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Je crois, de plus, que la connaissance de la culture des pays europées et la pratique du français contribueraient à mon développement personnel, ainsi que professionnel.

Je me rends compte de toutes les difficultés qui peuvent se présenter dans le cas où ma candidature sera retenues, mais j’espère répondre à toutes les exigeances et faire de nom mieux pour réussir.

En vous remerciant par avance de l’attention que vous voudrez bien porter à ma demande, je reste à votre disposition pour tout renseignement complémentaite et je vous prie de croire Madame, Monsieur, en l’assurance de ma plus haute considération.

Alexandre Belov

Arts. Culture. Mode. Design.

Texte 1

1. Lisez plusieurs fois le texte. Puis cachez le texte et répondez aux questions.

Yves Saint-Laurent, un célèbre couturier français

La France est un pays de la haute couture. Du monde entier, les yeux des professionnels de la mode se tournent toujours vers les modèles présentés par les couturiers français. Ceux-ci présentent leurs créations chaque année au cours d’un défilé préstigieux, retransmis par les télévisions et les magazines dans toutes les langues. Un des plus préstigieux couturiers français de la deuxième moitié du XXe siècle se nomme Yves Saint-Laurent. Successeur de Christian Dior, il règne dans sa célèbre maison de couture située à Paris au 5 de l’avenue Marceau. C’est là qu’il dessine ses modèles. « Lorsque je prends un crayon, nous dit-il, je ne sais pas à l’avance ce que je vais dessiner. Je commence par le visage d’une femme puis peu

àpeu ses vêtements naissent sous mes doigts. » Il fait un croquis, puis le donne dans ses ateliers où ses ouvriers confectionnent le modèle avec beaucoup de soin. Chaque création demande de nombreuses heures de travail, quelquefois plus de cent heures. Le jour du défilé il faudra présenter deux cents modèles portés par de jeunes femmes grandes et minces : les mannequins. C’est Yves Saint-Laurent qui le premier a féminisé les costumes masculins en créant pour les femmes le blazer, la saharienne, le tailleur et le costume-pantalon, désormais très classique.

Yves Saint-Laurent a pris sa retraite au début de l’année 2003, mais ses modèles et tout ce qu’il a créé autour, (comme les produits de beauté, de maquillage, les parfums, la lingerie masculine et féminine) continueront longtemps

àpromouvoir l’élégance et le raffinement de la haute couture française à travers le monde.

2. Compréhension du texte :

1.Qu’est-ce que la haute couture ?

2.Les modèles des couturiers français sont-ils connus en dehors de la France ?

3.Quel est, chaque année, l’évènement le plus attendu dans le monde de la haute couture ?

4.A qui Yves Saint-Laurent a-t-il succédé ?

5.Où est située sa célèbre maison ?

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6.Quelle est sa méthode de travail ?

7.Combien de modèles sont-ils présentés dans un défilé ?

8.Comment s’appellent les jeunes femmes qui présetent les modèles le jour du défilé ?

9.Qules sont les lignes de vêtements créés par Yves Saint-Laurent ?

10.Yves Saint-Laurent continue-t-il à créér de nouveaux modèles ? Pourquoi ?

C’est sous le Second Empire que la couture, au sens moderne du terme, fait son apparition en France et dans le monde.

Dans les années 1900 a été créée la silhouette de la femme moderne: robes droites ajustées. En 1922, ”La Garçonne” bouleverse les goûts. La ceinture descend sur les hanches, les cheveux sont courts sous un chapeau cloche qui est enfoncé jusqu’aux yeux. Avec la Seconde Guerre Mondiale, les robes sont courtes, mais amples (Coco Chanel). Après la guerre Christian Dior allonge les jupes et propose les talons aiguilles. On s’intéresse aux accessoires: gants, écharpes, souliers et parfums.

L’âge d’or de la haute couture remonte aux années 50. Les clientèles célèbres étaient des Américaines (aujourd’hui les riches Américaines font 60 % de la clientèle).

Dans les années 60, la profession s’oriente vers 2 types de production: la haute couture et le prêt-à-porter. La haute couture est l’aristocratie du metier des modes. Etre membre de la Chambre syndicale de la couture parisienne est un

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honneur partagé par seulement 24 maisons de couture – création dont Pierre Cardin, Givenchy, Pacco Rabanne, Christian Lacroix, Pierre Cardin, Lapidus, Emanuel Ungaro, Guy Laroche, Nina Ricci, Louis Ferraud et d’autres. Les vêtements du prêt-à-porter s’adaptent au sport, aux loisirs, à la vie quotidienne: mini-jupes, combinaisons, pantalons.

Aujourd’hui on constate le fait que les couturiers français n’ont pas formé de successeurs. Ainsi, la maison Paco Rabanne est gérée par un Espagnol et celle de J.-L. Scherrer est gérée par un Japonais.

Le mot d’ordre d’aujourd’hui est : à chacun sa mode.

De nos jours le poids de la mode dans l’économie française présente près de 60 milliards de francs de chiffres d’affaires et environ 165 000 emplois. L’industrie du prêt-à-porter féminin et masculin réalise l’essentiel de ce chiffre, soit 50 millliards de francs, pour quelque 3 000 entreprises. Le marché de la haute couture (20 maison prestigieuses telles que Chanel, Dior, Saint-Laurent) et des créateurs de mode (Alaïa, Hermès, Kenzo …) affiche, lui, un chiffre d’affaire en France de 6,5 milliards de francs.

Pour la formation des spécialistes il existe l’Ecole de la Chambre syndicale de la haute couture qui dispense des cours et l’école privée Esmod, fondée en 1841.

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6.В начале ХХ века был создан силуэт современной женщины, в моду вошли прямые приталенные платья.

7.В 20 – е годы стиль «ля гарсон» (пояс на бедрах, короткие волосы под шапкой – колоколом, низко надвинутой на глаза) полностью изменил вкусы.

8.Во время войны носили короткие, но широкие платья.

9.После войны Кристиан Диор удлинил юбки и предложил каблуки – шпильки.

10.В 60 – е годы происходит разделение швейной продукции на 2 вида: это высокая мода и готовое платье.

11.Быть членом цеха высокой парижской моды – большая честь.

12.Направление готового платья (мини – юбки, комбинезоны, брюки) приспосабливается к обыденной жизни.

Texte 3

1. Lisez le texte qui suit. Sur votre cahier répondez aux questions après le texte.

Naissance et développement de la haute couture

Pour beaucoup d’étrangères la France est associée à la mode, à la haute couture.

La première maison de haute couture a été créée par Charles – Frédéric Worth, à l’automne 1851 à Paris. Les premiers mannequins, alors appelés ”sosies”, présentent aux clientes fortunées des modèles inédits qui seront ensuite exécutés à leur mesure.

L’élan est donné: des dizaines de maisons apparaissent au cours des décennies suivantes. A l’exposition universelle de 1900, elles sont 20, auxquelles viennent s’ajouter Lanvin en 1909, Chanel et Patou en 1919.On en compte 72 à l’exposition des Arts décoratifs de 1925.

Grâce à cette industrie de luxe qu’est la haute couture, l’exportation de vêtements, dans les années 20, occupe la deuxième place du commerce extérieur français.

La haute couture se compose actuellement de 22 maisons. Ces maisons créent des modèles originaux destinés à être reproduits aux mesures de leurs clientes.

Pour bénéficier de cette appellation ”haute couture”, qui est juridiquement protégée, elles doivent remplir les critères suivants.

-employer au minimum 20 personnes à la production dans leurs propres ateliers;

-présenter à la presse chaque saison de printemps – été et d’automne – hiver, une collection d’au moins 75 modèles (cette présentation doit se dérouler à Paris);

-présenter à la clientèle cette collection sur trois mannequins vivants et au minimum 45 fois par an.

Chaque année, la haute couture présente en janvier les collections printemps-été et en juillet les collections automne-hiver.

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La haute couture compte environ trois mille clientèles particulières dans le monde, dont un très grand nombre de clientèles étrangères. Quant aux acheteurs, ils sont également étrangers dans leur grand majorité. La haute couture constitue un laboratoire de recherches. Dans la presse du monde entier des mille de pages redactionnelles lui sont consacrées. Chaque représentation attire des journalistes français et étrangers.

2. Questions:

1.Comment s’appelaient les premiers mannequins?

2.Quelle place occupe la haute couture au commerce extérier de la France?

3.De combien de maisons se compose actuellement la haute couture?

4.Quelles sont les critères de la haute couture?

5.Pourquoi chaque représentation de la haute couture attire beaucoup de gens?

Texte 4

1. Lisez le texte qui suit. Selon vous, comment faut-il s’habiller ? Savoir s’habiller

Née au XIX siècle, la mode s’est très rapidement développée. Elle a pris une grande importance culturelle et économique, puis elle s’est internationalisée et démocratisée, avant de s’adapter à l’individualisme de la société actuelle. Qu’en sera-t-il demain?

Le savoir s’habiller est une pièce maîtresse du savoir-vivre français. Sortir avec une femme qui sait s’habiller est un des plaisirs raffinés que d’autres peuples goûtent moins que les Français.

Certes partout ailleurs il est flatteur pour un homme d’exhiber une belle femme ou de manifester son standing social ou économique à travers les diamants qui parent la poitrine d’une femme chère; mais c’est surtout en France qu’on s’enorgueillit de cette qualité parfois dissociée de l’argent et même de la beauté: le goût!

Savoir s’habiller fait partie de l’art de vivre français et s’applique principalement aux femmes. Une Française peut toujours racheter ses travers, en développant des techniques qui lui permettent d’assortir le vert de sa jupe à celui de ses yeux et de compléter un ensemble longuement porté par un accessoire insolite.

En dépit des développements de la mode masculine, elle demeure un phénomène essentiellement féminin.

2. Répondez aux questions:

1. Quelle est la pièce maîtresse du savoir-vivre français?

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2.Quel est le plaisir que les Français goûtent le plus?

3.Qu’est-ce que signifie ”le goût” pour les Français?

4.Quel est le trait particulier d’une Française?

5.Les femmes russes, savent-elles s’habiller avec du goût recherché?

6.Quel rôle les accessoires, peuvent-ils jouer pour une femme?

7.Par quels traits peut-on caractériser une vraie femme?

Texte 5

1. Lisez le texte et ecrivez en quelques lignes les étapes suivantes : Situation initiale – Problème – Suite d’actions – Résolution du problème – Situation finale

La recherche de nouvelles formes (1890-1925). Retour à la nature

L’industrialisation entraîna des bouleversements économiques, techniques et sociaux. Dans les pays développés, une fraction importante de la population rurale avait abandonné le secteur agricole et rejoint les villes pour travailler dans l’industrie. Les conditions de vie y étaient très précaires. Les ouvriers vivaient à l’étroit dans des blocs d’immeubles souvent mal entretenus, les propriétaires ne cherchaient que le rapport. L’insuffisance des installations sanitaires (eau courante, toilettes, sans parler de salls de bains), le manque de luminosité et d’aération des appartemets contribuaient à l’extension des « maladies des pauvres », rachitisme et tuberculose. Ces lotissements, construits selon les lois du profit et non en fonction de critères sociaux ou d’hygiène, traversés par de longues rues désolées et sans verdure, étaient réservés à ceux qui ne pouvaient rien s’offrir de mieux, c’est-à-dire aux ouvriers.

Le première réaction à cette misère fut, au début de XXe siècle, un mouvement de « retour à la nature ». l’hostilité envers les villes industrielles modernes ne toucha pas que la classe ouvrière. Parmi les couches plus favorisées. Nombreux étaient ceux qui se sentaient écrasées par le rythme du progrès technique, les changements sociaux trop rapides et le recul de la nature. Parallèlement à l’expansion urbaine, la nature s’était éloignée à une distance telle qu’elle n’était plus accessible que le dimanche. La « reforme de la qualité de vie » fut placée au centre d’un débat public, qui se traduisit, par exemple en Allemagne, par des mouvements de jeunesse comme le « Wandervogel » ou l’essor de l’anthroposophie, une doctrine fondée par Rudolf Steiner visant à remettre l’évolution de l’homme en harmonie avec l’univers, ou par l’apparition d ;une nouvelle mode qui permit aux femmes de se libérer du corset.

Pour les architectes et les aertistes qui voulaient échapper à un historicisme sclérosé,létude de la nature étaient séduisante. On retrouva des formes végétales et fluides àgtravers des motifs comme les branchages, les cours d’eau ou les longues cheverures féminines ondulées. En Allemagne, cet « art nouveau » fut baptisé Jugendstill, au nom du magazine « Jugend » (« Jeunesse ») fondé en 1896 pour propager un renouveau de la pensée auprès de la jeunesse. En Autriche, le mouvement s’exprima à travers le style dit de la « Sécession » viennoise, en rupture avec l’art et le langage formel du passé. En Italie, ce fut le « Style Liberty », d’après le grand magasin londonien dont les étoffes exportées symbolisaient le renouveau. En Grande-Bretagne, on l’appela « Modern Style », en

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Belgique et en France Art Nouveau. Il est caractérisé par l’individualisation poussée des formes, qui portaient la marque personnelle des artistes qui les créaient. Limité à des applications décoratives, l’Art Nouveau rappelait l’historicisme, mais il cfontenait déjà en greme le besoin moderne d’associer forme, matériau et fonction.

Dans ce mouvement, qui revêtit des formes régionales et nationales variées, L’Art Nouveau espagnol, le « Modernismo », est dominé par l’architecte catalan Antonio Gaudi. Loin de se limiter à décorer les surfaces, il considérait les bâtiments commes des œuvres littéralement. Il moelait ses façades commes des parois rocheuses, les fenêtres comme des entrées de cavernes, les toits comme des récifs coralliens couverts de mosaïques abstraites faites de morceaux de verre ou de terre cuite. On lui demanda, en 1883, d’achever l’eglise néo-gothique de la Sagrada Familia, à Barcelone. Il en donna une interprétation très personnelle, mêlant au gothique des éléments mauresques, mais ne parvint pas à l’achever avant sa mort, en 1926. Il croyait en une architecture « totale » et individualiste. S’écartant des conceptions traditionelles des espaces architecturaux, il les remplaça par une distribution totalement nouvelle et progressiste des espaces. Il utilisa pourtant des techniques vieilles, comme les épais revêtements de maçonnerie dissimulant les ossatures d’acier. Le traitement artisanal de chacun de ses bâtiments où il veillait au moindre détail, ou de ses appartements de luxe, comme Casa Battló ou la Casa Milá, où il ne laissa plus un mur ni un angle droit, n’étaient assurément pas une solution pour résoudre la crise du logement, l’une des principales tâches de l’architecture du XXe siècle.

2.Composez le plan du texte.

3.Rendez le contenu du texte.

Texte 6

1. Dans ce texte consacré au Versaille, relevez tous les indicateurs temporels. Versailles

Nul château, parc, ou ensemble unrbain n’eut un tel rayonnement à l’époque baroque que Versailles. En 1623, Louis XIII fit construire dans cette petite localité située au sud-ouest de Paris un pavillon très simple dans l’esprit de la Renaissance, avec un bâtiment principal rectangulaire à trois ailes entourant une cour, la quatrième aile étant remplacée par des arcades basses. Celles-ci furent détruites en 1661, lorsque les travaux d’agrandissement du château commencèrent.

Cette année-là, Louis XIV, le futur Roi Soleil, prend directement les rênes du pouvoir, qu’il conservera jusqu’à sa mort, en 1715. son long règne marqua l’apogée de la monarchie absolue en Europe et le fit de Paris le centre de la vie politique et culturelle du continent. Parallèlement, il marqua aussi le début des Lumières, un mouvement qui aboutit à la fin du XIIIe siècle à la chute de l’absolutisme.

Le château de Vaux-le-Vicomte, construit près de Paris par le surintendant des finances Nicolas Fouquet, fut achevé l’année où Louis XIV entamait son règne

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personnel. Le roi y trouva matière à s’inspirer et Louis le Vau, l’architecte, Le Brun, chargé de la décoration intérieure et André le Nôtre, créateur des jardins de Vaux-le-Vicomte, furent invités à travailler à Versailles, où Louis XIV vait décidé de bâtir sa nouvelle résidence. Les dimensions monumentales du palais n’étaient pas le seul défi lancé aux concepteurs. Le château devait aussi symboliser l’unité du pays et témoigner de la puissance royale aux yeux du monde entier. La transformation du vieux château commença en 1661 sur les plans de Le Vau. De 1668 à 1671, la cour d’honneur fut flanquée de deux ailes ouvetres aux façades en temple. Simultanément, la façade du côté des jardins s’élargit, Le Vau ajoutant deux pavillons – avec les salons de la Guerre et de la Paix – à l’aile existante. La terrasse reliant les deux pavillons souligna l’importance du premier étage, celui des appartements royaux.

En 1678, Jules Hardouin-Mansart remplaça Le Vau, mort huit ans auparavant, à la direction du chantier. Il recouvrit la terrasse de la célèbre Galerie des Glaces. Les miroirs qui la garnissent lui donnent une luminosité exceptionnelle et provoquent, par un effet d’optique, l’impression qu’elle s’étire à l’infini – un effet typique de l’illusionisme baroque. Cette salle, illuminée par des centaines de bougies, servit de cadre à de somptueuses fêtes baroques mais aussi, du 18 janvier au 28 juin 1919, aux négociations qui aboutirent à la signature du traité de paix de Versailles.

La nouvelle façade unifiée créée par Mansart fut encore élargie par l’ajout de deux ailes en retrait, si bien qu’elle finit par atteindre une largeur totale de 576 m. Baroque et mouvemanté à l’origine, l’édifice se drappa ainsi progressivement d’une solennité rigide et impressionnante, correspondant à l’attitude de Louis XIV, incarnation de l’Etat et souverain absolu, jusqu’à ce que le château, conçu pour servir le prestige royal, atteigne des dimensions dépassant l’échelle humaine. Cette ambition est également évidente en voyant l’immense esplanade et la grande cour d’honneur, à nouveau élargie par deux ailes sous Louis XV, à partir de 1742. L’une d’elles est due à Ange-Jacques-Gabriel, l’autre, sa copie exacte, fut érigée au XIXe siècle. Le château atteignait ainsi une profondeur totale de 407 mètres, une ampleur dont l’ambition était de rester égalée.

En 1667, Le Nàtre commença l’aménagement des jardins, qu’il fit partir directement du château, entre le bassin de Neptune au nord et l’Orangerie au sud, à laquelle conduisent deux « escaliers à 100 marches » larges de 20 m chacun. André Le Nôtre renouvelle, en les magnifant, les parterres réguliers de broderie – typiques du baroque – bosquets, vases, statues, fontaines et pièces d’eau inaugurées à Vaux, mêlant l’art des janrdins à celui des bâtiments. Dans l’axe principal, perpendiculaire au château, on trouve successivement le bassin de Latone et le Tapis vert (64×335m) ainsi que le bassin d’Apollon (82×116 m), légèrement en contrebas. En son centre se dresse une statue du dieu du soleil – hommages au roi – sur un char tiré par des chevaux et des tritons. Le bassin est au centre du plan radial, axial et stellaire qui structure l’ensemble des jardins. En partie masqué par la croissance des arbres, ce système apparaît moins nettement de nos jours.

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L’immensité du parc est encore soulignée par un canal de 1560 m de long, également situé sur l’axe central. Il est coupé transversalement par un canal plus petit, à l’extrémité nord duquel se trouvent deux petits châteaux d’agrément : le Grand Trianon, bâti en 1687-1688 par Hardouin-Mansart et Robert de Cotte et le Petit Trianon, érigé entre 1764 et 1768 par J.-A. Gabriel. Après la mort de Louis XIV, la cour les préféra au gigantesque château de Versailles.

2. Faites le plan du texte en indiquant les indices que vous avez utilisés.

Texte 7

1. Lisez et traduisez le texte.

Futurisme et constructivisme

A l’aube du XXe siècle, non seulement les intellectuels mirent leurs espoirs dans le nouveau monde, mais on croyait en général que le progrès technique, l’esprit nouveau et les modifications des sociétés amèneraient un âge nouveau et des hommes renouvelés. Cet enthousiasme produisit dans le domaine de l’architecture des résultats remarquables dans deux pays dont le développement politique et industriel était plutôt resté en retrait des autres : l’Italie et la Russie. En Italie naquirent un style, une pensée et tout un programme qui se nommaient futuriste (mot italien dérivé du latin). Le « Manifeste du fiturisme », publié en 1909 par Filippo Tommaso Marinetti, thématisé le problème des rythmes, du danger et de la violence de l’âge industriel, se plaint de l’omniprésence de l’héritage artistique de l’Antiquité ressenti comme un fardeau et appelle à la destruction du monde suranné. On glorifie donc la guerre, « seule mesure saine pour le monde » et « les hauts idéaux, pour lesquels il vaut la peine de mourir ». une phrase célèbre du manifeste dit : « Une voiture de course à la carrosserie ornée de gros tubes semblables à des serpents crachants le feu ; une bolide vrombissant est d’une plus grande beauté que la Victoire de Samothrace.» En architecture, les futuristes avec en tête de file Antonio Sant’Elia (tombé en 1916, à l’âge de 28ans) mais aussi Virgilio Marchi, se préoccupèrent avant tout de constructions servant à la technique ou à la circulation, donc bien de nouvelles tâches nées de la révolution industrielle, et qui servirent à la célébrer : des centrales électriques, des gares, des aéroports er bien sûr aussi des villes entières privilégiant la démultiplication de l’espace, avec accumulations d’immeubles colossaux, des successions et superpositions de voies de circulation automobile. Dans leur planification urbaine, les futuristes se montrèrent cependant plus ouverts que l’avant-garde d’autres pays er respectèrent le chaos des métropoles. Ces projets d’édifices titanesques, aux rythmes dynamiques qui fendaient l’air, ne furent toutefois réalisés que çà et là. Ils étaient trop en avance sur leur temps, tant par leur coût qu’esthétiquement. Mais autant ne réalisait-on pas ou pour les projets des futuristes, autant leurs manifestes proliféraient. Leurs discours enflammés et leus utopies pénètrèrent jusqu’en Russie, débouchant là-bas sur le constructivisme qui ne tarda pas à s’affirmer, semblable au futurisme en ce qu’il s’enthousiasma, lui aussi, pour les infinies possibilités offertes en apparence aux architectes grâce aux nouvelles techniques. Le cubisme et le suprématisme, fondé par Kasimir Malevitsch, influencèrent les futuristes. Le suprématisme priviligiait les formes abstraites et géométriques en

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