1. Никитин И. Портрет графа Г.И.Головкина

Портрет государственного канцлера графа Гавриила Ивановича Головкина. 1720-е Холст, масло. 90,9x73,4 см   Государственная Третьяковская галерея, МоскваВ портрете канцлера Головкина художник все внимание сосредотачивает на лице умного, волевого дипломата, испытавшего все превратности судьбы. На портрете Головкин изображен в спокойной и сдержанной позе, которая выдает военную выправку. На полурасстегнутом коричневом кафтане знаки Андреевского ордена Белого Орла. Прекрасно завитой парик обрамляет суховатое лицо с проницательными глазами. Граф слыл великим знатоком человеческих душ, а художник увидел и запечатлел навеки его самого – умного, преданного, но жесткого и расчетливого человека. Есть в этом полотне простота, граничащая с аскетизмом, и в то же время – полная свобода»

2. Никитин И. Портрет напольного гетмана

И.Н.Никитин. Портрет напольного гетмана. 1720 г. Государственный русский музей. Санкт-Петербург. И.Н.Никитин. Портрет напольного гетмана. 1720 г. Государственный русский музей. Санкт-Петербург. Вершиной творчества И.Н.Никитина стал «Портрет напольного гетмана» - боевого соратника Петра I, деливший с ним и ратный труд, и славу военных побед. Гетман изображен в пронизанной светом среде. Отчетливо выделяется на освещенном фоне его обветренная, темная от загара кожа. Перед нами человек, погруженный в собственные мысли. Его усталая поза, слегка опущенная голова, напряженно сжатые губы – все подчеркивает нелегкий жизненный путь сильного и мужественного человека. В нем не ослабла крепкая воля, не угасла огромная сила. Из-под седых нахмуренных бровей глаза смотрят сурово и решительно.

3. А. Матвеев Автопортрет с женой

А.М.Матвеев. Автопортрет с женой. 1729 г. государственный Русский музей. Санкт-Петербург. В 1727 г. после 11 лет обучения в Голландии на Родину возвращается Андрей Матвеевич Матвеев. Лучшее из того, что создал художник, - «Автопортрет с женой», ставший определенным этапом в русской портретной живописи. Удивительно тонко переданы чувства взаимной любви и нежности супругов. Бережно художник обнимает жену за плечи. Его взгляд смел, брови решительно сдвинуты, застенчивая улыбка женщины явно располагает к ней зрителей. Приглушенная цветовая гамма подчеркивает интимный, камерный характер портрета.Матвеев прожил короткую жизнь. Он умер, когда ему не было и сорока лет. Но то, что он успел сделать навсегда останется в истории русского искусства

4. Антропов А. П. Портрет графини А.М. Измайловой

А.П.Антропов. Портрет статс-дамы А.М.Измайловой. 1754 г. Третьяковская галерея. Москва.Подлинным шедевром его живописи является «Портрет статс-дамы А.М.Измайловой». И хотя в нем еще чувствуется следы парсуны (некоторая застылость позы, взор, устремленный прямо перед собой), это, безусловно, глубокий психологический портрет немолодой женщины. Она умна, властна и насмешлива. Роскошная одежда по моде того времени, дорогие украшения – все подчеркивает ее богатство и власть над окружающими. На устах тонкая улыбка превосходства, во взгляде карих глаз – снисхождение и возможность покровительства.

5. Рокотов Ф.С. Портрет А. П. Струйской

1772 г. Третьяковская галерея, Москва.В «Портрете А.П.Струйской» молодая женщина запечатлена на нейтральном темном фоне и как прелестное видение выплывает «из тьмы былого». Мягкий мерцающий свет подчеркивает ее тонкое одухотворенное лицо с чуть прищуренными глазами. Она смотрит откуда-то издалека: серьезно, немного грустно, с едва уловимым, легким сожалением. Спустя много лет едва заметная улыбка ее прекрасных глаз будет воспета поэтом Н.А.Заболоцким: Ее улыбка – как два тумана, Полуулыбка, полуплач, Ее глаза – как два обмана. Покрытых мглою неудач. В ее благородной осанке, в развороте фигуры, взгляде – сознание отдаленности, причастности к тайне.

6. Левицкий Д.Г. Портрет П.А. Демидова

1773 г. Третьяковская галерея. Москва. «Портрет П.А.Демидова». Одного из богатейших людей своего времени,- лучшее художественное достижение Левицкого. Известный горнозаводчик изображен на фоне величественных колонн и драпировок. За колоннами – здание Воспитательного дома, на строительство которого он пожертвовал большие денежные суммы. Левицкий добился полноты психологической характеристики персонажа. Художнику удалось создать правдивый образ человека со сложным и противоречивым характером, наделенного проницательным умом, способного совершать сумасбродные поступки, быть добрым и расточительным.

7. Боровиковский В.Л. Портрет М.И.Лопухиной

Одним из самых поэтических произведений Боровиковского является «Портрет М.И.Лопухиной». С большой любовью и задушевностью представлен образ молодой мечтательной женщины. Томный, немного грустный взгляд, нежная улыбка, свободная непринужденность позы прекрасно переданы художником. Ее лицо далеко от идеала классической красоты, но в то же время исполнено очарования и душевной прелести. Воздушная дымка и изысканные сочетания цветов белого платья, голубого пояса, сиреневого шарфа усиливают впечатление меланхолического раздумья молодой девушки. На этом портрете Марии Лопухиной 18 лет, в 24 года она ушла из жизни…В.Л.Боровиковский. Портрет М.И.Лопухиной. 1797 г. Третьяковская галерея. Москва.

8. Последний день Помпеи — картина Карла Брюллова,

написанная в 1830—1833 годах. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. Черный мрак навис над землей. Кроваво-красное зарево окрашивает небосвод у горизонта, и ослепительная вспышка молнии на мгновение разрывает тьму. Перед лицом смерти обнажается суть человеческой души. Вот юный Плиний уговаривает мать, упавшую наземь, собрать остатки сил и попытаться спастись. Вот сыновья несут на плечах старика отца, стремясь поскорее доставить драгоценную ношу в безопасное место. Подняв руку навстречу рушащимся небесам, мужчина готов грудью защитить своих близких. Рядом — коленопреклоненная мать с детьми. С какой невыразимой нежностью жмутся они друг к другу! Над ними — христианский пастырь с крестом на шее, с факелом и кадилом в руках. Со спокойным бесстрашием взирает он на пылающие небеса и рушащиеся статуи прежних богов. А в глубине холста ему противопоставлен языческий жрец, бегущий в страхе с жертвенником под мышкой. Такая несколько наивная аллегория провозглашает преимущества христианской религии над уходящей языческой. Слева на втором плане — толпа беглецов на ступенях гробницы Скавра. В ней мы замечаем художника, спасающего самое дорогое — ящик с кистями и красками. Это — автопортрет Карла Брюллова.Самая центральная фигура полотна — знатная женщина, упавшая с колесницы, символизирует прекрасный, но уже уходящий античный мир. Оплакивающий ее младенец — это аллегория нового мира, символ не иссякающей силы жизни. «Последний день Помпеи» убеждает в том, что главная ценность в мире — это человек. Губительным силам природы Брюллов противопоставляет духовное величие и красоту человека. Воспитанный на эстетике классицизма, художник стремится придать своим героям идеальные черты и пластическое совершенство, хотя, известно, что для многих из них позировали жители Рима.

9. Федотов П.А. Сватовство майора

Картина «Сватовство майора» написана П. А. Федотовым в 1848 году. Представленное в этом же году Совету Академии, полотно принесло автору звание академика. Сюжет для картины взят художником из повседневной жизни. Армейский офицер, промотавший свое состояние, сватается к купеческой дочке с хорошим приданым, чтобы обеспечить себе безбедное существование. Купец не прочь породниться с дворянином, поэтому не жалеет денег. Картина наполнена движением. Сваха, вбежавшая в комнату, сообщает о приезде офицера. Все в доме уже ждут жениха. На столе дорогие вина и яства, служанка вносит пирог. Взволнованный хозяин суетливо спешит навстречу майору. Жеманная невеста, разряженная в самое модное платье, вдруг засмущавшись, бросается вон из комнаты, но умная маменька вовремя хватает ее за подол платья.Вот уже жених, важно подбоченясь, готовится переступить порог комнаты. Сейчас он войдет – и все изменится: присутствующие начнут улыбаться, говорить любезности, будут неискренними…Картина «Сватовство майора» отличается высоким живописным мастерством. Обстановка комнаты, костюмы действующих лиц, убранство стола и все мельчайшие подробности быта написаны с поразительной точностью. В каждом из действующих лиц художник подмечает и изображает самое типичное. 1848г. - 1849г. Государственная Третьяковская

9. Федотов П.А. "Свежий кавалер". Утро чиновника, получившего первый крестик

Картина «Свежий кавалер (Утро чиновника, получившего первый крестик)» П. А. Федотова - первое в русской живописи произведение бытового жанра, – написана в 1847 году. Полотно получило высокую оценку у критиков и в среде прогрессивно настроенной интеллигенции. В сюжете и композиции картины отчетливо прослеживается влияние английских художников – мастеров бытового жанра. На полотне мы видим чиновника, с трудом приходящего в себя наутро после веселой пирушки, устроенной по случаю получения им первого ордена.Чиновник изображен в убогом окружении, в старом халате, необутый, с папильотками на голове и с орденом, нацепленном прямо на халат. Свысока и неохотно он пререкается о чем-то с кухаркой, демонстрирующей ему развалившиеся сапоги.Перед нами типичный представитель своей среды - продажный взяточник и раб своего начальника. Безмерно чванливый, он боготворит орден так, словно тот – свидетельство каких-то невиданных заслуг. Вероятно, в своих мечтах он взлетел очень высоко, но задорный окрик кухарки сразу возвращает его на место.Картина «Свежий кавалер» - точное воспроизведение действительности во всей ее полноте. Помимо отличного владения техникой письма, Федотов демонстрирует тонкость психологической характеристики. Художник изображает своего героя с поразительной остротой и точностью. При этом очевидно, что художник, обличая своего персонажа, в то же время сочувствует ему, относится к нему с мягким юмором. Государственная Третьяковская галерея

9. Шишкин И.И. Рожь

Рожь» - одно из самых выдающихся произведений в творчестве И. И. Шишкина. Картина была написана в 1878 году и принесла художнику заслуженную славу. На полотне мы видим бескрайние просторы ржаного поля. Золотое море хлебов, колышущееся от ветра, раскинулось до самого горизонта. Тяжелые колосья уже почти поспели и клонятся к земле. Проселочная дорога, уходящая через поле вдаль, пустынна. Торжественным покоем как будто пронизана эта картина. Даже ласточки, стремительно и бесшумно пролетающие совсем невысоко в светло-синем небе, не нарушают гармонии этой невероятной тишины. Очень подробно, с большим мастерством и любовью Шишкин пишет передний план: и тяжелые спелые колосья, и венчики ромашек и васильков, и пахнущую пылью дорогу. Все это придает полотну задушевность и жизненную убедительность. Как будто сторожа, охраняющие несметное богатство спеющих хлебов, над золотом поля возвышаются могучие сосны. Деревья-исполины стоят вдоль дороги до самого горизонта, отчего равнинный пейзаж кажется еще более бесконечным. Нас не покидает смутное состояние тревоги. Может быть, из-за появившихся возле горизонта первых кучевых облаков, предвещающих близкую грозу? Из-за неба, утратившего свою звонкую синеву? Или из-за черного скелета дерева, обгоревшего во время грозы, нелепо и тоскливо торчащего среди благоухающего золотого великолепия? Минорная нота, явственно звучащая в полотне, как будто напоминает нам о бедах и превратностях жизни, которая ошибочно кажется порой такой идиллической. И все-таки основная тема полотна «Рожь» - это вера и мощь в величие природы и в ее способность вознаградить труд человека. Это настоящий гимн художника родной природе, ее плодородию, ее изобилию, величественной и торжественной красоте. Третьяковская галерея.

9. Перов В.Г. Портрет Ф.М. Достоевского

Портрет Ф. М. Достоевского» был написан в 1872 году. Картина отличается мастерски выполненным портретным сходством. Фигура писателя, изображённая на картине, предстаёт смотрящему извлечённой светом из густой, непроглядной тьмы. Погруженный в печальную задумчивость, Достоевский напряжённо охватывает колени руками, сомкнутыми в замок.В облике писателя тонко подмечена характерная для него таинственная отрешённость, сосредоточенность и глубина взгляда. Именно в такой позе пребывал автор «Преступления и наказания» во время своих творческих размышлений и духовных изысканий.Портрет выполнен мастером технически совершенно. Он соединит в себя непревзойдённую технику мазка, высокую детализацию отдельных элементов и глубокую психологию образа. Каждая деталь лица модели прорисована мельчайшими мазками, отражая величественность и глубину мировоззрения автора.Мастерское распределение теней образа формирует объём и реалистичность изображения. Тёмный фон был выбран художником для того чтобы абстрагировать образ Ф. М. Достоевского от посторонних вещей. Перов показывает большую значимость данной фигуры для русской и мировой литературы в целом. Третьяковская

9. Перов Василий Григорьевич "Тройка". Ученики мастеровые везут воду

Картина «Тройка. Ученики-мастеровые везут воду» была написана В. Г. Перовым в 1866 году. За неё художник был удостоен почётного звания академика живописи.Полотно повествует смотрящему о том, как трое детей, облачённых в бедное одеяние, изо всех сил тянут на салазках по занесённой ночным снегопадом проезжей дороге большую тяжёлую бочку с водой. В левом верхнем углу картины можно заметить заметённый снегом фрагмент иконы, расположенной над воротами заиндевелой стены местного монастыря.Драматизм произведения подчёркивается изображением густого утреннего тумана, тающих в нём силуэтов городских зданий, и небольшой стаи чёрных птиц, летящей вслед «тройке».Первоначально мастер, стремясь передать страдания и показать нелёгкую жизнь детей нищих горожан и крестьян, участью которых были непосильный труд, голод и холод, желая вызвать у созерцающих произведение чувство искренней жалости, хотел подчеркнуть в своих маленьких героях черты уродства и серьёзного истощения. Об этом намерении автора можно судить по многочисленным этюдам и наброскам к картине. Однако, как мы видим, Перов отказался от своей первой идеи и изобразил детские лица, полные горя и страдания, выражающие ужасающее чувство безысходности. Образы этих детей давно стали поэтически одухотворёнными, символом непосильного труда и суровой действительности. Позади саней толкает бочку, помогая ребятам, их мастер, который изображён на картине таким же бедным и изнурённым от тяжёлого повседневного труда. Кажется, что даже в глазах собаки, бегущей впереди измученных детей, можно разглядеть жалость и скорбь, чувство голода и тоски. Государственная Третьяковская галерея,

9. Саврасов Алексей Кондратьевич Грачи прилетели

Полотно «Грачи прилетели» - признанный шедевр мирового живописного искусства. Картина была написана А. К. Саврасовым в 1871 году. Представленная широкому зрителю на первой выставке ТПХВ, она получила заслуженное признание современников, и была сразу же куплена П. Третьяковым.Неприхотлив и прост мотив картины. Простыми изобразительными средствами художник показал чудо пробуждения природы, чарующую притягательность ранней весны. На полотне изображена окраина небольшого селения. Пасмурный весенний день. Воздух тих, прозрачен и свеж. По сероватому небу плывут легкие рыхлые облака. Снег еще не сошел полностью, от земли идет теплый пар.За дощатым забором – крестьянские избы, церквушка и колокольня с облезлой крышей, а еще дальше – пашни с белыми пятнами нерастаявшего снега. На окраине села, на холме - несколько корявых березок. Среди их обнаженных ветвей, суетясь и галдя, летают грачи – вьют новые гнезда, обновляют старые…Картина «Грачи прилетели» исполнена в пастельных, приглушенных тонах. Все на картине – и бурые проталины на снегу, и сизый дымок, курящийся над крышей крестьянской хаты, и мокрые стволы кривых березок – наполнено бесконечным лиризмом и поэзией. Человек, создавший эту картину, безусловно, не просто любил природу - он понимал ее тайный язык. С поразительной ясностью передано едва уловимое ее состояние, знакомое сердцу каждого человека, - состояние обновления, присущее ранней весне. И грачи на картине – как вестники весеннего обновления.Удивительное ощущение оставляет полотно. Этот пейзаж - не бездушный слепок с окружающей природы, в ней есть трепет настоящей жизни. И. Н. Крамской говорил, что в картине «есть душа». В течение многих лет картина «Грачи прилетели» является одним из самых знаменитых русских пейзажей, настоящим живописным символом России. Третьяковская галерея

9. Репин И.Е. Не Ждали

Картина «Не ждали» написана Репиным в 1884 году. По мнению передовой русской общественности, она стала одним из самых значительных русских живописных произведений. Помимо мастерства исполнения, полотно отличается богатым содержанием, правдивостью и силой чувства.Перед нами – сцена, словно выхваченная из жизни. Художник показывает момент неожиданного возвращения революционера из ссылки. Мы видим светлую, хорошо освещенную солнцем комнату. Тщательно выписан интерьер помещения: приоткрытая на балкон дверь со стекающими по ней каплями дождя, старые обои, отстающие от стены, мебель, картины. Семья собралась вместе: молодая женщина сидит у рояля, дети делают уроки, рядом с ними за столом – пожилая дама в черном платье.Осторожно, нерешительно ступает бывший ссыльный. Однако во всей его фигуре – энергия, сила, в изможденном лице – достоинство, интеллигентность, ум. Этот человек хорошо знает, что жизнь – это не только счастье, но и горе. И зритель понимает, что никакие испытания не в силах сломать дух этого человекаВ первый момент никто не узнает входящего. Конечно, ведь он сильно изменился. Но еще мгновение – и все узнают того, кого, быть может, уже считали погибшим. Сцена полна огромного напряжения. Старушка-мать в черном платье, приподнявшись с кресла, застыла в изумлении, на лицах остальных – смятение, удивление, радость. Зритель понимает, что еще секунда - и все бросятся навстречу сыну, отцу, мужу, и комната утонет в счастливых, радостных восклицаниях. Картина Репина «Не ждали» - яркая иллюстрация к жизни демократической интеллигенции 70-80-х гг. XIX века. Художник нашел настоящих героев своего времени, показал их величие и душевное благородство, и тем самым сделал большой шаг вперед в формировании жанровой живописи Третьяковская галерея

9. Суриков В. И. Утро стрелецкой казни

Картина «Утро стрелецкой казни» написана В. Суриковым в 1881 году. В ней он впервые обратился к жанру, составляющему суть его живописи – изображению русского народа в яркие, переломные моменты истории.На полотне описаны события, происходившие в Москве в 1698 году, в эпоху Петра I, когда был жестоко подавлен Стрелецкий бунт, а стрельцы казнены. Художник тщательно исследовал свидетельства очевидцев, но изобразил событие в соответствии со своим пониманием его исторического смысла.На полотне мы видим не саму казнь, а полные огромного психологического напряжения минуты перед неотвратимой казнью. Действие происходит в Москве на Красной площади, на фоне храма Василия Блаженного.Раннее утро, еще не рассеялся туман. В центре композиции два героя – сидящий на коне царь Петр и рыжебородый стрелец в красном колпаке. Стрелец связан, его ноги закованы в колодки, но он не смирился со своей участью. Гневно, с лютой злобой смотрит он на Петра. Такой же непримиримый взгляд видим мы и у Петра.Столь же эмоционально и выразительно показаны и другие персонажи. Первого приговоренного солдаты уже поволокли к виселице. Как затравленный зверь, озирается вокруг чернобородый стрелец. Взгляд седого стрельца безумен – ужас того, что сейчас произойдет, помутило его сознание. Стрелец, стоящий на телеге, склонился, прощаясь с народом. Отчаянно кричит молодая жена стрельца, бессильно опустилась на землю старуха-мать.Трагизм происходящего подчеркивает тяжелый, темный колорит полотна. Умело выстраивая композицию, живописец мастерски создает впечатление огромной толпы, полной эмоций, энергии и движения. С любовью и вниманием относится Суриков на полотне к мельчайшим деталям, характеризующим историческую эпоху. Картина «Утро стрелецкой ткани» решена Суриковым как народная драма. Он поведал нам о народе, его мощи, гневе и страданиях в эпоху, полную сложностей и противоречий. Третьяковская галерея

9. Тропинин В.А. Кружевница

Полотно «Кружевница» относится к числу самых известных полотен В.А.Тропинина. Оно было написано в 1823 году – в год, когда крепостной 47-летний художник получил вольную. «Кружевница» была тепло встречена и критикой, и публикой, и стала большим явлением в русском живописном искусстве.Перед нами – новый тип жанрового портрета, он посвящен образу труженицы и ее кропотливому труду. Тропинин запечатлел один миг из жизни молодой крепостной девушки, занимающейся рукоделием.Миловидное лицо рукодельницы, прервавшей на мгновение свое занятие, чтобы взглянуть на вошедшего, приветливо и дружелюбно. Весь облик девушки как будто говорит, что труд ей совсем не в тягость.В картине «Кружевница» в полной мере раскрылся живописный талант Тропинина. Мы видим уверенный рисунок, грамотное освещение, естественный колорит. Для своей героини художник выбирает светлые тона, вводя в них серебристые и сиренево-серые оттенки. Тщательно и с любовью выписывает живописец предметы мастерства рукодельницы – коклюшки и часть кружевного полотна.Художник идеализирует свою героиню, делая ее мало похожей на крестьянку. Может показаться, что ее руки чересчур нежны, во взгляде читается кокетство, а движения нарочито грациозны. Но художник заставляет зрителя поверить в простоту и скромность девушки, в благородство ее натуры. Проза суровых будней остается за холстом, но она, конечно, угадывается зрителем – в робком движении плеч, в некоторой скованности позы молодой крестьянки.В своей картине В.А.Тропинин воспевает гармонию и чувство внутреннего достоинства, присущее человеку труда и сохраняемое им на протяжении всей жизни, не взирая ни на какие условия уродливого быта. Третьяковская галерея

9. Рембрандт Возвращение блудного сына

Эта картина, несомненно венчающая его позднее творчество и устремления, о покаянном возращении сына, о бескорыстном прощении отца, ясно и убедительно обнажает глубокую человечность повествования. (Спорна, однако, датировка, вместо 1668-1669 годов было сделано предложение историками искусства Г. Герсоном, И. Линником датировать картину 1661 или 1663 годами). В картине господствует «только одна фигура - отец, изображённый в фас, с широким, благословляющим жестом рук, которые он почти симметрично кладёт на плечи сына. Этот же, изображённый со спины, стоит перед отцом на коленях, образуя с ним монументальную группу, которую можно было бы вылить в бронзе. Нигде с таким чувством не проявлялась объединяющая человеческая сила монументальных форм. Отец - полный достоинства старец, с благородными чертами лица, одет в царственно звучащие красные одеяния. Но и эта монументальность у Рембрандта распадается, подмываемая мощным потоком человечности, изливаемой на этот, кажется, так прочно спаянный блок. От благородной головы отца, от его драгоценного одеяния наш взгляд спускается к постриженному наголо, преступному черепу сына, к его беспорядочно висящим на теле отрепьям, к подошвам ног, дерзко выставленных навстречу зрителю, преграждая его взгляд... Группа опрокидывается в её вершине. Отец, который кладёт руки на грязную рубашку сына так, как будто он совершает священное таинство, потрясённый глубиной чувства, он должен так же держаться за сына, как и держать его... Второстепенные фигуры братьев и сестёр также присутствуют в картине, но не принимают никакого участия в действии. Они лишь на границе происходящего, лишь очарованные немые свидетели, лишь окружающий исчезающий мир...» (Рихард Гаманн). По мнению исследователя Боба Хаака, возможно Рембрандт «изобразил эти фигуры лишь эскизно, и другой художник закончил их», в живописи же главной группы, как и в «Еврейской невесте», неподражаемо объединились форма и дух. Всё здесь - действительно и в высшей степени символично: блокообразное и в то же время внутренне-неустойчивое, переливающееся из одного элемента в другой единство фигур отца и сына, ромбическое, напоминающее алмазную шлифовку обрамление головы сына руками отца, прощупывающий жест рук, этого незаменимого человеческого органа. «Всё, что эти руки пережили - радости, страдания, надежды и страхи, всё, что они создали или разрушили, что они любили или ненавидели, всё это выражено в этом молчаливом объятии» (Жермен Базен). И, наконец, этот всеобъемлющий, полный утешения и прощения красный цвет плаща, звучная сердцевина рембрандтовского «завета человечеству» (Гаманн), этот догарающий след самоотверженной, гуманной души, этот призыв к действию, красный цвет надежды, многообещающий свет любви.

9. Тропинин В.А. Портрет А.В.Тропинина

Голова мальчика.(Портрет Арсения Васильевича Тропинина)1818г, холст, масло, 40.4 х 32 смГосударственная Третьяковская галерея, Художник работал над этим портретом с особым подъемом....Освещенное трепетным светом возникает -лицо мальчика, Только что он был занят детскимн играми и забавами, поэтому расстегнут воротник рубашки, слегка разметались волосы, но сейчас его внимание привлекло что-то, и он необычайно серьезен, Голова повернута влево. Туда же направлен взгляд широко открытых, сосредоточенных глаз. Сколько в облике этого ребенка изящества и благородства, внутренней красоты! Написанный в теплых, золотистых тонах, портрет, создает лирический запоминающийся образ

9. Венецианов Алексей Гаврилович На пашне. Весна

Первая половина 1820-х гг.. Государственная Третьяковская галерея. Москва. Холст, масло 51,2 х 65,5.Лирический русский пейзаж этого полотна создает особое настроение. Лазурное небо, мягкая зелень, приглушенный колорит земли, легкая золотистая дымка на пашне образуют природную гармонию. Краски легки и прозрачны. Весна.Крестьянка в национальной праздничной одежде боронит землю. Венецианов создает некий поэтизированный образ, подчеркивая сходство своей героини с античной богиней. Масштабное несоответствие женской фигуры и лошадей, которых она с легкостью ведет по пашне, усиливает впечатление. Этот полуфантастический образ органично гармонирует с реалистическим пейзажем.Линия горизонта и мысленные траектории движения боронящих землю селянок создают определенный замкнутый эллипс. Тем самым художник показывает извечный круговорот жизни, где неизбежна смена времен года, но вечна природа.

9. Антропов а.П. Портрет Петра III

Государственная Третьяковская галерея, Москва. Окончательный портрет Петра III (1762, ГРМ) представляет собой парадное полотно, которое отвечало всем канонам этого жанра. Вводятся обязательные для императорского портрета атрибуты величия и царственности: на столе – корона, скипетр, держава; на кресле – горностаевая мантия. Петр III предстает в энергичной позе, с выдвинутой вперед ногой; одной рукой он опирается на маршальский жезл, а другую положил на пояс. Благодаря искаженной перспективе пол дан в немного неестественном ракурсе, и фигура царя возвышается над зрителем. Пространство расширено: в оконном проеме появилась батальная сцена – требуемый по живописному канону намек на выдающиеся полководческие способности Петра III, которыми, он, правда, не обладал. Художнику очевидно хотелось добиться возвышенного и одновременно помпезного эффекта.

9. Вишняков и.Я. Потрет с.Э. Фермор

Около 1750 г. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург. Сохранившаяся старинная надпись на обороте холста, указывает, что Сарра Фермор изображена в возрасте десяти лет. Одетая по взрослому, девочка пытается играть роль взрослой дамы: ее напудренные волосы уложены в модную прическу, в одной руке она кокетливо сжимает веер, другая - грациозно придерживает край роскошного платья. В то же время детское выражение миловидного личика и блестящие темные глазки создают некую одухотворенность образа маленькой Сары.Портрет еще сохраняет некую статичность фигуры и плоскостность изображения форм, свойственные парсуной традиции. Однако в легком изящном пейзаже и изысканной декоративности рисунка прослеживаются элементы стиля рококо (см. стиль рококо). Влияние западноевропейской живописи наблюдается и в натурной достоверности передачи подробностей.

9. Вишняков и.Я. Портрет князя ф.Н. Голицина в детстве

В портрете князя Ф.Н. Голицына в детстве Вишняков создает типичный для восемнадцатого столетия образ "ребенка-взрослого", чья судьба с раннего детства предопределена социальным происхождением и статусом семьи.Юного героя портрета - девятилетнего князя Федора Николаевича Голицына (1751-1827 годы) - художник Вишняков изображает в мундире елизаветинского конногвардейца. Живописец, в свойственной манере для русских мастеров того времени, тщательно воспроизводит все аксессуары мундира Конной гвардии, к которой был приписан мальчик.

Нежное лицо ребенка привлекает серьезным, задумчивым выражением, торжественно статична его поза. Сочетание бархатисто-черного и насыщенно красного цветов мундира, оттененных золотом шитья, придает особую праздничность колориту.В портрете прослеживаются черты свойственные парсуной живописи: фигура героя статична, ее объем практически не ощущается. В то же время яркие локальные цветовые пятна напоминают колорит средневековых икон. Третьяковская галерея

9. Кипренский Орест Адамович Портрет А.А.Челищева

1808-начал 1809. Государственная Третьяковская галерея. Москва. Эпоха романтизма создает особое отношение к детству. Художник XVIII века обычно изображает ребенка как маленького взрослого, часто в определенной роли; художник-романтик видит в нем неповторимый мир, глубокий и чистый, не тронутый пороками.Челищев представлен на портрете как созерцатель, чуждый суеты. Взгляд бездонных глаз направлен сквозь зрителя и одновременно внутрь себя. Эффект "двойного взгляда" - отличительный знак романтического портрета. Силуэт будто растворен в бархатистом пространстве фона. Цветовой аккорд в одежде оттеняет бледность лица. Свет идет словно изнутри, из глубин души, которая для романтика равновелика вселенной..

9. Кипренский О. А. Портрет А.С. Пушкина

Орест Адамович в своем произведении создал сложный и динамичный образ гения. Проводя исторические параллели, Кипренский показывает в облике Пушкина вместе с романтической воодушевленностью следы крушения надежд русской интеллигенции.Художник изображает Пушкина со скрещенными на груди руками. Романтическое звучание образу добавляет эффектно переброшенный через плечо шотландский плащ с клетчатой подкладкой. На заднем плане видна, стоящая на подставке, бронзовая статуэтка музы лирической поэзии Эрато. Кипренский с помощью света выделяет лицо Пушкина. Облик поэта наряду со сдержанной простотой отличается выразительной изящностью и элегантностью.Портрет Пушкина вызвал бурю восторженных отзывов современников. 1827 год. Государственная Третьяковская галерея. Москва.