соперничавшая в торговле и промышленности с городами Италии и постепенно вытеснявшая их с мирового рынка. Однако процесс формирования ренессансной культуры протекал в Нидерландах медленнее, чем в Италии, и сопровождался компромиссами между старым и новым.

Начало самостоятельного развития искусства относится к концу 14 столетия, когда нидерландские провинции были насильственно собраны воедино под властью бургундских герцогов (1363—1477) в независимое «промежуточное» государство, расположенное между Францией и Германией; оно включало Фландрию, Голландию и многочисленные провинции между Маасом и Шельдой.

Главными центрами нового искусства и культуры стали богатые города южных провинций Фландрии и Брабанта (Брюгге, Гент, Брюссель, Турнэ, позже Антверпен). Городская бюргерская культура с ее культом трезвого практицизма развивалась здесь рядом с пышной культурой княжеского двора, выросшей на французско-бургундской почве. Поэтому неудивительно, что главенствующее место среди североевропейских художественных школ 15 столетия заняла нидерландская живопись: художники Ян ван Эйк, Робер Кампен, Рогир ван дер Вейден, Иос ван Гент, Дирк Баутс, Альберт Оуватер, Хуго ван дер Гус, Петрус Кристус, Ханс Мемлинг, Жак Дарэ, Гертген тот Синт-Янс и другие живописцы.

Нидерландское искусство приобрело более демократический характер, чем итальянское. В нем сильны черты фольклора, фантастики, гротеска, острой сатиры, но главная его особенность — глубокое чувство национального своеобразия жизни, народных форм культуры, быта, нравов, типов, а также отображение социальных контрастов в жизни различных слоев общества.

Другая особенность нидерландской художественной культуры эпохи Возрождения — устойчивость средневековых традиций, определившая во многом характер нидерландского реализма 15—16 веков. Все новое, открывавшееся людям в течение длительного периода времени, применялось к старой средневековой системе взглядов.

Успехи, достигнутые нидерландским искусством в этом направлении, подготовили достижения реализма 17 века. В отличие от итальянского нидерландское искусство Возрождения не пришло к утверждению безграничного господства образа совершенного человека-титана.

Для нидерландского искусства характерны новое, реалистическое видение мира, утверждение художественной ценности действительности такой, как она есть, выражение органической связи человека и окружающей его среды, постижение тех возможностей, которыми наделяют человека природа и жизнь. В изображении человека художников интересует характерное и особенное, сфера обыденной и духовной жизни; восторженно запечатлевают нидерландские живописцы 15 века многообразие индивидуальностей людей, неисчерпаемое красочное богатство природы, ее материальное разнообразие, тонко чувствуют поэзию повседневного, незаметных, но близких человеку вещей, уютность обжитых интерьеров. Эти особенности восприятия мира проявились в нидерландской живописи и графике 15 и 16 веков в бытовом жанре, портрете, интерьере, пейзаже. В них обнаружились типичная для нидерландцев любовь к деталям, конкретности их изображения, повествовательность, тонкость в передаче настроений.

Архитектура и скульптура вплоть до 16 века развивались в рамках готического стиля. Перелом, совершившийся в искусстве первой трети 15 столетия, наиболее полно сказался в живописи.

2. Творчество Тициана.

Тициан Вечеллио да Кадоре — один из величайших художников всех времен и народов, являющийся — наряду с Леонардо, Рафаэлем и Микеланджело — одним из четырех титанов итальянского Возрождения. "Королем живописцев и живописцем королей" называли Тициана еще при жизни. Открытия Тициана в области живописи — цветовая лепка формы, нюансировка краски, изумительное богатство колорита — оказали огромное воздействие на мастеров последующего времени. Трудно назвать другого, кроме Тициана, художника, который оказал бы столь сильное влияние на других творцов.

Среди почитателей таланта Тициана имена крупнейших живописцев разных эпох и стран — это и Рубенс, и Ван-Дейк, и Рембрандт, и Веласкес, и Дали, французские импрессионисты, многие русские художники XIX века. Его работы копировались тысячи и тысячи раз, но никому не удавалось повторить того внеземного сияния, что исходит от красок с полотен Тициана.

Помимо колористических завоеваний, не менее важным оказался опыт Тициана в развитии мифологического жанра, пейзажа и портрета. Тициан был крупнейшим портретистом своего времени, а его портреты на многие века стали эталоном для подражаний и восхищений. Считалось, что быть запечатленным кистью Тициана — значило обрести бессмертие. Так оно и случилось. Дела многих его современников канули в вечность вместе с их смертью, но лица и имена продолжают жить в веках благодаря кисти Тициана. Вокруг тициановских женщин ощущали горячую страсть и атмосферу. Для полного оживления людям на его портретах не хватало только дыхания. Им создано более сотни портретов: прекрасные женщины, гордые и пытливые мужчины, дожи, инквизиторы, герцоги, императоры, короли. Их, королей, было много - а Тициан был один. В образах, созданных мастером, сочетаются хрупкая интимность, бравурная торжественность, тонкая поэзия и обыденная реальность, трагизм и идеальность в характеристике изображаемых персонажей.

Тициан прожил почти сто лет, но и в последние дни своей долгой жизни он сохранял ясность ума, остроту зрения, не выпускал кисти и палитру из рук. В день смерти он завершил свой последний творческий замысел — картину «Пьета» («Оплакивание Христа»). Даже не кистью — легким прикосновением пальцев нанес несколько завершающих мазков и юношески твердой рукой подписал: «Тициан сделал». Эту — одну из лучших своих картин — он завещал поместить в часовне, над своим надгробием.

3. Дионисий "Распятие"

Мне очень понравилась эта статья :)

Дионисий – художник, работавший на рубеже XV и XVI столетий.Ему принадлежат росписи, сплошь покрывавшие стены церкви Ферапонтова монастыря в Белозерском крае. Ферапонтов монастырь и сейчас остаётся одним из лучших заповедников древнерусского искусства, местом паломничества художников-монументалистов, которых притягивает артистическое мастерство Дионисия. Его композиции небывало разнообразны, краски светлы и нежны, удлинённые фигуры с маленькими головами полны грации. Господствующее настроение его живописи – кротко-радостное. К его работам хорошо подходит евангельское изречение: "Иго моё – благо, и бремя моё легко".

В этом свете становится понятна мысль иконы Дионисия "Распятие". Сам сюжет предполагает драматизм – даже самый грубый, безвкусный и лежащий на поверхности будет здесь, как бы, уместен. Что же у Дионисия? Господствует жизнерадостный тон, несмотря даже на лёгкий оттенок печали. Христос не висит, а стоит на кресте (на нижней перекладине), грациозно изогнувшись, ничто не говорит о его страданиях. Нет ни крови, ни судорог. Набедренная повязка бела и чиста, как будто только что повязана. Ступни ног не скрючены, как на большинстве распятий. Ангелы вьются кругом, как бабочки. Ласкающая глаз, светлая и богатая гамма цветов начинает и довершает ощущение радости: Христос умрёт, но воскреснет. Это грустный рассказ, у которого заранее известен хороший конец, и потому мы исполнены бодрости.

Билет №24

Вопрос. 1. Искусство ворождения в Германии и во Франции.

В культуре Возрождения в Германии исключительно важная роль принадлежала искусству. Конец XV — начало XVI в. стали периодом недолговременного, но блистательного расцвета немецкой ренессансной живописи и графики, которые в значительно большей мере, чем в Италии, сохраняли связь с традициями готики, но дали художественные достижения мирового значения.

Художественные открытия итальянского Ренессанса приживались в Германии трудно. Основной темой искусства Германии в XVI столетии, как и в средневековье, была попытка в зримых образах воплотить христианский идеал, который часто становился знаменем борьбы против безнравственности и корыстолюбия церковных и светских владык.

У истоков немецкого Возрождения стоит живописец и гравер Мартин Шонгауэр (1435/1440—1491), чье искусство оказало значительное влияние на Альбрехта Дюрера.

Самым ярким представителем искусства Германии эпохи Возрождения был Альбрехт Дюрер.живописец, рисовальщик и гравер, теоретик искусства. Особенно много и плодотворно Дюрер работал в гравюре, в общей сложности создав около трехсот пятидесяти рисунков для гравюр и сто гравюр на меди. Среди них три так называемые «Мастерские гравюры» («Всадник, Смерть и дьявол»), в которых мастерство Дюрера-гравировальщика достигло невиданного совершенства. Впервые в немецком искусстве Дюрер изобразил мифологический сюжет и обнаженную натуру; художник создавал пейзажи как самостоятельный жанр, исполнял аллегорические и библейские картины, монументальные алтарные композиции. Картина «Праздник четок», созданная им по заказу венецианских купцов из Германии, принесла Дюреру восторженное признание искушенных в живописи венецианцев. Дюрер является одним из величайших портретистов в мировом искусстве и автором первого в Европе автопортрета.

Одновременно с Дюрером работал крупнейший художник — Матис Нитхардт (1460/1470—1528), прозванный Грюневальдом. Грюневальд — мастер экспрессивных, драматических религиозных образов, проникнутых мистическим визионерством. С особой силой эти качества сказались в его «Изенгеймском алтаре» для монастырской церкви, центральное место в котором занимает «Распятие».

В скульптуре Германии этой поры высшие достижения также связаны с творчеством ряда мастеров. Фейт Штос.самым крупным его созданием стал резной раскрашенный деревянный алтарь в церкви Марии в Кракове.

Деятельность последнего из крупных немецких живописцев XVI в. — Ханса Хольбейна Младшего — протекала, в основном, вне пределов его родины. В историю мировой живописи Хольбейн вошел, прежде всего, как выдающийся портретист.

Вопрос№2 Творчество Микеланджело.

Микеланджело (1475-1564) - несомненно один из наиболее вдохновенных художников в истории искусства и, наравне с Леонардо Да Винчи, наиболее мощная фигура итальянского высокого возрождения. Как скульптор, архитектор, живописец и поэт, Микеланджело оказал огромное влияние на своих современников и на последующее Западное искусство вообще.

Ранний период - работа во Флоренции.

К этому периоду могут быть отнесены по меньшей мере две дошедшие до наших дней скульптурные работы Микеланджело, которому еще не исполнилось и шестнадцати - Битва Геркулеса с кентаврами и Мадонна на лестнице.

Первый римский период

- Микеланджело тогда поехал в Рим, где он создал первую крупномасштабную скульптуру - Вакха.Примерно в то же время Микеланджело выполнил мраморную скульптуру Пиета (Оплакивание Христа)Это единственная работа, которую он подписал.

-Не менее значимой работой молодого Микеланджело стало гигантское (4.34 м) мраморное изображение Давида выполненное между 1501 и 1504, после возвращения во Флоренцию.Давид, наиболее известная скульптура Микеланджело, стала символом Флоренции.

-Одновременно с работой над статуей Давида, ему была заказана фреска "Битва при Кашине" для Зала Пятиста Палаццо Веккьо.Но он не закончил своей работы - они остановились на стадии картонов - подготовительных изображений в натуральную величину. Микеланджело создал ряд обнаженных и одетых фигур в самых разнообразных позах и положениях.

Роспись свода Сикстинской Капеллы

В 1505 году Микеланджело был вызван в Риму к Римскому Папе Юлию II для выполнения двух заказов. Наиболее важной была фресковая роспись свода Сикстинской Капеллы.На своде папской часовни он изобразил девять сюжетов из Книги Бытия, начиная с Отделения Света от Тьмы и включая Создание Адама, Создание Евы, Искушение и Грехопадение Адама и Евы, и Вселенский потоп. Вокруг основных картин чередуются изображения пророков и сивилл на мраморных тронах, другие старозаветные персонажи и праотцы Христа.

Гробница Юлия II

Еще до того, как в 1505 году Микеланджело было поручено папой Юлием II расписать свод Сикстинской Капеллы, он получил от того же Юлия II заказ на создание для него гробницы, которая должна была стать самым великолепным из всех надгробных памятников Христианских времен. Располагаться гробница должна была в строящемся тогда новом Соборе Св. Петра. Микеланджело с энтузиазмом принялся за эту работу, она должна была включать более чем 40 фигур. Он проводил месяцы в карьерах, чтобы получить необходимый каррарский мрамор.Ввиду нехватки средств, Римский папа приказал ему отложить работу над гробницей и выполнить сначала роспись свода Сикстинской Капеллы.

Капеллы Медичи

Прожив во Флоренции в течение довольно длительного периода, Микеланджело выполнил между 1519 и 1534 годами заказ семейства Медичи на возведение двух гробниц в новой ризнице церкви Сан Лоренцо. В зале с высоким купольным сводом художник воздвиг у стен две великолепные усыпальницы, предназначенные для Лоренцо Де Медичи, герцога Урбино и для Джулиано Де Медичи, герцога Немурского.

Страшный суд

С 1536 по 1541 год Микеланджело работал в Риме над росписью алтарной стены Сикстинской капеллы в Ватикане. Самая большая фреска Эпохи Возрождения изображает день Страшного суда.

Капитолийский холм

В 1538-1539 годах Микеланджело был составлен план реконструкции зданий, расположенных на Капитолийском холме - в самом сердце Рима. План Микеланджело не был полностью реализован до конца 1550-х годов, а работы продолжались вплоть до начала 17-ого столетия.

Купол Собора Св. Петра

В 1546 году Микеланджело был назначен главным архитектором строящегося Собора Св. Петра в Ватикане. Здание было построено согласно плану Донато Браманте, но Микеланджело в конечном счете стал ответственным за сооружение алтарной абсиды и за разработку инженерного и художественного решения купола собора. Завершение строительства Собора Св. Петра стало высшим достижением флорейнтийского мастера а в области архитектуры.

Вопрос №3. Коры и куросы

Помимо рельефа, ставшего неотъемлемой частью архитектуры, антропоморфизм греков наиболее полно проявился в монументальной скульптуре. Ее отличает естественная, жизненная пластика, доносящая до зрителя радостное мироощущение греческих ваятелей.

В период архаики ведущее место занимали куросы и коры. Статуя куроса — обнаженного шагающего юноши — трактовалась как образец силы, доблести, физического здоровья. Этот атлетический идеал красоты сформировался на стадионах в спортивных состязаниях и отражал в высшей степени целомудренное восприятие человеческой наготы.

Юное тело куроса из Аттики (530 г. до н. э.) с широкими плечами и тонкой талией сияет здоровьем. Его мощная грудь, поджарый живот, крепкие ноги и руки полны жизненной силы. В то же время поза —и не движение, и не покой — весьма условна. А лицо, овеянное блаженной, «архаической» улыбкой, которую нельзя назвать ни веселой, ни грустной, выражает состояние ничем не смущаемого духа. Неслучайно для греков тезис «В здоровом теле — здоровый дух» являлся постулатом, ибо они мыслили дух гарантом хорошей физической формы. Именно в куросах скульпторы воплотили идею единства холодного совершенства формы и жизненной правды, достигнув исключительной целостности образа, свойственной греческому искусству.

Под стать куросам безмятежные коры — юные девушки, задрапированные в длинную одежду, с устремленным вперед взором и «архаической» улыбкой. Они охраняли вход в древний храм Афины на Акрополе и, как считалось, вызывали у богини особую радость. Главная интрига при создании кор заключалась в том, что однообразные по чертам и выражению лиц, они приобретают неповторимую индивидуальность благодаря драпировкам тканей, складкам одежд, размещению и рисунку узоров на них.

Сравнивая кору в пеплосе (530 г. до н. э.) и высокую мраморную кору (520 г. до н. э.), можно легко в этом убедиться. Первая кора облачена в шерстяной пеплос, надетый на тонкий льняной хитон. Простая накидка из плотного материала скрывает ее плечи, и весь наряд дает ощущение наивной чистоты и девического простодушия. Свежесть и душевную ясность этого и без того пленительного образа некогда усиливала мажорная цветовая гамма в раскраске скульптуры. В соответствии со вкусом архаики брови и ресницы были синими, глаза и губы — коричневыми, струящиеся по плечам волосы — розовато-красными, края льняного хитона и накидки — зелеными.

Совершенно иной типаж — высокая мраморная кора в роскошном, прихотливо задрапированном коротком плаще, сохранившем местами зеленый цвет, сгущающийся до сизого в глубине ниспадающих складок. Левой рукой (ныне утраченной) кора поддерживала струящийся розовато-коричневый хитон с сине-зеленой каймой по краю. Весь этот каскад драпировок, созвучный завитым прядям волос, складки одежды, то плавные, то резко обрывающиеся, волнообразно змеящиеся узоры говорят о натуре кокетливой, изворотливой и лукавой. Мерцающее в волосах золото, черные брови, красные губы и тронутые прозрачной синевой веки добавляют ее внешнему облику игривость и легкомыслие.

Билет 25

Вопрос №2. Творчество Леонардо да Винчи.

Величайший художник Италии Леонардо да Винчи (1452-1519) родился в Анкиано, около селения Винчи; отец его был нотариусом, перебравшимся в 1469 г. во Флоренцию. Первым учителем Леонардо был Андреа Вероккио.

Фигура ангела в картине учителя "Крещение" уже отчетливо демонстрирует разницу в восприятии мира художником прошлой эпохи и новой поры: никакой фронтальной плоскостности Вероккио, тончайшая светотеневая моделировка объема и необычайная одухотворенность образа. Ко времени ухода из мастерской Вероккио исследователи относят "Мадонну с цветком" ("Мадонна Бенуа", как она называлась раньше, по имени владельцев). В этот период Леонардо несомненно некоторое время находился под влиянием Боттичелли. Его "Благовещение" по детализации еще обнаруживает тесные связи с кватроченто, но спокойная, совершенная красота фигур Марии и архангела, цветовой строй картины, композиционная упорядоченность говорят о мировоззрении художника новой поры, характерном для Высокого Ренессанса.

Покинув Милан, Леонардо некоторое время работал во Флоренции. Там творчество Леонардо словно озарила яркая вспышка: он написал портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джокондо (около 1503 г.). Портрет, известный как «Джоконда», стал одним из самых прославленных произведений мировой живописи.

Небольшой, окутанный воздушной дымкой портрет молодой женщины, сидящей на фоне голубовато-зелёного странного скалистого пейзажа, полон такой живой и нежной трепетности, что, по словам Вазари, в углублении шеи Моны Лизы можно видеть биение пульса. Казалось бы, картина проста для понимания. Между тем в обширной литературе, посвящённой «Джоконде», сталкиваются самые противоположные толкования созданного Леонардо образа.

В истории мирового искусства есть произведения, наделённые странной, таинственной и магической силой. Объяснить это трудно, описать невозможно. В их ряду одно из первых мест занимает изображение молодой флорентийки Моны Лизы. Она, по-видимому, была незаурядной, волевой личностью, умной и цельной натурой. Леонардо вложил в её удивительный, устремленный на зрителя взгляд, в знаменитую, словно скользящую загадочную улыбку, в отмеченное зыбкой изменчивостью выражение лица заряд такой интеллектуальной и духовной силы, который поднял её образ на недосягаемую высоту.

В последние годы жизни Леонардо да Винчи мало работал как художник. Получив приглашение от французского короля Франциска I, он уехал в 1517 г. во Францию и стал придворным живописцем. Вскоре Леонардо умер. На автопортрете-рисунке (1510-1515 гг.) седобородый патриарх с глубоким скорбным взглядом выглядел гораздо старше своего возраста.

Нельзя себе представить, что Леонардо да Винчи мог жить и творить в другую эпоху. И, тем не менее, его личность выходила за пределы своего времени, поднималась над ним. Творчество Леонардо до Винчи неисчерпаемо. О масштабе и уникальности его дарования позволяют судить рисунки мастера, занимающие в истории мирового искусства одно из почётных мест. С рисунками Леонардо да Винчи, зарисовками, набросками, схемами неразрывно связаны не только рукописи, посвящённые точным наукам, но и работы по теории искусства. В знаменитом «Трактате о живописи» (1498 г.) и других его записях большое внимание уделено изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Много места отдано проблемам светотени, объёмной моделировке, линейной и воздушной перспективе.

Искусство Леонардо да Винчи, его научные и теоретические исследования, уникальность его личности прошли через всю историю мировой культуры, оказали на неё огромное влияние.