45 Билет. Пластика скульптур о. Родена. Пуантилизм п. Синьяка.

Франсуа Огюст Рене Роден— французский скульптор, считающийся одним из создателей современной скульптуры. Главным мотивом на протяжении творческого пути Родена было изображение человеческого тела в движении. Стремясь передать движение, Роден рассматривал будущую скульптуру не как статичный объект, а как некоторый центр движущихся масс, поэтому в замысле скульптуры у него особое место занимал торс как смысловой центр движения. В то время как академическая традиция диктовала, что голова скульптуры должна располагаться прямо или выравниваться по линии опорной ноги, Роден, работая над «Иоанном Крестителем», поместил голову скульптуры посередине между двумя ногами. Пожертвовав анатомической достоверностью, скульптор добился создания иллюзии движения. Роден часто нанимал натурщиков для того, чтобы они отрабатывали определённые движения или просто ходили перед ним обнажёнными, и в это время рисовал или делал наброски из глины. И напротив, он не работал с профессиональными натурщиками, которые просто воспроизводили традиционные позы античных статуй.

Ещё одной особенностью скульптуры Родена является её эмоциональность. Герои Родена охвачены сильными эмоциями — любовью, болью, отчаянием, и Роден добивался убедительного отображения этих состояний, не прибегая к устоявшимся во французской скульптуре приёмам, к тому моменту ставшим своего рода скульптурными клише. По словам самого скульптора, на его работы надо смотреть сквозь слёзы эмоций.Так, страсть мужчины в «Поцелуе» видна во всём его теле: в напряжённой спине, в руках, вплоть до пальцев ног, впившихся в мраморный постамент. Одним из излюбленных методов Родена была работа с профилями. Он ставил натурщика так, чтобы был отчётливо виден его профиль, и затем воспроизводил этот силуэт на глиняной модели. Затем Роден менял угол зрения, получая новый силуэт и снова воспроизводя его. Таким образом он постепенно создавал всю скульптуру.

Роден воспринимал скульптуру не как завершённый объект, а как произведение, которое может и должно меняться вслед за автором; для него не существовало такой категории, как законченность или совершенство; он мог работать над одной и той же скульптурой годы, многократно её переделывая. По этой же причине он мог выставлять этюды или незавершённые работы. Сам Роден не относил себя к какому-либо течению. Корни его творчества лежали в реализме и романтизме. Роден был близок со многими французскими импрессионистами, а одним из повлиявших на него скульпторов был его современник Медардо Россо, стремившийся перенести открытия импрессионистов в скульптуру. В то же время от современников-живописцев Родена отличало тяготение к символичности образов и вневременным сюжетам.

СИНЬЯК Поль (1863-1935) - французский живописец, график, теоретик искусства, общественный деятель, один из основоположников неоимпрессионизма. Творческая манера сформировалась в основном под влиянием творчества импрессионистов, в особенности К.Моне . После знакомства с Ж.Сёра с увлечением изучает научные работы Э.Шеврейля, Г.Л.Ф.Гельмгольца и др., посвященные закономерностям взаимоотношений света и цвета. Удостоверившись на практике, что звучание цвета усиливается, если краски не смешивать на палитре, а наносить их на холст мелкими мазками, П.Синьяк начинает писать раздельными точками чистого цвета и становится активным пропагандистом и теоретиком нового художественного метода - дивизионизма, или пуантилизма. Историю создания новой манеры живописи Синьяк изложил в книге «От Эжена Делакруа к неоимпрессионизму», выпущенной в свет в 1899 году.

Главное место среди пейзажных работ П.Синьяка занимают марины с изображением средиземноморского побережья Франции.

Билет 46. Что такое культура Модернизма? Художник Гюстав Климт. Что такое искусство Фовизма? Художники М. Вламинк, М. Марке, А. Матисс, А. Дерен.

Модернизм. обозначает всю совокупность художественных течений, школ и направлений начала XX века, выразивших отход от культурных ценностей XVIII—XIX веков и провозгласивших новые подходы и ценности. Модернизм (авангардизм) связан с отходом культуры от реализма, с провозглашением независимости искусства от действительности. Выступления художников-модернистов принимали зачастую форму анархического эстетического бунта против установившихся традиций и канонов в искусстве. Авангард обозначал идущих впереди всех, т. е. экспериментирующих с художественным материалом, создающих новые, ни на что не похожие стиль, язык, содержание в изобразительном искусстве.

Густав Климт — австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело.

Климт в 1897 году стал одним из основателей и президентом Венского сецессиона и журнала «Ver Sacrum» (Весна Священная), издаваемого группой. Он оставался в группе до 1908 года. Изначально целями Сецессиона были устройство выставок для молодых художников, пишущих в необычном стиле, привлечение лучших работ зарубежных художников в Вену, и популяризация работ членов группы путём издания журнала[3]. У группы не было манифеста, и она не пыталась выработать единый стиль: в ней сосуществовали натуралисты, реалисты и символистыС начала 1890-х годов Климт ежегодно отдыхал вместе с семьёй Флёге на озере Аттерзе и написал там множество пейзажей. Пейзажный жанр был единственной нефигуративной живописью, интересовавшей Климта. По стилю пейзажи Климта похожи на его изображения фигур, они содержат те же элементы дизайна. В 1894 году Климт получил заказ на создание трёх картин для украшения потолка главного здания Венского университета. Картины «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция» были закончены к 1900 году. Их резко критиковали за тематику, которую называли «порнографической». Климт преобразил традиционные аллегории и символы в новый язык, с большим ударением на эротику, и потому более раздражающий консервативных зрителей. Недовольство высказывали все круги — политические, эстетические и религиозные. В результате картины не были выставлены в главном здании университета. Это был последний публичный заказ, который художник согласился выполнить. «Золотой период» творчества Климта отмечен позитивной реакцией критики и является самым успешным для Климта. Название периода происходит от позолоты, использованной в многих работах художника, начиная с «Дворца Афины» (1898) и «Юдифи» (1901), но наиболее известной его работой этого периода является «Поцелуй» (1907—1908). Золотой фон и символика, близкая византийской, восходят к мозаикам Венеции и Равенны, увиденным Климтом во время путешествия по Италии. В это же время он увлёкся декоративным искусством в стиле ар-нуво. В 1904 году он с группой художников получил заказ на отделку дворца Стокле, принадлежащего бельгийскому промышленнику и ставшему одним из известнейших памятников ар-нуво.

Фовизм (от фр. fauve — дикий) — направление во французской живописи конца XIX — начала XX века.

Название закрепилось за группой художников, чьи полотна были представлены на осеннем салоне 1905 года. Картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и французский критик Луи Восель назвал этих живописцев дикими зверями (фр. les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание закрепилось как название всего течения. Сами же художники никогда не признавали над собой данного эпитета. Лидерами направления можно назвать Анри Матисса и Андре Дерена. К отличительным чертам -динамичность мазка, стихийность, стремление к эмоциональной силе. Силу художественного выражения создавал яркий колорит, чистота и резкость, контрастность цветов, интенсивно открытые локальные цвета, сопоставление контрастных хроматических плоскостей. Дополняет образ острота ритма. Для фовизма характерно резкое обобщение пространства, объема и всего рисунка, сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы.

Анри Матисс (1869–1954), выдающийся французский художник. Родился 31 декабря 1869 в Ле-Като на севере Франции. В 1892 приехал в Париж, где учился в Академии Жюлиана, а позже у Гюстава Моро. Поиски непосредственной передачи ощущений при помощи интенсивного цвета, упрощенного рисунка и плоскостного изображения отразились в произведениях, представленных им на выставке «диких» (фовистов) на Осеннем Салоне 1905. В Салоне он выставляет ряд работ, и среди них «Женщину в зеленой шляпе». В панно «Танец» (1910, Эрмитаж) представлен экстатический танец, навеянный впечатлениями от русских сезонов С. Дягилева, выступлений Айседоры Дункан и греческой вазовой живописи. В «Музыке» Матисс представляет изолированные фигуры, поющие и играющие на различных инструментах. Под влиянием живописи О. Ренуара, с которым Матисс знакомится в Ницце, он увлекается изображением натурщиц в легких одеяниях (цикл «одалисок»); интересуется мастерами рококо. В процессе создания эскизов Матисс начал использовать технику вырезок из цветной бумаги («декупаж»), которой широко пользовался в дальнейшем (например, в серии «Джаз», 1944-47, воспроизведенной впоследствии в литографиях). Мир Матисса — это мир танцев и пасторалей, музыки и музыкальных инструментов, красивых ваз, сочных плодов и оранжерейных растений, разнообразных сосудов, ковров и пестрых тканей, бронзовых статуэток и бесконечных видов из окна (любимый мотив художника). Стиль его отличается гибкостью линий, то прерывистых, то округлых, передающих разнообразные силуэты и очертания, четко ритмизирующих его строго продуманные, большей частью уравновешенные композиции.Лаконизм рафинированных художественных средств, колористических гармоний, сочетающих то яркие контрастные созвучия, то равновесие локальных больших пятен и масс цвета, служат главной цели художника — передать наслаждение от чувственной красоты внешних форм.

ВЛАМИ́НК Морис де -французский живописец. Представитель фовизма. Специального образования не получил, в 1893 начал самостоятельно заниматься живописью. Вместе с Руо, Мангеном, Пюи, Комуэном, Дереном организовал так называемую «школу Шату». Вламинк хотел совершить переворот «в нравах и обычной жизни»Выработал собственный стиль, отличавшийся упрощенной геометризованной трактовкой предметов, тонкими градациями света и использованием ярких контрастных цветов. Его называли «самым диким из диких». На осеннем салоне 1905 выставил восемь своих полотен. Картина «Красные деревья» (1906) принесла ему известность. Был дружен с Пикассо. В ряде работ проявился его интерес к кубизму. В 1908 под влиянием Сезанна изменил манеру письма. Несмотря на духовный кризис художника, связанный с началом Первой мировой войны и разрывом с Дереном, его выставка в 1919 прошла с большим успехом. В произведениях 1920–1930-х годов подчеркивал контраст света и тени, создавая динамичные, эмоциональные картины в жанре пейзажа и натюрморта, отражавшие его увлеченность природой. Эти работы стали относить к французскому экспрессионизму, неоромантизму и неогуманизму.

Дерен Андре — французский живописец, один из основателей фовизма. Заниматься живописью начал в Шату в 1895 г., его учителем был местный художник. Большое влияние на формирование художественного стиля Дерена оказало искусство В. Ван Гога, П. Сезанна и П. Гогена. В 1900 г. он познакомился с М. Вламинком. Вдвоем они работали в окрестностях Шату, создавая пейзажи, отмеченные чертами фовизма. В 1905 г. вместе с Матиссом Дерен совершает поездку на юг Франции, в Коллиур. Природа Коллиура и, особенно, южное освещение произвели на художника неизгладимое впечатление. Под влиянием увиденного он создает очень яркие и красочные пейзажи. Чувство цвета, присущее Дерену, делает его живопись целостной и гармоничной. Красные мачты, пересекающие пространство залива, сочетаются с желто-зелеными оттенками травы в картине «Порт в Коллиуре» В 1907 г. состоялось знакомство Дерена с П. Пикассо и с художниками его окружения, что сильно повлияло на живописную манеру первого. Цветовая гамма становится сдержанной, а формы — простыми и лаконичными. Пейзажи и натюрморты художника близки произведениям П. Сезанна и ранних кубистов («Монтрёй-сюр-Мер. Гавань», 1910; «Роща», ок. 1912 — обе в Эрмитаже,

Альберт Марке был одним из немногих художников, которые, однажды увлекшись фовизмом, остались верны этому направлению искусства всю жизнь. Альбер Марке работал в различных жанрах - писал натюрморты, портреты, интерьеры, пейзажи. Но в первую очередь он являлся автором индустриальных пейзажей. Отличительной чертой работ художника является тот момент, что он любил выбирать высокую точку зрения.

Этот способ художник использовал для того, чтобы как можно больше охватить пространство, помогая художнику захватить и небо, причем Альбер Марке выделял для неба достаточно большую часть картины, в отличие от его художников-современников. Так же он часто пользуется резкими перспективными сокращениями. Это позволяло Марке уносить зрителя вглубь картины. В начале 20 века Альберт Марке обращается к фовистам и к их методам. Пейзажи этого времени очень колоритны, насыщены.

Билет 47. Что такое искусство Эксприссионизма? Художники Э. Кирхнер, Э. Нольде, К. Кольвиц, Э. Мунк, О. Дикс. Что такое Кубиз? Художники П. Пикассо, Ж. Брак, Ф. Леже.

Экспрессиони́зм (от лат. expressio, «выражение») — течение в европейском искусстве, получившее развитие примерно в начале 1905—1920 годов, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образов или эмоционального состояния самого художника. Экспрессионизм возник как реакция на острейший кризис первой четверти XX века, Первую мировую войну и последующие революционные движения, уродства современной буржуазной цивилизации, что вылилось в стремление к субъективному восприятию действительности и в стремление к иррациональности.

-угнетающ.впечатление

-больше внимания к повествованию,нежели к внешней красоте

-кричащие яркие краски,либо мрачные тона

-упрощенные формы.

Объединения: «Мост» « Синий всадник» «буря»

Эрнст Людвиг Кирхнер (1880-1938) – немецкий живописец и график, один из основоположников немецкого экспрессионизма. Большое влияние на ранее творчество художника оказали кртины Ван Гога. Это сказалось в его первых работах: «Женский профиль и подсолнухи» (1906), «Женщина в белом платье» (1908). В то же время он проявлял интерес к примитивному искусству народов Африки и Океании. Черты примитивизма заметны в его композициях: «Обнаженная перед зеркалом» и «Две девушки» (1910). Для этих работ характерно декоративное построение плоскостей, обрамленное стремительными темными линиями. Особенностями его стиля стали: отказ от изображения пространства, плоскостное изображение предметов и их деформация, резкие цветовые противопоставления, яркий колорит(«Автопортрет с натурщицей», Он пишет драматические пейзажи с судорожно скручивающимся в узел пространством. В них создается ощущение надвигающаяся катастрофа («Красная башня в Халле», 1915).

В живописных композициях художника чувствуется напряженность, тревога и безвыходность.

Эдвард Мунк (1863-1944) – норвежский живописец, гравер. В молодости сильно увлекся творчеством импрессионистов, но к началу 1890-х годов обрел свой индивидуальный стиль самовыражения. Размышления о смысле жизни, бренности человеческого существования привели мастера к написанию цикла «Фриз жизни». По словам живописца, он являл собой «поэму о жизни, любви и смерти». Продолжением этой темы стал другой цикл композиций – «Танец жизни»(1889-1890). Именно здесь раскрылась незаурядная способность Мунка в передаче психологического состояния персонажа. Для этого он разработал свои особенные приемы: резкие концентрические линии, отходящие от фигуры, контраст насыщенных цветов на общей сумрачной тональности картины, гибкие мазки, создающие единый ритм. («Ревность», 1895; «Дикий красный виноград»,)В 1913-1916 годах Мунк работает в стиле немецкого экспрессионизма, показывая простых людей, их отчаяние и безнадежность будущего («Рабочие возвращаются домой», 1913-1915; «Человек на капустном поле», 1916).

В своих поздних произведениях Мунк возвращается к основной своей теме – «жизнь, любовь, смерть», используя символические персонажи («Звездная ночь»,).

Эмиль Нольде (1867-1956) – немецкий живописец, график, представитель экспрессионизма. Он был художником одиночкой, избегал каких-либо группировок, но в 1906 -1907 годах, все таки, сблизился с объединением «Мост».

Для живописи Нольде характерны интенсивные цвета, резкие грубо фактурные массы, наполненные эмоциями композиции. Главным выразительным средством художник сделал цвет, идущий из глубины картины, показывающий переживания его души. В этом смысле интересны пейзажи художника («Сад у Бурхарда», 1907; «Сад цветов», 1908). Главной целью Нольде считал показать внутреннее восприятие художником окружающего мира.

В своем творчестве он уделил внимание теме большого города. На его полотнах город предстает таинственным, необычным, превращается в фантосмагорию.(«В ночном кафе», 1911; «За столом с вином, 1911). В своем творчестве Нольде никогда не обращался к портрету, образы людей в его композициях всегда собирательные, аллегоричные, они существуют вне времени и пространства.

Отто Дикс (1891-1969) – немецкий художник экспрессионист. Практически в то же время он пишет серию картин о войне. Наиболее яркой его экспрессионисткой работой явилась картина «Окоп». Картина устрашала, она показывала реальные кошмары войны. На ней изображен покинутый окоп, разбитые бревна, смесь глины и разорванных тел. На фоне неба на колючей проволоке висит тело убитого солдата. Впервые это полотно было выставлено в 1929 году, а в 1933 году - уничтожено нацистами. К счастью сохранились его фотографии. Исследователи считают, что именно в этой работе Отто Дикс достиг высот экспрессивной выразительности.

Такие же сильные впечатления производит на зрителя серия офортов «Война» (1923), Даже в композициях, не имеющих отношения к войне, чувствуется сострадание и боль художника за обездоленных людей («Продавец спичек», 1926).

Триптих «Больной город» (1927-1928) разоблачает городскую псевдо культуру, гнусность окружающей действительности. Безнадежность, неверие в возможность изменить жизнь звучат и в его поздних работах, хотя сила изображенных образов уже более приглушенная.

Откровенность и предельная правдивость – отличительные черты творчества Отто Дикса.

КОЛЬВИЦ, КЕТЕ (Kollwitz, Käthe) (1867–1945), немецкая художница. Кете Кольвиц известна своими литографиями и офортами, изображающими рабочих, матерей с детьми, людей, страдающих от голода, холода, нищеты и войны. Во время Первой мировой войны художница потеряла сына; все ее творчество окрашено в мрачные трагические тона.

Куби́зм (фр. Cubisme) — авангардистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Па́бло Пика́ссо— испанский художник, скульптор, график. Основоположник кубизма (совместно с Жоржем Браком и Хуаном Грис), в котором трёхплоскостное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещённых воедино плоскостей. В "кубическом" периоде Пикассо выделяют несколько этапов. "Сезанновский" кубизм, представленный в работах "Бидон и миски" (1908), "Три женщины" (1908), "Женщина с веером" (1909) и других, характеризуется "сезанновскими" тонами - охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм, из которых строится изображение. "Аналитический" кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте. "Портрет Амбруаза Воллара" (1910), "Завод в Хорта де Сан Хуан" (1909), "Портрет Фернанды Оливье" (1909), На этапе "синтетического" кубизма работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, Работы "синтетического" периода: "Натюрморт с плетеным стулом" (1911-1912), Бутылка перно (столик в кафе)" (1912) "Скрипка м гитара" (1913).

Жорж Брак— французский художник, график. Был близок к фовизму, испытал влияние Матисса и Дерена. работал вместе с Пикассо над теоретическим обоснованием кубизма и стал одним из основателей этого течения. Картины Брака в 1908—1913 начали отражать его новый интерес к геометрии и перспективе. Он интенсивно изучает эффекты света и перспективы. В картине «Дом в Эстаке» , Брак сводит архитектурную структуру в геометрическую форму, приближенную к кубу. Но он вынес затенения так, чтобы она выглядела плоской и трехмерной. Таким образом, Брак обратил внимание на саму природу зрительных иллюзий и художественные представления. Начиная с 1909 года Брак начал работать в тесном сотрудничестве с Пабло Пикассо, который развивался с аналогичным подходом к живописи. В то время Пикассо находился под влиянием Гогена, Сезанна, масок африканских племен и иберийской скульптуры, а Брак в основном был заинтересован в развитии идеи Сезанна — множества перспективных точек зрения.

Фернан Леже́— французский живописец и скульптор. В 1910 он познакомился с П.Пикассо и Ж.Браком. Свои первые полотна Леже писал под влиянием живописи П.Сезанна, в частности Свадьбу (1910), знаменитую Даму в голубом (1912) и серию Геометрические элементы (1913–1914). После Первой мировой войны Леже заинтересовался современными теориями движения и механики. Этот интерес выразился в создании таких произведений, как Город (1919), Механика (1920), Большой завтрак (другое название Три женщины, 1921) и Вокзал (1923). В них элементы человеческого тела напоминают формы труб, моторов, стержней и шестеренок.

Билет 48. Что такое искусство Футуризма? Художник А. Северини. Философия и психология искусства Сюрреализма? Художники М. Шагал, С. Дали, П. Клее, Ж. Миро

Футури́зм (лат. futurum — будущее) — общее название художественных авангардистских движений 1910-х — начала 1920-х годов. Само название подразумевает культ будущего и дискриминацию прошлого вместе с настоящим. Для футуризма характерны отказ от традиционной грамматики, право поэта на свою орфографию, словотворчество. Скорость. Ритм. Свои картины они посвящали поезду, автомобилю, самолётам Провозглашается пафос разрушения и взрыва. Главные художественные принципы — скорость, движение, энергия, которые некоторые футуристы пытались передать достаточно простыми приёмами. Для их живописи характерны энергические композиции, где фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, где преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали,скошенные конусы, где движение передаётся путём наложения последовательных фаз на одно изображение — так называемый принцип симультанности.

Джино Северини— итальянский художник, график и скульптор. представитель футуризма и кубизма в искусстве. главной темой произведений Северини была ночная жизнь большого города, в которых можно заметить признаки футуристического направления, выражающиеся в динамике и резкости изображения («Голубая танцовщица», 1912; Милан, частное собрание). Кроме того, особую роль у Северини играют цвет и «эффект мозаичного дробления» объектов окружающего мира[1].

Сюрреализм (франц. surréalisme, буквально — сверхреализм), авангардистское направление в художественной культуре 20в.

-подсознание,ассоциации,сны, фантастические видения

-психологич.анализ внутренних,состояний человека

-склонность к абсурду

Марк Заха́рович Шага́л— всемирно известный художник. Один из самых известных представителей художественного авангарда XX века. Ирреальные произведения (часто на фольклорные и библейские темы), отмеченные тонкой красочностью, выразительным живописным рисунком. характерно остросубъективное восприятие действительности, отражающее духовный кризис интеллигенции на Западе. Источник сюжетов большинства произведений Ш. — обстановка его детства, еврейский местечковый быт, сцены которого Ш. трактует в символическом и мистическом духе. Произведениям Ш. присуще алогичное расположение предметов в ирреальном пространстве, эскизность и неопределённость рисунка, фантастичность и яркость цветового строя.

Сальвадо́р Дали́— испанский живописец, график, скульптор, режиссёр, писатель. Один из самых известных представителей сюрреализма.

Видения художника предстают в его полотнах как кошмарная реальность. Свой художественный метод мастер называл «параноидально-критическим» (его обоснование содержится в книге Дали «Видимая женщина», 1920). В картинах, написанных в оптически иллюзорной манере, призванной убедить зрителя в достоверности изображённого, фигуры и предметы растягиваются (мягкие часы в картине «Постоянство памяти», 1931), растворяются, превращаются в другие (два пассажира в «Призрачной повозке», 1933, оказываются башнями далёкого города). С сер. 1930-х гг. Дали создавал сюрреалистические объекты («Телефон-омар», 1936; «Диван-губы», 1936—37, и др.).

Творчество Дали оказало значительное влияние на изобразительное искусство 20 в. Его идеи в области дизайна и рекламы остаются актуальными по сей день.

КЛЕЕ, ПАУЛЬ (1879–1940), швейцарский художник и график, Пауль Клее был одним из наиболее оригинальных и изобретательных художников 20 в. Кажется, что его образы возникли под влиянием чисто личных интуитивных впечатлений, а формы связаны с автоматическими, подсознательными ассоциациями и трактованы в явно нереалистической манере, хотя и редко достигают полной абстракции. Традиционные концепции пространства и рисунка заменяются построениями, напоминающими творчество детей или народный примитив (Пастораль, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Клее использует богатые и разнообразные оттенки. Как особенность его техники следует отметить чувственную, поэтическую и уравновешенную линию. Она столь спонтанна и гибка, что дает эффект свободной импровизации, однако всегда осмысленна и подчинена индивидуальному стилю автора (Маска страха, Нью-Йорк, коллекция Рус; Насмешка над насмешником,

Жоа́н Миро́-художник, скульптор и график. Близок к абстрактному искусству. Работы художника похожи на бессвязные детские рисунки и содержат фигуры, отдалённо похожие на реальные предметы. В 1924, в год выхода «Манифеста сюрреализма» Миро сближается с А. Бретоном, П. Элюаром, Л. Арагоном и другими участниками сюрреалистической группировки. Его первая сюрреалистическая картина -«Карнавал Арлекина» (1924-25, Буффало, Художественная галерея Олбрайт-Нокс), где текучие, невесомые существа произвольно меняют свою форму и положение в пространстве, уподобляясь колышущимся цветным теням или образам сновидений. Во второй половине 1920-х годов сложился словарь идеограмм Миро. В его составе можно выделить знаки, маркирующие пространство (условная линия горизонта, солнце и звезды в верхней части картины, волны или пучки растений — в нижней), и символы-посредники, или вестники, осуществляющие коммуникацию между двумя сферами: порхающая в воздухе птица, бегущий кролик, лестница, уходящая в небо, органы дистанционного восприятия — глаз и ухо, человеческая фигура со стопами, прилипшими к земле, и головой, спроецированной на фон неба («Персонаж, бросающий камень в птицу»,

Билет 49. Что такое искусство Абстракционизма? Художники В. Кандинский, К. Малевич, П. Мондриан. Как проявляется искусство Поп-арт? Художники М. Дюшан, Э. Уолхор. Что такое Китч? Наивное искусство А. Руссо, Н. Пиросманашвили

Абстракциони́зм (лат. abstractio — удаление, отвлечение). Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации, беспредметное искусство.

КАНДИНСКИЙ Василий Васильевич — русский художник, один из основоположников и главный теоретик абстрактного искусства. Художественно-эстетическая теория Кандинского сформировалась в атмосфере духовных, в частности теософских, антропософских и символистских исканий начала 20 в. Основные идеи его эстетики изложены в книгах “О духовном в искусстве”. Прекрасным в искусстве Кандинский считал все то, что “вызвано внутренней необходимостью”, что “совершенствует и обогащает душу”, возбуждает ее “вибрации”. Художник свободен в выборе форм и средств выражения. Сам Кандинский, обладавший обостренным художественным чувством цвета и формы, был увлечен перспективами гармонизации цветов, создания цвето-ритмических колористических симфоний, выражавших движение космических сил. Кандинский разрабатывал свою, во многом субъективную, теорию эстетической значимости цвета, формы, линии в живописи, особое внимание уделял синестезическому и символическому значению цвета; Кандинский полагал, что изображение реальных предметов, сильно воздействуя на психику зрителя самим подобием видимым формам, заглушает собственно эстетическое звучание цвета и формы. Наиболее известные работы : «восток», «москва», «колебание».

Казими́р Севери́нович Мале́вич— российский и советский художник-авангардист, педагог, теоретик искусства, философ. Основоположник супрематизма — направления в абстрактном искусстве. Весной 1915 возникли первые полотна абстрактного геометрического стиля, вскоре получившего наименование «супрематизм». Изобретенному направлению — регулярным геометрическим фигурам, написанным чистыми локальными цветами и погруженным в некую «белую бездну», где господствовали законы динамики и статики, — Малевич дал наименование «супрематизм»., что в переводе означало «превосходство», «главенство», «доминирование». На первом этапе существования новой художественной системы Малевич этим словом стремился зафиксировать главенство, доминирование цвета надо всеми остальными компонентами живописи. На выставке «О,10» в конце 1915 впервые показал 39 полотен под общим названием «Супрематизм живописи», в том числе самое знаменитое свое произведение — «Черный квадрат» Пронизанные внутренним движением асимметричные, но уравновешенные супрематические композиции рождались в результате сочетания самых простых, различных по величине и цвету геометрических фигур - треугольников, полос, прямоугольников, кругов.

Питер Корнелис (Пит) Мондриан— нидерландский художник, который одновременно с Кандинским и Малевичем положил начало абстрактной живописи. Его картины, представляющие собой сочетания прямоугольников и линий, являются примером наиболее строгой, бескомпромиссной геометрической абстракции в современной живописи. В 1912–1916 он строил композиции на основе свободно сконструированной и заполнявшей холст пространственной сетки. Его произведения оказали влияние на многих современных художников, таких, как Александр Колдер, Бен Николсон, Виктор Вазарели и Фриц Гларнер. Целый ряд направлений в современном искусстве, например минимализм и оп-арт, восходят к творчеству Мондриана и кружку «Де Стиль», так же, как и формы современной архитектуры, рекламы и печати.

Поп-а́рт— направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления. Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой. Поп-искусство обязательно использует стереотипы и символы. техника поп-арта была исключительно разнообразна: живопись и коллаж, проецирование на полотно фотографий и слайдов, опрыскивание с пульверизатора, комбинирование рисунка с кусками предметов.

Марсе́ль Дюша́н— французский и американский художник, теоретик искусства, стоявший у истоков дадаизма и сюрреализма. Творческое наследие относительно невелико, однако благодаря оригинальности своих идей Дюшан считается одной из самых влиятельных фигур в искусстве XX века. Его творчество оказало влияние на формирование таких направлений в искусстве второй половины XX века, как поп-арт, минимализм, концептуальное искусство. Через кубизм и футуризм пришел к произведениям, которые стали сенсационными ранними вехами концептуального искусства, представив в 1910-е гг. готовые бытовые объекты, напр., сушилку для бутылок. В 1915-23 создал знаменитый ассамбляж «Большое Стекло»), где на первый план выходит сама художественная мысль, концепция, которая доминирует над материалом, предстающая в нарочито вульгарной или абсурдной форме. Среди самых скандальных выходок Дюшана, направленных против общественного мнения и искусства вообще, – нарисованные на репродукции Моны Лизы усы и борода.

Э́нди Уо́рхол— американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом. работает художником-иллюстратором в журналах Vogue, Harper's Bazaar и других менее популярных изданиях. Помимо этого занимается оформлением витрин и плакатов.

Уже к 1950 году приходит успех после удачного оформления рекламы обувной компании. В 1962 году Энди создаёт картины «Зелёные бутылки кока-колы» и «Банки супа „Кэмпбелл“» Уорхол как фотограф и художник сотрудничает со звёздами кино: Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Джимом Моррисоном и Элвисом Пресли.

Китч (нем. Kitsch), кич — термин, обозначающий одно из явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. Особое распространение получил в различных формах стандартизованного бытового украшения. Как элемент массовой культуры — точка максимального отхода от элементарных эстетических ценностей и одновременно — одно из наиболее агрессивных проявлений тенденций примитивизации и опошления в популярном искусстве.Так как слово вошло в употребление в ответ на большой объём появившихся в XIX веке художественных работ, в которых эстетические качества были перепутаны с преувеличенной сентиментальностью или мелодраматичностью, китч наиболее близко ассоциируется с искусством сентиментальным, приторным .Часто говорят, что китч опирается только на повторение условностей и шаблонов и лишён творческого начала и подлинности, демонстрируемых истинным искусством.

Анри́ Руссо́— французский живописец-самоучка, один из самых известных представителей наивного искусства, или примитивизма. В творчестве Руссо соединились традиции народного искусства (лубок, ярмарочная афиша, трактирная вывеска) и элементы академической живописи. Ярким примером такого синтеза стал автопортрет, названный автором «Я, портрет-пейзаж» (1890), и композиция в духе салонной пасторали «Счастливый квартет» (1902).

Руссо работал в самых разных жанрах. Он писал портреты, бытовые сцены (семейные праздники), пейзажи с видами Парижа и его окрестностей, военные сражения и парады. Картины Руссо отличаются четкими контурами. Наивное искусство сочетает самобытную яркость образной фантазии, свежесть и искренность восприятия мира с отсутствием профессиональных навыков рисунка, живописи, композиции, перспективы, моделировки и др.

ПИРОСМАНАШВИЛИ НИКО (1862–1918), художник; самоучка, вошедший в число лучших мастеров мирового «наивного искусства». Часть его произведений составляют расписные вывески, другую часть – картины-панно для украшения интерьеров. В отличие от многих других мастеров «наивной живописи» (к примеру, А.Руссо), Пиросмани) не копировал образцы «высокого» искусства, но брал простые повседневные сюжеты и мотивы, изображая характерные городские и сельские типажи (Дворник, 1904; Продавец дров,) фигуры существуют у него как бы сами по себе, порождая чувство щемящего одиночества. Даже большие многофигурные сцены проникнуты этим отчуждением. Эффект отчуждения натуры от художественного образа усиливается «странным» колоритом, в целом достаточно строгим, порой даже мрачным, но внезапно вспыхивающим пестрыми пятнами.

Билет 50. Философия Постмодернизма? Скульптура и архитектура. Кино и театр. Массовое и элитарное искусство. Искусство и его зритель. Что представляет собой современный дизайн?

Постмодернизм (фр. postmodernisme — после модернизма[1]) — термин, обозначающий структурно сходные явления в мировой общественной жизни и культуре второй половины XX века[2]: он употребляется как для характеристики постнеклассического типа философствования, так и для комплекса стилей в художественном искусстве. Постмодерн — состояние современной культуры, включающее в себя пред-постнеклассическую философскую парадигму, до-постмодернистское искусство, а также массовую культуру этой эпохи. Применительно к искусству американский теоретик и архитектор Ч.Дженкс называет дату 15 июня 1972 года, считая ее одновременно и днем смерти авангарда, и днем рождения постмодернизма в архитектуре, поскольку в этот день в американском городе Сент-Луисе был взорван и снесен квартал, считавшийся подлинным воплощением идей авангардистского градостроительства. Постепенно постмодернизм утверждается во всех сферах культуры.

Культура постмодернизма формируется в условиях информационного (Е.Масуда), или постиндустриального (Д.Белл), или техногенного (З.Бжезинский) общества с конца 1960-х годов, когда модернизм полностью исчерпывает себя в плане поиска новых идей (философских, нравственных, политических), разрушения традиционной (классической) образности и создания абсолютно новых философии и искусства.

• «потребительский» характер современного общества (поскольку произошло насыщение рынка товарами, а затем услугами и информацией, доступными всем и расчитанными на любой уровень дохода, то потребление становится массовым и часто вытесняет остальные – прежде всего духовные - потребности современного человека, а для многих становится и смыслом жизни);

• * деидеологизация сознания (мировоззрение современного человека – скорее «софт-идеология»: мягкая, размытая, неопределенная, неустойчивая. В ней мирно уживается то, что раньше считалось несовместимым. Проявляется терпимое отношение к различным взглядам и ценностям. В обществе отсутствуют идеи прогресса и устойчивые идеологии).

• В это время и начинается процесс осмысления всех этих явлений (которые Лиотар характеризует как «ситуацию нестабильностей») в философии, получившей название «философия постмодернизма», т.к. и сама она обладает теми же признаками, которые пытается осмыслить. Впервые термин «постмодернизм» был употреблен Жаном-Франсуа Лиотаром (1924-1998) в 1979 году в значении «дух времени» - сегодняшний тип философствования, сознательно дистанцирующийся от классической и неклассической (модернистской) философии. Это постнеклассическая философия.

• В архитектуре и изобразительных искусствах 1970-1980 годов для постмодернизма характерно объединение в рамках одного произведения стилей, образных мотивов и художественных приемов, заимствованных из арсеналов разных эпох, регионов и субкультур. Для постмодернизма как художественного стиля характерны такие особенности, как сознательная ориентация на эклектичность, мозаичность, ироничность, игровой стиль, пародийное переосмысление традиций, неприятие деления искусства на элитарное и массовое, преодоление границы м.искусством и повседневной жизнью.

• Модернизм, разоблачая условный характер общепринятого языка как всего лишь сумму приемов, хочет дойти до смысла с помощью какого-то другого, более адекватного языка, а то и напрямую, интуитивно. Постмодернизм же, исходя из тех же посылок, объявляет о принципиальной невозможности обретения смысла и замыкается на стилизованном воспроизведении самых разных, но равно условных языков. В применении к кинематографу это означает, что если изначальный эффект достоверности фотографического воспроизведения реальности перевешивает условности монтажа и жанра (особенно, когда они намеренно сводятся до минимума, например, в неореализме), язык кино воспринимается как адекватный и прозрачный. Появившиеся на рубеже 70-80-х годов всевозможные «космические фантазии» и авантюрные эпопеи построены лишь на интересе к формальному повествованию и к трюкам, причем часто и то и другое подается в пародийном ключе («Роман с камнем» Р. Земекиса). Стилизаторский и пародийный подход к повествованию вызывает обильное цитирование и ассоциативные ссылки на другие фильмы, на классику жанра, в результате увеличивается количество новых фильмов на старые сюжеты (римейков). В криминальном жанре, в триллерах почти напрочь исчезает моральная оценка героев, поскольку они изначально заданы в пародийной перспективе, однако не настолько, чтобы не создавать напряжение (саспенс) «Настоящая любовь» Т. Скотта, «Криминальное чтиво» К. Тарантино ).

• Театр .В основе постмодернистского художественного мышления заложен принцип деконструкции, предполагающий конструирование произведения на границах различных эстетических систем и стилевых направлений. Этот формообразующий приём приводит к неизбежному размыканию традиционной структуры спектакля и превращению её в ризоматическую среду. Таким способом создаются пограничные зоны,- формирующие специфические постмодернистские гибриды - стилевые, жанровые, видовые. Деструкция мимесиса и принципа репрезентации (отражения реальности) приобретает плюральный и эклектичный характер, отличающийся от модернистского. К примеру, постмодернистская деконструкция классики отрицает саму идею соответствия первоисточнику, заменяя её принципом соотношений (коннотаций), игрой с культурным интертекстом. Поэтому требование верности оригиналу от спектакля, созданного в русле идей деконструкции, равносильно методологической ошибке.

• Архитекторы постмодернизма попытались внести в архитектуру еще и другие законы, кроме функционального соответствия и максимального упрощения основных форм - выдумку, фантазию, театральное игровое начало, сложные образные ассоциации. Еще одно качество, которое отличает архитектуру постмодернизма, особенно в европейских странах - это осознанное желание увязать новые постройки с историческим городским окружением, не испортив его новыми включениями, почувствовать городской контекст будущих построек. Иногда это направление постмодернизма называется контекстуализмом. Обращение к историческим формам в постмодернизме никогда не носит характера прямого цитирования, вместо этого появляется игра в намеки на прообразы, зашифрованная символика и сложные ассоциации. Гладкая стеклянная поверхность зданий не имела поэтажного горизонтального членения, выявленного снаружи, как это было в небоскребах Миса, а всем своим "телом" отражала небо и окружающее пространство, вступая с ним в иррациональное взаимодействие.

Элитарная культура — это высокая культура, противопоставляемая массовой культуре по типу воздействия на воспринимающее сознание, сохраняющего его субъективные особенности и обеспечивающего смыслообразующую функцию[1]. Ее основной идеал — формирование сознания, готового к активной преобразующей деятельности и творчеству в соответствии с объективными законами действительности. Данное понимание элитарной культуры, эксплицированное из подобного ее осознания как культуры высокой, концентрирующей духовный, интеллектуальный и художественный опыт поколений, представляется, по мнению российских культурологов, более точным и адекватным, чем понимание элитарного как авангардного. Субъектом элитарной, высокой культуры является личность — свободный, творческий человек, способный к осуществлению сознательной деятельности. Творения этой культуры всегда личностно окрашены и рассчитаны на личностное восприятие, вне зависимости от широты их аудитории, именно поэтому широкое распространение и миллионные тиражи произведений Толстого, Достоевского, Шекспира не только не снижают их значения, но, напротив, способствуют широкому распространению духовных ценностей[2]. В этом смысле субъект элитарной культуры является представителем элиты.

Вместе с тем предметы высокой культуры, сохраняющие свою форму — сюжет, композицию, музыкальную структуру, но изменяющие режим презентации и выступающие в виде тиражированной продукции, адаптированной, приспособленной к несвойственному для себя типу функционирования, как правило, переходят в разряд масскульта.

Массовая культура, культура большинства — культура, популярная и преобладающая среди широкого слоя населения в данном обществе. Она может включать в себя такие явления, как быт, развлечения (спорт, поп-музыка, массовая литература), средства массовой информации и т. п. Содержание массовой культуры обусловлено ежедневными происшествиями и событиями, стремлениями и потребностями, составляющими жизнь большинства населения (т. н. мейнстрима).

«Дизайн» в переводе с английского означает «замысел», «проект», «узор» («замышлять», «проектировать»). В более узком, профессиональном понимании дизайн означает проектно-художественную деятельность по разработке промышленных изделий с высокими потребительскими и эстетическими качествами, деятельность по организации комфортной для человека предметной среды - жилой, производственной, социально – культурной. [1, с.73] В эпоху Ренессанса в Италии существовало понятие «designo» - «проекты, рисунки, лежащие в основе работы, идеи». Сегодня дизайн - это комплексная междисциплинарная проектно-художественная деятельность, интегрирующая естественнонаучные, технические, гуманитарные знания, инженерное и художественное мышление, направленная на формирование на промышленной основе предметного мира в чрезвычайно обширной "зоне контакта" его с человеком во всех без исключения сферах жизнедеятельности. Центральной проблемой дизайна является создание культурно- и антропосообразного предметного мира, эстетически оцениваемого как гармоничный, целостный. Отсюда особая важность для дизайна - это использование наряду с инженерно-техническими и естественнонаучными знаниями средств гуманитарных дисциплин - философии, культурологии, социологии, психологии, семиотики и др. Все эти знания интегрируются в акте проектно-художественного моделирования предметного мира, опирающегося на образное, художественное мышление. Принцип функциональности и рациональности изначально лежат в основе философии дизайна и являются ведущими в современном дизайн - проектировании. Ориентированный на широкие слои потребителей, и, прежде всего, людей со средним достатком, дизайн формирует комфортную среду обитания, максимально эффективно используя пространство.