6. Опера

О́пера (итал. opera «дело, труд, работа», от лат. opera «труд, изделие, произведение») — жанр музыкально-драматического искусства, в котором содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом посредством вокальной музыки[1]. Литературная основа оперы — либретто.

История жанра

Зародыш такой драматической формы следует искать в Италии, в мистериях, то есть духовных представлениях, в которых эпизодически вводимая музыка стояла на низкой ступени. Духовная комедия: «Обращение св. Павла» (1480), Беверини, представляет уже более серьёзный труд, в котором музыка сопровождала действие с начала до конца. В середине XVI века большой популярностью пользовались пасторали или пастушеские игры, в которых музыка ограничивалась хорами, в характере мотета или мадригала. В «Antiparnasso», Орацио Векки хоровое пение за сценой, в форме пятиголосного мадригала, служило для сопровождения игры актёров на сцене. Эта «Commedia armonica» была дана в первый раз при Моденском дворе в 1597 году.

В конце XVI века попытки ввести в такие сочинения одноголосное пение (монодию) вывели оперу на тот путь, на котором её развитие пошло быстро вперед. Авторы этих попыток называли свои музыкально-драматические произведения drama in musica или drama per musica; название «опера» стало применяться к ним в первой половине XVII века. Позднее некоторые оперные композиторы, например Рихард Вагнер, опять вернулись к названию «музыкальная драма».

Первый оперный театр для публичных представлений был открыт в 1637 году в Венеции; ранее опера служила только для придворных развлечений. Первой большой оперой можно считать «Дафну» Джакопо Пери, исполненную в 1597. Опера скоро распространилась в Италии, а затем и в остальных странах Европы. В Венеции со времени открытия публичных зрелищ в течение 65 лет появилось 7 театров; для них написано разными композиторами (числом до 40) 357 опер. Пионерами оперы были: в Германии — Генрих Шютц («Дафна», 1627), во Франции — Камбер («La pastorale», 1647), в Англии — Пёрселл; в Испании первые оперы появились в начале XVIII столетия; в России Арайя первым написал оперу («Кефал и Прокрида») на самостоятельный русский текст (1755). Первая русская опера, написанная в русских нравах — «Танюша, или Счастливая встреча», музыка Ф. Г. Волкова (1756).

Разновидности оперы

Исторически сложились определённые формы оперной музыки. При наличии некоторых общих закономерностей оперной драматургии все её компоненты в зависимости от типов оперы толкуются различно.

большая опера (opera seria — итал., tragédie lyrique, позднее grand-opéra — франц.),

полукомическая (semiseria),

комическая опера (opera-buffa — итал., opéra-comique — франц., Spieloper — нем.),

романтическая опера, на романтический сюжет.

В комической опере, немецкой и французской, между музыкальными номерами допускается диалог. Есть и серьёзные оперы, в которые вставлен диалог, напр. «Фиделио» Бетховена, «Медея» Керубини, «Волшебный стрелок» Вебера.

Отпрыском комической оперы следует считать оперетту, которая получила особенное распространение во второй половине XIX века.

Оперы для детского исполнения (например, оперы Бенджамина Бриттена — «Маленький трубочист», «Ноев ковчег», оперы Льва Конова — «Король Матиуш Первый», «Асгард», «Гадкий утёнок», «Кокинвакасю»).

Элементы оперы

Опера — это синтетический жанр, объединяющий в едином театральном действии различные виды искусств: драматургию, музыку, изобразительное искусство (декорации, костюмы), хореографию (балет). В состав оперного коллектива входят: солист, хор, оркестр, военный оркестр, орган. Оперные голоса: (женские: сопрано, меццо-сопрано, контральто; мужские: контртенор, тенор, баритон, бас). Оперное произведение делится на акты, картины, сцены, номера. Перед актами бывает пролог, в конце оперы — эпилог.

Части оперного произведения — речитативы, ариозо, песни, арии, дуэты, трио, квартеты, ансамбли и т. д. Из симфонических форм — увертюра, интродукция, антракты, пантомима, мелодрама, шествия, балетная музыка. Характеры героев наиболее полно раскрываются в сольных номерах (ария, ариозо, ариетта, каватина, монолог, баллада, песня). Различные функции в опере имеет речитатив — музыкально-интонационное и ритмическое воспроизведение человеческой речи. Нередко он связывает (сюжетно и в музыкальном отношении) отдельные законченные номера; часто является действенным фактором музыкальной драматургии. В некоторых жанрах оперы, преимущественно комедийных, вместо речитатива используется разговорная речь, обычно — в диалогах.

Сценическому диалогу, сцене драматического спектакля в опере соответствует музыкальный ансамбль (дуэт, трио, квартет, квинтет и т. д.), специфика которого даёт возможность создавать конфликтные ситуации, показывать не только развитие действия, но и столкновение характеров, идей. Поэтому ансамбли зачастую появляются в кульминационных или заключительных моментах оперного действия. Хор в опере трактуется по-разному. Он может быть фоном, не связанным с основной сюжетной линией; иногда своеобразным комментатором происходящего; его художественные возможности позволяют показать монументальные картины народной жизни, выявить взаимоотношения героя и масс (например, роль хора в народных музыкальных драмах М. П. Мусоргского «Борис Годунов» и «Хованщина»). В музыкальной драматургии оперы большая роль отведена оркестру, симфонические средства выразительности служат более полному раскрытию образов. Опера включает также самостоятельные оркестровые эпизоды — увертюру, антракт (вступление к отдельным актам). Ещё один компонент оперного спектакля — балет, хореографические сцены, где пластические образы сочетаются с музыкальными.

Оратория.

Орато́рия (лат. oratorium, итал. oratorio) — крупное музыкальное произведение для хора, солистов и оркестра. В прошлом оратории писались только на сюжеты из Священного Писания. Отличается от оперы отсутствием сценического действия, а от кантаты — бо́льшими размерами и разветвлённостью сюжета. ОРАТОРИЯ, крупное музыкальное произведение на тексты драматического, эпического или созерцательного характера, часто на религиозные темы. Нередко оратория напоминает оперу, так как в оратории используются оперные средства выразительности и такие оперные формы, как ария, речитатив, вокальный ансамбль, хор, оркестровая интерлюдия, однако в оратории исключено сценическое оформление и сценическое действие. В оратории обычно преобладает хоровое, а не сольное вокальное начало, что является одним из основных различий между ораторией и оперой.

Оратория зародилась в конгрегации ораторианцев. Собрания их, в которых пелись «Laudes spirituales» (духовные песнопения), происходили в отдельном помещении при церкви, называвшемся ораторий (oratorium). Это название перешло и на музыку, исполнявшуюся в этом помещении. Оратория развилась одновременно с оперой и была задумана в виде противовеса последней, с её нехристианскими сюжетами; но главное назначение оратории — не сцена, а эстрада. Старейшей ораторией считается «Rappresentazione di anima е di corpo», написанная Эмилио дель Кавалиери (1600 г.). Однако с равным успехом это произведение можно считать музыкальной драмой на духовный сюжет, поскольку произведение исполнялось в костюмах и декорациях. Первым классиком жанра стал Джакомо Кариссими, который называл свои произведения не ораториями, а "историями" (наиболее знаменита "История Иеффая", около 1650). "Истории" Кариссими основаны на библейских и евангельских сюжетах; их тексты написаны на латинском языке, но не являются точными цитатами из Священного писания. Повествование ведет Рассказчик (Historicus), от первого лица выступают персонажи, исполняющие небольшие монологи (арии) и диалоги. Выдающимися композиторами в области старинной оратории были Лео и Хассе. Старинная оратория делилась на две части, в отличие от оперы, делившейся на три акта. Хоровая часть в оратории имела большое значение, хотя допускалось и пение соло. Оратории давали именно в те дни, когда оперные представления были запрещены. Оратория получила новый характер при Генделе; не говоря уже о внешней форме (деление на три части), в особенности увеличилось число арий. Духовные музыкально-драматические произведения Шютца и И. С. Баха, возникшие в протестантской церкви, не схожи по форме с ораторией, возникшей в церкви католической, но тем не менее многие также их называют ораториями. К авторам ораторий относятся ещё Граун, К. Ф. Э. Бах, Моцарт, Гайдн, Бетховен. В XIX веке жанр развит Мендельсоном. В XIX веке появилось понятие светской оратории, например, музыкально-драматические произведения Шумана, не предназначенные для сцены («Странствование розы», «Рай и Пери»). Немногочисленны русские оратории XIX века (С. Дегтярёв - автор первой русской оратории, Н. Заремба, А. Рубинштейн).

Большого размаха ораториальный жанр получил в советское время. Одним из выдающихся произведений той эпохи была "Патетическая оратория" Георгия Свиридова. Внецерковный вид традиционной оратории достиг наивысшего развития в творчестве Г.Ф.Генделя (1685-1759); его Мессия, Израиль в Египте, Саул, Иуда Маккавей, Соломон и Семела — это вершины мировой музыки. Оратории Генделя послужили толчком к настоящему возрождению хорового искусства в Англии; вслед за ними были созданы такие выдающиеся образцы жанра, как Сотворение мира и Времена года Й.Гайдна, Св. Павел и Илия Ф.Мендельсона. К жанру оратории обращались Р.Шуман (Рай и Пери; Фауст), Ф.Лист (Христос), Г.Берлиоз (Детство Христа; Осуждение Фауста), Э.Элгар (Сон Геронтия), И.Ф.Стравинский (Царь Эдип), А.Онеггер (Царь Давид).

Кантата.

Кантата (итал. cantata, от лат. саntare — петь) — название вокального произведения.

В первой половине XVII ст. вокальное сочинение для одного голоса (мадригал) называлось кантатой в отличие от инструментального сочинения, называвшегося сонатой. С развитием оперы в Италии развилась и форма кантаты, которая стала заключать в себе не один сольный вокальный номер, а несколько. В состав кантаты вошли: хоры, речитативы, арии, позднее дуэты с оркестровым сопровождением. Кантата получила развитие благодаря Кариссими, который считается её творцом. Кантата исполняется в концертах и церквах. Она бывает светского и духовного содержания. Отличие кантаты от оратории заключается в том, что в оратории больше драматизма и сольные номера относятся к известным личностям в сюжете оратории, а в кантате преобладает лирический элемент и сольные номера имеют более отвлеченный характер. Духовная кантата особенно развилась в протестантской церкви. Сочинение кантаты служит в консерваториях задачей для выпускных учеников-теоретиков.

Кантата (итал. cantata, от лат. canto — пою), крупное вокально-инструментальное произведение, обычно для солистов, хора и оркестра. Встречаются К. торжественного, радостного, лирического, скорбного, повествовательного характера; подразделяются на светские и духовные (религиозные). Обычно К. состоит из оркестрового вступления, арий, речитативов и хоров. К. близка к оратории, отличается от неё меньшими масштабами, отсутствием драматической разработки сюжета, преимущественно камерным характером.

К. возникла в Италии в 1-й половине 17 в. Вначале итальянская К. была сольной; позднее создавались К., близкие к оперным сценам. Расцвет итальянской К. относится к середине 17 в. и связан с творчеством композиторов Дж. Кариссими, А. Страделлы, А. Скарлатти и др. Итальянские К. были светскими; духовная К. сформировалась в Германии. Наряду с оркестром и солистами в ней большое значение приобрёл хор. Высокохудожественные образцы духовных и светских К. создал И. С. Бах. Первые русские К. возникли в 18 в. Во 2-й половине 19 в. ряд значительных произведений в жанре К. был создан русскими композиторами-классиками: П. И. Чайковским ("Москва"), Н. А. Римским-Корсаковым ("Из Гомера" и др.), С. И. Танеевым, С. В. Рахманиновым.

Романс.

Рома́нс в музыке — вокальное сочинение, написанное на небольшое стихотворение лирического содержания, преимущественно любовного. Термин "Р." возник в Испании ещё в средневековье и первоначально обозначал светскую песню на испанском ("романском", а не на латинском, принятом в церковных песнопениях) языке, вскоре вошёл в обиход и в других странах. В Р. мелодия теснее, чем в песне, связана со стихом, отражает не только общий его характер и поэтическую структуру, но и отдельные образы, ритмической и интонационной частности. Инструментальное сопровождение в Р. имеет важное значение, зачастую являясь равноправным с вокальной партией элементом единого целого. Жанровые разновидности Р. — баллада, элегия, баркарола, романс в танцевальных ритмах и др. Романсное стихотворение лишено твёрдых жанровых признаков: обычно небольшое лирическое произведение, строфическое, рифмованное, со стихами средней длины, с напевным типом интонирования (см. Мелодика стиха).

Расцвет Р. как синтетического музыкально-поэтического жанра начался во 2-й половине 18 в. в Германии, Франции и России. Большое влияние на его развитие оказало творчество крупнейших поэтов: И. В. Гёте, Г. Гейне, А. С. Пушкина.

История романса

Романс развился из Песни; - это произведение новейшего времени. Он появился и сформировался в XV век и XIX веках. В Россию романс пришёл из Испании и вскоре приобрёл национальные черты. Появился жанр русского романса, который быстро стал популярен на волне веяний романтизма. На его основе в первой половине XIX века ведущими российскими композиторами создаётся жанр цыганского романса, впоследствии доработанный и доведённый до высокого уровня самими цыганами. В России более всего популярна такая разновидность русского романса, как городской романс, авторский по способу создания, но фольклорный по способу бытования.

Черты вокального романса

По форме романс схож с песней; как и последняя, он пишется в коленном складе, но в нём необязательна та квадратура, та чётность тактов, которые преследуются в песне. В романсе допускаются отступления в виде так называемых расширений или вставок, переходов от одного колена к другому. Вокальная партия романса должна иметь ясное и рельефное мелодическое очертание и отличаться певучестью. Рефрен, или припев, в романсе чаще всего отсутствует. Хотя бывают и исключения, как , например, произведение А.С. Даргомыжского "Старый капрал" - романс с припевом в форме куплетной песни. [1]. В романсе следует обращать внимание больше на передачу общего настроения текста, чем на подробную иллюстрацию его деталей. Интерес должен главным образом лежать в мелодии, а не в аккомпанементе. Романс пишется для пения с аккомпанементом одного инструмента, преимущественно фортепиано и относится к разряду камерной музыки, хотя некоторые романсы аккомпанируются оркестром.

Основные жанровые признаки романса

Содержание романса не выходит за пределы лирики. Текст посвящён некоему переживанию, обычно любовному.

Романс характеризуется только одним лирическим настроением. Однако спектр эмоциональных состояний в романсе настолько велик, что каждый исполнитель и слушатель имеет возможность выбрать наиболее близкое ему. В связи с тем, что романс обычно выражает любовное переживание, он либо имеет, либо подразумевает адресата, а следовательно, изначально диалогичен в самом своём содержании. Наличие двух героев порождает одно из самых важных качеств романса — его интимность, камерность.Романс как вокально-поэтический жанр представляет собой трёхгранную структуру, в которой одинаково значимы слово, музыка и речь.

Композиторы романсов

Шуберт Франц, Роберт Шуман,Феликс Мендельсон,Иоганнес Брамс,Гуго Вольф,Эдвард Хагеруп,Жюль Масснел, Шарль Гуно,Моцарт, — лучшие представители романса на Западе. Из русских композиторов замечательные образцы в этом роде дали Алябьев, Варламов, Гурилёв, Верстовский, Михаил Иванович Глинка, Александр Сергеевич Даргомыжский, Александр Сергеевич,Рубинштейн,Кюи, Цезарь Антонович,Пётр Ильич Чайковский,Римский-Корсаков,Булахов,Сергей Васильевич Рахманинов,Георгий Васильевич Свиридов,Николай Карлович Метнер,Борис Прозоровскию пушкин.

Инструментальный романс

Форма романса перешла и в инструментальную музыку под названием «romance sans paroles» (= «song without words», «Lied ohne Worte», «песня без слов»): это — пьеса в коленном складе с преобладающим мелодическим значением. Такие романсы пишутся для фортепиано (см. Мендельсона) или для какого-нибудь другого сольного инструмента, с аккомпанементом.

Симфония.

Симфо́ния (от греч. συμφωνία — «созвучие») — жанр симфонической инструментальной музыки многочастной канонизированной формы фундаментального мировоззренческого содержания. СИМФОНИЯ, музыкальное сочинение для оркестра, обычно в трех или четырех частях, иногда с включением голосов.

Строение

Вследствие сходства по строению с сонатой, сонату и симфонию объединяют под общим названием «сонатно-симфонический цикл». В классической симфонии (в том виде, в котором она представлена в творчестве венских классиков — Гайдна, Моцарта и Бетховена) обычно имеется четыре части.

1-я часть, в быстром темпе, пишется в сонатной форме;

2-я, в медленном движении, пишется в форме вариаций, рондо, рондо-сонаты, сложной трёхчастной, реже в форме сонаты;

3-я — скерцо или менуэт — в трёхчастной форме da capo с трио (то есть по схеме A-trio-A);

4-я часть, в быстром темпе — в сонатной форме, в форме рондо или рондо-сонаты.

Программной симфонией называется та, которая связана с известным содержанием, изложенным в программе (выраженной, например, в названии или эпиграфе), — например, «Пасторальная симфония» Бетховена, «Фантастическая симфония» Берлиоза и пр. (подробнее см. программная музыка). Первыми ввели программу в симфонию Диттерсдорф, Розетти и Гайдн.

Происхождение.

В конце эпохи барокко ряд композиторов, например Джузеппе Торелли (1658-1709), создавали сочинения для струнного оркестра и basso continuo в трех частях, с последовательностью темпов "быстро — медленно — быстро". Хотя подобные сочинения обычно назывались "концертами", они ничем не отличались от сочинений под названием "симфония"; например, в финалах и концертов и симфоний использовались танцевальные темы. Различие касалось в основном структуры первой части цикла: в симфониях она была проще — это, как правило, бинарная двухчастная форма барочной увертюры, сонаты и сюиты (АА ВВ). Само слово "симфония" с 10 в. означало гармоничное созвучие; к концу 16 в. такие авторы, как Дж.Габриели, прилагали это понятие к созвучию голосов и инструментов. Позднее в музыке таких композиторов, как Адриано Банкьери (1568-1634) и Саломоне Росси (ок. 1570 — ок. 1630), слово "симфония" стало означать совместное звучание инструментов без голосов. Итальянские композиторы 17 в. часто обозначали словом "симфония" (sinfonia) инструментальные вступления к опере, оратории или кантате, и термин по смыслу приблизился к понятиям "прелюдия" или "увертюра". Около 1680 в оперном творчестве А.Скарлатти установился тип симфонии как инструментальной композиции в трех разделах (или частях), построенной по принципу "быстро — медленно — быстро".

Классическая симфония. Слушателям 18 в. нравились оркестровые пьесы в нескольких частях с разными темпами, которые исполнялись как в домашних собраниях, так и в публичных концертах. Утратив функцию вступления, симфония развилась в самостоятельное оркестровое произведение, обычно в трех частях ("быстро — медленно — быстро"). Использовав черты барочной танцевальной сюиты, оперы и концерта, ряд композиторов и прежде всего Дж.Б.Саммартини, создали модель классической симфонии — трехчастного сочинения для струнного оркестра, где быстрые части обычно имели форму простого рондо или раннюю сонатную форму. Постепенно к струнным прибавились другие инструменты: гобои (или флейты), валторны, трубы и литавры. Для слушателей 18 в. симфония определялась классическими нормами: гомофонная фактура, диатоническая гармония, мелодические контрасты, заданная последовательность динамических и тематических изменений. Центрами, где культивировалась классическая симфония, стали немецкий город Мангейм (здесь Ян Стамиц и другие авторы расширили симфонический цикл до четырех частей, введя в него два танца из барочной сюиты — менуэт и трио) и Вена, где Гайдн, Моцарт, Бетховен (а также их предшественники, среди которых выделяются Георг Монн и Георг Вагензейль подняли жанр симфонии на новый уровень.

Симфонии Й.Гайдна и В.А.Моцарта — блестящие образцы классического стиля. Части четко отделены друг от друга, каждая имеет самостоятельный тематический материал; единство цикла обеспечивается тональными сопоставлениями и продуманным чередованием темпов и характера тем. Струнные, деревянные духовые, медные духовые и литавры дают множество инструментальных комбинаций; лирическое начало, идущее от оперного вокального письма, проникает в темы медленных частей, разделов трио в третьих частях и в побочные темы других частей. Иные мотивы оперного происхождения (октавные скачки, повторения звуков, гаммообразные пассажи) становятся тематической основой быстрых частей. Симфонии Гайдна отличаются остроумием, изобретательностью тематического развития, оригинальностью фразировки, инструментовки, фактуры и тематизма; симфонии Моцарта отмечены богатством мелодики, пластичностью, изяществом гармонии и мастерским контрапунктом.

Среди немецких симфонистов-романтиков — Ф.Мендельсон, Р.Шуман и И.Брамс. Мендельсону, с его классичностью в областях формы и пропорций, особенно удались Третья (Шотландская) и Четвертая (Итальянская) симфонии, отразившие впечатления автора от посещения этих стран. Симфонии Шумана, на которые оказали воздействие Бетховен и Мендельсон, тяготеют к цикличности и одновременно к рапсодичности, особенно Третья (Рейнская) и Четвертая.

Романтическая симфония. С творчеством Бетховена симфония вступила в новый век. Свойственные его стилю резкие смены темпа, широта динамического диапазона, богатство образности, виртуозность и драматичность, иногда неожиданность появления и многозначность тем — все это расчистило путь композиторам романтической эпохи. Осознавая величие Бетховена, они стремились идти его путем, не теряя при этом собственной индивидуальности. Композиторы-романтики, начиная с Ф.Шуберта, экспериментировали с сонатной и другими формами, часто сужая или расширяя их; симфонии романтиков полны лиризма, субъективной экспрессии и отличаются богатством тембрового и гармонического колорита. Современник Бетховена Шуберт обладал особым даром создания лирических тем и необычайно выразительных гармонических последовательностей. Когда логика и упорядоченность классицизма уступили место субъективизму и непредсказуемости, характерным для искусства романтизма, форма многих симфоний стала пространнее и фактура тяжелее.

Соната.

Соната(итал. sonare — звучать) — жанр, а часто и форма — сонатная форма, инструментальной музыки, для камерного состава инструментов, как правило, соло или дуэта. Ряд инструментальных пьес, написанных для многих оркестровых инструментов, принято назывался не сонатой, а большим концертом (итал. concerto grosso). Словом Соната может называться собрание пьес в одно целое, потому что некоторые из этих пьес написаны в сонатной форме.

СОНАТА, музыкальная композиция для одного или нескольких инструментов. В классическом понимании термин относится к произведению для фортепиано соло либо для струнного или духовного инструмента с фортепиано, состоящему из нескольких самостоятельных частей. План составной многочастной сонаты и ограничение в употреблении термина только сольными произведениями сформировались во второй половине 18 в.

Слово "соната" часто употребляется также в составе термина "сонатная форма": в этом случае оно относится не к многочастному произведению, а к формальной структуре одной части сонаты. Сонатная форма встречается также в симфониях, концертах, трио, квартетах, квинтетах, даже в увертюрах и т.д.

История

Термин «соната» (итал. sonare — звучать) появился в XVI веке и обозначал любую инструментальную музыку, а также вокальный мотет, переложенный на инструменты, в противовес контаре (итал. cantare — петь). В это время сонаты исполнялись полифонически, например трио-соната для трёх инструментов — скрипки (или флейты), виолы да гамба и клавесина. В XVII веке термин уже приобрел современное значение, а сами сонаты разделились на два вида: церковные и камерные сонаты.[1] Наиболее известный композитор этого времени — А. Корелли. Эпоху в инструментальном творчестве составили сонаты Д. Скарлатти, Гайдна, Моцарта, Шуберта, Бетховена, Шумана, Шопена. Замечательны по своим художественным достоинствам сонаты русских и советских композиторов: Рахманинова, Скрябина, Метнера, Мясковского, Ан. Александрова, Прокофьева.

Г.Ф. Гегель и, особенно, И.С. Бах сделали вклад в написание сонат и применение для них фортепиано. Гайдн, Моцарт и М. Клементи подготовили, а Л. Бетховен произвёл переход сонат от размеров сжатых и небольших произведений до масштабных симфоний. В русской музыке фортепьянная соната достигает своего расцвета в конце XIX — начале XX в. трудами П. И. Чайковского, С. В. Рахманинова, А. Н. Скрябина и Н. К. Метнера. Сонаты для самых разных инструментов создали советские композиторы: С. С. Прокофьев, Н. Я. Мясковский, А. Н. Александров, Д. Д. Шостакович, А. И. Хачатурян, Д. Б. Кабалевский, М. С. Вайнберг, Р. К. Щедрин и другие. Все более сложными и разнообразными становятся в них и музыкальный язык, и принципы построения, и содержание.

Классификация

Виды сонат по назначению:

камерная соната (итал. sonata da camera), состоит из прелюдий, ариозо, танцев и пр., написанных в разных тональностях, исполнялись на концертах одним или двумя интрументами;

церковная соната (итал. sonata da chiesa), в которой преобладает контрапунктический стиль, исполнялись на богослужениях.

Строение сонатно цикла

Основная статья: Сонатная форма

Классический сонатный цикл (начиная со второй половины XVIII века) состоит преимущественно из трёх частей, реже из четырёх — в конце финал:

первая часть — в скором темпе в сонатной форме (редко в вариационной форме, например у Моцарта и Бетховена), состоит из:

экспозиция — завязка, определение начальных тем,

разработка — конфликт, дробление тем на мотивы и взаимодействие их,

реприза — формирование вывода,

кода (при наличии) — итоги;

вторая часть — в медленном темпе, либо сонатная форма без разработки, либо сложная трёхчастная форма (в прошлом в простейшей форме рондо);

третья часть — менуэт, введённый Гайдном, или скерцо, введённое Бетховеном, в форме песни с трио;

четвёртая часть — финал, используется в более сложной форме рондо, сонатной или в рондо-сонатной, реже вариационной форме. В сонатах Шопена медленная часть и скерцо меняются местами. Лист создает одночастные сонаты типа музыкальной поэмы (соната «По прочтении Данте»). В их основе лежит очень широко развитая сонатная форма с многими темами, их преобразованиями и контрастными эпизодами.

Сонатная форма характеризуется присутствием двух или более тем (или тематических групп), контрастных по характеру, по тональности изложения (главная и побочная партии), между ними помещаются связующие разделы — это экспозиция формы; далее следует развитие тем или их звеньев в разных тональностях — разработка; наконец наступает возвращение двух основных тем, причем обе они звучат в одной тональности — реприза. Экспозиции иногда предшествует вступление, возможно, предвосхищающее по своему материалу появление основных тем; после репризы иногда следует дополнительное обобщение развития, заключение — кода. В разработке разделы, в которых варьируются основные темы, перемежаются с т. н. эпизодами и моментами переходного характера. Экспозиция и реприза содержат по сути один и тот же тематический материал, но для экспозиции типичен прежде всего контраст между основными темами, их "борьба", а для репризы — "примирение". В ранней сонатной форме экспозиция, а также разработка вместе с репризой повторялись. Когда разработка разрослась (что имеет место во многих сонатах Гайдна, Моцарта и Бетховена), ее повторение вместе с репризой оказалось излишним, хотя повторение экспозиции еще довольно долго оставалось непреложным правилом.

Прелюдия.

Прелюдия (от лат. prae… — перед и лат. ludus — игра) — короткое музыкальное произведение, не имеющее строгой формы. В период зарождения, прелюдии всегда предшествовали более длинному, сложному и строго оформленному произведению (отсюда название), но впоследствии композиторы стали писать прелюдии и как самостоятельные произведения. В прелюдиях часто встречается остинато, в целом прелюдии по стилю похожи на импровизацию.

Прелюдия, прелюд (позднелат. praeludium, от лат. praeludo — играю предварительно, на пробу, делаю вступление), инструментальная музыкальная пьеса, преимущественно сольная. Первоначально П. представляла собой небольшое вступление к какой-либо музыкальной пьесе, исполнявшееся на лютне, струнном клавишном инструменте или органе. Для П., в особенности ранней, характерны импровизационность, свободное развёртывание, фигурационная разработка материала, применение от начала до конца единого типа фактуры, сближающее её с жанром этюда. Такие пьесы часто носили и др. названия, например преамбула, интрада, ричеркар, фантазия и т.п. С 18 в. П. стали создаваться и как самостоятельные пьесы главным образом для струнного клавишного инструмента; в то же время, прежде всего в творчестве И. С. Баха, сложился устойчивый малый цикл прелюдия — фуга. Бах утвердил также тип большого цикла прелюдий и фуг, охватывающий все мажорные и минорные тональности (1-й и 2-й тома "Хорошо темперированного клавира"). Подобные циклы создавались и впоследствии ("24 прелюдии и фуги" Шостаковича для фортепиано). Возник и цикл только прелюдий, также во всех тональностях (произведения Ф. Шопена, А. Н. Скрябина, К. Дебюсси, Д. Б. Кабалевского и др.)

История

Первыми прелюдиями были произведения для лютни эпохи Возрождения. Это были короткие вступления, предшествовавшие крупным пьесам. Лютнисты часто играли прелюдии, чтобы проверить настройку инструмента или акустику помещения перед выступлением. В XVII веке во Франции начали появляться клавишные прелюдии: в качестве вступлений к частям клавесинной сюиты использовались прелюдии, в которых длительности нот оставались на усмотрение исполнителя. Первым композитором, использовавшим такой жанр, стал Луи Куперен, после него клавесинные прелюдии без обозначения длительностей писали многие композиторы до первой половины XVIII века. Среди них были Жан Анри Д’Англьберт, Элизабет Жаке де ля Герр, Франсуа Куперен и Жан Филипп Рамо, первое опубликованное произведение которого было именно прелюдией. Последние такие прелюдии датируются 1710-ми годами.

Развитие формы прелюдии в Германии XVII века привело к появлению многочастных прелюдий, похожих на клавирные токкаты Иоганна Якоба Фробергера или Джероламо Фрескобальди. В прелюдиях северо немецких композиторов, таких как Дитрих Букстехуде или Николай Брунс, сочетались свободная импровизация и части, написанные по строгим канонам контрапункта (обычно это были миниатюрные фуги). Вне Германии такую модель прелюдии использовал Авраам ван-дер-Керкховен, один из наиболее известных голландских композиторов той эпохи. Южно- и центрально немецкие композиторы не следовали такому способу построения прелюдий, и их произведения оставались импровизационными, включая лишь небольшие элементы контрапункта или вовсе обходясь без него. В течение второй половины XVII века немецкие композиторы начали писать двойные произведения, объединяя прелюдию (или токкату) с фугой в той же тональности. Одним из первых таких композиторов был Иоганн Пахельбель, хотя прелюдии и фуги И. С. Баха более многочисленны и пользуются большей известностью сегодня. Органные прелюдии Баха крайне разнообразны, в них прослеживается как северо немецкое, так и южнонемецкое влияние.

Иоганн Каспар Фердинанд Фишер (ум. 1746) был одним из первых немецких композиторов, перенёсших французский музыкальный стиль конца XVII века на немецкую клавирную музыку, заменяя стандартную увертюру на прелюдию без длительностей нот. Сборник Фишера «Ariadne musica» — это цикл клавирных произведений, состоящий из прелюдий с фугами; прелюдии здесь разнообразны и не подчиняются какой-то общей модели. Этот цикл стал предшественником более известного цикла И. С. Баха, «Хорошо темперированного клавира», состоящего из двух томов, содержащих по 24 прелюдии и фуги. Прелюдии Баха также разнообразны, некоторые напоминают танцы эпохи Барокко, а некоторые содержат двух- или трёхголосный контрапункт.

«Хорошо темперированный клавир» оказал влияние почти на всех значительных композиторов последующих эпох, многие из них написали свои циклы из 12 или 24 прелюдий, которые располагались, как и у Баха, по тональностям. Фредерик Шопен написал цикл из 24 прелюдий без фуг (Op. 28), освободив, таким образом, прелюдию от её изначального предназначения вступительной пьесы. С тех пор многие композиторы писали прелюдии как самостоятельные произведения: особенно большое влияние на последующих композиторов оказали два тома импрессионистских прелюдий Клода Дебюсси. Форму прелюдий использовали и некоторые композиторы XX века, когда сочиняли «сюиты», навеянные музыкой Барокко. Такими были прелюдии Мориса Равеля (цикл «Могила Куперена», 1914—1917) и Арнольда Шёнберга (сюита для фортепиано Op. 25, 1921—1923).

Фуга.

Фу́га (от лат. fuga — «бегство», «погоня») — музыкальная форма, являющаяся наивысшим достижением полифонической музыки. В фуге присутствует несколько голосов, каждый из которых в соответствии со строгими правилами повторяет, в основном или изменённом виде, тему — короткую мелодию, проходящую через всю фугу.

Строение

Тема

Вся фуга строится вокруг короткой мелодии — темы. Диапазон темы обычно не превышает октавы. Тема не должна быть длинна, чтобы её можно было легко запомнить и узнавать в течение всей фуги; длинная тема возможна только в том случае, когда она имеет характер секвенции. Для темы достаточно 3, 4 или 6 тактов, в зависимости от темпа. В скором темпе возможна тема и в восемь тактов. Начальным звуком темы обычно служит I или V ступень лада — один из звуков, наиболее ясно определяющих тональность произведения. Тема может не иметь ярко выраженного завершения; иногда же она заканчивается четким кадансом в основной или доминантовой тональности. Характерной можно назвать ту тему, которая запоминается своеобразным сопоставлением интервалов и разнообразным, но не пёстрым ритмом. В простой фуге тема должна быть одноголосной. Существуют правила написания темы строгого стиля:

Диапазон темы не должен превышать октавы.

Запрещено использование подряд трёх больших секунд, а также использование увеличенной секунды и тритона. Рекомендуется использовать скачки на терцию, кварту, квинту, октаву.

При скачке должна быть подготовка и последующее заполнение. Подготовка — противоположное скачку движение. Заполнение — противоположное скачку продолжение.

Тема должна состоять из нечётного количества тактов.

Мелкие длительности не должны встречаться на сильной доле.

Мелодике темы часто бывает свойственна так называемая «скрытая полифония». Это явление выражается в том, что между отдельными звуками темы возникает мелодическая связь на расстоянии. Линия одного голоса как бы разделяется на две или три мелодические линии. Это осуществляется в результате скачков, либо с возвращением к исходному звуку, либо разделяющих мелодически близкие друг к другу звуки.

Многоголосие

Фуги состоят из нескольких самостоятельных голосов (обычно от 2 до 5) и распадаются на три части: экспозицию, разработку и репризу. Экспозиция содержит первоначальное изложение темы последовательно во всех голосах. Иногда используются дополнительные проведения, которые во всех голосах образуют контроэкспозицию. Мелодические построения между проведениями называются интермедиями. Они используются во всех частях фуги, в экспозиции же интермедия чаще всего используется между вторым и третьим проведением темы. Разработка начинается с проведения темы в новой тональности. Строение этой части не типично, поэтому можно выделить лишь общие закономерности её структуры. Из тональностей наиболее употребительными являются параллельные использованным в экспозиции, а также доминантовая и субдоминантовая тональность. Большее значение приобретают интермедии. Широко используются тематические преобразования: обращение темы, её увеличение или уменьшение.

Реприза обычно начинается с проведения темы в главной тональности и может не выходить за её рамки, но иногда используется и доминантовая тональность. Нередко важное значение приобретает субдоминантовая тональность, с которой может даже начаться реприза. По размеру реприза чаще всего короче экспозиции, но не ограничивается одним проведением. Кодой называется заключительное повторение фуги, иногда возникающее после заключительного каданса в главной тональности.

Варианты формы

Фуга бывает сопровождаемой, когда аккомпанемент или подкрепляет голоса фуги, или же идёт самостоятельно, поясняя её гармоническое содержание. Есть фуга с генерал-басом (basso continuo), который двигается самостоятельно, без темы фуги, не составляя её голоса. Фугированным хоралом называется фуга, в которой строфа хорала служит темой. Хорал с фугой, или хоральная фуга, состоит в том, что аккомпанементом хоральной мелодии служит фуга, причём строфы хорала появляются не непосредственно одна за другой, а с большими промежутками. Если в фуге появляются гомофонные эпизоды, но всё же преобладает строгий фуговый стиль, то последняя называется свободной фугой. Эту форму не следует путать с фугато, которое есть только отрывок фуги, появляющийся посреди какого-нибудь гомофонного сочинения как полифонический приём для возбуждения интереса.