5317

201

Наиболее радикальным художественным течением, достигшим своего апогея в 1907-1914 годах, стал кубизм. Сам термин произошел от выражения одного из критиков того времени, назвавшего новые произведения Брака и Пикассо, основоположников кубизма, «кубическими странностями». На становление кубизма повлияла популярная в то время африканская скульптура, свободно обращавшаяся с формой: голова статуи могла быть больше тела, и при этом фигура выглядела очень выразительно. Другим толчком к появлению кубизма послужили слова постимпрессиониста Поля Сезанна: «трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса…». Художники кубисты пытались решить проблему разложения формы в излюбленных ими жанрах портрета, пейзажа, натюрморта. Видимый мир воспроизводился в живописной форме, но начисто отвергалась перспектива, предмет виделся с разных сторон одновременно. У кубистов двухмерные и трехмерные формы смешиваются в пространстве и создают сложную архитектуру линий и планов, в результате чего мотив, увиденный с бесконечного количества сторон, меняется до неузнаваемости. Живопись становится почти абстрактной, палитра – монохромной.

Признанный глава художественного авангарда Пабло Пикассо (полное имя Пабло Руис и Пикассо, 1881-1973), родился в Испании, городе Малаге, в семье преподавателя рисования. Художественная одаренность обнаружилась очень рано, что было отмечено и поддержано родителями. Пикассо вначале учился в Барселоне, в школе изящных искусств, а в 16 лет был принят в Академию художеств в Мадриде, где большую часть времени проводил в музее Прадо. В 1900 году он приехал в Париж, где открыл для себя великих импрессионистов. В 1901 году Пикассо впервые выставляет свои картины в галерее известного коллекционера и продавца картин Амбруаза Воллара. С 1901 по 1904 год продолжается «голубой период» в творчестве художника. Он отказывается от ярких красок, сосредоточив внимание на различных оттенках голубого цвета. Картины этого периода пронизаны чувством тоски и одиночества, отмечены даже некоторой болезненностью, характерной для рубежа веков, они отличаются манерным и холодным стилем, что подчеркивает их

202

трагичность. Таковы «Портрет поэта Сабартеса» (1901 г.), «Любительница абсента» (1902 г.), «Жизнь» (1903 г.) и другие.

Около 1905 года Пикассо вступил в свой «розовый» период, колорит стал более теплым, формы обрели мягкость очертаний, деталям стало уделяться больше внимания. П. Пикассо словно дает волю своему испанскому темпераменту: его излюбленными героями стали акробаты, актеры, гимнасты. Они написаны как будто спонтанно, без холодной расчетливости первого периода. Это «Семейство акробатов с обезьяной», «Девочка на шаре» (обе 1905 г.), «Туалет» (1906 г.). В эти годы он знакомится с Матиссом и усиленно изучает творчество Сезанна.

В1907 году Пабло Пикассо показал друзьям полотно «Авиньонские девицы», в котором он отверг иллюзорную трехмерность, перспективу, светотень. Поверхность картины – и фон и тела пяти обнаженных женщин

-была рассечена на геометрические сегменты. Выглядели «девицы» как грубо вытесанные древние идолы. Даже самые тонкие ценители и знатоки современного искусства не сразу приняли находки, сделанные Пикассо, который и в последующих картинах продолжал дробить предметы и фигуры на составные части, упрощая их до строгих геометрических форм кубов, конусов, полусфер, цилиндров, отчего большие цельные объемы распадались на множество мелких, как в «Портрете А. Воллара» (1910 г.).

В1912 году Пикассо занялся коллажем - «Ноты и гитара», который способствовал переходу от аналитического кубизма к синтетическому. Кубизм в его аналитическом варианте разлагал предмет на реальные элементы, абстрагируя его от действительности, а синтетический кубизм имел целью не абстрагировать объект от реальности путем его разложения на части, а скорее помочь идентифицировать его, устанавливая связи между разрозненными элементами. В коллаже клочки газет, обоев, нот уводили от чистой абстракции, восстанавливая, посредством букв, связь с конкретными вещами. Такие приемы Пикассо позже станет использовать в картинах, даже будет прибегать к более ярким краскам, чтобы через синтетическую форму восстановить связи между элементами и сделать их более узнаваемыми. Коллажи привели Пикассо к декоративности и наметили отход от кубизма, как в «Женщине, сидящей перед камином»

203

(1914 г.). Художник вырабатывает новый стиль, вернувшись к классическому способу изображения. Женщины, которых он писал в это время, кажутся колоссальными по пропорциям, а складки их туник напоминают каннелюры античных колонн – «Три женщины у источника» (1921 г.). Пикассо стал уделять больше внимания моделировке объемов, хотя часто обращался и к плоскостным композициям, лишенным какихлибо пластических эффектов.

В 1922 году Пикассо сблизился с сюрреалистами, и их методы тоже долгое время влияли на его живопись, что проявилось в таких картинах, как «Танец» (1925 г.). Путешествуя по Испании, в 1934 году Пикассо увлекся искусством гравюры и создал целую серию «Минотавромахия», исполненную в 1935 году и отражавшую события, предшествующие Гражданской войне в Испании. Пикассо с самого начала этой войны был на стороне антифашистов республиканцев, и его знаменитое полотно «Герника» (1937 г.) выражает его отношение к режиму генерала Франко (см. приложение рис. 22).

Поводом для написания «Герники» послужило разрушение Герники – испанского города в Стране басков в базарный день 26 апреля 1937 года. Средь бела дня фашистская авиация обрушила на беззащитный город сотни бомб. Из 7000 горожан 1654 были убиты и 889 ранены. Картина построена как триптих – центральное изображение обрамлено двумя створками. Это светская, а не церковная живопись, но содержащаяся в них сила эмоционального воздействия позволяет критикам сравнивать ее с алтарной живописью.

Сдержанный колорит отвечает сюжету картины, в которой множество воздетых к небу рук, словно пытающихся остановить летящие с неба бомбы. Среди сложных кубических фигур «Герники» образ матери, с рук которой безжизненно свешивается мертвое тело дитя, ближе всего к традиционной живописи. Вопль матери показан в виде языка, напоминающего кинжал или осколок стекла, похожие осколки рассеяны по всей картине. Бык в картине является олицетворением тупой жестокости, а конь, по признанию автора, представляет народ. Язык коня, как и у матери с младенцем, - запечатленный крик отчаяния, а лампочка над

204

головой коня напоминает изображения всевидящего ока Божьего, но даже ее свет кажется воплем ужаса. Две женщины смотрят на раненого коня со страхом и скорбью. По смыслу и чувству эта сцена напоминает изображение распятого Христа в присутствии трех Марий. Очевидно, Пикассо искал свой, современный способ поведать о человеческом страдании, не прибегая к явной христианской символике. На переднем плане слева изображена отсеченная голова, в центре – оторванная рука, символы дикости и бессмысленности войны. Внизу картины – изображение цветка, который, вероятно, можно истолковать как символ надежды на то, что жизнь все равно восторжествует, как бы война ни пыталась ее уничтожить. Ужас, пронизывающий хаотическую картину бомбежки, особенно силен рядом с трогательной нежностью цветка. В этой композиции, как и в других, созданных в 30-40-е годы, у художника чередовались сюрреалистические видения с абстрактными изображениями. По мнению исследователей творчества Пикассо, эта способность работать одновременно в разных и во многом противоположных по характеру стилях являлась проявлением его гениальности.

В последние годы Пикассо стремился к большему единству стиля, его искусство обрело более устойчивые формы, например, в серии «Художник и модель» (1940-е –1950-е годы). Он открыл для себя керамику, занимался скульптурой, рисунком и гравюрой. Его палитра под воздействием окружающей «средиземноморской» природы, где он жил в замке Гримальди, ставшем при жизни Пикассо его музеем, стала более яркой и темпераментной. Примером позднего творчества может служить картина 1965 года – «Гитарист». До конца жизни великий мастер сумел остаться нонконформистом, настоящим первопроходцем, вобравшим в себя целую эпоху современного искусства.

Новые течения в искусстве нередко заявляют о своем появлении публикацией художественных программ и, как правило, всячески ниспровергают предшествующие «открытия». В громкости подобных заявлений не было равных представителям футуризма (от лат.futurum – «будущее»). Определяющим признаком искусства будущего стало прославление машин, индустриализации, урбанистической цивилизации

205

через динамику движения. Передавая движение, итальянские художники, именно они стали проповедовать футуристическую живопись во главе с поэтом Томмазо Маринетти (1876-1944), стали разбивать и фиксировать этапы ходьбы, бега, жеста, а потом, как в мультипликации, совмещали все эти элементы, показывая фазы движения одновременно. В их манере членить объемы заметно влияние кубистической живописи, которую они упрекали за «застылость». Подчас разложение движения доводит изображение до абстракции, как, например, в циклах Джакомо Баллы (1871-1958) «Скорость-пейзаж» (1912 г.), «Линия-Скорость-Вихрь»

(1914 г.).

В модернизм входили еще такие течения, как неопластцизм, дадаизм, метафизическая живопись и другие, среди которых наиболее известным считается течение сюрреализма.

Слово cюрреализм (франц. surrealisme - «сверхреальность») уже давно превратилось в общеупотребительное понятие, которым обозначают все странно сочетаемое, удивительное, фантастическое, оторванное от реальности. Как художественное течение сюрреализм провозгласил источником искусства сферу подсознательного (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом – разрыв логических связей, замененных субъективными ассоциациями. «Сюрреализм как выражение нетрадиционных субъективных взглядов существовал в изобразительном искусстве всегда. Голландский живописец фантастического мира Иероним Босх, английский художник и поэт Уильям Блейк, немецкий живописец Каспар Давид Фридрих с их странными, таинственными пейзажами и героями – все они были неустанными исследователями ирреальных миров». (Швинглхурст Э. Сюрреалисты. М., 1998. С.24).

Как школа изобразительного искусства сюрреализм возник в Париже в 1924 году. Его основатели – поэт Андре Бретон и художник Андре Массон считали, что традиционной западной культуре больше нечего предложить миру, поэтому необходим полный разрыв с этой культурой. Их умозаключения были подтверждены философией Анри Бергсона, заявившего, что суть явлений можно постичь лишь интуитивно, а также теорией Зигмунда Фрейда о бессознательном, как важнейшей сфере

206

человеческой психики, о значении сновидений для понимания поступков человека. Отличительной особенностью многих полотен сюрреалистов стали реальные, подчас доходящие до натурализма изображения персонажей и их окружения, но в фантастических, бредовых сочетаниях, такие приемы называли «обман зрения» или «обманка». Такова скандальная работа М.Эрнста «Дева наказывает Иисуса в присутствии А.Б., П.Е. и художника» (1926 г.), таковы многие картины Ива Танги, Рене Магритта, Хоана Миро и других, примкнувших к этому течению мастеров. Символом течения сюрреализма стало творчество испанского художника

Сальвадора Дали (1904-1989).

Сальвадор Дали – универсальный мастер: живописец, скульптор, писатель, поэт и сценарист – родился в городе Фигерас, на северо-востоке Испании, в семье нотариуса. Он рано начал рисовать, и первые работы выставил в родном городе в 1918 году. Поступив в 1922 году в Мадридскую Королевскую академию изящных искусств, Дали сблизился с поэтом Федерико Гарсиа Лоркой и будущим знаменитым режиссером Луисом Бунюэлем. Из академии Дали был исключен за экстравагантное поведение, но в 1926 году состоялась его персональная выставка в Барселоне. К этому времени он съездил в Париж, познакомился с Пабло Пикассо и его работы привлекли внимание в парижских художественных

Элюаром и Андре Бретоном в то время, когда сюрреализм уже переживал кризис, тем не менее художник присоединился к этой группе, и его имя стало олицетворением сюрреализма. В 1929 году Сальвадор Дали соединил свою судьбу с Еленой Дьяконовой (бывшей женой Поля Элюара), прозванной Гала (по-французски - «праздник»), и отныне Гала будет музой Сальвадора Дали.

207

воображением. Свою манеру Дали называл «критически-параноической», а задачу видел в том, чтобы, следуя интуитивному прозрению, «заходить за реальность». Его творческий почерк окончательно определился к 30-м годам ХХ века.

Каждая из написанных картин становилась своеобразным интеллектуальным ребусом. На одном из самых известных полотен Дали - «Постоянство памяти» (1931 г.) – мягкие, словно расплавленные циферблаты часов свисают с голой ветки оливы, с непонятного происхождения кубической плиты, с некоего существа, похожего и на лицо человека, и на улитку без раковины. Каждую деталь можно рассматривать отдельно, а все вместе они создают магически загадочную

В 1936 году он пишет картину «Мягкая конструкция с вареной фасолью: предчувствие гражданской войны» (см. приложение рис. 23), которая по мрачности не уступает «Гернике» Пикассо, хотя здесь нет прямых ассоциаций с ужасами войны. Дали изобразил ужасную конструкцию из разлагающейся головы на костяной ноге с двумя

написанном ящике-шкафчике и размещается на фоне безжизненного, мертвого, сугубо сюрреалистического пейзажа. Бобы, по признанию Дали, символизировали хлеб, основную пищу большинства испанцев того времени. Пафос Гражданской войны в Испании 1937-1939 гг. изображен на другом полотне – «Осеннее каннибальство» (1937 г.): два существа, с отвращением и насмешкой, изящно пользуясь столовыми приборами, «питаются» друг другом. В этих и других картинах – «Пылающий жираф» (1936 г.), «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» (1944 г.) – четкая и продуманная композиция и колористика. Совмещение реальности и бредовой фантазии как бы конструировалось, а не рождалось вдруг, по воле случая.

208

В1940 году Дали на целых восемь лет обосновался в Америке, где много работал: сотрудничал с кинорежиссером Хичкоком, делал иллюстрации к книгам, декорации к балетам и спектаклям, рисовал и выставлял свои работы. В американский период написаны работы на религиозную тематику – «Искушение Святого Антония» (1946 г.), «Открытие Америки Кристофором Колумбом» (1959 г.) - эти и другие полотна создали ему славу «католического живописца». В то же время Дали написал «Атомную Леду» (1949 г.), «Христос Святого Иоанна Креста» (1951 г.) и другие, в которых есть отклик на научные открытия своего времени. В центре «Атомистического креста» (1952 г.), составленного из деталей атомного реактора, Дали написал ломоть хлеба – символ Тела Христова в таинстве причащения. Тем самым художник провозглашал возможность слияния научных открытий с религиозными истинами.

После войны в 1948 году Сальвадор Дали вернулся в Испанию, в родной город Фигерас, где сотворил свой Театр-музей. Здесь выставлены не только картины, но и «Дождливое такси» (старый «кадиллак», в котором идет «дождь», если опустить монету), розовая софа в форме губ американской актрисы Мей Уэст и другие знаменитые экспонаты. После смерти его музы – Галы в 1982 году художник, переживший ее на семь лет, жил затворником, творчество его практически прекратилось.

После разрушений, оставленных Второй мировой войной, главным в развитии мирового искусства второй половины XX века стало градостроительство, что дало возможность архитекторам воплотить в жизнь принципиально новый тип города. Господствующее направление архитектуры того времени назвали новым барокко, в котором криволинейные линии и конструкции были заимствованы у самой природы. Так был построен в 1960-х годах Аэровокзал компании NWA в Нью-Йорке, по форме напоминающий ската.

Вконце 60-х – 90-е годы подверглись сомнению традиции современной архитектуры с ее идеалами порядка и функционализма. Новая концепция строительного искусства получила название постмодернизма (от лат. post - «после»). Архитекторы-постмодернисты

декоративности. Их здания и ансамбли – причудливое сочетание разнородных форм. Часто в них воспроизводятся мотивы античноренессансного зодчества, но без музейного почитания, а с игривой иронией или даже в окарикатуренном виде. Иногда архитектура прячется от зрителей за зеркальной облицовкой («здания-призраки»), иногда «украшаются» вынесенными наружу трубами и проводами технических коммуникаций. К таким сооружениям относят Шанхайский банк, построенный архитектором Н. Фостером в Гонконге (ныне Сянган) в 19811984 годах; конторское здание «Ковчег» в Лондоне (архитектор Р.Эрскин, (1989-1992 гг.), аэровокзал аэропорта Кансай (Япония),

построенный в 1991-1994 годах, - архитектор Р. Пиано. Во всех этих архитектурных сооружениях проявилось основное качество искусства постмодернизма – его «всеядность», стремление объединить разнородные художественные течения. Сочетая в себе античный эллинизм, маньеризм XVI века и эклектизм ХIХ, постмодерн завершает собой культуру яркой и бурной эпохи ХХ века, суммируя его достижения и подводя итоги.

Звездным часом постмодернистской живописи и скульптуры стало начало 80-х годов, когда прошли программные выставки в Базеле (1980 г.) и Амстердаме (1980-1981 гг.). Их участники, художники разных национальностей, называли себя постклассицистами, гиперманье-

ристами, нетрадиционалистами, постреалистами и т.д.

Постмодернистской живописной стилизации доступно все наследие мирового искусства – от первобытных орнаментов (А.Р. Пэнк «Куда

академической техникой, вовлекают зрителя в затейливую игру. Язык старых мастеров превращается в своеобразную тайнопись, адресованную среднеобразованному зрителю. Так, например, у С. Робертса в «Жаннет» (1984 г.) можно найти черты голландской школы XVII века, а у Э. Шмидта в «Фигурах в лесу» (1985 г.) – следы манеры Никола Пуссена и т.п. Не менее занятно бывает узнать в персонажах псевдоисторических

210

композиций своих современников, как в картине М. Тэнси «Триумф ньюйоркской школы» (1986 г.), где американские художники изображены в генеральских мундирах, принимающими капитуляцию своих европейских коллег.

Зритель не сразу понимает, что попадает в пеструю стихию карнавала, где реальное переплетается с вымышленным, прошлое - с настоящим, а низменное - с возвышенным. Часто постмодернисты стремятся возродить классическую цельность мироощущения: обращаясь к вечности, пользуясь живописным языком авангарда, они воплощают в красках современные варианты мифа о Вселенной. Таковы тревожные и трепетные композиции итальянцев Сандро Киа «Голубой грот» (1980 г.) и Энцо Кукки «Без

выставлял свои картины перевернутыми вверх ногами («Семейный портрет», 1985 г. и «Мельница горит», 1988 г.).

Постмодернистские поиски были продолжены концептуалистами, процессуалистами и другими разностилевыми направлениями, существующими в западном искусстве до сегодняшнего дня, в которых процесс творчества становится важнее, чем результат.

Контрольные вопросы и задания

1.В чем заключается техника письма импрессионистов?

2.Какое место в истории импрессионизма занимает Клод Моне?

3.Почему Ренуара называют «живописцем счастья»?

4.Чем отличается живопись импрессионизма от постимпрессионизма?

5.Назовите самые известные картины Винсента ван Гога и Поля Гогена.

6.Всмотритесь в изображение «Саграда Фамилиа» Антонио Гауди и найдите приметы эклектизма в модерне.

современности, которые относят к постмодернизму.