Жанна Пакен (1869-1936).

Многие считают, что Пакен – это мужчина, и действительно, Исодор Пакен (1862-1907) во многом способствовал успеху этого дома моделей: как финансист, но прежде всего как опытный и очаровательный управляющий, который знал, как угодить клиенткам из разных стран, к числу которых принадлежали в первую очередь высшая аристократия, звезды сцены и любовницы знаменитых людей. Однако в отличие от конкурентов, Ворта и Пуаре, в Доме Пакена женщина была не музой, а творцом. Жанна Пакен, которая прошла обучение в престижном Доме Руфф, говорила о себе: «Я ничего не придумывала, я лишь кое-что у б и р а л а > > . Тем не менее в 1906 году она представила коллекцию одежды в стиле ампир (за год до того, как Пуаре снискал себе славу, работая в том же направлении), и со своей накидкой в форме кимоно она также опередила его на год. В 1900 году она стала первой женщиной, которую выбрали президентом отдела моды на Всемирной выставке, а в 1913 году она первая из женщин-модельеров была удостоена ордена Почетного легиона. Жанна Пакен была также первой, кто открыл филиалы своего дома моделей за рубежом – в Лондоне, Нью-Йорке, Мадриде, Буэнос-Айресе. Ей также принадлежит идея, чтобы манекенщицы появлялись в ее новых моделях на блистательных оперных премьерах и бегах. В 1914 году она устроила в Лондоне первый настоящий показ мод – шоу, сопровождаемое музыкой, проходило в театре королевского дворца. Представленные ею модели назывались «Танго» и произвели не меньшую сенсацию, так как предвосхищали остроумие послевоенной моды. И все же Жанна Пакен не считается новатором моды, ведь она довольно долго продолжала придерживаться серпантинного силуэта (в форме буквы S) и вносила какие-либо изменения медленно и незаметно. Как скромная супруга, она всегда держалась в тени, в то время как ее коллеги-мужчины вели себя как звезды. В памяти она осталась благодаря своему пристрастию к меховой отделке и романтическим вечерним платьям в стиле X V I I I века – возможно, потому, что они шли ей самой и она считалась лучшей манекенщицей Дома Пакен. Смерть ее любимого супруга в конце Первой мировой войны стала для Жанны поводом к тому, чтобы передать управление делами дома своему зятю, а художественное руководство – мадемуазель Мадлен. Салон Пакен продолжал существовать вплоть до 1956 года.

Эдвард Молине (англ. Edward Molyneux; 5 сентября 1891, Лондон — 22 марта 1974, Монте-Карло) — британский модельер.

[Править] Биография

В 1911 году выиграл конкурс на лучший эскиз вечернего платья, организованный лондонским Домом высокой моды Lucile, и получил работу в лондонском салоне этого Дома.

Во время Первой мировой войны Молине служил в британской армии.

После окончания войны приехал в Париж и в 1919 году открыл Дом высокой моды, в 1925—1932 годах — магазины в Каннах, Бьярицце и Лондоне.

В 1930-е годы Молине был одним из ведущих кутюрье. Во время Второй мировой войны был одним из инициатором создания «Объединенного общества лондонских дизайнеров моды», отвечая за экспортное направление и разрабатывая образцы моделей для промышленного производства по плану «Утилита».

В 1945 году Молине вновь открыл Дом высокой моды в Париже, но в 1950 закрыл его и уехал на Ямайку.

В 1965 году Молине сделал попытку вернуться в моду, вновь открыл Дом высокой моды и разработал коллекцию прет-а-порте для продажи в США.

В 1974 году Дом «Молине» был окончательно закрыт.

Жан Пату (Jean Patou) родился 19 августа 1880 года в Нормандии, Франция. Свою карьеру модельер начал в 1907 году, устроившись на скорняжное предприятие. Однако уже в 1910 году он переехал в Париж. В 1912 году Жан основал собственную компанию, которая специализировалась на пошиве готовой одежды. В качестве основных клиентов были американские потребители. Свою первую коллекцию модельер презентовал в 1914 году. Она была полностью куплена американским закупщиком.

.Работа модельера была временно прервана из-за начавшейся войны. Однако уже в 1919 году Жан Пату (Jean Patou) открыл свой Дом высокой моды в Париже.

.Первоначально дизайнер ориентировался на многослойность, но впоследствии его стиль стал более лаконичным, а силуэт прямым.

.Главной заслугой этого модельера считается его работа над моделированием спортивной одежды и одежды для активного отдыха. Пату разработал множество вариантов купальников и костюмов для игры в теннис.

.В 1924 году, модельер представил коллекцию, в которой впервые нанес свою монограмму в виде орнамента на свитер.

.8 марта 1936 года Жан Пату (Jean Patou) умер. Дом моды “Jean Patou”, основанный модельером, оставался семейным предприятием до 2001 года.

.История современной парфюмерии никогда не будет полной без мифических духов Жана Пату Joy ("Радость"). Жан Пату - одно из самых знаменитых имен в сфере высокой моды и парфюмерии. В начале 20-х годов минувшего столетия он перевернул мир моды, создав первый свитер, первый кардиган, первую юбку для тенниса и первый трикотажный купальник. У него была способность делать из жизни праздник и он воплощал этот дар в новых, причудливых ароматах.

История знаменитых духов началась в 1929 году, когда биржевой крах привел к тому, что многие клиентки французского кутюрье Жана Пату больше не могли позволить себе наряды Высокой моды. Но именно в такое трудное экономическое время Пату решает сделать подарок своим верным поклонницам и создает духи. И не просто духи, а единственный в своем роде настоящий парфюм, самый дорогой в мире. Эти духи должны были стать квинтэссенцией изысканности и роскоши, неподвластными времени, исключительными во всем. Идея кутюрье заключалась в создании скорее произведения парфюмерного искусства, в котором соединились самые редкие и самые дорогостоящие натуральные ингредиенты. Все великолепие духов заключено в трех буквах их английского названия JOY (название было выбрано в честь американок, которые составляли большую часть клиентов дома Пату, и в частности одной из них по имени Джой). Название духов представляло собой полный контраст с финансовой катастрофой того периода, являясь знаком надежды в трудные времена. К тому же, это был символ радости жизни с определенной долей самоиронии. Духи предназначались для искушенной, жизнерадостной женщины, чья сияющая красота притягивает взгляды окружающих. Сладкий, чистый и деликатный аромат, аромат роскоши и изящества были созданы парфюмером Анри Альмерасом. Духи раскрываются запахом розы - болгарской и майской, а также жасмина с полей Грасса. Это цветы лучших сортов, несравненного качества, самые дорогие в мире. Для производства всего одной унции экстракта необходимы 10 600 цветков жасмина и более 300 роз. Флакон духов сделан из цельного куска хрусталя - словно драгоценный камень. Шедевр декоратора Луи Сю, работавшего с Жаном Пату. На тяжелой хрустальной крышке выгравированы инициалы кутюрье, горлышко флакона украшено традиционной золотой тесьмой - символом Высокой парфюмерии. Существовали и другие варианты флакона духов.

В 1975 году был создан флакон их хрусталя Баккара. Сегодня в парфюмерной линейке Joy существуют также парфюмированная и туалетная вода, а также банная линия. Парфюмерный дом Jean Patou выпускает и другие ароматы, одним из последних стал Sira des Indes.

Сегодня Дом Jean Patou возглавляет его племянник Жан Муи. Он свято хранит тайны фамильного мастерства. Для составления запахов берется самое дорогое и редкое сырье, флаконы изготавливаются по древним ремесленным традициям. К тому же, дому принадлежат плантации жасмина и майской розы в городе Грасс.

Официальный сайт: www.jeanpatou.com

Мадлен Вионне называют архитектором моды. Её творчество - вершина искусства от-кутюр, которую невозможно превзойти, как говорил Кристиан Диор. Знаменитые шелковые вечерние платья, скроенные по косой, определили силуэт 20-х и 30-х гг. Гибкие, грациозные линии свободно струящихся вдоль тела платьев изменили не только гардероб, но и вообще отношение женщин к одежде и к самим себе.    Античная Греция была идеалом Мадлен. Она стремилась перенести в современный костюм греческий принцип естественности и свободы движения. Достигалась эта свобода тем, что ткань кроилась не по долевой нити, а под углом 45°, за счёт чего при минимуме швов и деталей она становилась эластичной. (И сегодня верхом портновского мастерства считается платье всего лишь с одним швом.) В таких платьях легко было танцевать модный джаз и водить машину.    Мадлен Вионне родилась в небогатой семье, работать начала с 11 лет, в 17 переехала в Париж и стала швеёй в Доме Винсент на улице Кадет. В 18 вышла замуж, но смерть дочери привела к скорому разводу.    Проработав некоторое время в Лондоне, Мадлен вернулась в Париж и в 1900 г. устроилась в Дом сестёр Калло (один из самых известных в то время). Там она прошла серьёзную школу портновского искусства у мадам Гербер, старшей из сестёр. Постепенно Вионне приобрела известность в мире парижской моды как искусная мастерица, но её собственный стиль ещё не сформировался.    В 1907 г. Жак Дусе пригласил Мадлен к себе. Вионне взялась за обновление традиций Дома с огромным энтузиазмом и энергией: отказалась от жёстких корсетов на китовом усе, буфов, подкладок и пышных оборок, вместо этого предложив мягкие ткани и простой силуэт. (Платья Вионне надевались и снимались одним движением в отличие от костюмов прошлого, в которые облачались при помощи горничных.) Манекенщицы должны были демонстрировать платья вообще без белья. Всё закончилось скандалом - этот естественный стиль и лаконичный крой не приняли ни сотрудники, ни клиентки Дома.    Не найдя понимания у Дусе, Вионне решила в 1912 г. начать собственное дело. Но только после Первой мировой войны, когда в 1919 г. ателье Мадлен Вионне вновь открылось на улице Риволи, Времена изменились, иным стало и само отношение к телу и одежде. Теперь стиль Вионне считался символом элегантности, и она задавала тон в моде на протяжении 20 лет, пока в 1939 г. не отошла от дел (Дом Вионне был закрыт на рубеже 1940 -1941 гг.)    В 1923 г. небольшое ателье уже не могло удовлетворить всех заказчиков. Дом Вионне переехал на улицу Монтень. Интерьеры мастерских и студий были оформлены по рисункам Рене Лалика, Бориса Лакруа и Жоржа де Фёра (последний создал для Дома Вионне знаменитый фриз из фигур в античном стиле). В мастерских работало около тысячи служащих, имевших оплачиваемые выходные, получавших медицинскую помощь, что было редкостью в то время. В 1924 г. открылось отделение в Нью-Йорке, на Пятой авеню, на следующий год - в «Гранд казино» в Биаррице (курорт на юге Франции, где отдыхала богатая публика со всего света).    Новое понимание одежды - не как искусственной оболочки, а как естественного продолжения и украшения фигуры, которое подчиняется телу, следует за его движениями, - и обеспечило безумную популярность Дома Вионне. Поэтому, чтобы защитить свои уникальные модели от подделок, к тому же довольно многочисленных, мадам Вионне стала пришивать к ним метки с собственным именем (логотип был создан в 1919 г.) и каждую модель начиная с 1928 г. фотографировала с трёх сторон. Позднее использовалась композиция с отражением в трёхстворчатом зеркале. В 1952 г. Мадлен Вионне передала в UFAC (Union Francaise des Arts du Costume) 75 альбомов фотографий, коллекцию из 120 платьев, рисунки и книги из личной библиотеки.    Стиль Вионне сложился в результате её экспериментов с техникой кроя. Она всегда учитывала тяжесть материала и его эластичность, умела выстроить сбалансированную конструкцию из тонкой ткани только за счёт кроя. Создавая модели, Вионне работала с небольшой деревянной куклой. За основу бралась элементарная геометрическая фигура - квадрат, треугольник иди круг. Затем, закрепляя материал на плечах и поясе и укладывая в мягкие складки, она превращала его в платье.    Вионне очень сдержанно использовала декоративные дополнения, чтобы не нарушить балансировку драпировок. Например, бахрому, которая была безумно популярна в эру чарльстона, помещала не по низу платья, а вдоль швов по диагонали. Главным была конструкция - архитектура модели, в согласии с которой существовала «декорация». Этот принцип лучше всего поняли вышивальщики Дома Лесажа (и сегодня этот Дом выполняет все вышивки для кутюрье). Лесаж разработал специальную технику: вышивку делали вдоль основных нитей ткани, благодаря чему ее рисунок не нарушал эластичности косого кроя. Одно из самых знаменитых платьев Вионне - «Греческая ваза» - украшено сложной вышивкой по мотивам изображений с античных ваз.    Мадам Вионне была первооткрывателем во многих областях. Она изменила принципы работы с клиентами и условия труда сотрудников. Ввела в моду новый крой и новые формы. Заставила женщин поддерживать своё тело при помощи физических упражнений и спорта, а не искусственных корсетов. Она оказала влияние на всю моду XX в., хотя заявляла: «Я не знаю, что такое мола, я не думаю о моде. Я просто делаю платья». Кристиан Диор признавался, что чем опытнее он становился, тем полнее раскрывались для него техническое совершенство и новации Вионне. Её называли своим учителем Кристобаль Баленсиага, Аззэдин Алайя. Иссэй Миякэ и Йоджи Ямамото были её поклонниками, а Джон Гальяно вернул в моду прославленный крой по косой.

Эльза Скиапарелли родилась в Ри­ме, выросла в интеллектуальной и не­сколько эксцентричной среде, что на­ложило свой отпечаток на творчество модельера. Достаточно сказать, что её дядя — знаменитый астроном Джованни Скиапарелли, открывший «каналы» на Марсе.

Безоблачное детство сменили суро­вые будни юности. Брак Эльзы оказал­ся неудачным, и после развода она осталась в Париже одна с маленькой дочерью на руках. Но она была моло­дой, решительной и уверенной, что найдёт собственное место в жизни. Однажды у неё гостил друг из Аме­рики, и Эльза обратила внимание на его свитер, простой и вместе с тем эле­гантный. Как выяснилось, такие сви­теры вяжет живущая буквально в двух шагах армянская эмигрантка, которая и стала первым соратником Скиапа­релли. Вместе они разрабатывали мо­дели свитеров и платьев. Сегодня шер­стяное платье чёрного цвета, украшенное белым бантом наподобие бабочки, кажется достаточно зауряд­ным, но в 1927 г. такой наряд был настоящим откровением.

Ещё большего успеха Эльза доби­лась, работая со спортивной одеждой. Ей удалось получить большой заказ от магазина «Strauss». Над его испол­нением трудилась чуть ли не вся ар­мянская община Парижа (точнее, её женская часть). Заказ принёс Скиапа­релли известность, а армянское семей­ство, с которым она многие годы поддерживала дружбу, смогло даже открыть собственную фабрику трико­тажных изделий.

Модный Дом Скиапа­релли начал свою жизнь в трёх комнатках на Рю-де-ля-Пэ. Над входом была вывеска: «Для спорта», через несколько лет её знал уже весь мир.

В первой коллекции свитеров Эль­за использовала мотивы африканского искусства и работы художников-куби­стов. Следующая коллекция вызвала шок — её Скиапарелли выполнила по рисункам матросских татуировок. Там были змеи, якоря, сердца, пронзённые стрелами, и т.п. Она же первая ввела рисунок, получивший название «ры­бий хребет», и изображения омаров, которые с трикотажных изделий впо­следствии перешли на шёлк и купаль­ные костюмы.

Скиапарелли увлекалась авиацией. После перелёта Чарлза Линдберга че­рез Атлантику (1927 г.) она показала серию моделей, которые легли в осно­ву стиля пилот, дожившего до нашего времени.

Проработав несколько лет со спортивной одеждой, Скиапарелли пробует силы в создании вечерних ту­алетов. И здесь достигает успеха. Её простое длинное платье-футляр из чёрного крепа в сочетании с белым жакетом и шарфом, перекинутым че­рез спину, стало эталоном элегантнос­ти. Все кутюрье так или иначе повто­ряли эту идею.

В 1934 г. Скиапарелли переезжает на Вандомскую площадь — центр времяпрепровождения богатой публики. Там она открывает бутик (один из первых в мире) — магазин, торгу­ющий небольшими сериями автор­ской одежды. Бутик предлагал ве­черние нарядные свитеры, которые носили с длинными юбками, блузами и бижутерией. Использование бижуте­рии вместо настоящих драгоценностей вызвала немало насмешек у коллег-мо­дельеров, но покупательницы были в восторге.

К середине 30-х тт. талант Эльзы Скиапарелли достиг расцвета. Каждая ее коллекция производила сенсацию. Коллекция под названием «Остано­вись, смотри и слушай» продемонст­рировала дождевики, трактованные как вечерняя одежда, вышитые сари и множество других находок. Особенно поразили всех платья с пуговицами в форме французского луидора. «До­статочно посмотреть коллекцию Скиапарелли, чтобы увидеть причину кризиса воочию», — иронизировала одна из изве­стных газет, намекая на девальвацию национальной валюты. В этой и последую­щих коллекциях даже в ве­черних туалетах Эльза начала использовать застёжки-мол­нии. Выглядели они в те време­на несколько грубо, и потому эффект от такого сочетания был для публики неожиданным и но­вым.

Скиапарелли работала и в дру­гих странах. В Германии, напри­мер, она показала такие коллекции, как «Языческая», «Музыкальные инструменты», «Бабоч­ки». Женщины, одетые в эти модели, напоминали образы с полотен Боттичелли. «Астрологическая коллекция» пред­ставила наряды, расшитые знаками Зодиака, изображения­ми Луны и Солнца.

Но, пожалуй, самая знаменитая — «Цирк» (источни­ком вдохновения послужил знаменитый американский цирк «Barnum»), Салон для её показа был декорирован из­вестным дизайнером Жаном Мишелем Франком. Изобра­женные на одежде клоуны, слоны, гимнасты на трапециях (пуговицы повторяли их формы) как бы случайно склады­вались в слова: «Осторожно, окрашено». Сумки имели вид воздушных шаров, перчатки выглядели как белые гет­ры, конусообразные головные уборы напоминали рожок мороженого. Скиапарелли была первой, кто превратил обычное дефиле (показ модной одежды) в яркое, празд­ничное шоу.

Эльза Скиапарелли любила создавать коллекции в со­трудничестве с людьми искусства. С ней работали писа­тель, художник и театральный деятель Жан Кокто, худож­ники Сальвадор Дали и Кес ван Донген, фотографы Хорст П. Хорст и Мэн Рей.

Увлечение сюрреализмом отразилось на творчестве Эль­зы. Особенно поражали головные уборы; шляпа-баранья отбивная, шляпа-туфля, шляпа-телескоп... всего не пере­числить. Клапаны карманов на костюмах напоминали ящики, вызывая ассоциации с картинами и скульптурой Дали. Дали придумал для неё сумку в виде телефона из чёрно­го бархата с золотой вышивкой, Кокто — мотивы для вы­шивок, а Жан Хуго изобрёл пуговицы, представлявшие со­бой маленькие скульптуры. Они и по сей день являются маркой Дома Скиапарелли. Пожалуй, самую сюрреалисти­ческую вещь сделали Луи Арагон и Эльза Триоде — они со­брали ожерелье из таблеток аспирина.

Скиапарелли много работала для звёзд кино и театра. Кэтрин Хепберн, например, заявляла, что её карьера по-настоящему взлетела вверх только тогда, когда она начала одеваться у этого модельера, Эльза создала имидж блистательному Гари Купе­ру, а также Марлей Дитрих, Мишель Морган и другим актёрам.

Еще одна звезда кино, чей имидж во­лей случая оказался тесно связан с До­мом Скиапарелли, — Мэй Уэст. «Она послала мне размеры своей знаменитой фигуры и для большей убедительности свой гипсовый слепок в позе Венеры Милосской», — писала в автобио­графии Скиапарелли. Эта, как бы мы сейчас сказали, китчевая вещь вдохновила художницу Леонор Фини на создание флакона для первых духов Скиапарелли — легендарных «Shoking». Впоследствии всем духам Дома Скиапарелли были даны названия, начинающиеся на букву S. Первые духи для мужчин «Suff» имели флакон в виде куритель­ной трубки. Идея флакона для «Roi Soleil» принадлежала Дали.

Война вмешалась в судьбы миллио­нов людей, в том числе и в жизнь Эльзы Скиапарелли. В 1939 г. она сокращает производство, а с началом оккупации Парижа (1940 г.) уезжает в США, где у неё было много друзей. Несколько лет работает в Америке, оставив в Париже своим заместителем менеджера Беттину Берджери. После освобождения Франции (конец 1944 г.) Эльза возвра­щается, чтобы снова взять бразды прав­ления в свои руки.

Но времена изменились. В конце 40-х гг. взошла звезда Кристиана Диора. Стиль нью-лук завладел умами всех женщин. Скиапарел­ли решила, что ей пора уйти из мира моды. Окруженная людь­ми искусства, она до конца дней делила себя между прекрасным парижским домом на Рю-де-Берри и усадьбой в Тунисе.

Как-то Эльза заметила, что моделирование одежды — «самое трудное и неблагодарное искусст­во, потому что вскоре после того, как платье появится на свет, оно становится вещью прошлого». И всё же она была не права. Под­линное произведение искусства не стареет. Творчество Скиапа­релли и сегодня изучают все, кто решил посвятить себя нелёгко­му искусству кутюрье.

Нина Риччи (Мария Ньелли, 14 января 1883 - 30 ноября 1970) — итальянский кутюрье. Родилась в Турине в семье сапожника, выросла во Флоренции. С 1896 г. работала в Париже портнихой. В 1905 г. открыла собственное ателье. В 1932 г. с помощью своего сына Роберта Риччи открыла Дом иысокой моды «Нина Риччи». Дом «Нина Риччи» специализировался на элегантных костюмах в классическом стиле для дам «элегантного» возраста, на пышных туалетах для клиенток с Ближнего Востока.

Та, которую мы знаем под именем Нина Риччи была дочерью сапожника. В детстве ее звали Мари Адэланд Ньели. Ее отец в надежде обрести клиенток среди светских дам, отдыхавших на Лазурном берегу, перебрался с семьей из Турина в Монте-Карло, но вскоре умер, не оставив жене ни гроша. Поэтому в 12 лет Мари поступила ученицей в швейную мастерскую. Карьера в модном доме шла по накатанному сценарию: там новичкам "позволяли" гладить, пришивать пуговицы и бегать по поручениям; только после этого можно было стать младшей модисткой, и лишь спустя много лет - первой. Но Мари получила место первой модистки к 18 годам, а через пару лет наняла портних, которые шили одежду по ее собственным эскизам. Брак с цветочником Луи Риччи не был ни долгим, ни счастливым - после него осталось лишь новое имя и маленький сын Роберт.

В 20-х Нина Риччи поступает в Дом Раффин, через десять лет становится его совладелицей. В сорок девять лет она богата, независима и, когда Дом приходится закрыть, может с легким сердцем позволить себе отдых. Но сын, к тому моменту уже взрослый и здравомыслящий человек, убеждает мадам Риччи открыть новый Дом высокой моды.

Первые же показы принесли семейному дуэту удачу. Нина Риччи прекрасно знала вкусы своих клиентов - буржуа, предпочитающих качество экстравагантности. Классический костюм, "маленькое" платье, платье-пиджак - вот основа ее первых коллекций. Секрет заключался в совершенном крое - плюс умеренные цены: втрое ниже, чем у "Ланвена". Её платья романтичны, сексуальны в тоже время приличны для дам. Нина Риччи любила узоры и нежные краски. Вновь и вновь повторяющимся мотивом были цветы, они были вышиты, отпечатаны или присутствовали в виде аппликаций. После войны приходит мировой успех - Роберт Риччи выпустил свои первые духи "Coeur-Joie". Двумя годами позже "L'air du Temps" принесли NINA RICCI колоссальную прибыль, а главное - закрепили за фирмой мировую известность.

Арт-директором с 1959 г. был Ж.-Ф.Крахэй, с 1963 г. -Ж.Пипар, с 1998 г. - М.Шиффер. Создательницей линий прет-а-порте в 1998 — 2001 гг. была Н.Жервс. В 1999г. Дом «Нина Риччи» прекратил создание коллекций «от кутюр».

В лице Алис Грэ Вионне нашла последовательницу, которая с таким же чутьем работала с материалом и движением. Собственно говоря, Алис, которая стала выступать под именем мадам Грэ лишь с 1942 года, хотела стать скульптором, но семья не поддержала ее в этом. В конце концов, она стала драпировать платья прямо на фигурах клиенток и кроить так же, как и ее конкурентка Нина Риччи, без всяких выкроек, непосредственно на ткани. Большинство ее платьев были белыми и напоминали греческие одежды. Модели мадам Грэ 30-х годов и сегодня не выглядят старомодными. В 1931 году Алис открыла свой первый дом моделей, и до самой смерти в 1993 году она, с ее вневременным идеалом красоты и профессиональным умением, оказывала влияние на целые поколения модельеров. В 1981 году она обратилась к направлению Pret-a-porter, для которого она использовала прежде всего твид и мягкие шерстяные ткани. Как старейшая из кутюрье, мадам Грэ с 1972 года в течение 20 лет была председателем Синдиката высокой моды.

К значительным фигурам моды З О – х годов, оставшимся в тени, относится и Мэгги Руфф, открывшая дом моделей в 1929 году. Она родилась в Вене, мечтала стать хирургом, но работала в магазине спортивной одежды, принадлежавшем ее родителям. Она разработала модели, отличающиеся элегантным, повторяющим изгибы тела силуэтом, с драпировкой на талии – для дня и с бахромой по кромке и рюшами – для вечера. Даже у к -рашающие элементы ее моделей были функциональными: на ее ранних платьях в качестве воротничков часто использовались шали или шейные платки, которые можно было завязывать различными способами. После ее смерти в 1971 году дом моделей Мэгги Руфф закрылся.

Магги Руфф (фр. Maggy Rouff) — настоящее имя Магги Безансон де Вагнер (фр. Marguerite Pierre Besançon de Wagner, 1896—1971) — французская художница-модельер и писательница.

Открыла свой Дом моды в 1929 г., руководила им до 1948 г, затем передала руководство фирмой своей дочери.

В моделях Магги Руфф были всегда примечательны смелая асимметрия кроя и высочайшее качество техники. Выпустила в начале 1930-х гг. книги очерков «Америка под микроскопом» и «Философия элегантности».

Марсель Роша (Marcel Rochas) родился 24 февраля 1902 года в Париже, Франция.

.В 1924 году Марсель открывает свой Дом Высокой моды на улице Фобур Сен Оноре (rue Faubourg St-Honoré) в Париже. Его появление было внезапным. Роша сразу приступил к активной работе над созданием своих коллекций. С самого начала, модельер ориентировался только на разработку моделей, элементов, которые ранее до него еще никто не выпускал. Он стремился придумывать оригинальные творения, которые бы значительно отличалось от работ других дизайнеров. На плечах его платьев сидели малиновки или были отпечатаны крошечные книги, он создавал из пуговиц маленькие произведения искусства, использовал прозрачный целлофан и фосфоресцирующую парчу и шокировал пестро раскрашенными мехами.

.Уже в 1930 году, модельер запустил линию готовой одежды (ready-to-wear), предугадав тенденцию, которая стала реальностью для большинства дизайнеров спустя десятилетие. Он постоянно стремился к изобретательству. Например, в 1932 году Роша придумал брючный костюм из серой фланели, который был предназначен для ношения в дневное время.

.В 1936 году, модельер запустил свою парфюмерную линию, выпустив три аромата: “Air Jeune”, “Audace” и “Avenue Matignon”. Их можно было приобрести только во время показов коллекций Марселя Роша (Marcel Rochas). Во время Второй мировой войны парфюмерное производство было приостановлено, но в 1945 была вновь открыта фирма “Parfums Rochas SA”.

.За несколько лет до появления знаменитого “New Look” от Диора, Марсель Роша (Marcel Rochas) представил свой взгляд на то, как должна выглядеть женщина. Он вновь ввел в моду облегченный вариант корсета, а также тонкий пояс “Guepiere”, чтобы создать “осиную талию”, ожидая возвращения женских идеалов конца XIX века.

.В 1943 году, модельер разрабатывает костюмы к фильму "L`Eternel Retour" Жана Кокто (Jean Cocteau). Спустя два года, Роша представил коллекцию пальто.

.Марсель Роша (Marcel Rochas) умер 14 марта 1955 года.

Он умер в 1955 году, ему было всего 55, жене же его - 28. Весь мир гадал, чем она займется и как скоро снова выйдет замуж. Не отгадал никто: белокурая Элен с успехом продолжает дело своего мужа и становится самой молодой управляющей огромной косметической фирмы! Она не собирается замуж, она продолжает то, что, как ей одной только известно, мечтал, но не успел сделать он - придумать чудо-духи, целиком и полностью отражающие... ее собственную суть! Пять лет она проводит в поисках и в 1960 году увековечивает свою подпись на хрустальном флаконе Madame Rochas - духов таких же элегантных, чистых и свежих, как она сама. Разумеется, в композицию входят ее любимые белые цветы. Выход аромата ознаменовывается выставкой женских портретов Ренуара, Моне, Дега, Матисса и Пикассо. Духи Madame Rochas приобретают международный успех, а сама мадам Роша получает титул Perfume Queen. Вы, наверное, догадываетесь, что она сказала вечером после того, как узнала о награде... Да-да, конечно, она была права: этого еще не было!

Мейнбохер (Мэйн Руссо Бохер, 1891 — 1976) — американский создатель высокой моды. Mainbocher (Main Rousseau Bocher)

Родился в Чикаго, учился в университете, в Академии изобразительных искусств в Нью-Йорке. В 1911—1917гг. учился и работал в Мюнхене, Париже и Лондоне.

В 1917 г. служил санитаром в армии во Франции, после окончания войны остался в Париже с намерением изучать пение, но потеря голоса заставила его поменять профессию.

С 1922 г. М.Р.Бохер работал рисовальщиком моды в журнале «Harper\'s Bazaar», затем перешел в «Vogue», где заведовал отделом моды и был главным редактором до 1929 г.

В 1930 г. открыл Дом высокой моды в Париже.

Известность ему принесла главная клиентка — Уоллис Симпсон, будующая герцогиня Виндзорская, для которой он сшил свадебное платье для свадьбы с герцогом Виндзорским в 1936 г. Дом «Мейнбохер» специализировался на элегантных вечерних платьях, скроенных по косой, но также военизированных костюмах, отделанных вышивкой.

В 1939 г. предложил коллекцию, предвосхищавшую «нью лук» Диора, с корсетами, осиными талиями и пышными длинными юбками.

В 1940 г. вернулся в Нью-Йорк и открыл в 1941 г. салон, который существовал до 1971 г.

Огюстабернар решила соединить имя и фамилию, чтобы ее не путали с конкурентами-однофамильцами. Она открыла свое дело уже в 1919 году и одевала в свои необычные модели женщин, уверенных в себе. Маркиза из Парижа в 1930 году в модели от Огюста-бернар из серебристой парчи победила на «Конкурсе элегантности» в Сент-Морице. Для вечерних платьев Огюстабернар часто выбирала бледные цвета, как бы предназначенные для прогулок при свете луны и идеально подходящие для того, чтобы представить в выгодном свете драгоценные украшения. Ее платья и костюмы для дня были простыми и практичными, а ее излюбленным материалом был грубый твид, как было принято в ее родной провинции.

Кристобаль Баленсиага

«Кутюрье должен быть архитектором кроя, художником цвета, скульптором формы, музыкантом гармонии и философом стиля».

(Cristóbal Balenciaga) родился 21 января 1895 года в Испании. Свое детство и юность он провел в Сан-Себастьяне. В связи со смертью отца, матери приходилось много работать и выполнять заказы по пошиву одежды. Примерно с 12 лет мальчик начал помогать свой матери в портновском деле. Через два года произошел интересный случай, который кардинально изменил жизнь Кристобаля Баленсиага (Cristóbal Balenciaga). Однажды он увидел маркизу Каса-Торрес и, оценив ее наряд, заявил, что если бы у него была такая же ткань, он сшил бы модель намного лучше. Несмотря на такое странное заявление, маркиза, ради забавы и возможно для того, чтобы проучить мальчишку, подарила ему ткань и предложила представить доказательства его умения шить. Когда наряд был готов, маркиза была настолько удивлена качеству созданного ансамбля и мастерству юного модельера, что помогла ему, в знак благодарности, устроится на работу в магазин “Louvre”, где он получил профессиональные знания по конструированию и моделированию одежды.

.В 1919 году Кристобаль Баленсиага (Cristóbal Balenciaga) открыл Дом моды в городе Сан Себастьян, Испания. С самого начала модельер культивировал сложный систематический подход к созданию форм и конструкций платьев. Дизайнер изучал архитектуру для того, чтобы переносить ее законы на процесс создания платьев.

.Стиль Баленсиага всегда очень отличался от других дизайнеров. Он любил работать с грубыми тканями, с помощью которых можно было сформировать практически любую форму. В результате, многие его модели напоминали скульптурные творения, которые диктовали телу свои особые правила. Его считали архитектором среди модельеров, его строгие модели напоминали скульптуры, а темные цвета – преимущественно черный, часто в сочетании с коричневым – напоминали полотна его соотечественников Веласкеса и Гойи.

.В 1933 году модельер открыл новый Дом моды в Мадриде. Через два года был открыт еще один Дом моды в Барселоне и в 1950 году – в Париже.

.В 1936-м модельер переезжает сначала в Лондон, а наследующий год в Париж, где открывает свой бутик на авеню Георга V. Средств у Кристобаля было очень мало и для того, чтобы продолжить свою деятельность, он постоянно занимал деньги. Ему приходилось работать практически круглосуточно для того, чтобы “держаться на плаву”. Однако его коллекция “Инфанты”, которую модельер представил в 1939 году, вознаградила Баленсиага за его старания. Она имела огромный успех и сразу после показа на кутюрье, как из рога изобилия, посыпались заказы.

.Во время Второй мировой войны Кристобаль Баленсиага (Cristóbal Balenciaga) не закрыл свое дело, а продолжал работать. Его товары пользовались не меньшей популярностью, чем в мирное время.

Он мог бы сделать из своего дома интернациональное предприятие. Однако после того как он побывал в Америке и познакомился там с производством готовой одежды, ему стало ясно, что он никогда не будет использовать машины. В его ателье и впредь производились уникальные вещи ручной работы.

Платья Баленсиаги были превосходны для больших выходов: короткие накидки, гигантские воланы, шлейфы и драпировки создавали «обрамление» для хозяйки. Баленсиага придумал блузки без воротников, а также воротники зрительно удлинявшие шею. Он создал платье-баллон, платье-тунику, платье-мешок и платье-рубашку. Его техника год от года становилась всё отточенней, а модели всё проще. У него учились мастерству Курреж и Унгаро, но и друге называют его своим учителем, прежде всего Живанши и Диор.

.В 1958 году Кристобаль Баленсиага (Cristóbal Balenciaga) был награжден орденом Почетного легиона, который является высшей наградой Франции.

.В 1968 году модельер представил свою последнюю коллекцию и закрыл Дома моды в Париже, Мадриде и Сан Себастьяне.

Это случилось в 1968 году, после которого начался период забвения бренда, приведший к тому, что имя Баленсиага стало звучать только в профессиональных кругах. В течение следующих тридцати лет массовая общественность «потеряла» из виду заслуги великого Кутюрье.

Кристобаль Баленсиага (Cristóbal Balenciaga) умер 23 марта 1972 года в Испании.

Французский модельер Николя Гескьер совершил невозможное - дом Balenciaga, казалось навсегда замерший в лучах былой славы, в течение шести лет превратился в ультрамодный бренд, с которым нельзя не считаться. С 1997 года, начала работы Никола Гескьера для легендарного дома, шоу от Balenciaga не пропускает ни один из редакторов глянцевых журналов. В весенне-летней коллекции месье Гескьер вновь бросает вызов искушенным модницам. Серфинг, дайвинг и бейсбол - вот ориентиры сегодняшнего дня. Никола потратил много времени на исследования свойств тканей, благодаря которым сумел превратить стандартную униформу серфингистов в ультрамодные обтекаемые наряды.

В списке самых заметных Домов моды вот уже несколько лет значится Дом Бальмэн. Его основатель, Пьер Бальмэн (Pierre Balmain), родился в 1914 г. в городке Сен-Жан де Марьен в горах Савойи. Его отец был самым крупным оптовым торговцем тканями в округе. Франсуаза Бальман, мать модельера, работала в бутике своих сестер.

 

После смерти отца отношения Пьера с матерью и тетками стали очень тесными. Счастливейшие воспоминания его детства были связаны с магазином матери, где он играл с тканями и восхищался платьями прекрасных покупательниц.      Мать надеялась, что он когда-нибудь станет военным хирургом, но сердце мальчика всегда лежало к шитью. Определив свою судьбу, он решил отправиться изучать дизайнерское мастерство в Париж. Правда, из-за боязни сообщить матери истинную причину своего отъезда Пьер сказал, что решил стать архитектором и собирается учиться в Школе изящных искусств. Во время учебы его записная книжка постоянно пополнялась зарисовками моделей одежды, а вовсе не набросками чертежей. Неожиданно ему предложили работать младшим художником у Молино, и дали месяц на раздумье, объяснив, что через четыре недели станет ясно, хочет ли Пьер заниматься архитектурой или ему предназначено быть модельером. Архитектура потерпела поражение.     В 1936 г., будучи призванным на военную службу, Бальман, уже два года работавший у Молино, получил от наставника пятьсот франков, а также обещание, что на время службы рабочее место за ним сохранится. Молодой солдат впоследствии был переведен в Париж, где большую часть свободного времени проводил за работой у Молино. После демобилизации его ждала неприятность - Молино не сдержал обещания.       В 1939 г. Бальмэн начинает работать у Лелонга. После начала войны, Пьер вернулся в Акс-ле-Бэнс, где помогал матери в недавно открытом магазине готового платья.      В 1941 г. Люсьен Лелонг вновь открыл свой дом моделей и вызвал Бальмэна обратно в Париж, обещая, что он вместе с другим молодым художником, Кристианом Диором, будет полностью контролировать весь цикл создания коллекции. Несколько лет Бальман и Диор успешно работали бок о бок, обмениваясь идеями и дополняя друг друга настолько, что, когда модель, наконец становилась частью коллекции, невозможно было с уверенностью сказать, кто именно из них двоих ее разработал. Они даже стали поговаривать об открытии совместного дома, но этому не суждено было сбыться.      В 1945 г. Бальмэн открыл свой собственный дом Моды в Париже на улице Франсуа I, дом 44. В тот же год 14 октября он представил первую маленькую коллекцию, основу которой составляли брючные костюмы с жакетами из грубой ткани, кимоно, присборенные на плечах, вечерние костюмы, узкие вечерние платья из тафты, пышные бальные наряды, отделанные искусственными ягодами и листьями, серебряной вышивкой и стразами. Первая же его коллекция стала символом роскоши, столь безнадежно забытой в военные годы. Платье, в представлении Бальмана, больше не могло служить просто красивой полезной вещью - оно снова становилось предметом чистой красоты, выражением элегантности, грации и нежности в шелке и шерсти, кружевах, перьях и цветах. Новый образ активной, независимой, элегантной женщины воплотился в "Julie Madame", ставшей одним из символом пятидесятых, а у его новых моделей быстро нашлась благодарная аудитория. Американская писательница Гертруда Стайн, близкий друг Бальмана, нашла самое точное определение всему тому, что создавал ее любимый дизайнер: "Новый французский стиль". Бальман был не просто драпировщиком тканей или портным, он прекрасно рисовал.     Начиная с простых рисунков, он отрабатывал их по мере построения коллекции, позволяя идеям выкристаллизовываться, а мотивам самоутверждаться. Большое внимание Бальмэн уделял работе с мехом, особенно когда речь шла об элегантных пушистых акцентах: пояс из норки для прозрачного вечернего платья из тюля, леопард для шейной горжетки и муфты к длинному облегающему платью из атласа, горностаевая накидка, бархотка из каракульчи, расшитая жемчугом. Вышивка у Бальмэна выполнялась золотом, бронзой, включала всю гамму нежнейших оттенков серого, льдисто-голубого. В дневной одежде, такой, как комбинезоны или костюмы с юбкой, зачастую преобладали мягкие тона, розовато-лиловые или бледно-желтые, нежно-миндальные.      Будучи экстравертом, Бальмэн любил вечеринки, его видели повсюду. Его страсть к архитектуре проявлялась в коллекционировании домов. Кроме парижских апартаментов, у него были резиденции в Нормандии и Марокко. Возможно, самым экстравагантным его жилищем стал остров Эльба, который он пядь за пядью выкупал у Таиланда и перекраивал по собственной воле. Он обожал творить для театра и кино, был костюмером более сотни проектов и одевал Бритжит Бардо, Марлен Дитрих, Кэтрин Хепберн. Многие из его клиентов были женами послов и членами королевских фамилий, включая королеву Таиланда Сирикит.      Бальмэн был также хорошим и настойчивым бизнесменом. В 1947 г. он открыл свой первый бутик в Париже под названием "Красавица", по названию самого известного своего силуэта. Другие бутики открывались в Венесуэле, Бразилии и Нью-Йорке, последний представлял линию pret-a-porter. Спортивная линия Дома под названием "Эльбальман", производилась на Эльбе. В 1947 г. Balmain выпустил духи "Elysees 64-83" (его номер телефона). Другие духи более известны: "Jolie Madam", "Vent-Vert" и "Ivoire".      С момента смерти Бальмэна в 1982 г. его Дом моды, с многочисленными отделениями и 220 лицензиями, продолжал существовать под руководством Эрика Мортенсена, датчанина, бывшего правой рукой Бальмэна и помнившего слова человека, империю которого он возглавил: "величайшая простота - вот высшая проверка на элегантность".      Когда в 1990 г. Эрик Мортенсен покинул Дом Бальмэн, его место занял молодой модельер Эрве-Пьер, создававший для Дома коллекции Haute Couture и прет-а-порте с 1990 по 1993 год. С 1993 года коллекции Haute Couture Pierre Balmain создает всемирно признанный американский модельер Оскар де ла Рента, ожививший линию, не нарушая привычной цветовой гаммы, струящегося стиля и не ломая духа "Веселой мадам".      С сентября 1998 по март 2000 на место художественного директора по коллекциям прет-а-порте (и разработке дизайна лицензионных линий) был назначен Жиль Дюфур, бывший близкий помощник Карла Лагерфельда. Теперь за линию Бальмэн прет-а-порте отвечает мастерская Дома.

Модели Луизбуланже ценились за молодость и смелость. Она была первой, кто в 1927 году удлинил юбки «мальчиков», добавив к ним шлейфы. После короткого перерыва она в 1934 году вновь открыла свой салон и поразила всех видом современного турнюра, который возвышался сзади, как пуф. Она была весьма изобретательна в применении своих любимых тканей – органди и тафты, которые она использовала как с лица, так и с изнанки, чтобы достичь различных эффектов. В 1939 она ушла из моды, не без афоризма на прощанье: «В день, когда вошел в моду теннис, дама полусвета покинула сцену. Мода ушла с нею». Это далеко не так, мода стала многообразнее, чем прежде, – только война приостановила развитие новых дарований.

Фат, Жак (1912-1954) — французский кутюрье.

Родился в г. Мэзон-Ляфитт.

Учился коммерции в Париже, работал бухгалтером и брокером на Парижской бирже.

В 1930-е гг., отслужив в армии, стал заниматься моделированием одежды.

Выучившись на коммерсанта ЖФ обращается к созданию шляп. В 1937 г. открыл Дом высокой моды и представил коллекцию, состоявшую из 20 моделей, его дебют прошел в двухкомнатной квартире, а десять лет спустя он первым из французов представил на американском рынке коллекцию прет-а-порте. Он не побоялся вступать в контакты с нацистами и расширил свое дело во время оккупации.

Он был всеобщим любимцем, жизнерадостным, симпатичным и невероятно обаятельным. Его популярность в «пестром мире кино» привела к тому, что серьезная пресса долгое время считала его легковесным. Только с середины сороковых он добился признания, а сегодня его считают одним из величайших талантов.

Фат часто опережал моду. Так в 1939 году он предложил платья с пышными юбками и узкими талиями, которые после войны стали символом стиля «ньюлук».

В 1948 г. Ж. Фат разработал коллекцию готовой одежды для продажи на американском рынке, в 1953 г. создал линию готовой одежды для французского рынка. Фат не боялся наряду с моделями высокой моды создавать недорогую готовую одежду или продавать всои выкройки журналу Вог. Свои аксессуары он выгодно продавал в собственном бутике. Самая знаменитая клиентка актриса Рита Хейворт (жена исламистского главы Али Хана). Беттина Грациани.

После смерти Ж. Фата в 1954 году, до 1957г. Дом вела его жена — Женевьев Буше де ля Брюйер, популярная манекенщица тех лет.

В 1990-е гг. коллекции «Жак Фат» создавал Т. ван Линген.

Кристиан Диор

Кристиан Диор родился 21 января 1905 года в небольшом нормандском городке Гранвиль, бывшем рыбацком порту на берегу Ла-Манша на северо-западе Франции. В 1911 году семья маленького Кристиана переехала в Париж. Родители у него были обеспеченными людьми, поэтому, несмотря на то, что был вторым из пятерых детей, в детстве он ни в чем не нуждался. Его отец сделал состояние на торговле химическими удобрениями, а мать превращала деньги в удовольствия. Начальное образование он получил дома, и первоначально, по настоянию родителей, готовился к дипломатической карьере. Кристиан поступил в Свободную школу политических наук, но на этом его политическая деятельность и закончилась. Вместо занятий по международному праву и географии, будущий кутюрье проводил время в музеях, учился музыкальной композиции и живописи. В 1928 году Кристиан с другом Жаном Бонжаком открыл арт-галерею, где выставлялись работы Дерена, Матисса, Пикассо. Трагическим для Кристиана стал 1931 год: от рака умирает его мать, а отец, оказавшись жертвой мошенничества, терпит банкротство и заболевает туберкулёзом. Закрывается и галерея Кристиана, ведь большей частью она финансировалась его отцом. Именно тогда он начал продавать свои рисунки: эскизы шляпок и платьев печатают в журнале Le Figaro Illustre. Несмотря на то, что его модели шляп пользовались гораздо большим успехом, чем одежда, Кристиан решает специализироваться именно на моделях одежды. В 1938 году он был замечен известным модельером Робером Пиге (Robert Piguet), но война помешала бурному развитию карьеры. Диор уходит в армию и служит на юге Франции. Но уже в 1941 году он возвращается в Париж и работает для известного модельного дома Lucien Lelong.

В 1942 Кристиан создал парфюмерную лабораторию, выросшую затем в фирму Christian Dior Perfume. «Достаточно открыть флакон, чтобы возникли все мои платья, а каждая женщина, которую я одеваю, оставляла за собой целый шлейф желаний. Духи — необходимое дополнение личности женщины, это завершающий аккорд для платья, это роза, которой Ланкре подписывал свои картины», — объяснял позже свой замысел Диор.

После войны, в 1946, при финансовой поддержке текстильного фабриканта Marcel Boussac, он открывает собственный дом моды.

В своей первой же коллекции 1947 года, Диор создает совершенно новую концепцию New Look. Это была «романтическая линия», с новым вариантом кринолина, тонкой талией и прилегающим лифом. В этом силуэте он воплотил собственное представление о женственности, которой так не хватало в эпоху войны с ее форменной одеждой и «трудовой повинностью» для женщин. Поначалу к новому дизайнеру отнеслись с опаской, однако уже через год вся Европа и Америка приняли новый стиль.

Именно благодаря своему оптимизму и острому инстинкту, позволяющему ему угадывать, что требуется послевоенной Франции, Диор стал одним из тех, кто помог вернуть послевоенному Парижу звание столицы мировой моды.

Вместе со своим партнером Жаком Руэ, Диор стал первым применять лицензионные соглашения в модельном бизнесе. Уже в 1948 году, он упорядочивает лицензирование производства своих моделей в различных регионах Франции и всего мира. Таким образом фирменный знак Диор быстро появился во всех уголках земного шара.

Великий дизайнер ушёл из жизни 24 октября 1957 года в возрасте 52 лет от сердечного приступа в Монтекатини-Терме (Италия, Тоскана). В его фамильном доме в Гранвиле ныне существует музей.

Дом Dior стал колыбелью многих выдающихся дизайнеров XX века. Так, в 1953 году на фирму приходит молодой Ив Сен Лоран (Yves Saint Laurent). После внезапной смерти Диора, Ив Сен Лоран становится ведущим модельером дома Dior. После того как Ив Сен Лоран призывается на военную службу в 1960 году, его место занимает Марк Боан (Marc Bohan), который вел дом Dior, пока его не сменил Джанфранко Ферре (Gianfranco Ferre) в 1989 году. В октябре 1996 года на должность главного модельера дома Dior был утвержден Джон Гальяно (John Galliano).

Диор явился также пионером активного синтеза haute couture («высокой моды») и сценографии: был художником по костюмам в нескольких спектаклях («Школа злословия» по Ричарду Шеридану (Richard Sheridan) в Театре де Матюрин, 1940; ряд постановок Ролана Пети (Rolan Petit), 1950-е годы) и кинофильмах (режиссеров Клода Отан-Лара (Claude Autant-Lara), Альфреда Хичкока (Alfred Hitchcock) и др.). Создавал сценические туалеты для таких звезд эстрады и киноэкрана, как Эдит Пиаф и Марлен Дитрих.

Кристиан Диор всегда питал слабость к ароматам: «Духи — это непревзойденный оттенок женской индивидуальности, это последний штрих образа». Miss Dior, Diorama, Diorissimo, выпущенные еще при жизни Диора, Dioressence и Diorella — все эти духи, в названиях которых присутствует заветное имя Dior, образуют ряд классических «диоровских» ароматов. Их флаконы и упаковки выполнены в введенном самим Диором фирменном стиле: гамма «трианоновского» серого цвета, белого и розового, медальоны а-ля Людовик XVI, атласные ленточки, бумага с фактурой рогожки в рубчик «куриная лапка».