Символический характер средневекового искусства.

Важнейшей чертой средневекового искусства является символизм. Скульптурный или живописный образ - это прежде всего символ, некая религиозная идея, запечатленная в камне или красках. Символичен весь образный строй средневекового искусства (длинные, почти бесполые тела апостолов и святых выражают идею о преодолении духовным началом грешной материи - плоти).  Разномасштабность фигур - еще одна особенность средневекового искусства. Размер фигур определялся иерархической значимостью изображенного (что, кстати, позволяло легко "узнавать" изображенные персонажи). Христос всегда больше апостолов и ангелов, которые, в свою очередь, больше простых мирян.   XI - XII вв. в Западной Европе - это период наибольшего могущества церкви. Создателями романского стиля стали монастыри и епископские города. Церковь в этот период сводила задачу искусства к необходимости показывать не зримую красоту, а подлинную красоту духа. Эстетический идеал, возникший в романском искусстве, вся образно-смысловая система романики призваны были решить поставленную задачу. Контраст между тяжеловесными, приземистыми очертаниями собора и духовной экспрессией его образов отражал христианскую формулу красоты - идею превосходства духовного над телесным. Романский собор являл собой символ твердыни человеческого духа в искусстве. Архитектура, росписи, рельефы дверей необходимо дополняли друг друга, составляя единство, основанное на подчинении малого большому, отражая принцип средневековой иерархии. Росписи романского храма создают особый замкнутый мир, где мирянин становился участником изображенных сюжетов. Драматизм и экспрессивность, напряженная духовная выразительность живописных образов, характерные для романской живописи (сцены Страшного суда, борьба между ангелами и дьяволом за человеческие) оказывали огромное эмоциональное воздействие, отражая идею греховности мира, идею искупления и спасения. Плоскостное, двухмерное изображение росписей и скульптуры романского стиля, обобщенность форм, нарушение пропорций, монументальная значимость образов символизировали вневременное, вечное в понимании мира. Витраж открыл новые возможности для средневекового художника. Христианство придавало свету божественное и мистическое значение. Свет, льющийся с неба, символизировал идущий от Бога свет. Игра света, проникающего через витраж, уводила мирян от всего конкретного, земного, вела к неосязаемому, светозарному. Витраж как бы приглушал телесность, выразительность, конкретность образов готической пластики. Светоносность внутреннего пространства собора как бы лишала материю непроницаемости, одухотворяла ее. Образы: арфа – прославление бога, башня – целомудрие, веревка – предательство, весы – ст суд, колокол – призыв к молитве, жаба – грех, ветвь оливы – мир.

Специфика иконописи, мозаики и фресочной живописи Византии. Византийское искусство складывалось на почве культуры Греции, Палестины, Египта. Периоды императора Юстиниана (4-7в), иконоборческий (8-9), македонского возрождения (9-10), Палеологовский ренессанс (с 1361 –Михаил Палеолог отнял у латинян Константинополь – до 1453). Для искусства Византии характерна каноничность. Оно глубоко символично. По византийскому канону иконы сочиняют святые отцы, а иконописец – лишь исполнитель. В изображении нет движения, оно статично, лишено перспективы, ракурса, глубины. Дамаскин. По его мнению, можно изображать невидимое и бестелесное, но в символическом или аллегорическом виде. Тем более можно и даже нужно изображать то, что существовало в земной жизни — сцены из Евангелия, из жизни святых, Богоматерь и Христа в том виде, какой они имели на земле. Нельзя писать на иконах только Бога-Отца, поскольку никто из смертных не видел его в человеческом облике. Изображения необходимы: они заменяют книги неграмотным, напоминают о священных событиях и вызывают желание подражать их героям, возвышают человеческий ум к духовному созерцанию, украшают храмы. Иконам надо поклоняться, но поклонение относится не к самой иконе, её дереву и краскам, не к искусству художника, но к «первообразу», т. е. оригиналу иконы. При этом Иоанн Дамаскин решительно заявил, что икона — не картина, а священный предмет. Фресковая живопись Византии почти не сохранилась. Более долговечными и типичными для византийского стремления к красочности и великолепию оказались мозаики. Известны два вида укладки мозаики —прямой и обратный наборы. В первом случае изображение выкладывается непосредственно на поверхности и закрепляется в штукатурном слое. Это самая древняя техника, именно она была характерна для византийской мозаики. Византийская мозаика - это прежде всего мозаика из смальты. Именно византийцы разработали технологию производства смальты. С помощью добавления в сырьевую стекломассу различных металлов (золото, медь) научились изготавливать несколько сотен различных цветов смальты. И все же основным мозаичным элементом стали кубики - именно композиции из аккуратно выложенных мелких и более-менее одинаковых по размеру кубиков создали славу византийским мозаикам. Наиболее древние сохранившиеся образцы византийских мозаик относятся к III-IV векам. Наиболее известными византийскими мозаиками являются мозаики Равенны и изображения Айя-Софии (Константинополь). Если римская мозаика решала наряду с эстетическими задачами чисто функциональные проблемы, византийская стала главным элементом художественной отделки соборов, и визуальные задачи вышли на первый план. Римские мифологические образы сменились грандиозными по замыслу и реализации монументальными полотнами на библейские сюжеты. Христианские истории стали центральной темой мозаик. Особенностью византийских мозаик в храмах стало использование золотого фона. Мозаики выкладывались методом прямого набора. Создавалось единое и живое золотое поле, мерцающее. Неповторимость игры оттенков цвета и отражений света на золотом фоне создавало эффект движения всей картины. Обязательным для византийских мастеров стал технический прием выполнения контуров тел, объектов, предметов. Контур выкладывался в один ряд кубиков и элементов со стороны фигуры или объекта, и также в один ряд - со стороны фона.

Общая характеристика готического стиля. Готика была первым самобытным архитектурным стилем, родившимся в Сев Европе. Романский стиль впечатлят приземистой массивностью форм – толстые стены, мощные колонны оставляли мало места свету, что делало церкви мрачными, подвергавшими в благоговейный трепет. В середине 12 века во Фр возник новый тип сооружений. При том, что их шпили касались небес, они были более изящными и легкими. Внутри – высота и свет. Впервые стиль был воплощен при строительстве церкви Сент-Дени. Здание построили в 1144по заказу аббата. Не известно, кому принадлежала идея. С технической тз, готика была системой, позволяющей использовать менее массивные конструкции для обеспечения устойчивости более высоких зданий. Это стало возможно благодаря стрельчатой арке, ребристому своду и мощному контрофорсу со связующими косыми арками. Решающим для развития готики было открытие, что вес и давление кладки могут концентрироваться в определенной точке, и, если в этих местах ее поддерживать, то другим элементам необязательно быть несущими. В результате оказалось много открытого пространства. Еще одним достижением стал арочный контрфорс, выдерживающий нагрузку свода, направленного наружу. Контрфорсы располагались на определенном расстоянии и соединялись с кладкой стены узкими арками. Пространство между костями каркаса могло быть застеклено или заполнено скульптурами. Ажурная каменная работа – еще одна характеристика готики.

Собор Парижской Богоматери проявляет двойственность стилистических влияний: с одной стороны, присутствуют отголоски романского стиля со свойственным ему мощным и плотным единством, а с другой, — использованы новаторские архитектурные достижения готического стиля, которые придают зданию легкость и создают впечатление простоты вертикальной конструкции. Существует гипотеза, что прототипом при планировке собора послужило созвездие Ориона, о чем свидетельствуют характерные пропорции здания в плане и специфические по форме пристройки в алтарной части здания. Скульптура играла огромную роль в создании образа готического собора. Во Франции она оформляла в основном его наружные стены. В формальном отношении готическая скульптура самостоятельная. Она не подчинена в такой степени плоскости стены и тем более обрамлению, как это было в романский период. В готику активно развивается круглая монументальная пластика. Скульптура Поздней готики испытала большое влияние итальянского искусства. Примерно в 1400 г. Клаус Слутер создал ряд значительных скульптурных работ для Филиппа Бургундского, такие как Мадонна фасада церкви погребения Филиппа. В Германии хорошо известны работы Адама Крафта. Готическое направление в живописи развилось спустя несколько десятилетий после появления элементов стиля в архитектуре и скульптуре. Одним из основных направлений готической живописи стал витраж, который постепенно вытеснил фресковую живопись. Техника витража осталась такой же, как и в предыдущую эпоху, но цветовая палитра стала гораздо богаче и красочней, а сюжеты сложнее — наряду с изображениями религиозных сюжетов появились витражи на бытовые темы. Кроме того в витражах стали использовать не только цветное, но и бесцветное стекло. На период готики пришёлся расцвет книжной миниатюры. С появлением светской литературы (рыцарские романы ) расширился круг иллюстрированных рукописей, также создавались богато иллюстрированные псалтыри для домашнего употребления. Художники стали стремиться к более достоверному и детальному воспроизведению натуры. Яркими представителями готической книжной миниатюры являются братья Лимбурги, создавшие «Великолепный часослов герцога Беррийского». Развивается жанр портрета — вместо условно-отвлечённого изображения модели художник создаёт образ, наделённый индивидуальными, присущими конкретному человеку чертами. Завершается почти тысячелетнее господство византийских канонов в изобразительном искусстве. Джотто в цикле фресок Капеллы Скровеньи изображает людей в профиль, помещает на первом плане фигуры спиной к зрителю, нарушая табу византийской живописи на любой ракурс кроме фронтального. Он заставляет своих героев жестикулировать, создаёт пространство, в котором движется человек. Новаторство Джотто проявляется и в его обращении к человеческим эмоциям.

Общая характеристика романского стиля. Этимология самого понятия «романский стиль» восходит к 19 веку, когда исследователям удалось найти общие и схожие черты того периода с архитектурой древнего Рима: полуциркульные арки, своды. К началу 11в церковь завладела огромным количеством земель, получая их главным образом в виде даров. Значительный доход приносили пожертвования паломников. Паломничество к святым местам принимало такой оборот, что началось строительство храмов и церквей, где можно хранить выставлять напоказ реликвии. Так церковь стала могущественным покровителем искусств. Почти все архитектурные строений той эпохи создавались в стиле, похожим на Др Рим. В 12 веке церковь ввела строгую регламентацию того, что и в каком стиле изображать. Святой Бернард Клервоский подверг критике некоторые образы за показную роскошь. До наших дней дошло немого картин светского содержания. Мастера редко подписывали такие свои творения. В средние века живопись являлась самым действенным способом донесения постулатов веры. Как и украшение церковных интерьеров. При создании фресок краски наносились прямо на влажную штукатурку, помогая не тускнеть цвету несколько веков. Росписи стен Сен-Савен фигуры не очень статичны. В иллюминированных инициалах часты религиозные сюжеты; самый известный из манускриптов 12 века был создан в Винчестере. Эта библия состояла из 2 томов, но потом расшили на 4. Над ней работали не менее 6 живописцев, которым были даны условные имена: Мастер инициалы к Бытию и тд. Одним из величайших достижений стало возрождение монументальной скульптуры. Главным ее предназначением было украшение храмов и наставление к вере. Каменными барельефами и резьбой украшались капители колонн и арочные обрамления порталов. Возродилась и бронзовая скульптура, главым образом в виде барельеф литья на церковных дверях. Характерным элементом романского стиля являются монастырские комплексы, храмы из камня. Типично романским архитектурным сооружением принято находить выделяющиеся правильные геометрические формы, острые и заметные углы, скромное внешнее оформление, само здание органично сочетается с остальной застройкой, стены величественны и массивны, окна небольшие, большие углубленные порталы. Главной же характерной чертой романского стиля считается каменный свод. Здание всегда тщательно вписывалось в окружающую природу и поэтому выглядело особенно прочным и основательным. Этому способствовали массивные гладкие стены с узкими проёмами окон и ступенчато-углубленными порталами. Наиболее часто встречающейся постройкой того времени являются храм- крепости. Доминирующим архитектурным моментом того времени становится башня, - донжон. Вокруг неё, подобно центру, остальные постройки, которые также исполнены в правильных геометрических формах. Из других характерных признаков можно отметить толстые стены, прорезанные маленькими окнами, призванные воспринимать распор от купола, если таковой имеется, преобладание горизонтальных членений над вертикальными, в основном, циркульные и полуциркульные арки. В это время начинает появляться новый тип храма, который получил название базилика. К наиболее известным памятникам романского стиля принято относить: Аббатство Мария Лаах (Германия), Пизанский собор (Италия), Кайзерский собор.

Древнерусская иконопись. Процесс создания иконы сложен. Умело выбиралась доска. На ее поверхность наносился горячий рыбий клей, плотно приклеивался новый холст- наволока. На наволоку в несколько приемов накладывался левкас (основание для живописи), приготовленный из растертого мела, воды и рыбьего клея. Левкас сушился и полировался. Древнерусские иконописцы использовали натуральные красители- местные мягкие глины и твердые драгоценные камни. Для приготовления красок камни измельчали в порошок, добавляли желток. Иконописцы варили из льняного или макового масла олифу, которой покрывали живопись икон. Особое место принадлежало мозаичным иконам; они отражали стиль современной им настенной живописи церквей. Огромное значение в иконописи имеют цвета красок. Важное место занимали всевозможные оттенки небесного свода. Иконописец знал великое многообразие оттенков голубого. Пурпурные тона используются для изображения небесной грозы, зарева пожара, освещения бездонной глубины вечной ночи в аду. Феофан Грек расписал церковь Архистратига Михаила в 1399 году, а в 1405г. - Благовещенский собор со своим учеником Андреем Рублевым. Андреем Рублевым и под его руководством было расписано много храмов, а так же нарисован целый ряд деисусных, праздничных и пророческих икон. От работ А. Рублева в Успенском соборе до наших дней дошли иконы иконостаса, составлявшие единый ансамбль с фресками, частично сохранившимися на стенах храма. Следующей важнейшей работой А. Рублева явился так называемый Звенигородский чин (между 1408 и 1422 гг. Чин состоит из трех поясных икон: Спаса, архангела Михаила и апостола Павла. Следующей грандиозной работой А. Рублева было создание в 1427-1430 гг. росписи Спасского собора Спасо-Андронникова монастыря в Москве. Главный образ всего древнерусского искусства - образ Иисуса Христа, Спаса. Традиционно на любом его изображении по обеим сторонам от головы расположены буквы IC XC - обозначение словом его личности, сокращенное обозначение его имени. Также окружает головы Спаса нимб - символическое изображение исходящего от него света, света вечного, потому и обретающего круглую безначальную форму. Нимб этот в память о принесенной им за людей крестной жертве всегда расчерчен крестом. Очень важным и распространенным типом изображения Спаса в древнерусском искусстве был тип, получивший название "Спас Вседержитель". "Спас Вседержитель" - это поясное изображение Иисуса Христа в левой руке с Евангелием - знаком принесенного им в мир учения - и с правой рукой, деснице, поднятой в жесте благословения. Рядом с образами Спаса стоят образы Богоматери - Девы Марии. Предание гласило, что первые иконы Богоматери были созданы еще при ее жизни, что их написал один из апостолов, Лука. В центре иконы располагается поясное изображение Богоматери с младенцем на руках, который прижимается к ее щеке. Сын: в его лике, в его обращенном к матери взгляде таинственно слились детская мягкость и глубокая мудрость.

Древнерусская мозаика, фреска и ювелирное искусство.Драгоценные камни издавна на Руси назывались самоцветы. Драгоценные камни украшали княжеские диадемы, медальоны. Широко использовались золото и серебро. Эти материалы тягучи, ковки, и это облегчает их обработку. «Слово» рассказывается о золотых седлах, золотых стременах.Для ювелирного искусства Киева характерны произведения, украшенные выемчатой и перегородчатой эмалью. Техника выемчатой эмали заключается в следующем: на орнаментируемой поверхности делаются углубления соответствующей формы, предназначенные для того или иного цвета, затем на поверхность наносится эмаль; после обжига расплавленная эмаль заполняет эти углубления. Техника перегородчатой эмали: лист золота, предназначенный для покрытия эмалью, загибается по краям, затем на внутренней его поверхности выполняется шилом пунктирный рисунок и намечаются границы для каждого цвета отдельно. Следуя линиям накола, эмальер выкладывал по ним весь рисунок тонкими золотыми ленточками. Пространство между ленточками заполнялось эмалевым порошком. После обжига порошок расплавляется и заполняет все пространство между перегородками, плотно связываясь с основой. Затем готовое произведение полируется и получает зеркальную поверхность.Одновременно с производством перегородчатых эмалей развивалось сканное дело. Техника «скани», или «филиграни» имеет две разновидности. Одна и них заключается в том, что из свитых или скрученных золотых нитей, сплющенных молотком в ленточку, выкладывался узор. Второй способ состоит в употреблении волоченной или тянутой золотой проволоки. Этой проволокой выкладывается орнамент, который укрепляется путем припоя. К произведениям ювелирного искусства, выполненным с применением скани, перегородчатой эмали относятся колты - головные женские украшения. Для высшего духовенства киевские ювелиры создавали кресты-энколпионы. Они служили вместилищем мощей, их носили поверх одежды.Мозаика. Мозаика, особый вид монументальной живописи, которая создается из долговечных материалов: маленьких камешков или кусочков непрозрачного цветного стекла- смальты. Мозаика особенно раскрывает свою красоту на изогнутых поверхностях, под сводами храма, любит косые света. Размещенные под разными углами кусочки смальты переливаются различными оттенками и создают красивое волнующее зрелище. В этом можно убедится, побывав в Софийском соборе в Киеве, где находится мозаичное изображение Богоматери.Фреска.В переводе с итальянского слово «фреска» означает «сырой».Это живопись по сырой оштукатуренной стене красками, которые разводятся водой. Высыхая, известь плотно соединяется с красочным слоем. На Руси художники расписывали стены соборов, храмов, церквей. К расписыванию храма приступали лишь через год после его постройки. Это делалось для того, чтобы стены хорошо просохли. Роспись обычно начинали весной и старались завершить в течение одного сезона. Росписи древнерусских соборов и церквей отличаются неповторимым своеобразием. В знаменитом Софийском соборе в Киеве образы святых и сцены из их жизни монументальные и величественны. В Новгороде вырабатывается свой особый стиль, проявившийся в суровой красоте и сдержанности новгородских фресок.Особым явлением древнерусской живописи стало явление книжной миниатюры. Древнейшая русская рукопись “Остромирово Евангелие” украшена изображениями евангелистов, яркие плоскостно наложенные фигуры которых сходны с фигурами апостолов Софии Киевской. Заставки заполнены фантастичным растительным орнаментом.

Искусство Ренессанса: хронологические рамки  и общие эстетические принципы. Основные  художественные школы итальянского Ренессанса. 15 (13) - 16вв в Италии и со временем захватило Возрождение весь мир. Эпоху Возрождения изменились человеческие ценности – возможности человека и вера во внутренние силы стали основой нового видения прекрасного. Помимо худ традиций, эта страна накопила богатств, а купцы и банкиры заказывали дворцы и картины. Сочетание роскоши и меценатства дало художникам развить свои таланты. Династия Медичей не жалела денег на свое увековечение. Так, Ботичелли в «поклонении волхвам» впервые изобразил покровителей художника. Искусство ренессанса вернулось к идеалам античности. Былые сюжеты и стили были переосмыслены в архитектуре, скульптуре и др видах искусства. Культура возрождения пропитана мечтой о новом человеке и его духовном развитии. Человек – микрокосмос, направленность человек на самого себя. Его судьба в его руках. Хронологические рамки итальянского возрождения: 13-14в – Треченто, 15 – Кватроченто (раннее), начало 16 – Чиквенченто (высокий). Треченто. Джотто ди Бондоне (росписи церкви Санта Кроче во Флоренции) над входом в капеллу дель Арена изо 38 сцен из жизни Христа и связал в единое целое. Вместо разобщненных фигур и отд сцен создал связный рассказ. Вмест золотого фона в мозаиках вводит пейзажный. Фигурф обретают объем и естественность, герои не парят в воздухе, а обретают почву. Симоне Мартини (из Сиены – сиенское искусство пронизано духов церковности, аристократична, произведения праздничеы, готичны). Черты готики: фигуры удлинены, на золотом фоне. Моделирует их светотенью (образ Мадонны из сцены «Благовещение»). Делал фрески п Палаццо Публико – фигура кондотьера Фольяно на коне. Лоренцетти – «Триумф смерти». Кватроченто. Век гуманизма. Геометрия, математика, анатомия. Именно тут складывается эстетика искусства Возрождения. Питает образы из Священного писания. Флорентийская школа – центра Кватроченто. Век медийской культуры (власть переходит к Медичи). Брунеллески (купол Флорентийского собора). Донателло (мраморный Давид – подчеркивает движение складками плаща). Создал первый конный монумент в Возрождении – Эразмо ди Нарни (глава наемных войск с жезлом в руке, нога лошади опирается на ядро). Вероккио (ученик Донателлло)– его Давид более изящен, предельно детализирован, что делает его Давида более монументальным. Мазаччо – было ясно, как помещать фигуры в пространство, как связать их с пейзажом, какова анатомия тела. «изгнание из рая» - полно драматизма: Адам закрывает руки от стыда, Ева рыдает. Первый решил проблемы линейной (вдаль уходят холмы, люди сочетаются)и воздушной перспективы (она создается между фигурами). Медийская культура. Липпи изо первый жену в образе Мадонны. Ботичелли – Рождение Венеры (декоративность, нарядность, романтичность, удлиненные фигуры, будто не касающиеся земли). «Весна». Расписывает стены Сикстинской капеллы. Умбрийская школа. Здесь не было больших городов и ярче были выражены средневековые традиции. Искусство Умбрии декоративно, лирично, религиозно. Важную роль играет колорит. Пьеро де Франческа. Умел передавать светосилу цвета. Фрески в церкви Сан франческо (приезд царицы Савской к Саломону), чувство ритма, величавость образов. Интересовалслся проблемами перспективы и оставил трактат. Падуанская. Преклонение перед античным искусством. Мантенья. Вводил в изо античные памятники. Смелость пространственных решений, фигуры всегда в сложных ракурсах. Изобразил семейный портрет Гонзага. Фреска плафона, изображающая в центре свода галерею с людьми, смотрящими сквозь перила, - первая иллюз декорация в зап-евр искусстве. «Распятие» из алтарного образа церкви в Вероне. Феррара, Косса, Тура – современники. Венецианская. Ее выгодное положение сделало ее богатой. Крестовые походы принесли новые доходы. Но в 13 в началась аристократизация ее полит строя, что задержало развитие.Пизанелло и Фабриано вместе расписали Дворец дождей. Карпаччо – серия картин на религиозный сюжет. Семейство Беллини. Джованни – его Мадонны простые, серьезные, непечальные, задумчивы (Мадонна с яблоками). Чиквенченто. Совпал периодом ожесточенной борьбы. Гуманизм, вера в собственные силы, прогресс. Да Винчи. Нет плоскости, светотеневая моделировка объема, одухотворенность образа. Мадонна с цветком (Мадонна Бенуа), Мадонна Литта (тяжелые полуопущенные веки, едва уловимая улыбка – тип красоты Леонардо).Укреплял и украшал миланскую крепость. «Мадонна в гроте (скалах)». Композиция лаконична, вымерена. Гуппа из 4 чел образ пирамиду; не пейзажный фот, а среда. Воздушная дымка, обвалак предметы – сфумато (обосенность его изображений). «Тайная вечеря». Портрет жены купца Джокондо Моны Лизы. Рафаэль – пластическое совершенство тела и многофигурная композиция, гармония среды и человека. «Мадонна Канестабиле» - простота и лаконизм. Все тончайшие оттенки чувств материнства соединяет с величавостью. «Мадонна в зелени». «Сикстинская мадонна» - младенец на руках. Расписывает первые 2 станцы комнат Папы. Фреска «Афинская школа» - Платон и Аристотель в окружении учеников. Во второй станце – фрески на историч и легенд сюжеты. Велечайший портретист эпохи (Лев 10). Микеланджело – «Вакх» и «Пьета». Изо Христа, распростертого на коленях Марии. Роспись плафона Сикстинской капеллы – история от сотворения мира. В центральных композициях – события первых дней. Работает над гробницей Медичи. Роспись «Страшный суд» в капелле – карающий Христос в центре , вокруг в движении грешники, встающие из могил. Мария (за людей) его боится. В Венеции – Джордоне(«Сельский концерт», «Спящая Венера»), Вечеллио («Праздник Венеры»), Тициан (огромные иконы Вознесение Марии, Мадонна Пезаро, античные темы - Пастух и Нимфа).

Сравнительная характеристика искусства Итальянского и

Северного Возрождения.Основные представители Северного Возрождения.

В XIII-XIV вв. В Нидерландах сложились вольные торгово-ремесленные города, развивается торговля. В конце XV в. Культурные центры Севера укрепляют свои связи с Италией. Тут прочнее сохранились старые традиции готического искусства. Борьба за гуманистические идеалы имела в северных странах более острый характер. художественная сила Нидерландов еще в средние века проявилась в миниатюрной живописи. Любовная прилежная поэтическая пристальность взора на мир была унаследована от миниатюры большой живописью XV века (начата Яном Ван Эйком). При этом появились новейшие художественные свойства: пристальный сосредоточенный взор на человека, в глубину его глаз. У нидерландцев нет чувства титанизма и всемогущества человеческой личности: они видят её ценность в бюргерской добропорядочности, в качествах, посреди которых не последнее место занимает смирение и благочестие, сознание собственной малости перед лицом мироздания. Нидерландские живописцы редко изображают людей с красивыми, правильными лицами. Итальянский гуманизм проникнут пафосом великого в человеке и страстью к классическим формам, нидерландцы приемлют и поэтизируют «среднего человека», им не достаточно дела до классической красы. Нидерландцы питают пристрастие к деталям. У нидерландцев отношение к вещественным деталям другое, религиозно-почтительное: они являются для них носителями тайного смысла. Меньшая сравнимо с итальянцами антропоморфность восприятия, преобладание пантеистического начала и ровная преемственность от готики сказываются во всех компонентах стиля нидерландской живописи. У итальянских кватрочентистов неважно какая композиция, как бы она ни была насыщена подробностями, тяготеет к более либо менее серьезной тектонике. Группы строятся наподобие барельефа, то есть главные фигуры живописец традиционно старается разместить на сравнимо узенькой передней площадке, в ясно очерченном замкнутом пространстве. У нидерландцев композиции менее замкнуты и менее тектоничны. Обожают игру линий, но полосы служат у них не скульптурным задачкам построения размера, а, быстрее, орнаментальным. Ннет отчетливой акцентировки центра композиции, усиленного выделения основных фигур. Внимание художника рассеивается по обилию мотивов. Складывается тип композиции, где нет центра, а пространство с традиционно высоким горизонтом и «слоистое», вроде как в китайской живописи, заполняется многими равноправными группами и сценами. При этом главные действующие лица оказываются где-нибудь в уголке. Подобные композиции встречаются в конце XV века у Иеронимуса Босха. Весьма важной особенностью Северного Возрождения было то, что оно происходило в период Реформации, а также то, что в культуре народов этих стран в силу исторических причин отсутствовало такое обилие памятников античности. По являются различные жанры светского музыкального искусства - фроттала и вилланелла в Италии, вильянсико в Испании, баллада Англии, мадригал, возникший в Италии, но получивший повсеместное распространение.Нидерланды. Ян ван Эйк – «Мадонна канцлера Роллена» - перед мадонной изо преклоняющийся канцлер. Вместо активного действия в своих картинах выдвигает созерцательность. Портрет супругов Арнольфини – особое внимание к мелким деталям, красота предметного мира (бронзовая люстра, лохматая шерсть собачки). Вейден – «Снятие с креста» - фигуры резкие, лица искожены горем, экспрессивность. Гус - алтарь Портинари (потрясение пастухов, скорбный облик Марии, почти физически ощущаемая пространственная пустота вокруг младенца). Босх – мрачные и мистические видения, демонология со здоровым юмором – «Корабль дураков». Брейгель Старший (Мужицкий) – пейзажи – «Зимний пейзаж» из цикла «Времена года», «Битва Карнавала и Поста», быт крестьянский жанр – «Крестьянский танец»; «Вифлиемское избиение младенцев» - резня в нидерландской деревне испанцами.Германия. Запаздало на столетие от Италии. 16в. Дюрер – наблюдение за природой, соотношение предметов в пространстве, человек в пейзаже. Тема смерти. «Страсти Христовы». Автопортреты, «Мадонна с четками». Гравюры «Всадник, смерть и дьявол», «Меланхолия» - крылатая женщина в окружении песочных часов, весов, колоколов и таких атрибутов. Ганс Гольбейн младший – портреты с натуры, безжалостные иногда, колористичные. Серия гравюр»Триумф смерти».Франция. 15в. Разрыв с готикой, характер придворной культуры.Фуке – придворный живописец. Всего в 2 цветах – син и крас – написана мадонна маленского диптиха, моделью кот послужила возлюбленная Карла 4 – что невозможно в средневек. Клуэ – портрет - умение показать главное в модели (портрет Франциско 1). Пилон – драматические, мрачные образы, богатство пластического языка.

Кризис Возрождения. Маньеризм. Позднее Возрождение характеризуется кризисом идеи гуманизма и сознанием прозаичности складывающегося буржуазного общества. Разочарование гуманистов происходит от грандиозного несоответствия реальности ренессансным представлениям о человеке. К концу XVI в. это разочарование стало повсеместным. В первой половине XVI в. публикуется сочинение Коперника о гелиоцентрической системе. Земля перестала быть центром мироздания. Человек стал маленьким и затерялся в бесконечной вселенной. Кризис гуманизма выразился также в создании утопий. Первые утописты Т. Мор и Т. Кампанелла были гуманистами. Утопией - по названию вымышленной Т. Мором страны - называют фантастическое, не имеющее корней в реальности устройство идеального общества. Маньеризмом называется течение в европейском искусстве XVI в. Оно происходит от итальянского слова maniera – «худ почерк». Маньеризм в своем наиболее общем выражении обозначает антиклассическое течение, сложившееся в Италии около 1520 г. и развивавшегося вплоть до 1590 г. Искусство маньеризма отходит от ренессансных идеалов гармонического восприятия человека, который оказывается во власти сверхъестественных сил. Мир предстает неустойчивым, шатким, в состоянии распада. Образы полны тревоги, беспокойства, напряженности, художник удаляется от натуры, стремится ее превзойти; средством исполнения служит сумма определенных приемов. Среди них – произвольная вытянутость фигур, сложный змеевидный ритм, нереальность фантастического пространства и света. Первый этап итальянского маньеризма охватывает 20-40-е гг. XVI в. и представляет собой сравнительно узкое течение, наиболее ярко воплощенное в живописи. Самым крупным и одаренным мастером сложной творческой судьбы был Якопо Понтормо. В его известной картине «Снятие со креста» композиция неустойчива, фигуры вычурно изломаны, светлые краски резки. Первое поколение маньеристов завершает Франческо Маццола, любил поразить зрителя: например, написал автопортрет в выпуклом зеркале. Намеренная нарочитость отличает его известную «Мадонну с длинной шеей». Второй этап маньеризма (1540 –1590 гг.) превращается в Италии в широкое течение, охватывающее живопись, скульптуру и архитектуру. Маньеризм становится придворно-аристократическим искусством, которое затем утверждается во Флоренции и Риме. Самый крупный мастер – художник двора Медичи Бронзино, особенно известный своими парадными портретами. В них отозвалась эпоха кровавых злодеяний и нравственного падения, охватившего высшие круги итальянского общества. Знатные заказчики отделены от зрителя невидимым расстоянием; застылость их поз, бесстрастие лиц, богатство одежд, жесты прекрасных праздных рук – словно внешняя оболочка, скрывающая внутреннюю ущербную жизнь. Созданный маньеризмом тип придворного портрета оказал влияние на портретное искусство XVI – XVII столетий в других странах, где он обычно развивался на живой, здоровой, подчас более прозаичной местной основе. Искусство маньеризма было переходным: уходила в прошлое эпоха Возрождения, наступало время нового европейского художественного стиля – барокко.

Художественно-эстетическое своеобразие барокко. В 16 в на смену эпохи Возрождения пришел вычурный маньеризм. Его динамичный преемник барокко господствовал в 17-18в. Характерно движение за реформирование и обновление католической церкви. Барокко стремится захватить и потрясти душу. Искусству присущ глубокий драматизм, а путем сочетания архитектуры, скульптуры, музыки достигались поразительные эффекты. Именно в это время зарождается опера. Беспокойный динамизм плавно изогнутых поверхностей и противоборство формы и пространства. Первый живописец – Караваджо – беспокойный нрав. Всю жизнь в бегах. Писал картины полного драматизма, показывая поворотные моменты в жизни. «Призвание св. Матфея». Отказался от символики, помещая необычные явления в обычную обстановку. Отказался от идеализации своих персонажей. Натурщики его – крестьяне и проститутки. Так, изображенный в «Призвании» мытарь выглядит как заурядный горожанин, подсчитывающий собранные им деньги. Писал прямо с натуры – что было непринято, тк остальные проводили тщательную проработку. Использование светотени. Караваджизм – созд им система – получил широкое распространение еще при его жизни. Подлинным титаном эпохи барокко был Рубенс («Снятие с креста», «Леда», автопортреты с женой). Для Барокко типична технака иллюзионизма. Напр., написанная на стене дверь или вид из открытого окна. Плафоны, созданные так, что невозможно разглядеть границы стен, над залом словно распахивается небо. Бернини – расносторонний гений барокко. Он поставил либретто, создал декорации, эскизы костюмов и изобрел сценические механизмы. Был архитектором собора св Павла в 26 лет. Его скульптуры помещали с спец созданный для них архитектурный интерьер – прием характерен для барокко. «Аполлон и Дафна». Создал Балдахин - 29м навес над престолом из бронзы. Возвел коллонады на площади св Петра. Фонтан 4 рек (Дунай, Нил, Ганг и Ла-Плату). Эрмитаж – влияние барокко – Растрелли. В первой половине 18 века отчасти как поздняя фаза барокко складывается стиль рококо. Классицизм все чаще подвергает барокко критике за «вычурность» и «безвкусие» (сам термин изначально нес негативный оттенок). Сходя на нет, барокко эпизодически возрождается в историко-романтических стилизациях (таких, как необарокко в зодчестве 19 века).

Художественно-эстетическое своеобразие классицизма. Классици́зм — художественный стиль в европейском искусстве XVII—XIX вв. В основе лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с таковыми же в философии Декарта. Художественное произведение должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное. Основой классицистического мировоззрения является онтологическое, вневременное, понимание красоты, убеждение в том, что красота вечна.Публичные памятники, получившие в эпоху классицизма широкое распространение, давали скульпторам возможность идеализации воинской доблести и мудрости государственных мужей. Верность античному образцу требовала от скульпторов изображения моделей нагими, что вступало в противоречие с принятыми нормами морали. Чтобы разрешить это противоречие, деятели современности поначалу изображались скульпторами классицизма в виде обнажённых античных богов. При Наполеоне вопрос решился путём перехода к изображению деятелей современности в античных тогах. Частные заказчики эпохи классицизма предпочитали увековечивать свои имена в надгробных памятниках. Популярности этой скульптурной формы способствовало обустройство публичных кладбищ в главных городах Европы. В соответствии с классицистическим идеалом фигуры на надгробных памятникахнаходятся в состоянии глубокого покоя. Скульптуре классицизма вообще чужды резкие движения, внешние проявления таких эмоций, как гнев. Главной чертой архитектуры классицизма было обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности. Архитектуре классицизма в целом присуща регулярность планировки и четкость объемной формы. Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности. Для классицизма свойственны симметрично-осевые композиции, сдержанность декоративного убранства, регулярная система планировки городов. Спокойные прямоугольные формы, сдержанное и в то же время разнообразное декоративное оформление, полный достоинства, но не вычурный вид, выверенные пропорции. Подражание античной архитектуре. Ясные геометрические формы, основанные на симметрии всех частей по отношению к продольной оси. В плане чаще всего круг, квадрат, прямоугольник. Ясность композиционного построения: главный корпус — боковые корпуса (флигели). Центральная часть главного корпуса подчеркнута ордерным портиком с треугольным фронтоном, нередко скульптурой. Фасады украшены лепниной, нижний этаж обычно рустован. Подчеркнута тектоника. Зрительное облегчение форм снизу вверх.

Эстетика классицизма благоприятствовала масштабным градостроительным проектам и приводила к упорядочиванию городской застройки в масштабах целых городов. В России практически все губернские и многие уездные города были перепланированы в соответствии с принципами классицистического рационализма. В подлинные музеи классицизма под открытым небом превратились такие города, как Санкт-Петербург, Хельсинки. Живопись. Пуссен. «Тайная вечеря», «Поклонение золотому тельцу», «Моисей младенец». Ему принадлежит та заслуга, что благодаря любви к классицизму, которую он умел внушить своим соотечественникам, на некоторое время был приостановлен развившийся у французских художников вкус к вычурному и манерному. Клод Лоррен. С большим мастерством изображал игру солнечных лучей, свежесть утра, полуденный зной. Фигуры, которыми обыкновенно оживлены его пейзажи, принадлежат, в основном, не его кисти, а его друзей — Лаури, Миля. Старался произвести впечатление красотой линий, уравновешенностью изображаемых масс, ясной градацией тонов в близких и дальних планах, эффектным контрастом света и тени. «Морской порт». Жак Луи́ Дави́д «Любовь Париса и Елены», «Наполеон на перевале Сен-Бернар».

Скульптура. Анто́нио Кано́ва «Амур и Психея», «Персей с головой медузы». Торвальдсен выполнил Надгробие папы Пия VII.Архитектура. Палладио выиграл конкурс на право перестройки городской ратуши XIII в. Палаццо делла Раджоне. Создал новый тип городского дворца — палаццо (трёхэтажное здание с величественным фасадом, выходившим на улицу, и уютным двором, композиционный центр здания был внутренний дом, обнесённый арочными галереями). В палаццо Кьерикати соединены черты небольшого дворца и общественного сооружения, элементы лоджии и палаццо. Два яруса больших дорических колонн в первом этаже и ионических во втором окружают в виде галерей анфилады залов с центральным большим залом во втором этаже, выходящем стеной на фасад. Виллы в окрестностях Венеции и Виченцы. Скамоцци – ученик его - участвовал в проектировании Зальцбургского собора, одним из первых применил бастионную систему укреплений, достраивал начатые Палладио в родном городе здания, включая театр Олимпико и виллу Капра. Роберт Адам - Кедлстон-холл. Клод-Никола Леду - павильон мадам дю Барри в Лувесьенне, возвел театр в Безансоне. Вокруг Парижа 50 таможенных застав сохранилось только четыре.