26. Средневековье. Теологический характер.

В западной художественной культуре первые два значительные направления отличаются в эпохе средневековья. 1) Первое направление романское искусство( 10-12вв.) Понятие "романский" происходит от слова "римский", в архитектуре культовых зданий романская эпоха заимствовала основополагающие принципы гражданской архитектуры. Романское искусство отличалось простотой, величественностью. 2) Второе направление - Готическое искусство. Понятие готика происходит от понятия варварский. Готическое искусство отличалось своей возвышенностью, готическим соборам было присуще стремление ввысь и характерен богатый наружный и внутренний декорум. Готическое искусство отличалось мистическим характером, богатым и сложным символическим рядом. Наружная система стен, большую площадь стены занимали окна, мелкая детализация.

Влияние церкви, пытавшейся подчинить себе всю духовную жизнь общества, определило облик средневекового искусства Западной Европы. Основным образцом средневекового изобразительного искусства были памятники церковной архитектуры. Главной задачей художника было воплощение божественного начала, а из всех чувств человека отдавалось предпочтение страданию, ибо, по учению церкви, это - очищающий душу огонь. С необычной яркостью средневековые художники изображали картины страданий и бедствий. За время с XI по XII в. в Западной Европе сменились два архитектурных стиля - романский и готический. Романские монастырские церкви Европы очень разнообразны по своему устройству и украшению. Но все они сохраняют единый архитектурный стиль, церковь напоминает крепость, что естественно для бурного, тревожного времени раннего средневековья. Готический стиль в архитектуре связан-с развитием средневековых городов. Главный феномен искусства готики - ансамбль городского собора, который был центром общественной и идейной жизни средневекового города. Здесь не только исполнялись религиозные обряды, но происходили публичные диспуты, совершались важнейшие государственные акты, читались лекции студентам университетов, разыгрывались культовые драмы и мистерии. Преобладание Евангельских сюжетов в ис-ве - витражи, фреска - библейский рассказ для неграмотных жителей. Готика - Собор Парижской Богоматери, Собор в Рейммсе. Романский стиль - Пизанский собор и пизанская башня.

27.

28.

29. БАРОККО. (От итал. barocco - причудливый, странный) - один из больших стилей. Главенствовал в архитектуре и искусстве европейских стран конца XVI - середины XVIII в.

Рубенс, Петер Пауль.

Туалет Венеры. 1612-1615. 124 x 98 см. Дерево, масло.

Барокко. Нидерланды. (Фландрия)

Родина барокко - Италия, где утверждение нового стиля означало конец Ренессанса с его гармоническим мировосприятием, верой в безграничные возможности человеческого разума и упорядоченность вселенского бытия. Главными характеристиками барокко стали масштабность, обилие декора, бурная динамика, стремление к иллюзорным эффектам в организации пространства интерьера - увеличение размеров помещений с помощью зеркал; высоты залов благодаря живописным плафонам, имеющим сложное решение перспективы. Все это отвечало новой картине мироздания - изменчивой, конфликтной, где отживающее и рождающееся находятся в постоянном противоборстве, а человек с его страстями, запутанным, сложным внутренним миром часто оказывается во власти иррациональных сил.

Яудервилле, Изак де.

Ученый в кабинете ("Melancholia secunda").

Фрагмент. Около 1630. Дерево (дуб), масло.

Барокко. Нидерланды (Голландия).

Не случайно барокко уходит от ясности и простоты, предпочитая геометрической строгости, прямой линии изысканную кривую; упорядоченному движению - вихреобразное; локальному цвету - мерцающие, меняющиеся под воздействием светотени золотистые тона или яркие, праздничные, неожиданно дисгармоничные в своем победном звучании.

Рубенс, Петер Пауль.

Похищение дочерей Левкиппа.

Около 1618-1820. 222 x 209 см.

Холст, масло. Барокко.

Барокко поражает эффектными интерьерами, напоминающими театральные декорации, контрастным сочетанием использованных для их отделки материалов и фактур, а порой и шокирующим включением в произведения искусства "реальных" деталей, например настоящих зубов и волос в женские статуи.

Веласкес, Диего. Венера с зеркалом (Венера Рокебю).

Около 1644-1648. 122,5 x 177 см.

Холст, масло. Барокко. Испания.

Стиль барокко создал неповторимую ансамблевость, свойственный только ему синтез архитектуры, монументального и декоративно-прикладного искусства. В каждой европейской стране барокко имеет свою специфику при сохранении основных особенностей стиля. Так, на родине, в Италии, этот стиль реализовался наиболее ярко и по времени раньше, чем, например, во Франции, где ведущая роль в XVII в. принадлежала классицизму.

КЛАССИЦИЗМ. (от лат. classicus - образцовый) - художественный стиль европейского искусства XVII-XIX вв., одной из важнейших черт которого было обращение к античному искусству как высшему образцу и опора на традиции высокого Возрождения. Искусство классицизма отражало идеи гармонического устройства общества, но во многом их утрачивало по сравнению с культурой Возрождения. Конфликты личности и общества, идеала и реальности, чувства и разума свидетельствуют о сложности искусства классицизма.

Художественным формам классицизма свойственны строгая организованность, уравновешенность, ясность и гармоничность образов.

АКАДЕМИЗМ. (Франц. academisme) - направление в изобразительном творчестве, связанное с деятельностью художественных учебных заведений - академий.

Алексеев, Федор Яковлевич. Красная площадь в Москве. 1801. 81,3 х 110,5 см. Холст, масло. Академизм. Россия. Москва. Государственная Третьяковская галерея

Первые академии художеств появились в Европе в XVI-XVII вв. Болонская академия основана около 1590 г., французская Королевская академия живописи и скульптуры - в 1648 г., в 1692 г. появляется академия в Вене, в 1694 г. - в Берлине и т. д. В России Академия художеств (официальное название - Академия трех знатнейших художеств) основана в 1757 г. по проекту И. И. Шувалова. В 1764 г. в царствование Екатерины II стала императорской. Тем самым был окончательно закреплен ее статус государственного учебного заведения и правительственного учреждения. В основе деятельности европейских академий лежит строго регламентированная система обучения, направленная в итоге на создание большого стиля, прославляющего государственную власть и правящую династию.

Боттичелли, Сандро. Весна (Primavera). Три Грации. 1485-1487 Дерево, темпера

В качестве эталона избирается искусство античности и итальянского Возрождения. Отсюда - приверженность к монументальным формам и то внимание, какое в академической системе образования уделяется классическому рисунку, а также умению построить композицию, применяя правильную - итальянскую - перспективу. До тех пор, пока академическая система способствовала формированию национальных художественных школ и воспитанию талантливых кадров, академии справедливо считать явлением прогрессивным.

Кипренский, Орест Адамович. Портрет графини Марии Александровны Потоцкой, графини Софьи Александровны Шуваловой с мандолиной и эфиопянки. Романтизм. Россия.

Однако начиная с середины XIX в. принятая в этих официальных учебных заведениях система ценностей, далекая от реальной жизни, ориентированная на идеальные представления о красоте, пришла в явное противоречие с развитием живого художественного процесса. Что и привело к открытым протестам со стороны молодых демократически настроенных художников, вроде "бунта четырнадцати" в Петербургской АХ в 1863 г. Молодежь выступала против обязательных в академической практике тем для программ (дипломных работ), которые полагалось писать на мифологические, исторические или библейские сюжеты, игнорируя события современной жизни как предмет, недостойный искусства. Именно в этот период понятие "академизм" приобрело негативный характер, обозначая совокупность догматических приемов и норм. В настоящее время академическое искусство не является больше официальным, господствующим. Существует наряду с другими направлениями, наиболее последовательно сохраняя и развивая классические традиции национальной школы.

30.

31.

32.

33. Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке. Импрессионизм — двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. В живописи импрессионизма — мир движущийся, эфемерный, ускользающий, поэтому акцент — на это уходящее мгновение, на настоящее. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию.

Начало поисков импрессионистов относится к 1860 г.г. В 1869 г. в Бужевале К. Моне и О.Ренуар открывают спонтанно принцип разделения цветов в атмосфере, который станет основой революции в технике живописи.

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 г. в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»), ныне в Музее Мармоттан, Париж, написанный в 1872 г. дал рождение термину «импрессионизм»: враждебный критик для смеха обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился и потерял свой первоначальный отрицательный смысл.

У импрессионистов не было программы, но была общая амбиция: понимание роли света, который влияет на форму и объект. Свет становится принципиальным элементом их живописи. Естественно, контурный рисунок, как и светотень, отсутствует у импрессионистов; глубина не передаётся перспективой, но смягчением цветовых тонов. Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру. Чистые цвета часто кладутся на холст без предварительного смешивания на палитре и воспринимаются зрителем согласно системе оптического смешения.

Импрессионисты — такие художники, как Эдуард Мане, Э. Дега, К. Моне, О.Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, Базиль, Моризо. В выставках импрессионистов иногда участвовали П. Гоген, О. Редон, Ж. Сёра; Творчество Гогена, П. Сезанна и Ж. Сёра — это уже реакция против импрессионизма. В точном смысле этого термина представителями движения были Моне, Ренуар, Сислей и Б. Моризо.

Импрессионизм питал французскую живопись, вплоть до начала XX века и оказал существенное влияние на живопись других стран: США, Германии, Бельгии, Италии, Англии.

В России влияние импрессионизма испытали К. Коровин (наиболее близкий по своей эстетике к импрессионистам), ранний В. Серов, а так же — И. Грабарь.

Постимпрессиони́зм — направление в изобразительном искусстве. Возникло в 80-х годах XIX века. Художники этого направления не придерживались только зрительных впечатлений, а стремились свободно и обобщенно передавать материальность мира, прибегали к декоративной стилизации. К выдающимся представителям постимпрессионизма в живописи относятся Ван Гог, Гоген, Сезанн, Тулуз-Лотрек.

Постимпрессионизм (франц. postimpressionisme) - Общий термин, охватывающий вид искусства, которое одновременно и принимает и отвергает некоторые принципы импрессионизма. Началом постимпрессионизма совпадает с кризисом импрессионизма в 80-х гг. XIX века. В это время состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован "Манифест символизма" (1886) французского поэта Ж. Мореаса.

Почти все постимпрессионисты ранее примыкали к импрессионизму. Постепенно художники стали искать новые средства для выражения не сиюминутного и преходящего в жизни - фиксации одного мгновения, что свойственно импрессионизму, а для воплощения неких длительных состояний прекрасного - духовных и материальных.

Особенностью постимпрессионизма по сравнению с другими видами искусств стало взаимное влияние направлений и индивидуальных творческих систем. Так, П. Сезанн и Ж.Сера пытались восстановить чувство порядка, не присущего импрессионизму, - отразить устойчивость и материальность окружающего мира. Голландский художник В.Ван Гог, стремясь запечатлеть на холсте простые эмоции и выйдя на сверхчувственную выразительность формы и цвета, предвосхитил появление экспрессионизма. П..Гоген хотевший в своих картинах отразить мир воображения и духовности, пытавшийся воплотить мечту о гармоничности окружающего мира, слиянии человека с природой, фактически проложил путь символизму и модерну. Его учениками и последователями стали художники образованной им Понт-Авенской школы и участники группы "Наби"(французский вариант модерна). К постимпрессионизму относится и неоимпрессионизм, доведший до логического завершения разработанный и практически реализованный импрессионистами метод пространственного (оптического) смешения цветов (Ж.Сёра, П.Синьяк).

Неоимпрессионизм (пуантилизм или дивизионизм) вместе с символизмом и наби (модерн), расширив диапазон и обогатив арсенал живописи, остались на рубеже ХIХ - XX веков. Творчество А.де Тулуз-Лотрека, считающегося предшественником линейно-живописного строя и декоративной стихии стиля модерн, Сезанна, Ван Гога и Гогена сегодня по праву считается началом истории изобразительного искусства ХХ в.

Одним из ярчайших представителей постимпрессионизма в России в конце ХХ начале ХХI вв. является художник Владимир Бабич

34.

35.

36. Ру́сский аванга́рд — общий термин для обозначения значительного явления в искусстве, процветавшего в России с 1890 по 1930 год, хотя некоторые ранние его проявления относятся к 1850, а поздние — к 1960 годам.

К русскому авангарду можно отнести различные новаторские направления в российском искусстве, обозначавшиеся терминами «модернизм», «новое искусство», «футуризм», «кубофутуризм», «левое искусство» и др.

Направления:

• Абстракционизм

• Лучизм

• Конструктивизм

• Кубофутуризм

• Супрематизм

• Футуризм

Абстракциони́зм (лат. «abstractio» — удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

В живописи России XX века главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (работавший в Германии, где и создал первые абстрактные композиции), Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, основавшие в 1910—1912 гг. «лучизм», и, считавший себя основоположником нового типа творчества супрематизма, Казимир Малевич, создатель знаменитого «Чёрного квадрата».

Родственным абстракционизму течением является кубизм, стремящийся изобразить реальные объекты множеством пересекающихся плоскостей, создающих образ неких прямолинейных фигур, которые воспроизводят живую натуру. Одними из самых ярких примеров кубизма были ранние работы Пабло Пикассо.

37. СОЦИАЛИСТИЧЕСКИЙ РЕАЛИЗМ. Теоретический принцип и основное художественное направление, господствовавшее в СССР в середине 1930-х - начале 1980-х гг. В советском искусстве и художественной критике уже в конце 1920-х гг. сложилось представление об исторической предназначенности искусства - утверждать в общедоступной реалистической форме социалистические идеалы, образы новых людей и новых общественных отношений. Эта программа отвергала такие важные этапы национального наследия, как религиозное искусство средних веков и авангардное искусство XX в. Были разработаны основные принципы соцреализма: правдивое изображение действительности в ее, революционном развитии, сочетание исторической конкретности образов с их героикой и романтикой.

Программа соцреализма была основана на прославлении революционной борьбы народа и его вождей, советского образа жизни, трудового энтузиазма. Строгие требования определяли содержание и форму произведений, круг тем. Метод соцреализма был предписан всем видам искусства, включая архитектуру и прикладное искусство, что сдерживало творческую инициативу художников, вызывало драматическую ломку одних мастеров и опалу других. Тем не менее, многим талантливым художникам удалось в эту жесткую эпоху создать значительные произведения, вошедшие в сокровищницу мирового искусства.

38. Роль и место ДПИ в процессе художественно-эстетической организации среды и создании предметов материальной культуры.

Декоративно-прикладное искусство занимает промежуточное место между профессиональными видами искусства (архитектурой, скульптурой, живописью, графикой, музыкой, театром и т.д.) и чисто бытовыми творениями человеческой культуры (плуг, зеркало, стол и т.д.). Отсюда и название этой области искусства. Декоративным его называют потому, что оно занимается украшением (латинское decoro — украшаю). Но украшаются не любые явления мира, а только бытовые предметы, имеющие самостоятельное утилитарное значение. В принципе, эти предметы могут и вовсе обойтись без украшения. Однако орнамент, узор, нанесенный на предмет (вышивка, роспись), либо составляющий саму основу предмета (ткачество, литье), магически усиливает его способность выполнять простые бытовые действия. Оттого и называют такое искусство прикладным — оно как бы “приложено” к предмету. Действительно, человеческое сознание считает, что веник с узором на ручке лучше метет, вышитый ковер лучше согревает, а расписанная ложка лучше охраняет пищу на пути от горшка ко рту.

Важно отметить, что в декоративно-прикладном искусстве украшение вещи всегда подчиняется самой вещи, никогда не выступая на первый план. Именно этот признак является здесь основным. В архитектуре, например, очень рано выработалось понятие тектоники, в котором выражено отличие конструкции сооружения от впечатления от него. И в других профессиональных искусствах впечатление — это то главное, на что направлена деятельность художника. В произведении же декоративно-прикладного искусства удобство пользования предметом гораздо важнее его эстетических качеств.

Процесс развития этой утилитарно-эстетической области часто приводит к отрыву того или иного ее вида от бытовой основы и уход в чистое искусство. Так практически все виды художественного творчества изначально были сугубо декоративно-бытовыми. И лишь постепенно архитектура отделилась от строительства, живопись — от росписи, профессиональная музыка — от бытовой и балет — от бытового танца.

Сегодня все многообразие декоративно-прикладного искусства разделяют по материалам, используемым мастером. Это дерево или глина, камень, ткань, стекло или металл. Из этих материалов до сих пор в чисто прикладном искусстве используются глина в виде фарфора, фаянса или майолики, ткань, стекло и металл. Деревянная скульптура уже в Средневековье сделалась предметом заботы профессиональных скульпторов, оставив на долю народных мастеров резьбу по дереву, которой до сих пор украшают дома, мебель и предметы обихода. Камень же еще раньше вошел в художественный профессиональный обиход. Лишь работа с драгоценными камнями до сих пор считается декоративно-прикладным искусством.

Декоративно-прикладное искусство является едва ли не одним из самых древних. Его название происходит от лат. decoro - украшаю, а в определении "прикладное" содержится мысль о том, что оно обслуживает практические нужды человека, одновременно удовлетворяя его основные эстетические потребности.

Сфера декоративно-прикладного искусства чрезвычайно широка: от эстетического оформления предметов повседневного пользования - посуды, различного рода инструментов, мебели, тканей, личного холодного и огнестрельного оружия - до художественной организации целых архитектурно-парковых комплексов. Сюда же относится оформление интерьеров декоративными росписями, декоративной скульптурой, барельефами, плафонами, вазами и т.п. Ряд очень важных видов декоративно-прикладного искусства связан со стремлением "украсить" самого человека, прежде всего женщину. Это художественно выполненная одежда, ювелирные изделия, искусство макияжа и парикмахерское искусство.

Особой областью декоративно-прикладного искусства являются все его проявления, использующие в качестве исходного материала саму природу, как бы "подключенную" к процессу эстетизации окружающей человека среды. При этом взгляд на природу как на объект, подлежащий эстетизации, может быть весьма широким и не ограничиваться лишь констатацией того известного факта, что человек художественно преобразует сравнительно ограниченные участки своего обитания. "Надо брать под охрану не только архитектурные памятники, но и целые пейзажи, так, как это делается, например, в Шотландии, где сохраняется весь "вид" до горизонта, - пишет Д.С. Лихачев. - Выдающиеся пейзажи должны быть учтены и сохранены, как памятники культуры (человеческой и природной)".

К декоративно-прикладному искусству, использующему красоту естественных, природных форм, относятся садово-парковое искусство, т.е. художественное оформление участков "дикой" местности; японская икебана, т.е. искусство составления букетов и оформления живописных природных уголков; различные композиции из засушенных трав и цветов, т.е. искусство так называемого флоризма; мастерство изготовления чучел животных на фоне среды - одним словом, все те виды творческо-эстетической деятельности человека, в которых он стремится внести в природу дополнительный элемент прекрасного.

39.

40.

41.

42.

43.

44. Художественная обработка дерева была известна еще в IX - X вв. В России, богатой лесами, дерево всегда любили и применяли многие поколения мастеров народных промыслов. Выявлять красоту дерева, использовать его пластические свойства умеют и мастера Иркутской области. Для изготовления художественных изделий и сувениров используют в Сибири древесину различных пород, хорошо поддающуюся отделке и обработке, принимая во внимание художественные особенности текстуры древесины, природные изгибы ствола, строение сучков. Кроме древесины используют кап, бересту, лозу сибирскую (иву, черемуху).

По художественному оформлению наибольший интерес представляют изделия из дерева с резьбой. Резьба - это художественная обработка дерева вырезанием и росписью с изображениями, созданными средствами живописи. В этом жанре работают мастера Усть-Илимской школы ремесел. Они делают скульптуры, декоративные панно, гаши и т.д. Все это создается на столярной и токарной основе. Производство этих изделий включает в себя традиционную рельефную резьбу на глубоком золотисто-темнокоричневом тоне окраски древесины. Эффект этот достигается протравкой морилкой и полировкой.

В последние годы усть-илимские мастера развивают традиции хохломской, урало-сибирской, городецкой росписей, расписывая сувенирные пасхальные яйца со всевозможными подставками, декоративные тарелки, другие столярные и токарные изделия.

Традиции русской резьбы развивают резчики из Нижнеудинска, Иркутска в производстве предметов быта: столов, лавок, предметов украшения интерьеров загородных постороений.

Мозайка (фр. mosaique, ит. mosaico, от лат. musivum, букв. — посвященное музам) — одна из разновидностей монументальной живописи. Обладает особой техникой: в М. изображения и орнамент составляются из простейших цветовых элементов — кусочков разноцветных натуральных камней, глушеного стекла (смальты), керамики, дерева и других материалов . Изготовления мозаичного набора из различных пород дерева — интарсия.

Инта́рcия (от итал. intarsio) — вид декоративно-прикладного исскусства, инкрустация, выполняемая деревом по дереву.

В деревянной основе делаются углубления, в которые выкладываются деревянные пластины, отличающиеся по цвету и текстуре. Пластины, образующие узор, плотно подгоняются друг к другу, склеиваются и вкладываются в украшаемый предмет. Затем внешняя сторона набора тщательно полируется.

Как и инкрустация, интарсия зародилась на Древнем Востоке, в Египте, и достигла очень высокого уровня в Древней Греции и в Риме, где орнаменты делались из клена, самшита, падуба, железного дерева, кизила.

45. ХОХЛОМСКАЯ РОСПИСЬ, хохлома — русский народный художественный промысел, традиционное искусство изготовления деревянных расписных изделий. Возник во 2-й пол. 17 в. в Заволжье на территории Ковернинского р-на Нижегородской обл. Название промыслу дало с. Хохлома, центр сбыта изделий местных ремесленников. Иконописцы-старообрядцы, знавшие приемы дешевого «золочения» дерева, способствовали возникновению здесь оригинальной техники окраски предметов без применения золота. Выточенная посуда грунтовалась раствором глины, сырым льняным маслом и порошком олова (в современных изделиях — алюминия), по слою которого производилась в свободной кистевой манере роспись, гл. обр. растительный травный орнамент. Затем изделие покрывалось лаком из льняного масла и прогревалось в печи, где пленка лака желтела и становилась похожей на золото. Для Хохломы, сохранившей старую технику до наших дней, характерны две разновидности росписи «верховая» и «под фон» «Верхи вая» роспись — это рисунок черной или красной краской, наносимой на золотую поверхность, где он образует легкий ажурный узор (композиции «травная роспись», «под листок», «пряник», «осочка»). Роспись «под фон» имеет золотистый силуэтный рисунок, окруженный черным или цветным фоном (своеобразная разновидность росписи — «кудрина») .

Первоначально хохломские изделия были токарными, столярная посуда стала изготовляться во 2-й пол. 19 в Угасавший в нач. 20 в. промысел возрождается в 1920-х гг., когда мастера объединились в артели, И. Е. Тюкалов, братья Красильниковы, А. Г. и Ф. Н. Подоговы, Ф. А. Бедин оставили яркий след в истории промысла. В 1960-х гг. создаются фабрика «Хохломской художник» на родине промысла с центром в с. Семино (Ковернинский р-н) и производственное объединение «Хохломская роспись» в г. Семенове. Обе ветви промысла выпускают традиционную токарную и резную посуду, мебель, бытовые предметы чаши, миски, солонки, сахарницы, поставцы, пеналы, ложки, детскую мебель. Мастера семинского предприятия культивируют виртуозный травный орнамент, отличающийся красотой полевых трав, ягод, цветов; мастера семеновского объединения предпочитают орнаментальную роспись «под фон» с мелкой Прорисовкой деталей штрихом, крупную «кудрину».

Технология хохломы

Как создаются изделия с хохломской росписью? Сначала бъют баклуши, то есть делают грубые бруски-заготовки из дерева. Затем мастер встает за токарный станок, снимает резцом излишек древесины и постепенно придает заготовке нужную форму. Так получается основа — «бельё» (неокрашенные изделия) — резные ковши и ложки, поставцы и чашки.

После сушки «бельё» грунтуют жидкой очищенной глиной — вапой, как её называют мастера. После грунтовки изделие 7-8 часов сушат и обязательно вручную покрывают несколькими слоями олифы (льняного масла). Мастер окунает в миску с олифой специальный тампон, приготовленный из овечьей или телячьей кожи, вывернутой наизнанку, а затем быстро втирает в поверхность изделия, поворачивая его так, чтобы олифа распределялась равномерно. Эта операция очень ответственная. От неё будет в дальнейшем зависеть качество деревянной посуды, прочность росписи. В течение дня изделие покроют олифой 3-4 раза. Последний слой высушат до «небольшого отлипа» — когда олифа слегка прилипает к пальцу, уже не пачкая его. Следующий этап — «лужение», то есть втирание в поверхность изделия алюминиевого порошка. Выполняют его также вручную тампоном из овечьей кожи. После лужения предметы приобретают красивый бело-зеркальный блеск, и готовы для росписи. В росписи применяются масляные краски. Главные цвета, определяющие характер и узнаваемость хохломской росписи — красный и чёрный (киноварь и сажа), но для оживления узора допускаются и другие — коричневый, светлого тона зелень, жёлтый тон. Кисти для росписи делаются из беличьих хвостов, так, чтобы ими можно было провести очень тонкую линию.

Выделяют роспись «верховую» (когда сначала закрашивают фон, а сверху остаётся серебряный рисунок) и «под фон» (сначала намечается контур орнамента, а потом заполняется чёрной краской фон). Кроме того, существуют разнообразные виды орнаментов:

«пряник» — обычно внутри чашки или блюда геометрическая фигура — квадрат или ромб — украшенная травкой, ягодами, цветами;

«травка» — узор из крупных и мелких травинок;

«кудрин» — листья и цветы в виде золотых завитков на красном или чёрном фоне;

Используют мастера и упрощённые орнаменты. Например, «крап», который наносят штампиком, вырезанным из пластинок гриба-дождевика, или особым образом свёрнутым кусочком ткани. Все изделия расписываются вручную, причём роспись нигде не повторяется. Какой бы выразительной ни была роспись, пока узор или фон остаются серебристыми, это ещё не настоящая «хохлома».

Расписанные изделия 4-5 раз покрывают специальным лаком (с промежуточной сушкой после каждого слоя) и, наконец, закаливают в течение 3-4 часов в печи при температуре +150… +160 °C до образования масляно-лаковой плёнки золотистого цвета. Так получается знаменитая «золотая хохлома».

46.

47. Ба́тик — ручная роспись по ткани с использованием резервирующих составов.

На ткань — шёлк, хлопок, шерсть, синтетику — наносится соответствующая ткани краска. Для получения чётких границ на стыке красок используется специальный закрепитель, называемый резерв (резервирующий состав, на основе парафина, бензина, на водной основе — в зависимости от выбранной техники, ткани и красок).

Роспись батик издавна известна у народов Индонезии, Индии и др. В Европе — с XX века.

Происхождение

Батик — batik — индонезийское слово. В переводе с индонезийского слово "ba" — означает хлопчатобумажная ткань, а "-tik" — «точка» или «капля». Ambatik — рисовать, покрывать каплями, штриховать. Техника батик основана на том, что парафин, резиновый клей, а также некоторые другие смолы и лаки, будучи нанесенными на ткань, не пропускают через себя краску — или, как говорят художники, «резервируют» от окраски отдельные участки ткани.

Горячий батик

В качестве резерва в горячем батике используется воск. Воск наносится с помощью специального инструмента, называемого чантингом. Места, покрытые воском, не поглощают краску, а также ограничивают её распространение. Горячий батик называется горячим потому, что воск используется в «горячем» расплавленном виде. Этот способ используется в основном для раскрашивания хлопчатобумажной ткани. По завершении работы воск с поверхности ткани удаляется. Эффект росписи достигается благодаря послойному нанесению краски.

Холодный батик

Холодный батик в большей мере используется при нанесении краски на шёлк, хотя возможно использовать и другие ткани. При этом роль резерва выполняет специальный материал. Его можно приготовить в домашних условиях, но есть и готовые резервы. Он представляет собой густую массу резинового происхождения. Существуют как цветные, так и бесцветные резервы. Холодный резерв наносится либо специальными инструментами — стеклянными трубочками с резервуаром, либо используется резервы в тюбиках, которые оснащены удлинённым носиком.

Свободная роспись

Техника свободной росписи получила значительное распространение, так как она выявляет своеобразие почерка каждого художника и индивидуальную неповторимость произведений, свойственную ручному труду. Свободная роспись по тканям из натурального шёлка и синтетических волокон производится в основном анилиновыми красителями (иногда с различными загустками), а также масляными красками со специальными растворителями. Особенно интересные результаты получаются от сочетания свободной росписи с контурной наводкой и отделкой резервирующим составом.

Свободная роспись с применением солевого раствора

Сущность этого способа состоит в следующем: натянутую на раму ткань, в зависимости от характера рисунка, либо пропитывают водным раствором поваренной соли и после высыхания расписывают, либо роспись ведут красками из основных красителей, в которые введён раствор поваренной соли. Все это ограничивает растекаемость краски по ткани, даёт возможность выполнять рисунки свободными мазками, варьируя форму и степень насыщенности цветом. Свободную роспись красками с введением в них солевого раствора можно сочетать с обычной росписью холодным батиком. Для этого некоторые части рисунка выполняют свободной росписью с доработкой графическим рисунком, а фоновые перекрытия производят на участках, ограниченных резервирующим составом.

Техника Шибори

«Шибори» — так называемый складной батик. Результат достигается также путем перевязывания и окрашивания, но более предсказуем, так как ткань складывается определенным образом.Эта техника имеет японские корни, а там соответственно не обходиться без оригами (складывания, но не бумаги, а самой ткани).

48. СТЕКЛО (англ. glass, фр. verre, нем. Glas) — один из наиболее распространенных художественных матери­алов, изготовление которого ведет начало из глубокой древности. По составу различаются три главных вида С. — содово-известковое, кальциево-известковое, кальциево-свинцовое. Т. наз. органическое С. — похожий на С. полимерный материал Природные свойства С. — прозрачность, химическая устойчивость, оптические и декоративные качества — определили его эстетическую ценность и практическую незамени­мость. Область художественного стеклоделия включает художественную посуду и декоративные изделия для украшения жилища, монументальные изделия, витражи, фонтаны, скульптуру, светильники, служащие для украшения интерьеров общественных сооружений и жилища; декоративное архитектурное С., в т. ч отделочное С. для облицовки стен и полов, детали колонн и пилястр и т д. В музейных коллекциях сохранились многочисленные образцы С с древнейших времен. К шедеврам древнего С. относятся древнеегипетская чаша Тутмоса III (ок. 1450 до н. э., Мюнхен), знаменитые римские «диатреты», украшенные узором из стеклянных нитей, «Портлендская ваза» (кон. 1 в. до н. э. — нач. 1 в., Британский музей, Лондон) — двухцветная, синяя с белыми рельефными фигурами, иранские фигурные сосуды из цветного С., расписное С. Германии. На Руси изготовление С. известно с 11—12 вв., что подтверждают раскопки остатков стекольных мастерских и изделий (бусы, браслеты, мозаичные смальты) на территории Киевской Руси.

Техническая палитра стекольного ремесла очень разнообразна. В ы д у в н о е С. изготовляется в горя­чем состоянии у стеклоплавильной печи. Декорирование С. происходит либо в горячем состоянии (г у т н о е С., наиболее древний способ изготовления), либо с применением холодных видов обработки — шлифования, гравировки, резьбы, росписи, травления, пескоструйной обработки и т. д.

Виды С. и способы его декорирования связаны с разными эпохами и стилями. Излюбленным способом украшения средневекового стекла было обматывание сосудов стеклянными нитями; венецианское стекло замечательно филигранным узором и росписью эмалью, чешское стекло — пышной гравировкой в сочетании с резьбой, шлифованием, английский хрусталь — сверкающей алмазной гранью, голландское С. — техникой пунктирования алмазом, русское С. 19 в. — богатой гаммой цвета, гранением русским камнем, французское С. нач. 20 в. — техникой галле и т. д. Крупные стекольные центры и производства в разных странах прославились высоким качеством и чертами фир менного стиля. Мурано в Италии, Баккара и Сен-Луи во Франции, Мозер в Чехии, Стьюбен-гласс в США, Гусь-Хрустальный, Дятьковский и Санкт-Петербургский заводы в России, Иитала-глассе в Финляндии и т. д. Во 2-й пол. 18 — нач. 19 в. художественное С. (архитектурный декор, светильники) в России выполнялось по проектам Чарлза Камерона, А. Н. Воронихина, К. И. Росси.

Реформаторами искусства С. на рубеже 19 и 20 вв. стали Анри Кро, Эмиль Галле, Огюст Даум, Рене Лалик во Франции, Луис Комфорт Тиффани в США, Й. Драгоневский в Чехии: их достижения определялись поисками новых качеств пластической выразительности С., формотворческих идей, открытием новых техник и технологий, в результате чего появилось понятие авторского С. Искусство С. 2-й пол. 20 в. продолжило и развило эти поиски. Авторское студийное движение в художественном С. 2-й пол. 20 в., начавшееся в Чехии, США, распространилось на другие страны и континенты. Развитие жанра стеклопластики, появление трехмерного объемно-пространственного объекта включили искусство С. в современную систему пластических искусств. В России важный вклад в искусство С. внесли технолог Н. Н. Качалов, художники В. И. Мухина,А. А. Успенский, Н. А. Тырса, Б. А. Смирнов, С. М. Бескинская, Г. А. Антонова и др.

49. Лаковая миниатюра

Современный Палех - один из признанных центров лаковой миниатюры.

После революции 1917 года иконописцам Палеха пришлось искать новые пути применения своих творческих сил. Палешане создали новый стиль миниатюрного письма, отличающегося особой тонкостью художественных приемов. Драгоценные миниатюры палехских мастеров с триумфом прошли по многим выставкам Европы, Америки, Азии, получили "Гран-при" на Всемирной выставке в Париже. Палех оказался способным соперничать с признанными лаками Брауншвейга, Японии, Персии, Китая.

Процесс рождения палехской миниатюры долог и сложен. Художники используют особый материал - папье-маше, покрываемый черной шпатлевкой, на которую наносится белильная подготовка - подмалевок. Затем в несколько приемов тщательно расписываются внутренний (роскрышь) и внешний контурный (роспись) рисунки. Поверхность изделия пемзуют, покрывают лаком, полируют, расписывают золотом.

Основы стиля и технологии изготовления палехской лаковой миниатюры сложились уже в первое десятилетие существования "Артели древней живописи". Новое искусство унаследовало многие традиции иконописания - условность изображения, тонкость и плавность линий, своеобразные формы архитектуры, пейзажа, орнамента, темперные краски, использование твореного золота, техники "плавей".

Первые палехские миниатюристы И.И.Голиков, И.И.Зубков, А.В.Котухин, И.В.Маркичев, А.А.Дыдыкин, Н.М.Зиновьев в прошлом были иконописцами. Наивная непосредственность, искренность, некоторая архаичность их работ в сочетании с прекрасным мастерством исполнения придают ранним произведениям Палеха особое очарование.

Первые миниатюристы передали свои знания и опыт последующим поколениям мастеров, среди которых наибольший интерес представляют П.Д.Баженов, Д.Н.Буторин, Т.И.Зубкова, А.А.Котухина, Н.И.Голиков, Е.Ф.Щаницына, И.В.Ливанова, В.М.Ходов, Б.М.Кукулиев, А.Д.Кочупалов. При всем различии творческого подчерка их объединяет стремление к развитию и обогащению лучших традиций палехского искусства.

Темы произведений художников Палеха - излюбленные в фольклоре мотивы крестьянского труда, хороводы, тройки, битвы, песенные и исторические сюжеты, сказки, былины. Мастера прекрасно сочетают живописные композиции с формой миниатюрных шкатулок, ларцов, тарелок, коробочек, пластин , пудрениц.

Современное палехское искусство вошло самостоятельным и полнлценным течением в общий поток русской национальной культуры. Красота, гармония и изысканность, свойственные работам палешан, вызывают неизменный интерес к их творчеству.

50. Фини́фть (от греческого fingitis — светлый блестящий камень) — особый вид прикладного искусства, в котором используется эмаль (в качестве основного материала) в сочетании с металлом.

Эмали окрашиваются солями металлов: добавки золота придают стеклу рубиновый цвет, кобальта — синий цвет, а меди — зелёный. При решении специфических живописных задач яркость эмали может, в отличие от стекла, приглушаться. Образки, крестики, портреты, украшения, выполненные в технике финифти, отличаются особой долговечностью, декоративностью, яркостью и чистотой красок.

Финифть является истинно русским народным художественным промыслом. Ростовские ювелиры овладели производством художественной эмали ещё в эпоху Киевской Руси XII века.

Ростовская финифть — русский народный художественный промысел; существует с XVIII века в г. Ростов (Ярославская область). Миниатюрные изображения выполняются прозрачными огнеупорными красками на медных изделиях, покрытых эмалью (образки, с середины XIX века — портреты, пейзажи). Фабрика «Ростовская финифть» изготавливает ювелирные изделия, сувениры с декоративными изображениями цветов, пейзажей.

Технология и техника живописи по финифти

В качестве основания под живопись используется пластинка из тонкого медного листа необходимой формы и размера, выпуклая с лицевой стороны.

Основой для живописи служит эмалевый грунт, представляющий собой смесь растертой в порошок белой эмали с водой. Он наносится на лицевую сторону пластинки в три слоя. После нанесения каждого слоя пластинка просушивается в сушильном шкафу и обжигается в муфельной печи при t 700-8000С, пока эмаль не сплавится, а поверхность не станет гладкой.

Чтобы предохранить пластинку от возможной деформации при обжиге в процессе росписи, ее оборотная сторона покрывается эмалевым слоем, называемым "контрэмалью".

Роспись пластинки начинается с рисунка, который выполняется сначала на бумаге. Затем под него подкладывается чистый лист бумаги, и рисунок по контуру прокалывается иглой. На нижнем листе получается точечный отпечаток рисунка. Этот лист накладывается на лицевую поверхность загрунтованной пластинки и натирается смешанной со скипидаром сажей, в результате чего рисунок переводится на эмалевую основу.

Для росписи используются огнеупорные краски с t пл. от 700 до 8000С. Они готовятся из тщательно растертых пигментов, смешанных со скипидаром и лавандовым или скипидарным маслом. Каждая краска имеет определенную температуру плавления и при обжиге изменяет свой первоначальный цвет. Поэтому живописцы при работе пользуются палитрой-"опытницей" - белой эмалевой пластинкой с пробами красок. При помощи ее определяются температура плавления каждой краски и ее цвет после обжига.

На первой стадии росписи тонкой кистью делается "подмалевка" - наносятся основные цвета. После этого пластинка просушивается в сушильном шкафу до удаления из красок паров скипидара, а потом обжигается в муфельной печи, пока краски не сплавятся и не приобретут яркость и блеск.

Извлеченная из муфеля пластинка остужается и следует первая прописка, в ходе которой выявляются основные детали изображения и светотени. Затем пластинка вновь просушивается, обжигается и остужается.

В процессе второй прописки выявляются второстепенные детали, прорабатываются полутона и уточняются цветовые отношения. Производится третий обжиг.

При создании несложной композиции с использованием ограниченной красочной палитры роспись заканчивается на втором или третьем этапе. Для написания сложной миниатюры, богатой цветовыми оттенками, требуется от 4 до 7 прописок и столько же обжигов.

Живопись огнеупорными красками по эмалевой основе практически вечно сохраняет чистоту, блеск и прозрачность цвета. Она не подвергается, подобно другим видам живописи, воздействию таких разрушительных факторов, как свет, перепады температуры и влажности, загрязнение.