- •1.Музыкальная культура 17ст. Взаимодействие барокко и классицизма.
- •2.Антиномии и метафоры барокко.17 ст. – «Век оперы»
- •3.Оперные школы 17 ст. Специфика концепции жанра взаимодействия.
- •4.Флорентийская камерата и «Drama per musica» ( Джулио Каччини, Клаудио Монтеверди)
- •5.Римская оперная школа 17 века. Особенности, достижения, представители.
- •6. Венецианская оперная школа 17 века. Особенности, достижения, представители.
- •7. Неаполитанская оперная школа. Этапы развития. Историческое значение.
- •8. Алессандро Скарлатти. Формирование жанра «Opera seria».
- •9. Джова́нни Батти́ста Перголе́зи. Утверждение жанра «Opera buffa». (свойства, особенности)
- •10. Эстетика французского классицизма. Жан-Бати́ст Люлли́ и «его» опера.
- •11.Музыкальный театр в Англии. «Маска»(жанр)
- •12. Генри Пёрселл. Опера «Дидона и Эней». Взаимодействие принципов барокко и классицизма.
- •13. Оратория 17 века. (Величайшие имена, школы)
- •14. Органное искусство добаховской эпохи. Джироламо Фрескобальди, Иоганн Па́хельбель, Дитрих Букстехуде.
- •(1583 - 1643)
- •15. Клавирное искусство 17- начало 18 века. ( подробный разбор для пианистов)
- •16. Школа английских верджиналистов.
- •17. Школа французских клавесинистов.
- •18. Венецианская, Болонская скрипичная школа.
- •19. Жанры инструментальной музыки в творчестве Арка́нджело Коре́лли, Анто́нио Лючио Вива́льди, Джузеппе Тартини. (Для пианистов : найти в концертах «Basso continuo»)
- •21. Музыкальная культура 18 века. Ее историческое значение. Сущность Просвещения. Просветительство в музыкальном искусстве.
- •Инструментальная музыка первой половины 18 в.
- •25. Историческое значение творчества Баха. Тип гения Баха.( в области фортепианной музыки для пианистов) Музыкальное наследие:
- •27.Творческий путь Баха. Проблемы периодизации его наследия.
- •25. Принципы дифференциации творчества Баха.
- •29. Клавирное творчество Баха. Его историческое значение. Хтк
- •30.Органное творчество Баха. Жанр хоральной прелюдии. («Токката и фуга ре минор» и.Т.Д)
- •31. Духовная и светская кантаты в творчестве Баха. («Кофейная Кантата», «Состязание Феба и Пана»)
- •32. Жанр пассионы в творчестве Баха. («Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею») (Материалы в книге - Друскин м.С. «Пассионы и мессы Баха»)
- •33. Месса h-moll. Высокая месса Баха.
- •История создания
- •34. Бах и Гендель. Сравнительная характеристика. ( Материалы « Русская книга о Бахе» статья «Бах и Гендель»)
- •35.1)Жанр оратории в творчестве Генделя. ( Разобрать любую ораторию)или 2) Инструментальное творчество Генделя. ( вопрос для инструменталистов)
- •36. Мангеймская школа и ее представители.
- •37. Венская классическая музыкальная школа. Ее историческое значение. ( Акцент на ф-но группе. Фортепианная соната и.Т.Д)
- •38. Творческий облик Гайдна.
- •Детские годы
- •1749-1759 – Первые годы самостоятельной жизни в Вене
- •Период творческой зрелости
- •Поздний период творчества.
- •36. «Лондонские» симфонии Гайдна.
- •«Лондонские» симфонии
- •40. Жанровые истоки симфонии Гайдна. Ее генезис.
- •41. Оперная реформа Глюка. Этапы развития.
- •42. К.Ф.Глюк. Опера «Орфей и Эвридика».
- •Действующие лица:
- •История создания
- •43. Творческий облик Моцарта.( материалы-Энштейн «Личность и творчество Моцарта» Тип гения Моцарта.
- •44. Опера Моцарта «Свадьба Фигаро» - комическая опера.
- •Либретто
- •Сюжет, основная проблематика оперы
- •Особенности жанра
- •Драматургия
- •Увертюра
- •1 Действие
- •2 Действие
- •Действующие лица:
- •История создания
- •Либретто
- •Содержание
- •45. Особенности симфоний Моцарта. «Симфония №40»
- •46. «Реквием» (Моцарт). История создания. Трактовка жанрового канона.
- •История создания
- •История создания
- •Характеристика жанра
- •Исполнительский состав
- •Содержание
- •Текст реквиема
- •47. Творческий облик Бетховена.
- •48. Периодизация творческого наследия Бетховена.
- •50. Функции жанра в творчестве Бетховена.????????? Место и характер сонатно-инструментальных жанров в творчестве Бетховена Глава №11 книги «История зарубежной музыки — 3»
- •49. Фортепианные сонаты в творчестве Бетховена.
- •Фортепианная соната – «творческая лаборатория» Бетховена
- •Пианизм Бетховена (пианист - оратор)
- •Сонатность как метод мышления
- •Оркестровая трактовка фортепиано
- •Основное содержание бетховенских сонат
- •Обновление сонатного цикла
- •50. Особенности бетховенского симфонизма.( материалы- Соллертинский, и.И. Исторические типы симфонической драматургии, Асафьев «о симфонизме»)
- •51. Симфония № 3 ми-бемоль мажор, op. 55 («Героическая») – Бетховен.
- •Это интересно
- •История создания
- •54. Симфония № 5 до минор, op. 67.(Бетховен) История создания
- •Сочинение
- •Премьера
- •Состав оркестра
- •Форма[править]
- •55. Симфо́ния № 9 Ре минор, Op. 125 (Бетховен)
- •История создания
- •Состав оркестра
- •История создания
- •52. Жанр увертюры в творчестве Бетховена.
- •53. Бетховен. Опера «Фиде́лио»
- •Действующие лица:
- •История создания
1.Музыкальная культура 17ст. Взаимодействие барокко и классицизма.
XVII век – начало новой эпохи в музыке, освобождающейся от господства церкви, обретающей все большее многообразие жанров, форм, красок, выразительных средств. Важнейшим шагом на этом пути было возникновение оперы, светского искусства, наследовавшего идеи эпохи Возрождения, выдвинувшего на первый план красоту и выразительность мелодии, сольного пения, богатства человеческих чувств. Вершина итальянской оперы того периода – творчество Клаудио Монтеверди – создателя музыкальной драмы, где музыка развивалась в теснейшей связи с драматическим действием, рисовала сложные и правдивые характеры действующих лиц.
Основоположник оперной школы Франции Жан Батист Люлли опирался на опыт драматического театра.
Несравненный по тонкости и глубине лирического выражения образец оперного искусства оставил английский композитор Генри Перселл.
Рядом с вокальным жанром развиваются инструментальные. Вслед за органом –, выдвинулся клавесин. Для этих инструментов писали итальянец Д. Фрескобальди, немцы Д. Букстехуде, Гендель и величайший из всех – И.С.Бах. В Италии в полный голос зазвучала скрипка. Сонаты для скрипки Арканджело Корелли, скрипичные концерты Антонио Вивальди.
Бесспорным является факт отставания русской музыки от западноевропейской в эпоху средневековья. Музыка, как и другие виды художественного творчества, развивалась в Древней Руси не только медленнее, чем в странах Западной Европы, но и по иным путям. Она создавала свои неповторимые ценности, отличающиеся ярким своеобразием и самобытностью.
В истории французской музыки XVII столетие ознаменовалось внушительной кульминацией.
На исторической почве Франция XVII столетия создала великое искусство классицизма, под сенью его взросла и возмужала французская музыка.
Песен, подлинность которых была бы точно установлена, сохранилось немного. Эти песенки, искусно воссоздававшие интонационный строй подлинного фольклора, зачастую приобретали очень широкую популярность и распространение в народе. В результате образовалась своего рода "песенная амальгама", обнаружить в которой зерна доподлинного фольклора представляется трудным. Иногда на помощь приходят литературные источники. Что касается городского фольклора, в свое время представленного в репертуаре певцов Пон-Нёфа, то репертуар этот также был крайне пестрым: он состоял из куртуазных арий, переинтонированных на плебейский манер, оперных отрывков (особенно со времен Люлли) и лишь частично из подлинных "песен ремесленников.
Три величайших французских композитора - Люлли, Франсуа Куперен-младший и Рамо писали airs de cour и даже считали для себя честью представлять свои инструментальные пьесы для подобной адаптации, особенно с тех пор, как словесные тексты стали заказывать лучшим поэтам.
В области теории французские музыканты еще в первой половине XVII века предприняли очень смелые и важные шаги. В 1636-1637 годах выдающийся исследователь монах-минорит Марен Мерсенн выступил с трактатом "Универсальная гармония", в котором этот латинский ум, современник Лейбница и Иоганна Кеплера, впервые после Боэция и Эйригены, пытался очертить место музыки во вселенной и в жизни человеческой.
В то время французский драматический театр, поэзия, живопись, архитектура переживали период блистательного подъема, который по своему значению и художественным достоинствам может быть сравним не только со средневековой готикой, но даже с Ренессансом, преемником которого он в некотором смысле и являлся.
Появляется новый жанр – классицизм – искусство могучее и глубокое, любимое французским народом и выразившее его гений. Детищем классицизма явилась французская опера XVII века. Ее рождение было важным событием в истории национальной культуры страны, которая до второй половины XVII века почти не знала другого оперного искусства, кроме привозного итальянского. Однако почва французской художественной культуры не явилась для нее вовсе чуждой и бесплодной.
Также существовал французский балет в два рода: драматический и комический.
Развитие музыкального театра отнюдь не шло по элементарной схеме: сперва - балет, затем - опера. Произошло слияние жанров.
В этих жанрах дебютировал в свой ранний период и Люлли-композитор. В свои «лирические трагедии» (так назывались его оперы) Люлли вводил элементы декламационности, большое внимание уделял хорам, танцам.
Музыкальная культура России XVII – XVIII века
Ни одно предшествующее столетие в русской культуре не отличалось такой пестротой, обилием противоречий, как XVII век. Находясь на рубеже двух больших эпох, он завершает период Древней Руси и одновременно подготавливает наступление нового периода в русской истории.
Борьба старого и нового находит отражение и в искусстве XVII века. В художественном творчестве возрастает роль реалистического начала. В литературе возникают чисто светские жанры. Одним из важнейших источников обновления литературы и искусства служило народное творчество. Не осталось в стороне от борьбы направлений и церковно-певческое искусство. Начиная с 50-х годов в русском церковном пении утверждается стиль партесного многоголосия, постепенно оттеснявший старую одноголосную певческую традицию. Переход от знаменного одноголосия к многоголосному партесному пению не может быть приурочен к строго определенной дате. Процесс этот был длительным и постепенным. На протяжении всей второй половины XVII века оба стиля продолжали «сосуществовать» между собой, оставаясь равноправными. Только к концу столетия стиль партесного пения становится господствующим.
Первые опыты многоголосного исполнения церковных песнопений возникают еще до середины XVII века в рамках знаменного распева, получив наименование строчного пения.
Глубокие изменения во всем строе русской художественной культуры XVII века были связаны с новым отношением к искусству, новым пониманием его значения и места в жизни человека.
Одним из наиболее примечательных памятников передовой музыкально-эстетической мысли XVII века является трактат дьякона московского Сретенского собора в Кремле Иоаникия Коренева «О пении божественном».
Наряду с традиционными видами песенного фольклора возникали новые его жанры. К ним относятся прежде всего разнообразные по тематике и по характеру песни социального протеста – шуточно-сатирические, эпические, «удалые» песни о народных восстаниях, о любимых народом героях освободительной борьбы. Обширный круг песен был сложен о Степане Разине. Записи этих песен были сделаны не ранее второй половины XVIII.
В XVII веке усиливается проникновение новых европейских форм музицирования в быт русского общества. Появляется ряд любителей «немецкой» музыки, содержавших свои домашние капеллы; для обслуживания придворных церемоний и увеселительных целей приглашаются музыканты из Польши, Германии, Голландии.
Одной из обязательных принадлежностей европейского придворного этикета в XVII веке был театр. Стремлением не отставать в этом отношении от западных феодальных монархий было вызвано создание первого в России театра. На сцене этого театра был поставлен балет «Орфей», пьеса «Юдифь», пьеса «Комедия о блудном сыне» и многое другое.
Расцвет концертирующего стиля в русской музыке конца XVII века связан с деятельностью Николая Дилецкого как композитора, теоретика и педагога.
Барокко – как выражение внутреннего кризиса и вдохновленной материализации и Классицизм – обдуманный, упорядоченный стиль, в котором стремление к гармонии предполагает подчинение мира формам.
С другой стороны, обозначение целой эпохи термином «барокко» ведет к тому, что противоположные понятия барочного и классицистического становятся почти синонимами.
Нынешняя площадь Вогезов в Париже может считаться образцом классицистического искусства в силу своей строгой простоты, хотя трактовка античных ордеров делает ее скорее барочной.
К категории классического добавляется понятие «рококо».
Музыкой барокко называют период в развитии европейской классической музыки приблизительно между 1600 и 1750 годами[1].
Барочная музыка появилась в конце Возрождения и предшествовала музыке эпохи классицизма. Слово «барокко» предположительно происходит от португальского «perola barroca» — жемчужина или морская раковина причудливой формы; или от лат. baroco — мнемоническое обозначение одного из видов силлогизма в схоластической логике[2] (примечательно, что похожие латинские слова «Barlocco» или «Brillocco» также использовались в схожем значении — жемчужина необычной формы, не имеющая оси симметрии[3]). И действительно, изобразительное искусство и архитектура этого периода характеризовались весьма вычурными формами, сложностью, пышностью и динамикой. Позже это же слово стало применяться и к музыке того времени. Сочинительские и исполнительские приёмы периода барокко стали неотъемлемой и немалой частью музыкального классического канона. Произведения того времени широко исполняются и изучаются. В эпоху барокко родились такие произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, хор «Аллилуйя» из оратории «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, «Вечерня» Клаудио Монтеверди. Музыкальный орнамент стал весьма изощрённым, сильно изменилась музыкальная нотация, развились способы игры на инструментах. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений, появился такой вид сочинений, как опера. Большое число музыкальных терминов и концепций эры барокко используются до сих пор.
Стили и тенденции [править]
Условно музыкой барокко называют множество существовавших в течение 150 лет композиторских стилей обширного, в географическом смысле, западноевропейского региона. К музыке термин «барокко» применяется в 1746 году французским критиком и писателем Н. А. Плюшем. Позже этот термин фигурирует в «Музыкальном словаре» (1768 год) Ж.-Ж. Руссо. Каждый из них под словом «барокко» подразумевает «странную», «необычную», «причудливую» музыку доклассической эпохи. В «Музыкальном словаре» Х.Коха (1802 год) слову barock сопутствуют такие качества музыки как «спутанность», «высокопарность», «варварская готика». Гораздо позже Б. Кроче в «Истории итальянского барокко» (1929 год) утверждает, что «историк не может оценивать барокко как нечто позитивное; это чисто отрицательное явление… это выражение дурного вкуса»[4]. "Итак, судьба слова «барокко» отвечает заложенному в нём оттенку экстравагантности. Поначалу оно обозначало совсем не стиль эпохи (тем более, что в образцовых для всей Европы французских художествах 18 века — поэзии, живописи, театре — господствовали классические тенденции), а было лишь оценочной категорией — отрицательной кличкой «непонятного искусства (аналогичная ситуация — и не случайно! — возникает в 20 столетии со словом „модернизм“)».[5] Следует заметить, что термин «барокко» как обозначение музыкальной эпохи используется относительно недавно. Впервые его применил[3] музыковед Курт Закс (англ. Curt Sachs) в 1919 году, затем термин появился лишь в 1940 году в статье Манфреда Букофцера (Manfred Bukofzer). И до самых 1960-х годов в академических кругах не утихал спор, правомочно ли применение единого термина к сочинениям таких разных композиторов, как Якопо Пери, Антонио Вивальди, К. Монтеверди, Ж. Б. Люлли, Доменико Скарлатти и И. С. Бах; но слово прижилось и сейчас повсеместно используется для обозначения широкого спектра музыки. Однако необходимо отличать музыку эпохи барокко от предшествующего ренессанса и последующего классицизма. Кроме того, некоторые музыковеды считают, что необходимо разделять барокко на непосредственно период барокко и на период маньеризма, в целях согласования с разделением, применяемым в изобразительных искусствах.
Отличия барокко от Ренессанса
Барочные инструменты: харди-гарди, виола, лютня, барочная скрипка и барочная гитара
Музыка барокко взяла от Ренессанса практику использования полифонии и контрапункта. Однако применялись эти техники иначе. Во времена Ренессанса гармония строилась на том, что в мягком и спокойном движении полифонии второстепенно и как будто случайно появлялись консонансы. В барочной же музыке порядок появления консонансов стал важным: он проявлялся с помощью аккордов, выстраиваемых по иерархической схеме функциональной тональности. Около 1600 года определение, что такое тональность, было в значительной мере неточным, субъективным. К примеру, некоторые видели в кадансах мадригалов некоторое тональное развитие, в то время как на самом деле в ранних монодиях тональность всё же была ещё очень неопределённой. Сказывалось слабое развитие теории равномерно-темперированного строя. Согласно Шерману, впервые лишь в 1533 году итальянец Джованни Мария Ланфранко предложил и ввёл в практику органно-клавирного исполнительства систему равномерной темперации[6]. А широкое распространение строй получил значительно позже. И только в 1722 появляется «Хорошо темперированный клавир» И. С. Баха (I том). Другое отличие между музыкальной гармонией барокко и Ренессанса заключалось в том, что в раннем периоде смещение тоники происходило чаще по терциям, в то время как в барочном периоде доминировала модуляция по квартам или квинтам (сказалось появление понятия функциональной тональности). К тому же, барочная музыка использовала более протяжённые мелодические линии и более строгий ритм. Основная тема расширялась либо сама, либо с помощью аккомпанемента бассо континуо. Затем она возникала в другом голосе. Позднее, главная тема стала выражаться и через бассо континуо, не только с помощью основных голосов. Размывалась иерархия мелодии и аккомпанемента.
Стилистические различия определили переход от ричеркаров, фантазий и канцон Ренессанса к фугам, одной из основных форм музыки барокко. Монтеверди назвал этот новый, свободный стиль seconda pratica (вторая форма) в отличие от prima pratica (первой формы), характеризировавшей мотеты и другие формы хоровой и ансамблевой музыки таких мастеров Ренессанса, как Джованни Пьерлуиджи да Палестрина[7]. Сам Монтеверди использовал оба стиля; его месса «In illo tempore» написана в старом, а его «Вечерня пресвятой девы» — в новом стиле.
Были и другие, более глубокие различия в стилях барокко и Ренессанса. Барочная музыка стремилась к более высокому уровню эмоциональной наполненности, чем музыка Ренессанса. Сочинения барокко часто описывали какую-то одну, конкретную эмоцию (ликование, печаль, набожность и так далее; см. Теория аффектов). Барочная музыка часто писалась для виртуозных певцов и музыкантов, и обычно была значительно более сложна для исполнения, чем музыка Ренессанса, несмотря на то, что детальная запись партий для инструментов была одним из самых главных нововведений периода барокко. Почти обязательным стало использование музыкальных украшений, часто исполнявшихся музыкантом в виде импровизации. Такие выразительные приёмы, как notes inégales стали всеобщими; исполнялись большинством музыкантов, часто с большой свободой применения.
Ещё одно важное изменение заключалось в том, что увлечение инструментальной музыкой превосходило увлечение музыкой вокальной. Вокальные пьесы, такие, как мадригалы и арии, на деле чаще не пелись, а исполнялись инструментально. Об этом говорят свидетельства современников, а также количество рукописей инструментальных пьес, число которых превосходило число произведений, представляющих светскую вокальную музыку[8]. Постепенное появление чистого инструментального стиля, отличного от вокальной полифонии XVI века, было одной из важнейших ступеней в переходе от Ренессанса к барокко. До конца XVI века инструментальная музыка была едва отлична от вокальной и состояла в основном из танцевальных мелодий, обработок известных популярных песен и мадригалов (главным образом, для клавишных инструментов и лютни) а также полифонических пьес, которые могли бы быть охарактеризованы как мотеты, канцоны, мадригалы без поэтического текста.
Хотя различные вариационные обработки, токкаты, фантазии и прелюдии для лютни и клавишных инструментов были известны давно, ансамблевая музыка ещё не завоевала себе независимого существования. Однако быстрое развитие светских вокальных композиций в Италии и в других странах Европы явилось новым толчком к созданию камерной музыки для инструментов.
Например, в Англии получило широкое распространение искусство игры на виолах — струнных инструментах разного диапазона и величины. Исполнители на виолах часто присоединялись к вокальной группе, заменяя отсутствующие голоса. Такая практика стала общепринятой, и на многих изданиях появились надписи «Пригодно для голосов или для виол».
Многочисленные вокальные арии и мадригалы исполнялись как инструментальные произведения. Так, например, мадригал «Серебряный лебедь» Орландо Гиббонса в дюжинах собраний обозначен и представлен как инструментальная пьеса[8].
Отличия барокко от классицизма
В эпоху классицизма, которая последовала за барокко, роль контрапункта уменьшилась (хотя развитие искусства контрапункта не прекратилось) и на первое место вышла гомофоническая структура музыкальных произведений[9]. В музыке стало меньше орнаментации. Произведения стали склоняться к более чёткой структуре, особенно те, которые написаны в сонатной форме. Модуляции (смена тональности) превратились в структурирующий элемент; произведения стали слушаться как полное драматизма путешествие сквозь последовательность тональностей, череду уходов и приходов к тонике. Модуляции присутствовали и в музыке барокко, но не несли в себе структурирующей функции. В сочинениях эры классицизма часто внутри одной части произведения раскрывалось множество эмоций, в то время как в барочной музыке одна часть несла в себе одно, ярко прорисованное чувство. И, наконец, в классических произведениях обычно достигалась эмоциональная кульминация, которая к концу произведения разрешалась. В барочных же работах, после достижения этой кульминации до самой последней ноты оставалось лёгкое чувство основной эмоции. Множество барочных форм послужило отправной точкой для развития сонатной формы, разработав множество вариантов основных каденций.
Музыкальный классицизм и основные этапы его развития
Классицизм (от лат. сlassicus - образцовый) – стиль в искусстве XVII – XVIII вв. Название «классицизм» происходит от обращения к классической древности как высшей норме эстетического совершенства. Свой эстетический идеал представители классицизма черпали в образцах античного искусства. В основе классицизма лежало убеждение в разумности бытия, в наличии порядка и гармонии в природе и внутреннем мире человека. Эстетика классицизма содержит сумму обязательных строгих правил, которым должно отвечать художественное произведение. Важнейшие из них – требование равновесия красоты и истины, логической ясности, стройности и законченности композиции, строгих пропорций, чёткого разграничения жанров.
В развитии классицизма отмечают 2 этапа:
Классицизм XVII века, развивавшийся отчасти в борьбе с искусством барокко, отчасти во взаимодействии с ним.
Просветительский классицизм XVIII века.
Классицизм XVII века – во многом антитеза барокко. Наиболее законченное выражение получает во Франции. Это была эпоха расцвета абсолютной монархии, оказавшей высочайшее покровительство придворному искусству и требовавшей от него пышности и великолепия. Вершиной французского классицизма в области театрального искусства стали трагедии Корнеля и Расина, а также комедии Мольера, на чьё творчество опирался Люлли. Его «лирические трагедии» несут на себе печать воздействия классицизма (строгая логичность построения, героика, выдержанный характер), хотя им присущи и черты барокко – пышность его опер, обилие танцев, шествий, хоров.
Классицизм XVIII века совпал с эпохой Просвещения. Просвещение – широкое движение в философии, литературе, искусстве, охватившее все европейские страны. Название «Просвещение» объясняется тем, что философы этой эпохи (Вольтер, Дидро, Руссо) стремились просвещать своих сограждан, пытались решать вопросы устройства человеческого общества, природы человека, его прав. Просветители исходили из представления о всемогуществе человеческого разума. Вера в человека, в его разум определяет светлый, оптимистичный настрой, присущий воззрениям деятелей Просвещения.
В центре музыкально-эстетических споров – опера. Французские энциклопедисты считали её жанром, в котором должно быть восстановлен синтез искусств, существовавший в античном театре. Эта мысль легла в основу оперной реформы К.В. Глюка.
Великим завоеванием просветительского классицизма является создание жанра симфонии (сонатно-симфонического цикла) и сонатной формы, что связывается с творчеством композиторов мангеймской школы. Мангеймская школа, сложилась в г. Мангейме (Германия) в середине XVIII века на основе придворной капеллы, в которой работали главным образом чешские музыканты (крупнейший представитель – чех Ян Стамиц). В творчестве композиторов мангеймской школы утвердились 4-хчастная структура симфонии и классический состав оркестра.
Мангеймская школа стала предшественницей венской классической школы – музыкальное направление, обозначающее творчество Гайдна, Моцарта, Бетховена. В творчестве венских классиков окончательно сформировались сонатно-симфонический цикл, который стал классическим, а также жанры камерного ансамбля и концерта.
Среди инструментальных жанров особой популярностью пользовались различные виды бытовой развлекательной музыки – серенады, дивертисменты, звучавшие на открытом воздухе в вечернее время. Дивертисмент (франц. развлечение) – инструментальные многочастные произведения для камерного ансамбля или оркестра, соединяющие в себе черты сонаты и сюиты и близкие серенаде, ноктюрну.