3. Симфоническая музыка

Симфоническая музыка - одна из основных, важнейших областей музыкального творчества. Как показывает её название, симфоническая музыка, прежде всего связана с исполнительским составом, для которого она предназначается - симфоническим оркестром.

В состав симфонического оркестра входят следующие группы инструментов:

• струнные (скрипки, альты, виолончели, контрабасы);

• деревянные духовые (флейты, гобои, кларнеты, фаготы);

• медные духовые (валторны, трубы, тромбоны, тубы);

• ударные (литавры, барабаны, тарелки).

К звучанию этих четырёх групп инструментов добавляются иногда арфа, фортепиано, орган.

Слово «симфония» в переводе с греческого означает созвучие. В античные времена так называли пение хора или ансамбля в унисон, а также любое гармоническое, благозвучное сочетание тонов. В средние века слово исчезло из употребления, и новая жизнь его началась в эпоху Возрождения. Но теперь в слово «симфония» вкладывался иной смысл. В музыке Возрождения были распространены многоголосные вокальные сочинения - мадригалы, канцоны. Они обычно открывались инструментальным вступлением, которое и называлось симфонией. Когда в XVII веке возникла опера, то она также начиналась симфонией, позднее такое вступление превратилось в увертюру.

Симфоническая музыка охватывает почти все инструментальные жанры - от небольших пьес до многочастных произведений. На первом месте среди них стоит симфония. Как самостоятельный жанр она возникла в XVIII веке в центре Европы. Место и время её рождения - не случайны. В Италии национальным искусством была опера. В предреволюционной Франции вперёд вышли другие виды искусства (литература, живопись, театр), более конкретные, связанные с революционной борьбой. Среди музыкальных жанров - песня («Марсельеза»). Симфоническая музыка требовала вдумывания, обобщения - работы спокойной и сосредоточенной. Центром философской мысли конца XVIII века была Германия. Там же, в Германии и в Австрии, имелись богатейшие традиции инструментальной музыки. Именно поэтому Германия и Австрия и явились родиной симфонии.

Классический вид симфония обрела в 1780-1790-е годы в творчестве великих австрийских композиторов И. Гайдна и В.А. Моцарта. С этого времени начинается блестящий путь симфонии в европейской и мировой музыке, именно тогда она становится самым важным, центральным жанром музыкального творчества.

Симфония классического типа состоит из четырёх контрастных частей. Её первая часть несёт главную драматургическую нагрузку, отличается большой энергией, интенсивностью и стремительностью развития, насыщенностью драматическим действием.

Форма первой части почти всегда сонатная (её также называют «сонатным аллегро»), основанная на сопоставлении и развитии двух основных тем. В сонатной форме обычно три раздела: экспозиция, разработка и реприза. Ряд сонатных форм начинается со вступления и завершается кодой.

Экспозиция - изложение основных музыкальных мыслей, завязка драмы. Экспозиция начинается с главной партии, являющейся ведущим образом произведения. Второй ведущий образ экспозиции - побочная партия. Часто главная и побочная партии связываются небольшой темой - связующей, а в конце экспозиции появляется завершающая её тема - заключительная партия.

Разработка - средний ,раздел сонатной формы - наиболее конфликтный, наиболее устойчивый, основанный на интенсивном развитии образов экспозиции, их столкновении и борьбе. Темы, прозвучавшие впервые в экспозиции, показываются здесь с новых, неожиданных сторон: они сталкиваются, видоизменяются, нередко «скрещиваются», как бы образуя новый тематический «сплав», новое единство или же, напротив, дробятся на мелкие «осколки», отрывочные интонации-возгласы. В конце разработки атмосфера сгущается, драматическое напряжение всё более и более возрастает, состояние неустойчивости, борьбы, достигает высшей точки - кульминации - и требует разрядки, успокоения. Их приносит реприза.

Реприза - возвращение, утверждение первоначального музыкального содержания, логический итог всего предшествующего развития. В репризе происходит повторение музыкального материала экспозиции, но с изменениями, вызванными событиями разработки.

Вторая часть симфонии - медленная, певучего песенного или напевно-декламационного склада - обычно оказывается лирическим центром всего цикла. Содержание медленных частей симфоний - мир глубоких душевных переживаний, ощущений ценности и красоты жизни, философские размышления.

Третья часть симфонии - менуэт или скерцо (шутка) - имеет трехчастную форму, исполняется в быстром темпе, обычно развёртывается на основе танцевального ритма.

Заключительная, четвертая часть симфонии - финал - утверждает светлое, оптимистическое миросозерцание, обычно выдержан в быстром, подчас стремительном движении.

При общей схеме симфонии разных композиторов значительно отличаются. Симфонии Гайдна - в основном безоблачные, радостные, изредка серьезные и печальные, Моцарта - более индивидуальны, предшественники романтического искусства. Симфонии Бетховена насыщены образами борьбы, отличаются драматизмом, героикой, пафосом. У Шуберта - это лирические поэмы, проникнутые личными, интимными высказываниями. Симфонические сочинения Чайковского - волнующие, захватывающие повести о борьбе человека за жизнь, за счастье.

В XIX веке значительно расширяется область симфонической музыки. Появляются её новые жанры: симфоническая поэма, симфоническая фантазия, симфоническая баллада, увертюра-фантазия и др.

Симфоническая фантазия - программное симфоническое произведение на поэтический сюжет, большей частью с чертами фантастики. Это одночастное сочинение, отличающееся свободой развития, яркими контрастами. В русской музыке этот жанр симфонической музыки получил широкое распространение («Франческа да Римини» Чайковского, «Ночь на Лысой горе» Мусоргского).

Симфоническая поэма представляет собой одночастное оркестровое произведение, допускающее разнообразные источники программы (литература, живопись, реже - философия или история).

Жанр симфонической картины, распространённый в русской музыке, имеет некоторые отличия. Это программное симфоническое произведение описательно-изобразительного характера, обычно одночастное. Образы симфонической картины часто связаны с пейзажем или жанрово­бытовыми, сказочно-фантастическими и фатальными сценами («В Средней Азии» Бородина).

3. ОПЕРА

Опера (итал. opera - труд, дело, сочинение) - вид музыкально­драматического искусства. Ее литературно-драматическая основа - либретто (словесный текст).

Опера - это синтетический жанр, объединяющий различные виды искусств: музыку, литературу, драматургию, хореографию, изобразительное искусство.

Опера как многогранное произведение включает различные исполнительские компоненты: оркестровые эпизоды и вокальные (сольные номера, ансамблевые и хоровые сцены).

Роль сольных номеров в опере аналогична роли монолога в драматическом спектакле: они служат выражением переживаний героя, характеризуют его отношение к происходящему.

Исключительно велико в опере значение арий - развернутых, законченных вокальных сольных пьес с сопровождением оркестра. Ария содержит наиболее полную и разностороннюю характеристику героя, рисует его музыкальный портрет. Большинство действующих лиц в опере имеют индивидуальную арию, для главных же действующих лиц композитор чаще сочиняет их несколько. Лрию часто предваряет оркестровое вступление или речитатив.

Ярким мелодическим обобщением драматической ситуации или характеристики героя могут служить и другие сольные вокальные формы: каватина, ариозо, ариетта, песня, песенка, баллада и др.

Ариозо - небольшая ария свободного построения, обычно имеет лирический характер, отличается от арии не только более скромными размерами, но и меньшей драматической насыщенностью (ариозо Ленского «Я люблю вас, Ольга» и его же ария «Куда, куда вы удалились» из оперы П. Чайковского «Евгений Онегин»).

Ариетта - небольшая по размерам ария, отличается более песенным складом мелодии и большей простотой изложения.

Каватина - выходная ария, т.е. первая ария по ходу действия, с которой герой или героиня выходили на сцену, чаще лирико­повествовательного характера.

Большое значение в развитии оперного действия имеют ансамбли. дуэты, трио, квартеты, квинтеты, секстеты, септеты. Нередко оперный ансамбль в виде диалога, разговора основан на противоречии, столкновении интересов действующих лиц. В подобных ансамблях, передающих не общность настроений, переживаний, а, напротив, разнохарактерные, противоречивые ощущения героев, отдельные партии мелодически индивидуализированы (сцена Мельника и Князя в опере «Русалка» Даргомыжского).

Иной характер носят ансамбли лирического склада, характеризующие общность настроений и переживаний отдельных участников. В таких ансамблях партии певцов могут развиваться и на сходном тематическом материале (трио «Не томи, родимый» из оперы «Иван Сусанин» Глинки).

Не менее велико значение в опере хоров. С их помощью композиторы изображают картины народной жизни: народно-героические оперные хоры Глинки, монументальные хоры оперы «Князь Игорь» Бородина, полные стихийной силы бунтарские народные сцены в операх Мусоргского «Борис Годунов» и «Хованщина». Н. Римский-Корсаков охарактеризовал оперные хоры как «мысль массы», «голос толпы».

Чрезвычайно велико в опере значение симфонического оркестра - и в виде сопровождения к пению, и в самостоятельных инструментальных эпизодах.

Подлинным симфоническим прологом является увертюра, исполняемая перед театральным представлением и вводящая слушателей в круг настроений предстоящего действа.

Помимо увертюры и симфонических антрактов к отдельным актам во многих операх встречаются также оркестровые эпизоды, органически связанные с развитием драматического действия, подчас разрастающиеся до значения самостоятельных симфонических картин (сцена вьюги в опере «Иван Сусанин» Глинки). Подлинно симфоническим развитием проникнуты в опере инструментальные эпизоды, связанные с движением, шествием, пляской («Половецкие пляски» в опере «Князь Игорь» Бородина).

Своего рода «цементом», скрепляющим отдельные части оперы, является речетатив - своеобразный способ пения, близкий к напевной мелодической декламации, строится на повышениях и понижениях голоса, основан на речевых интонациях, акцентах, паузах.

. Как особый вид музыкально-театрального искусства опера возникла в Италии на рубеже XVI и XVII веков к концу эпохи итальянского Возрождения (Ренессанса), характеризовавшейся блестящим расцветом светского искусства, и первоначально называлась «драма на музыке». Однако зачатки музыкальной драмы существовали задолго до этого времени, по всей вероятности, за многие сотни лет до нашей эры. Известно, что древнегреческие трагедии Эсхила, Софокла, Еврипида и других античных поэтов читались нараспев наподобие современного речитатива и что большое значение имели в них хоры. Истоки оперного искусства можно усмотреть и в «священных представлениях» эпохи Средневековья, разыгрываемых для широких народных масс (в Московской Руси это были: «Шествие на осляти» и «Пещерное действо»). Важное значение имели разнообразные виды ярмарочных народных комедий (в том числе спектакли кукольного театра) и другие.

Создание первых опер («драм на музыке») явилось результатом деятельности известной флорентийской группы поэтов и певцов. Члены этого кружка, увлекавшиеся, как и вся передовая интеллигенция того времени, античным искусством, стремились возродить тип древнегреческой трагедии (как известно, тесно связанной с музыкой).

3. БАЛЕТ

Балет - вид музыкально-сценического искусства, содержание которого выражается в музыкально-хореографических образах.

%

Главные его составные части - музыка и хореография, включающая в себя все виды танца и пантомиму, сценарий (либретто), а также художественное оформление. Драматический замысел балета раскрывает и передаёт музыка в её синтезе с хореографией. В танце раскрываются содержание балета, характеры действующих лиц, их мысли, чувства, настроения и поступки. Искусство артистов - балерин и танцовщиков - делает его одухотворённым, осмысленным, поэтически содержательным. Декорации, костюмы воссоздают время и место действия, атмосферу, в которой происходят события.

Музыка балета, создаваемая на основе балетного либретто с учетом хореографического решения, дает эмоционально-образную и метроритмическую основу хореографии. Нередко хореографические решения возникали после сочинения музыки. На протяжении истории взаимодействие балетной музыки и хореографии претерпело значительные изменения.

Термин «балет» возник в Италии в конце XVI века для обозначения танцевальных эпизодов в опере. Выделение балета в самостоятельный вид искусства произошло позднее.

В первых французских балетах музыкальную основу составляли бытовавшие тогда народные и придворные танцы.

Реформа балетного театра, связанная с деятельностью балетмейстера Ж.Ж. Новера, утвердила активную роль музыки как «программы, определяющей движения и действия танцоров».

Новый этап в развитии балетного искусства ознаменовало творчество П.И. Чайковского, который создал и утвердил основы музыкально-хореографической драматургии, открывшие широчайшие перспективы для развития балетного искусства. С симфонической музыкой Чайковского в русский балет пришла реалистичность образов, психологическая углубленность характеров, драматическая страстность человеческих чувств. Они нашли своё воплощение в балетах П.И. Чайковского «Спящая красавица», «Лебединое озеро», «Щелкунчик».

В балете взаимодействуют несколько видов танца: классический, характерный, ритмопластический, современный. Классический танец - это главная «пластическая речь» в балете. Развиваясь в течение длительного времени, он приобрёл точные, узаконенные формы, стал стройной системой, сложившейся на основе элементов народных танцев и танцев различных эпох: античности, Возрождения и др. В XVII веке во Франции

была разработана терминология классического танца, принятая повсеместно и в настоящее время.

Характерный танец построен в значительной мере на народной хореографии. Его значение особенно возросло в современном балете, где наряду с классическим танцем он служит для создания ярких реалистических образов.

В современном балете, наряду с классическими танцевальными элементами, широко применяются движения, заимствованные из гимнастики и акробатики. Употребленные уместно и тактично, они чрезвычайно обогащают старинное искусство, омолаживают его, делают современным.

Сольные танцы называются в балете вариациями. Подобно оперной арии, балетная вариация словно бы рисует портрет героя, помогает понять его характер.

Кроме солистов, в балете принимает участие и большая группа артистов, которая называется кордебалет. Роль кордебалета аналогична роли хора в опере. Танцы кордебалета оттеняют действие, вносят в него разнообразие.

Составной частью балета является пантомима. Греческое слово пантомима означает «всё воспроизводящий подражанием». Это движения, жесты, которыми актеры как бы разговаривают друг с другом. При помощи пантомимы передается собственно содержание спектакля, развитие его сюжета.

Первые белорусские балеты - «Соловей» М. Крошнера и «Князь- озеро» В. Золоторева.

Во второй половине двадцатого столетия в развитии белорусского балета особенно значима роль Г. Вагнера («Подставная невеста», «Свет и тени», «После бала»), Е. Глебова («Альпийская баллада», «Маленький принц» и др.), С. Кортеса («Последний инка»), А. Мдивани («Страсти»),

ojee>ttt£>n

* \ Jts'/yj-'f