1 Искусство эпохи Возрождения в странах западной Европы.

Нидерланды.

Развитие культуры в Нидерландах XV-XVI вв. отличалось значительным своеобразием. Процессы, характерные и для других стран Западной Европы, осложнялись здесь резкими переменами в исторической обстановке, особенно чувствительными для культуры небольшого региона, неравномерностью утверждения нового в различных областях творчества, противоречивыми результатами взаимодействия национальных традиций и многообразных зарубежных культурных влияний.

Развитие гуманистических идей происходило под влиянием достаточно тесных связей с Италией и рядом других европейских стран и, что представляется весьма важным, под воздействием борьбы за национальную независимость. Крупнейшим представителем культуры Возрождения Нидерландов был Эразм Роттедамский (1469 - 1536). Большую популярность гуманисту принесли сатирические произведения "Похвала глупости" (1509), "Домашние беседы" и др., в которых высмеивались суеверия, схоластическое мировоззрение, сословная кичливость и прочие пороки. Сатира гуманиста способствовала воспитанию свободомыслия, стремлению к знаниям, развитию предприимчивости. Произведения мыслителя вышли далеко за пределы Нидерландов, оказав сильнейшее воздействие на гуманистический процесс в Германии, Франции, Испании, Англии. При этом идеи Эразма Роттердамского не носили резкого радикального характера, мыслитель скорее искал компромиссные решения достаточно острых религиозно-философских, социальных и политических проблем.

В условиях революционных десятилетий в Нидерландах гуманистическая литература по вполне понятным причинам приобрела более радикальный характер, о чём свидетельствует, к примеру, произведение Филиппа Альдехонде (1539 - 1598) "Улей святой римской церкви".

В XV в. Нидерланды стали средоточием одного из самых ярких в Европе проявлений "осени средневековья" - пышного расцвета при бургундских герцогах аристократически утонченной, основанной на рыцарских идеалах придворной культуры, уже затронутой холодом увядания и формализмом, перепевающей былые образцы. Одновременно, однако, в сфере живописи, начиная с творчества Яна ван Эйка (ок. 1390 - 1441), развиваются новаторские тенденции ренессансного типа.

Во второй половине XV-начале XVI в. происходит бурное развитие нидерландской школы музыки (нередко его характеризуют как эволюцию сменяющих друг друга трех поколений или школ). И лишь в конце XV-начале XVI в., уже под прямым влиянием итальянского гуманизма, процессы ренессансного обновления начинают захватывать в Нидерландах, как и в соседних Германии и Франции, широкий круг явлений культуры. При этом здесь особенно часто возникают разнообразные культурные сплавы старого и нового, сказывается значение двух линий в самой готической традиции - давно устоявшейся, чисто средневековой, и более поздней, уже несущей в себе элементы внутренней трансформации готики на новый лад. Сложные пути нидерландской культуры затрудняют периодизацию, общую для ее разных областей, но в целом первую и вторую половину XVI в. можно рассматривать как два основных этапа ее ренессансного развития.

Величайшие художники Нидерландов: Питер Брейгель (1525 - 1569), чье искусство национально по форме и содержанию, ярко отражает современную ему жизнь, Иероним Босх (ок. 1460 - 1516), Франс Халс (1581/1585 - 1666). Нидерланды стали родиной двух самостоятельных жанров живописи - натюрморта и пейзажа.

Наиболее замечательными художниками Европы XVII века были нидерландцы Питер Пауэл Рубенс (1577 - 1640) и Харменс Ван Рейн Рембрандт (1606 - 1669). В творчестве Рубенса приподнятость, патетика, бурное движение, декоративный блеск колорита неотделимы от чувственной красоты образов, точных наблюдений действительности ("Снятие с креста", "Союз Земли и Воды", Камеристка"). Творчество Рембрандта характеризуется глубоким психологизмом и исключительным мастерством живописи, основанным на эффектах светотени ("Святое семейство", "Даная", "Ночной дозор", "Ян Сикс").

Франция. Франция.

Французский Ренессанс носил характер придворной культуры. Не менее важной чертой гуманистического движения в этой стране был его ярко выраженный национальный характер. Наиболее выдающимся представителем французского гуманизма был автор сатирического романа "Гаргантюа и Пантагрюэль" Франсуа Рабле (1494 - 1553). Автор беспощадно бичует католическую церковь за пороки её служителей, высмеивает невежество, ханжество, раболепие и т.п. Большое просветительское значение имела литературная группа из семи поэтов - "Плеяды". Её основатели - Пьер де Ронсар (1524 - 1585) и Жоаке Дю Белле (1522 - 1566), вдохновлённые классическими моделями, работали над усовершенствованием французской поэзии и способствовали развитию общенационального современного языка.

Первый крупный художник французского Возрождения - Жан Фуке (ок. 1420 - 1481). И в портретах ("Портрет Карла VII", ок. 1445), и в религиозных композициях ("Диптих из Мелена") тщательность письма сочетается с монументальностью в трактовке образа. Эта монументальность создается чеканностью форм, замкнутостью и цельностью силуэта, статичностью позы, лаконизмом цвета. Композиционная ясность и точность рисунка, звучность цвета характерны для многочисленных миниатюр Фуке ("Жизнь знаменитых мужчин и женщин", ок. 1458). Поля рукописей заполнены изображением современной Фуке толпы, пейзажами родной Турени.

Значительных высот достигают общественная мысль, философия, этика. Крупное произведение Мишеля де Монтеня (1533 - 1592) - эссе "Опыты", утверждавшее идеи рационализма, оказало воздействие на развитие западноевропейской мысли.

Испания.

В отличие от Англии, где победила Реформация, культура Испании развивалась в рамках господства католической церкви, опиравшейся на репрессивный аппарат инквизиции. Поэтому гуманистическое движение не носило ярко выраженного антиклерикального характера.

В области литературного творчества получают широкое распространение рыцарские и плутовские романы. Наиболее крупным представителем этого жанра был великий Мигель де Сервантес (1547 - 1616), автор романа "Хитроумный идальго Дон-Кихот Ламанчский", в котором писатель дал широкую реалистическую картину жизни Испании. Романтически настроенный идальго не в состоянии понять, что время рыцарских подвигов миновало. Драма незадачливого рыцаря близка Сервантесу, который, как и значительная часть испанского дворянства того времени, не мог приспособиться к новым условиям жизни и ощущал свою никчемность. Другие произведения Сервантеса, например, "Назидательные новеллы", стали своеобразным описанием современных автору нравов.

Основоположником испанской национальной драмы был Лопе де Вега (1562 - 1635), автор огромного количества литературных произведений, среди которых не потерявшие своего значения и сегодня "Собака на сене", "Учитель танцев" и др.

Великие художники Испании эпохи Возрождения: Эль Греко (1541 - 1614), творения которого отличаются повышенной одухотворённостью, резкими ракурсами, мерцающим колоритом ("Апостол Пётр и Павел", "Погребение графа Оргаса"), и Диего Веласкес (1599 - 1660), чья живопись отличается смелостью романтических наблюдений, умением проникнуть в характер персонажа, обострённым чувством гармонии ("Вакх", "Завтрак", "Менины", "Пряхи").

Германия и Швейцария.

Гуманизм зародился в Германии в 1430-е годы, на столетие позже, чем в Италии, под воздействием ее культуры. Синтезируя многосторонний опыт Италии в "согласовании" христианской и языческой культуры, благочестия и светской образованности, немецкие гуманисты широко применяли освоенные ими идеи и методы к новому материалу, в том числе к изучению отечественной истории. Италия выработала основы гуманистических канонов, Германия дала их вариации, новаторские для национальной культуры.

Особое внимание немецкие гуманисты уделяли нераздельности, на античный лад, красноречия и мудрости. Опираясь на наследие развитого итальянского гуманизма, уже вторгшегося и в область естествознания, и в проблемы онтологии, и в теологические вопросы, в Германии рано стали провозглашать широту задач гуманизма. Речь шла не только об охвате новой этической оценкой многообразных проявлений жизни индивида и общества, но и об изучении всего природного "видимого мира". Это усиливало роль мировоззренческих проблем религиозно-философского характера и одновременно открывало путь развитию конкретных дисциплин естествоведения.

Уже сам характер гуманистического движения в Германии, тесно связанного с университетами и школой, с задачами воспитания и образования на новой культурной основе, обусловил большое значение в немецком гуманизме педагогической мысли. В становлении гуманистической педагогики решающую роль сыграли недолгая, но энергичная деятельность Рудольфа Агриколы (1444-1485) и творчество Якоба Вимпфелинга (1450-1528), плодовитого автора, на протяжении всей жизни связанного по взглядам с традициями XV в. Оба принадлежали к распространенному в Германии типу гуманистов, сочетавших преданность новым культурным запросам с верностью церковной ортодоксии.

Выдающимся представителем Возрождения в Германии, творчество которого определяло немецкое искусство в течение длительного времени, был живописец и мастер гравюры Альбрехт Дюрер (1471 - 1528). Считается, что Дюрер был равно одарен как живописец, гравер и рисовальщик; рисунок и гравюра занимают у него большое, подчас даже ведущее место. Наследие Дюрера-рисовальщика, насчитывающее более 900 листов, по обширности и многообразию может быть сопоставлено только с наследием Леонардо да Винчи. Он блестяще владел всеми известными тогда графическими техниками - от серебряного штифта и тростникового пера до итальянского карандаша, угля, акварели. Как и для мастеров Италии, рисунок стал для него важнейшим этапом работы над композицией, включающим в себя эскизы, штудии голов, рук, ног, драпировок. Это инструмент изучения характерных типов - крестьян, нарядных кавалеров, нюрнбергских модниц. Дюрер оказал огромное влияние на развитие немецкого искусства первой половины XVI века. Величайший мастер гравюры в Европе, Дюрер прославился своим циклом работ на темы "Апокалипсиса" (1498).

14 МИКЕЛАНДЖЕЛО Буонарроти(1475, Капрезе — 1564, Рим)итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт, один из ведущих мастеров Высокого Возрождения.

Юность. Годы ученияПервоначальное образование получил в латинской школе во Флоренции. Учился живописи у Гирландайо, скульптуре у Бертольдоди Джованни в основанной Лоренцо Медичи художественной школе в Садах Медичи. Копировал фрески Джотто и Мазаччо, изучал скульптуру Донателло, а в 1494 в Болонье познакомился с работами ЯкоподеллаКверча. В доме Лоренцо, где Микеланджело прожил два года, он познакомился с философией неоплатонизма, оказавшей в дальнейшем сильное влияние на его миропонимание и творчество. Тяготение к монументальной укрупненности форм сказалось уже в первых его работах — рельефах «Мадонна у лестницы» (ок. 1491, КазаБуонарроти, Флоренция) и «Битва кентавров» (ок. 1492, там же).

Первый римский период (1496-1501)

В Риме Микеланджело продолжил начатое в Садах Медичи изучение античной скульптуры, ставшей одним из источников его богатой пластики. К первому римскому периоду относятся антикизированная статуя Вакха (ок. 1496, Национальный музей, Флоренция) и скульптурная группа «Пьета» (ок. 1498-99), свидетельствующая о начале творческой зрелости мастера.Флорентийский период (1501-06). Статуя Давида

Вернувшись в 1501 во Флоренцию, Микеланджело получил от правительства республики заказ на создание 5,5-метровой статуи Давида (1501-04, Академия, Флоренция). Установленная на главной площади Флоренции рядом с ратушей Палаццо Веккио (ныне заменена копией), она должна была стать символом свободы республики. Микеланджело изобразил Давида не в виде хрупкого подростка, попирающего отрубленную голову Голиафа, как это делали мастера 15 в., а как прекрасного, атлетически сложенного гиганта в момент перед сражением, полного уверенности и грозной силы (современники называли ее terribilita — устрашающая).

Одновременно в 1501-05 Микеланджело работал над другим заказом правительства — картоном к фреске «Битва при Кашине», которая вместе с росписью Леонардо да Винчи «Битва при Ангьяри» должна была украсить зал Палаццо Веккио. Росписи не были осуществлены, однако сохранилась зарисовка картона Микеланджело, предвещающая динамикой поз и жестов росписи Сикстинского плафона.В 1505 папа Юлий II вызвал Микеланджело в Рим, поручив ему работу над своим надгробием. Проект Микеланджело предусматривал создание, в отличие от традиционных для Италии этого времени пристенных надгробий, величественного, свободно стоящего мавзолея, украшенного 40 статуями больше человеческого роста. Быстрое охлаждение Юлия II к этому замыслу и прекращение финансирования работ вызвало ссору мастера с папой и демонстративный отъезд Микеланджело во Флоренцию в марте 1506. В Рим он вернулся только в 1508, получив от Юлия II заказ на роспись Сикстинской капеллы.Фрески Сикстинского плафона (1508-12)— самый грандиозный из осуществленных замыслов Микеланджело. Отвергнув предложенный ему проект с фигурами 12 апостолов в боковых частях свода и с орнаментальным заполнением его основной части, Микеланджело разработал собственную программу росписей, до сих пор вызывающую различные толкования. Роспись громадного свода, перекрывающего обширную (40,93 х 13,41 м) папскую капеллу, включает в себя 9 больших композиций в зеркале свода на темы книги Бытия — от «Сотворения мира» до «Всемирного потопа», 12 огромных фигур сивилл и пророков в боковых поясах свода, цикл «Предки Христа» в распалубках и люнетах, 4 композиции в угловых парусах на темы чудесного избавления иудейского народа. Десятки величественных персонажей, населяющих этот грандиозный универсум, наделенные титаническим обликом и колоссальной духовной энергией, являют необыкновенное богатство сложнейших, пронизанных мощным движением жестов, поз, контрапостов, ракурсов.После смерти Юлия II (1513) Микеланджело снова приступает к работе над его надгробием, создает в 1513-16 три статуи — «Умирающий раб», «Восставший раб» (оба в Лувре) и «Моисей». Первоначальный проект, неоднократно пересматривавшийся наследниками Юлия II, не был осуществлен. Согласно шестому по счету договору, заключенному с ними, в 1545 в римской церкви Сан-Пьетро ин Винколи было установлено двухъярусное пристенное надгробие, включившее «Моисея» и 6 статуй, выполненных в начале 1540-х гг. в мастерской Микеланджело.

В 1516 папа Лев X Медичи поручил Микеланджело разработать проект фасада церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, построенной в 15 в. Брунеллески. Капелла Медичи — сложный архитектурно-скульптурный ансамбль, образное содержание которого породило различные толкования. Статуи герцогов Лоренцо и Джулиано Медичи, сидящих в неглубоких нишах на фоне архитектурной антикизированной декорации и облаченных в доспехи римских императоров, лишены портретного сходства и, возможно, символизируют Жизнь деятельную и Жизнь созерцательную. С графически легкими очертаниями саркофага контрастирует пластическая мощь огромных статуй Дня и Ночи, Утра и Вечера, лежащих на покатых крышках саркофага в мучительно-неудобных позах, как бы готовых соскользнуть с них.

В годы работы во Флоренции в 1520-34 сложился стиль Микеланджело-архитектора, отличающийся повышенной пластичностью и живописным богатством. Переезд Микеланджело в Рим в 1534 открывает последний, драматический период его творчеств. В колоссальной (17 х 13,3 м) фреске «Страшный Суд» (1536-41) на алтарной стене Сикстинской капеллы Микеланджело отступает от традиционной иконографии, изображая не момент свершения Суда, когда праведники уже отделены от грешников, а его начало: Христос карающим жестом поднятой руки обрушивает на наших глазах гибнущую Вселенную.

Трагическим пафосом проникнуты и последние живописные работы Микеланджело — фрески «Распятие апостола Петра» и «Падение Савла» (1542-50, капелла Паолина, Ватикан). В целом поздняя живопись Микеланджело оказала определяющее влияние на формирование маньеризма.

В 1546 Микеланджело был назначен главным архитектором собора св. Петра, строительство которого было начато Браманте, успевшим возвести к моменту смерти (1514) четыре гигантских столба и арки средокрестия, а также частично один из нефов. При его преемниках — Перуцци, Рафаэле, Сангалло, частично отошедших от плана Браманте, строительство почти не продвинулось. Микеланджело вернулся к центрическому плану Браманте, одновременно укрупнив все формы и членения, придав им пластическую мощь. Микеланджело успел при жизни закончить восточную часть собора и тамбур огромного (42 м в диаметре) купола, возведенного после его смерти Джакомоделла Порта.

Несмотря на неоднократные приглашения герцога Козимо Медичи, Микеланджело отказывался вернуться во Флоренцию. После его смерти тело его было тайно вывезено из Рима и торжественно погребено в усыпальнице знаменитыхфлорентийцев — церкви Санта-Кроче.

8 Альбрехт Дюрер родился 21 мая 1471 г. в Нюрнберге, в семье ювелира, приехавшего в этот немецкий город из Венгрии в середине XV века. В этой семье насчитывалось 18 детей.В возрасте 15 лет Альбрехт учиться в мастерскую художника Михаэля Вольгемута. Дюрер (1471 — 1528).живописец, гравер, писатель, матема-тик, анатом, инженер. Этот пытливый человек два раза ездил в Италию, один раз в Нидерланды, объездил всю Гер-манию.Начинает художник как гравер. первая крупная работа — се¬рия гравюр на дереве. Это 15 листов на тему «Апокалипсиса» с изображением четырех всадников «Апо¬калипсиса», под ногами которых лежат бежавшие люди разных сословий, сре¬ди них — горожанин, крестьянин, даже император. Образность этих срав-нительно небольших по размеру листов достигает монументального размаха. В них Дюрер воплотил боль своего не¬простого времени, тревогу, с которой в Европе ожидали конца света. Дюрер печатал гравюры на меди, предназначав¬шиеся для образованных ценителей искусства. 1513—1514 годы высшего творческо¬го подъема. В этот период он создал три графических листа, вошедшие в исто¬рию искусства под названием «мастер-скиегравюры».Три гравюры на меди: «Рыцарь, Дьявол и Смерть», «Святой Иероним в келье» и «Меланхолия» — художе¬ственная исповедь Дюрера, воплоще¬ние размышлений художника о себе и смысле человеческой жизни.Гравюру, которую традиционно именуют «Рыцарь, Дьявол и Смерть», сам Дюрер назвал «Всадник». Воору¬женный путник медленно едет вдоль обрывистого лесного склона. Несмот¬ря на грозный вид рыцаря, в его облике есть беззащитность чудака, роднящая этого персонажа с Дон Кихотом. Под¬нятое забрало открывает отрешенное и суровое лицо. С рыцарем поравня¬лась Смерть — мертвец верхом на кост¬лявойкляче. Он показывает путнику песочные часы: его жизнь на исходе. Сзади плетется Дьявол со свиной го¬ловой, увенчанной причудливым греб¬нем. Рыцарь Дюрера — это христианин, упорно следующий к Небесному гра¬ду (который изображен в виде замка, венчающего скалу на заднем плане), вопреки искушениям Дьявола и бли¬зости смертного часа. Тема листа «Святой Иероним в ке¬лье» — уединенный покой отшельни¬ка. Иероним восседает в глубине про¬сторной кельи, заполненной спокой¬ным, рассеянным светом, льющимся сквозь широкие окна. Любовно за¬печатлены все мелочи скромной, но уютной обстановки: песочные часы, сухая тыква — фляга паломника, под¬вешенная к потолку, туфли под ска¬мьей. Лев, спутник Иеронима, словно огромный ласковый кот, растянулся на полу рядом с мирно дремлющей со¬бачонкой.«Меланхолия» — самая загадочная из «мастерских гравюр» и одна из люби¬мых работ Дюрера. В античной и сред-невековой медицине было распростра¬нено представление о том, что все выдающиеся поэты, законодатели и философы — меланхолики. Дюрер тоже считал себя меланхоликом, что позво¬ляет назвать третью из «мастерских гравюр» духовным автопортретом ху¬дожника. Прославленная «Меланхо¬лия» столь же символична и трудна для прочтения, как и произведения Босха и Брейгеля. Крылатая женщина с цир¬кулем в руке погружена в глубокое раздумье, внешняя сдержанность кон¬трастирует с внутренним волнением. Аллегорическая фигура в центре окру-жена атрибутами средневековой науки и алхимии: многогранником, сферой, весами, колоколом, рубанком, мечом, песочными часами. Спящая собака на гравюре также является символом ме- л а н хол и ч ее ко го те м п ера м е нта. Дюрер одним из первых среди ев¬ропейских живописцев начал изобра¬жать самого себя. Свой первый авто¬портрет он выполнил в тринадцать лет. С тех пор художник представлял себя то изнуренным работой подмастерьем (1491 — 1492), то серьезным юношей (1493), то нарядным кавалером, балов¬нем судьбы (1498). Самым лучшим счи¬тается автопортрет Дюрера, написан¬ный в 1500 г. Мастер начат с того, что отказался от излюбленного им трехчетвертного поворота фигуры и изобразил себя анфас. Зритель сразу встречается с ним взглядом. Спокой¬ное молодое ясное лицо Дюрера с широко раскрытыми серыми глазами. Однако внутреннее волнение выдает жест красивой руки с длинными пать-цами, нервно теребящей меховую ото¬рочку одежды. На черном поле карти¬ны художник вывел золотом две над¬писи — слева поставил дату и свою подпись-монограмму, а справа, сим¬метрично им, начертал: «Я, Альбрехт Дюрер, нюрнбержец, написал себя так вечными красками». Рядом он повто¬рил год (1500), в котором многие его современники ожидали «скончания времен». Поражает то, что Дюрер ос¬мелился придать своему автопортрету столь явное сходство с изображения¬ми Христа. Впрочем, для европейца эпохи Возрождения Христос был иде¬алом, и каждый обязан был стремить¬ся походить на него. Можно сказать, что Дюрер просто изобразил себя хри¬стианином. Его автопортрет — свое-образное завещание.Дюрер был величайшим теорети¬ком искусства своего времени, авто¬ром трактатов «Руководство к изме¬рению», «Учение о пропорциях чело¬веческого тела». Он стремился выве¬сти законы, по которым жизненные впечатления должны претворяться в художественные образы. При этом в графических и живописных работах художник не следовал общей законо¬мерности, а искал индивидуальную красоту.­­­­­

23 Брейгеля Питера 551; это дает возможность предположить, что он родился приблизительно между 1525 и 1530. Место рождения и обстоятельства его жизни в юности по большей части неизвестны. Считается, что Брейгель был учеником Питера Кука ванАльста, а позже сотрудничал с издателем Иеронимусом Коком, который гравировал многие рисунки Брейгеля. В течение 1552 и 1553 Брейгель путешествовал по Италии и добрался даже до Сицилии. Возвращаясь оттуда в 1554, он изучал Альпы. Затем некоторое время прожил в Антверпене и в конце концов поселился в 1563 в Брюсселе.

Стар¬шего, прозванного Мужицким (1525/ 30—1569) — вершина нидерландско¬го Ренессанса. Композиции его картин тщательно продуманны, живопись со¬вершенна и символична. Славу Брей¬геля у потомков заслужили его «Паде¬ние Икара» (1555—1558), «Охотники на снегу (Зима)» из цикла «Времена года» (1565), «Крестьянский танец» (1565) и аллегорическая картина «Сле¬пые» (1568).

Пейзаж «Охотники на снегу» про¬низан тонким чувством природы, ли¬ризмом и щемящей грустью. Темно- коричневые силуэты больших деревь¬ев, фигуры охотников и собак четко вырисовываются на фоне белого снега. Вдали открывается величественная панорама холмов, замерзшая река, дома и крохотные фигурки людей на льду. Группа устремленных вдаль охот¬ников расположена по диагонали, что вносит энергичное движение в заснув¬шую природу. Отзвуком размышлений художника о смысле жизни была картина «Паде¬ние Икара». У Брейгеля гибель антич¬ного героя, дерзновенно устремивше¬гося к солнцу, оказалась незамечен¬ным эпизодом обыденной жизни. Брей¬гель показывает широкую панораму пронизанного солнечным светом пей¬зажа. На переднем плане изображен пахарь, занятый своим мирным тру¬дом, вдали рыбак тянет сети и пастух пасет стадо.

Именно простые люди, труженики станут героями многих произведений художника. При этом человек занимает в мироздании скромное место, раство¬ряетсясреди себе подобных. По срав¬нению с величием и гармонией при¬роды жизнь людей кажется мелочной и суетной.Художника привлекала повседнев¬ная жизнь крестьянства во всем мно¬гообразии. Он изображал массивные фигуры, сгорбленные спины, грубые одежды, гротескные лица («Крестьян¬ский танец», «Крестьянская свадьба» и др.), но при этом видел в народе энергию, трудолюбие, цельность.На полотне «Крестьянский танец» очерченные четким контуром фигуры выдвинуты на передний план. Худож¬ник точно передает могучие движения танцующих пар, выражая стихийные силы народа. Резкое сокращение фи¬гур в перспективе подчеркивает раз¬мах стремительной пляски. Цветовые пятна зеленого, черного, белого и осо¬бенно красного цветов акцентируют пульсирующий ритм танца.Картина «Вавилонская башня» — это предупреждение о каре за высокоме¬рие. Она написана в соответствии с известным библейским сюжетом: люди решили построить башню до неба, что¬бы увековечить свое имя, но, разгне-ванный их гордыней, Бог лишил их общего для всех языка и дал им не¬сколько. Строители не смогли понять друг друга, и работа не была завер¬шена.На полотне « Слепые» пять обречен¬ных судьбой страшных слепых калек, не понимая, что с ними происходит, направляются в овраг вслед за осту¬пившимся вожаком. Потухший колорит символизирует здесь слепоту разума, подчеркивает состояние безысходно¬сти. Художник показывает, что при¬рода вечна, как вечен мир, а путь сле¬пых — это жизненный путь всех лю¬дей (см. цв. вкл.). Природа — вот ис¬тинный герой творчества Брейгеля. Он делает ее безучастной к человеческой драме. Брейгель стал известным еще при жизни, знатные люди коллекциониро¬вали его картины, даже с крестьян¬скими сценами. Творчество П. Брейге¬ля оказало значительное влияние на многих художников — вплоть до на¬шего времени.

22 Хиеронимуса Босха (ок. 1450–1516), фламандский живописец. Иеронимус Босх (настоящее имя ИеронимусванАкен) родился в местечке Хертогенбос в Голландии ок. 1450; там он вступил в братство Богоматери и работал около сорока лет вплоть до своей смерти в 1516. Кроме этих скудных фактов, о жизни художника ничего не известно.ок. 1460 — 1516)называли автором мистических фантас¬магорий. Его программными произве¬дениями считаются «Корабль дураков», «Сад земных наслаждений», «Искуше¬ние святого Антония». Босх создавал образы рая и ада, как бы увиденные в галлюцинациях — причудливые и де¬монические.Триптих « Сад земных наслаждений» (1503— 1504) — одно из самых значи¬тельных произведений художника. В ле-вой части триптиха изображен земной рай. Здесь нагота персонажей воплоща¬ет их адамическуюпервозданную не-винность. Центральная часть — «Сад наслаждений» — дала название всему триптиху. В центре зачарованного сада находится круглое озеро с фонтаном юности, которое окружают обнажен¬ные люди, скачущие на фантастиче¬ских животных. Пространство картин заполнено природными структурами и техническими устройствами. Напри¬мер, пара влюбленных расположилась внутри прозрачного шара-цветка. На створках триптиха представлено множе¬ство животных (слоны, жирафы, кош¬ки, собаки, птицы), а также фантасти¬ческие существа. Среди изображенных персонажей встречаются чернокожие мужчины и женщины — таким обра¬зом художник хотел передать много-образие мира. В правой части триптиха «Ад» Босх показал образы человеческой испор¬ченности, низменных инстинктов и пороков. Пропорции искажены, про¬странственные отношения перепутаны, люди и звери создают причудливые гибриды. Изображение адских мучений занимало центральное положение в творчестве художника.

На картине «Воз сена» (1500— 1502) грешники направляются в ад, который также находится на земле. Каждый из них стремится урвать себе кусок поболь¬ше от стога сена, символизирующего мир, полный соблазнов. Воз тянет в ад группа монстров. В кортеже участвуют папа, император и другие сильные мира сего.Демонология уживается у Босха со здоровым народным юмором, тонкое чувство природы — с холодным ана-лизом человеческих пороков. Произве¬дения художника пронизаны трагиче¬ским предчувствием вселенской ката-строфы.Необходимо заметить, что некото¬рые направления современной живо¬писи сформировались под влиянием творчества И.Босха.

21 Яна Ван Эйков (ок. 1390—1441). Центральным памятником Нидер¬ландского Возрождения в живописи стал Гентский алтарь (1432) братьев Хуберта (ок. 1370—1426) и Яна Ван Эйков (ок. 1390—1441). Произведение было заказано старшему из братьев — Хуберту, но, начав работать над цент¬ральной частью, он умер, поэтому фактически автором росписи Гентско- го алтаря является Ян Ван Эйк.Гентский алтарь представляет собой двухъярусный складень, на 12 досках которого в раскрытом виде можно уви¬деть 10 сцен религиозного содержания. Вверху в центре изображен Христос на троне, слева и справа от него — Ма¬рияи Иоанн Креститель, поющие и музицирующие ангелы, Адам и Ева.

Над Адамом и Евой помещены иллюзорные барельефы с эпизодами жертвоприношения Каина и Авеля и убийства Авеля. Трактовка обнажен¬ных фигур прародителей свидетель¬ствует о высочайшем реализме Ван Эйка. Фигура Адама выступает из по¬чти физически ощутимого мрака ниши, символизирующего его первородный грех. Во внутренней части алтаря, в нижнем его регистре находится сцена поклонения агнцу (символу Христа) (см. цв. вкл.). Это главная композиция алтаря, ее центральная ось связывает «источник живой воды» — фонтан, символизирующий христианскую ре¬лигию, с парящим в воздухе голубем — Святым Духом. К агнцу направляется процессия блаженных.Художник воплотил в роспи¬сиГентского алтаря основные рели¬гиозные идеи эпохи о том, что кра¬сота творения несет на себе печать Творца.В отличие от Мазаччо и флорентий¬ских художников Ван Эйк не сосредо¬точивает внимание только на изобра¬жении человеческой фигуры — его взгляд охватывает Вселенную с беско¬нечным многообразием ее форм. Он кропотливо, удивительно реалистич¬но написал каждый сантиметр Алта¬ря, передал светотеневые переходы, фактуру тканей и других поверхностей. Художник фиксирует мельчайшие де¬тали на всем пространстве компози¬ций — от первого плана до шпилей и колоколен на горизонте. Таким обра¬зом, «Гентский алтарь» становится образом макрокосма — миром полным и самодостаточным, где соединяются человеческое и божественное. В портретах Яна Ван Эйка «Мадон¬на канцлера Роллена», «Супруги Ар-нольфини» открытое художниками Возрождения зеркальное преломление мира получает сложную систему отра¬жений: люди видят себя друг в друге и окружающих предметах. Вместо актив¬ного действия, характерного для пор¬третов итальянского Возрождения, Ван Эйк выдвигает созерцательность как качество, определяющее место чело¬века в мире, помогающее постичь его красоту.На полотне «Мадонна канцлера Рол- лена» (ок. 1435) изображены Мадонна и поклоняющийся ей донатор — кан-цлерРоллен. Фигуры расположены симметрично относительно друг друга. С необычайной тщательностью пере-даны узор одежд, сложный рисунок пола и витражей. За большим трех- арочным проемом окна Ван Эйкпод¬робно написал городской пейзаж с рекой, убегающей вдаль, мостом и холмами. Такая композиция со множе¬ством мельчайших, тщательно воспро¬изведенных деталей значительно рас¬ширяет перспективное пространство.Картину отличает исключительная свс- тоносность, рождающая ощущение единства интерьера и пейзажа.В «Портрете супругов Арнольфини» (1434) художник вводит мотив круг¬лого зеркала, которое замыкает про-странство, отражая то, что находится впереди и сзади стоящей молодой четы. Каждый предмет на этой картине на-полнен тайным смыслом и может мно¬гое рассказать об этой богатой купе¬ческой семье, изображенной в соб-ственной спальне. Рука женщины, по¬коящаяся на животе, позволяет пред¬положить, что она беременна, но не исключено также, что форма ее фигу¬ры обусловлена покроем платья, сши¬того по моде того времени. Возможно, что портрет был сделан по случаю бракосочетания или помолвки. Не слу¬чайно на картине присутствует собач¬ка — общеизвестный символ верности. Пара башмаков на полу обозначает единство брачующейся пары. Метел¬ка — знак чистоты, четки — символ благочестия, круглое зеркало — глаз мира, яблоко — напоминание о грехо¬падении и т.п.С удивительной точностью воспро¬изведены фактура тканей и меха, де¬коративное убранство люстры и шерсть собачки, узор ковра и фасон домаш¬них туфель. Интересен итакойкомпо¬зиционный «фокус»: в зеркале, вися¬щем на стене, отражаются супруги и вся комната, а в ней на стене опять зеркало с отражениями и так до бес¬конечности.Художник впервые изобразил обык¬новенных людей в привычной для них обстановке, без малейшего намека на религиозный сюжет. Все это предвеща¬ло будущие пути развития нидерланд¬ского и голландского искусства.Живопись масляными красками позволила Ван Эйку проделывать экс¬перименты с цветом, которые были невозможны для итальянских художни¬ков, работавших темперой. Масляная живопись давала возможность нало-жить больше полупрозрачных цветовых слоев и была более удобна для переда¬чи мельчайших деталей. Эффект свече¬ния, которого можно было достигнуть только с помощью масляных красок, делал эту технику более подходящей для изображения драгоценностей, пар¬чи, бархата и особенно человеческой кожи.

9 Сандро БоттичеллиНастоящее имя художника - АлессандроФилипепи (для друзей Сандро). Он был младшим из четырех сыновей МарианоФилипепи и его жены Змеральды и родился во Флоренции в 1445 году.Около 1464 года Сандро поступил в мастерскую Фра ФилиппоЛиппи.Его ранние работы близки к картинам учителя, чье творчество наполнено нежными, лиричными образами. Так, Мадонна (конец 1460-х), написанная Сандро для Воспитательного дома во Флоренции, практически повторяет такую же работу Липпи. После отъезда Липпи из Флоренции Боттичелли поступает в мастерскую Верроккьо (1467–1468).в 1469 году Боттичелли - самостоятельный художник,

Персонажи картин Боттичелли лишены материаль¬ности, они становятся легкими, воз¬душными.

В 1470 Боттичелли открывает собственную мастерскую, которая по мере роста популярности художника расширялась, в нее поступают ученики, в 1472 он вступает в гильдию св. Луки. По поручению цеха флорентийских купцов для торгового суда он пишет Силу (1470, Флоренция, галерея Уффици), аллегорическую фигуру одной из добродетелей, символизирующую нравственную силу души. Боттичелли изображает ее в виде молодой женщины на троне с булавой в руках.В 1474 Боттичелли едет в Пизу для осмотра фресок кладбища Кампосанто, пишет фреску Успение Мадонны в пизанском соборе, которая не была закончена (погибла в 1583). В этом же году он создал Св. Себастьяна (1474, Берлин, Государственные музеи) для украшения пилястра центрального нефа церкви Санта Мария Маджоре во Флоренции. Страдания святого носят скорее духовный, нежели физический характер. При этом Боттичелли дает анатомически точную трактовку обнаженного тела.Вторая половина 70-х и 80-е – период творческого расцвета художника. Написаны знаменитые Весна (ок. 1478), Рождение Венеры (1484–1486), Паллада и кентавр (1482), Венера и Марс (ок. 1485), фрески Сикстинской капеллы (1481–1482) и фрески виллы Лемми и ДжованныдельиАльбицци.В 1475 для рыцарского турнира Боттичелли делает роспись знамени для Джулиано Медичи с изображением Афины Паллады. В картине Поклонение волхвов (1475–1478, Флоренция, галерея Уффици) Боттичелли под видом волхвов и их свиты изображает представителей семейства Медичи и показывает себя на переднем плане.Боттичелли выступает портретистом не только в Поклонении волхвов. Великолепен профильный Портрет Джулиано Медичи (ок. 1478, Бергамо, галерея Каррара) и Портрет молодой женщины (1475, Флоренция, галерея Питти). Известный Портрет молодого человека с медалью (ок. 1474, Флоренция, галерея Уффици) является новой композиционной формой портрета и вероятно, первый портрет, выражающий духовную жизнь человека. Боттичелли отказывается от традиций распространенного до тех пор профильного портрета. Он обращается к трехчетвертному изображению, переходит от погрудного портрета к поясному, пишет на портретах руки, что было новшеством, заменяет нейтральный фон пейзажем.Весна (Примавера) (ок. 1478, Флоренция, галерея Уффици) была написана Боттичелли для кузена Лоренцо Великолепного на сюжет, навеянный стихами Овидия и придворного поэта Медичи Анджело Полициано. Хрупкая, стройная Весна в затканном цветами платье, поддерживая складки одежды, разбрасывает нежные цветы. В центре картины, склонив голову, помещена мечтательная Венера, покровительница любви, справа от которой соединились в танце три грации и стоит Меркурий. Слева от Весны Флора, спасающаяся от Зефира. Причудливый ритм струящихся линий объединяет композицию. Позы, движения носят завораживающий характер: плавные жесты, мягкие наклоны голов, изысканные линии складок одеяний. Боттичелли создает земной рай, убирая из картины категорию пространства, за деревьями видно небо, но нет глубины, луг похож на прекрасный гобелен. В образе Венеры Боттичелли стремился соединить черты языческой, телесной, и одновременно, христианской, духовной красоты.

Рождение Венеры (1484–1486, Флоренция, галерея Уффици) продолжает тему Весны. Миф о Венере, рожденной из пены морской, соответствовал эллинистическим воззрениям круга Лоренцо Великолепного. Морские волны выносят на берег огромную раковину, похожую на раскрытый нежный цветок со стоящей в ней обнаженной, хрупкой богиней с задумчиво печальным лицом. Зефиры, стремительно парящие в воздухе, подгоняют раковину к берегу, осыпают ее цветами и колышут золотые пряди волос Венеры. Нимфа спешит накинуть на нее пурпурное, развевающееся от дуновения ветра, покрывало. И в Весне, и в Рождении Венеры линия – мощное средство эмоциональной выразительности. В облике Венеры сочетается чувственная красота и возвышенная одухотворенность. Ее облик – достижение великой гармонии,он считается одним из самых прекрасных поэтичных женских образов в мировом искусстве.В 1485 Боттичелли создает Мадонну с младенцем между Иоанном Крестителем и Иоанном Богословом (Берлин, Государственный музей), написанную для алтаря капеллы в церкви св. Духа во Флоренции, позже Мадонну с гранатом (1487,Флоренция, галерея Уффици) для зала аудиенций во дворце Веккио, Благовещение (1489–1490, Флоренция, галерея Уффици) и Величание мадонны (Мадонны дель Магнификат) (1483–1485, Флоренция, галерея Уффици).В 1490-х у художника нарастают пессимистические настроения. Смерть Лоренцо Великолепного (1449–1492), захват Флоренции французскими войсками и апокалиптические взгляды Савонаролы (1452–1498), которым сочувствовал Боттичелли, – все это произвело переворот в его сознании. Тоска, безнадежность читается в картине Покинутая (ок. 1495, Рим, собрание Паллавичини), основанной на библейском сюжете. На ней показана одинокая молодая женщина в великом горе и смятении чувств. Драматизм проявляется и в других картинах Боттичелли этого периода: Оплакивание (1495–1500, Мюнхен, Старая пинакотека), Клевета (ок. 1495, Флоренция, галерея Уффици), сюжетом для которой послужило повествование римского писателя 2 в. до н.э.­­

13 Рафаэль (собственно Раффаэлло Санти) родился в 1483 г. в Урбино в семье живописца Джованни Санти. В 1500 г. переехал в Перуджу, где поступил в мастерскую Перуджино.

К первым живописным работам Рафаэля относятся «Сон рыцаря», «Три грации», «Мадонна Конестабиле». Завершает юношеский период творчества художника алтарный образ «Обручение Марии».В 1504 г. Рафаэль переехал во Флоренцию, где изучал творчество выдающихся мастеров флорентийской школы, занимался анатомией и перспективой. В живописи Рафаэля появляется больше действия («Св. Георгий»). Во Флоренции Рафаэль написал целую серию (не менее 15) мадонн («Мадонна с младенцем и Иоанном Крестителем» («Прекрасная садовница» контрастное противопоставление трех фигуг,помещенных в пейзаже и образовывают пространстве картины пирамидальную структуру. ), «Мадонна Грандука», «Мадонна в зелени»), которые принесли ему широкую известность. Менее удалась художнику многофигурная композиция, рассчитанная на драматический эффект («Положение во гроб»).В 1508 г. по приглашению папы Юлия II Рафаэль отправляется в Рим. Папа поручает художнику роспись парадных залов (станц) Ватиканского дворца. В СтанцаделлаСеньятура (1509—11) Рафаэль представил 4 области человеческой деятельности: богословие («Диспута»), философию («Афинская школа»), поэзию («Парнас»), юриспруденцию («Мудрость, Мера, Сила»), а также соответствующие главным композициям аллегорические, библейские и мифологические сцены на плафоне («Адам и Ева»).Станцуд’Элидоро (1511—14) Рафаэль расписал фресками на легендарные темы («Встреча Льва I с Аттилой», «Изгнание Элиодора», «Освобождение апостола Петра из темницы», «Месса в Больсене»). СтанцадельИнчендио (1514—17) в значительной части была расписана учениками и помощниками РафаэляВ 1515—17 гг. Рафаэль работает над картонами к серии шпалер для украшения стен Сикстинской капеллы, украшает античными фресками виллу Фарнезина, принадлежащую его другу и покровителю АгостиноКиджи («Триумф Галатеи»).В Риме достиг зрелости блестящий талант Рафаэля-портретиста («Портрет Юлия II», «Портрет кардинала», «Женщина в покрывале» («Донна Велата»), «Портрет Б. Кастильоне», «Лев X с кардиналами»).В Риме Рафаэль исполняет целый ряд алтарных образов («Несение креста»), в том числе большое количество мадонн («Мадонна Альба», «Мадонна диФолиньо», «Мадонна в кресле»). Самое совершенное произведение Рафаэля — «Сикстинская мадонна», большой запрестольный образ для монастырской церкви Св. Сикста в Пьяченце.В последние годы жизни Рафаэль был так перегружен заказами, что доверял выполнение многих из них своим ученикам и помощникам, обычно ограничиваясь общим наблюдением над работами («Святое семейство»). В некоторых произведениях этого периода отчетливо проявились черты кризиса, тяготение к маньеризму («Преображение»).

Исключительное значение имеет деятельность Рафаэля-архитектора. В 1509 г. им была построена церковь Сант-ЭлиджодельиОрефичи в Риме. Там же в 1512—20 гг. он возвел капеллу церкви Санта-Мария дельПополо. В 1514 г. Рафаэль был назначен главным архитектором собора Св. Петра в Риме, также достраивал начатый архитектором Брамантеватиканский двор с лоджиями. По проектам Рафаэля возводились палаццо и дворцы для римской знати (палаццо Видони-Каффарелли, палаццо БранкониодельАквила).В 1520 г. Рафаэль скончался.

12 ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ (LeonardodaVinci) (1452–1519) – величайший деятель, многогранный гений эпохи Возрождения, основатель Высокого Возрождения. Известен как художник, ученый, инженер, изобретатель.

Леонардо да Винчи родился 15 апреля 1452 в местечке Анкиано близ города Винчи.Его отцом был Пьеро да Винчи, нотариус, происходивший из известной семьи города Винчи. В 1469 он поступает в мастерскую знаменитого художника, скульптора и ювелира Андреадель Верроккьо .Леонардо да Винчи творил в разных видах и жанрах искусства, однако наибольшую славу ему принесла живопись.Первое живописное произведение, приписывающееся Леонардо,– Благовещение (ок. 1472, Галерея Уффици, Флоренция). К сожалению, неизвестный автор внес позднейшие исправления, что значительно ухудшило качество работы.

Одной из самых ранних живописных работ Леонардо является «Мадонна с цветком» или «Мадонна Бенуа». Уже здесь художник выступает как подлинный новатор. Он преодолевает рамки традиционного сюжета и придает изображению более широкий, общечеловеческий смысл, каковыми являются материнская радость и любовь. В этом произведении отчетливо проявились многие особенности искусства художника: четкая композиция фигур и объемность форм, стремление к лаконичности и обобщению, психологическая выразительность.

Продолжением начатой темы стало полотно «Мадонна Литта», где ярко проявилась еще одна особенность творчества художника – игра на контрастах. Завершением темы явилась картина «Мадонна в гроте», в которой отмечено идеальное композиционное решение, благодаря которому изображенные фигуры Мадонны, Христа и ангелов сливаются с пейзажем в единое целое, наделенное спокойным равновесием и гармонией.

Дама с горностаем (1484, Музей Чарторыйского, Краков) – одна из первых работ Леонардо в качестве придворного портретиста. На картине изображена фаворитка ЛодовикаЦецилияГаллерани с эмблемой рода Сфорца, горностаем. Сложный поворот головы и изысканный изгиб руки дамы, изогнутая поза зверька – все говорит об авторстве Леонардо. Фон переписан другим художником.

Портрет музыканта (1484, Пинакотека Амброзиана, Милан). Закончено только лицо молодого человека, остальные части картины не прописаны. Типаж лица близок к лицам ангелов Леонардо, только исполнен более мужественно.

Один из значительных заказов, полученных Леонардо в 1502 для украшения стены зала заседаний Синьории во Флоренции, был Битва при Ангиари (не сохранился).

Одной из вершин творчества Леонардо является фреска «Тайная Вечеря» в трапезной монастыря Санта Мария Делла Грацие. Эта работа поражает не только общей композицией, но и точностью. Леонардо не просто передает психологическое состояние апостолов, но делает это в момент, когда оно достигает критической точки, переходит в психологический взрыв и конфликт. Этот взрыв вызван словами Христа: «Один из вас предаст меня». В этом произведении Леонардо в полной мере использовал прием конкретного сопоставления фигур, благодаря которому каждый персонаж предстает как неповторимая индивидуальность и личность.

Второй вершиной творчества Леонарда стал знаменитый портрет Моны Лизы, или «Джоконда». Это произведение положило начало жанру психологического портрета в европейском искусстве. При его создании великий мастер с блеском использовал весь арсенал средств художественной выразительности: резкие контрасты и мягкие полутона, застывшая неподвижность и всеобщая текучесть и изменчивость, тончайшие психологические нюансы и переходы. Весь гений Леонардо заключен в удивительно живом взгляде Моны Лизы, ее таинственной и загадочной улыбке, мистической дымке, покрывающей пейзаж. Это произведение относится к числу редчайших шедевров искусства.

н придумал танк, экскаватор, вертолет, подводный корабль, парашют, автоматическое оружие, водолазный шлем, лифт, решил сложнейшие проблемы акустики, ботаники, медицины, космографии, создал проект круглого театра, придумал на столетие раньше, чем Галилей, часовой маятник, нарисовал нынешние водные лыжи, разработал теорию механики.

Леонардо выступал и как архитектор, но ни один из его проектов так и не был воплощен в жизнь. Он участвовал в конкурсе на проект центрального купола Миланского собора, создал проект мавзолея для членов королевской семьи в египетском стиле, проект, предложенный им турецкому султану, по возведению через пролив Босфор огромного моста, под которым могли бы проходить суда.

Леонардо да Винчи умер 2 мая 1519, оставив по завещанию свои рисунки и бумаги Франческо Мельци, ученику, который хранил их всю свою жизнь. Но после его смерти все бесчисленные бумаги разошлись по всему миру, часть утеряна, часть хранится в разных городах, в музеях мира.