Вопрос 35: Классицизм во французском искусстве конца XVIII — начала XIX века: Давид, Энгр.

ЭНГР, Жан Огюст Доминик 1780, Монтобан — 1867, Париж. Французский живописец и график. Один из крупнейших художников XIX в., выступал в защиту традиций классицизма. Музыкальная одаренность сказалась и на его искусстве — в особой мелодичности линий, в плавной гармонии форм. Пишет серию ярких и выразительных портретов: Автопортрет, заказные портреты семьи Ривьер, Портрет Наполеона на императорском троне. Объемы везде трактованы крупными массами, модель, очерченная четким контуром, выдвинута на передний план, занимая все пространство холста. В 1807 он пишет один из своих шедевров — завораживающий красотой и загадочностью Портрет мадам Девосе; позднее портреты Маркотта д’Аржантей, Ж. А. Мольтедо; Ш. Кордье, Н. Д. Гурьева и др. Он создает огромные по размерам Апофеоз Гомера, Мученичество Симфориона. Главная сила Энгра — в контакте с живой натурой, она вдохновляет художника. В картинах с изображением обнаженной модели проявляется в полную мощь талант и художественный темперамент мастера. Подлинным гимном женской красоте воспринимаются пленяющая классической ясностью форм и линий Купальщица Вольпинсона, исполненная элегантного изящества Большая одалиска. Трудясь над большими композициями на мифологические и религиозные темы, Энгр с досадой отвлекался на портреты, хотя именно они прославили художника. Однако вершиной художественных достижений Энгра были портреты его современниц. Никто другой не выразил с таким совершенством культ идеальной женщины, в систему воспитания которой входили культура общения, умение двигаться, одеваться в соответствии с местом, временем и природными данными, когда и сама женщина превращалась в произведение искусства. Хотя далеко не все модели Энгра были красивы, он умел найти в каждой особую, присущую только данной женщине гармонию: Графиня Оссонвиль, Баронесса Ротшильд, Мадам Гонз. Энгр не приукрашивает, а пробуждает идеальный образ, дремлющий в человеке и открывающийся взору художника, влюбленного в прекрасное. Тайна магии портретов Энгра именно в этой "влюбленности" в каждую модель.

ДАВИД, Жак Луи 1748, Париж. Французский живописец. Выразив художественные идеалы французского общества, выступил как один из крупнейших мастеров просветительского классицизма, а затем ампира. Одна из самых знаменитых его картин — «Клятва Горациев», посвященная трем молодым римлянам, готовым пожертвовать собой во исполнение гражданского долга, воспринимается как революционный призыв; политические настроения и чаяния, воплощенные в античном антураже, производят чрезвычайно сильное впечатление на современников. «Парис и Елена». В тот же период утверждается и выдающийся талант Давида-портретиста. Его портреты, как репрезентативно-парадные, в полный рост, так и камерные по композиции и масштабам (парные картины Чета Пикуль; Химик А. Лавуазье с супругой), соединяют в себе рокайльное и классицистическое начала: проникнутые чутким вниманием к внутренней жизни души, они неизменно утверждают Человеческое с большой буквы, при этом избегая чрезмерной идеализации.

В 1791 Давид приступает к работе над огромным полотном Клятва в зале для игры в мяч, где предполагает увековечить историческое собрание Генеральных штатов 20 июня. Образ недавнего политического события впервые в искусстве обретает подобную масштабность, показывая огромную толпу депутатов, охваченную единым порывом патриотической вольности. Картина, однако, осталась незаконченной. Увековечивая память одного из главных героев Революции, Давид пишет свою знаменитую картину Смерть Марата; полотно с бездыханным телом Марата в ванне поражает своей суровой простотой, напоминая надгробный памятник, высеченный из камня. Лаконичная пластика образа не заслоняет, однако, дар Давида-колориста, достигающий здесь своего расцвета и проявляющийся, в частности, в зыбкой, тревожной вибрации темного фона. Он становится одним из главных создателей стиля ампир (нового этапа классицизма, отражающего не столько гуманистический пафос Просвещения, сколько величие и мощь имперской государственности), пишет получившие широчайшую известность живописные символы эпохи. Это и проникнутый героико-романтическим порывом Бонапарт на Сен-Бернарском перевале, и гигантский холст Коронование императора Наполеона I и императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери, торжественное многофигурное действо, сияющее праздничным, золотистым колоритом, и ряд других произведений. Пишет мифологические полотна, отвлеченно-идеализированные и чувственные одновременно (Марс, обезоруживаемый Венерой и Грациями). "Под знаком Давида" французское искусство так или иначе развивалось вплоть до импрессионизма.

Вопрос 36: Романтизм в западноевропейском изобразительном искусстве первой половины XIX века. Германия, Франция, (по выбору студентов: творчество Т. Жерико, Э. Делакруа, К. Д. Фридриха). Романтизм (Romanticism), идейное и художественное направление, возникшее в европейской и американской культуре конца 18 века - первой половины 19 века, как реакция на эстетику классицизма. Первоначально сложился в философии и поэзии в Германии, а позднее распространился в Англии, Франции и других странах. Новыми критериями в искусстве стали свобода самовыражения, повышенное внимание к индивидуальным, неповторимым чертам человека, естественность, искренность и раскованность. Изменилось их место в обществе. Они нашли своего читателя среди растущего среднего класса, готового эмоционально поддержать и даже преклоняться перед художником - гением и пророком. Сдержанность и смирение были отвергнуты. Им на смену пришли сильные эмоции, часто доходящие до крайностей.

Некоторые романтики обратились к таинственному, загадочному, даже ужасному, народным поверьям, сказкам. Романтизм был частично связан с демократическими, национальными и революционными движениями. Таким образом, Романтизм зародился как литературное течение, но оказал значительное влияние на музыку и меньшее на живопись. В изобразительном искусстве Романтизм наиболее ярко проявился в живописи и графике, меньше - в архитектуре. В 18 веке излюбленными мотивами художников были горные пейзажи и живописные руины. Его основные черты - динамичность композиции, объёмная пространственность, насыщенный колорит, светотень.

Теодор Жерико 1701 г. Жерико первым во французской живописи выразил свойственное романтизму острое чувство конфликтности мира, стремление к воплощению драматических явлений современности и сильных страстей. Ранние произведения Жерико, отразившие героику наполеоновских войн, выделяются эмоциональностью образов, динамичностью композиции и колорита, в котором преобладают тёмные, оживлённые интенсивными цветовыми оттенками тона. В 1812 г. художник выставляет в Салоне полотно «Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку», принесшее автору шумный успех. Однако после поражения армии Наполеона в России тональность «военных» произведений Жерико резко меняется («Раненый кирасир, покидающий поле боя»). В живописной серии «Бег свободных лошадей» окончательно сформировался его индивидуальный стиль: мощные, грубоватые формы переданы большими подвижными пятнами света.

Одна из центральных работ в творчестве художника, картина «Плот «Медузы»», написана на острозлободневный сюжет, в основе которого — трагедия оказавшихся в океане на плоту пассажиров погибшего фрегата «Медуза». Придавая частному событию глубокий символический и исторический смысл, Жерико раскрывает в картине сложную гамму человеческих чувств — от полного отчаяния и апатии до страстной надежды на спасение. В основу сюжета картины положено реальное событие. В июле 1816 г. фрегат «Медуза», управляемый неопытным капитаном, получившим должность по протекции, потерпел крушение недалеко от островов Зелёного Мыса (у побережья Западной Африки). Капитан корабля вместе с офицерами уплыли на шлюпках, матросам и пассажирам пришлось спасаться на плоту. Двенадцать дней плот мотало по океану. Из ста пятидесяти потерпевших выжили только пятнадцать человек. На тринадцатый день их подобрало судно «Аргус». В своем произведении Жерико добивался максимального правдоподобия.

Выставленное в Салоне 1819 г., полотно вызвало живой интерес публики. Жерико выступил пионером литографии во Франции («Возвращение из России»). Страстный любитель лошадей, Жерико создал ряд произведений с изображением лошадей и скачек («Дерби в Эпсоме», «Скачки», «Почтовые лошади в конюшне»). Жерико — автор ряда портретов («Портрет двадцатилетнего Делакруа», «Портрет карабинера», «Портрет мужчины» (Вандеец), «Мустафа»). Его кисти принадлежит серия портретов душевнобольных («Портрет сумасшедшей», «Сумасшедшая, страдающая манией игры»).

Делакруа Фердинанд Виктор Эжен 1798 г. С первых шагов своего творчества Делакруа встал на путь романтизма и в скором времени стал признанным главой романтической школы. В 1822 г. в Салоне художник выставляет комопзицию «Данте и Вергилий» («Ладья Данте»). Картина вызвала неоднозначную реакцию критики, однако была приобретена правительством. Делакруа выставляет в Салоне композицию «Резня на Хиосе» — грандиозное полотно, изображающее трагический эпизод из истории Греции, находившейся в то время под властью Турции. Делакруа выбрал, пожалуй, самую трагическую страницу греческой эпопеи. В сентябре 1821 г. турецкие каратели уничтожили мирное население Хиоса, греческого острова в Эгейском море. Более сорока тысяч греков было убито и около двадцати тысяч обращено в рабство. Откликом художника на эти события стала картина «Резня на Хиосе». На первом плане картины фигуры обречённых хиосцев в пёстрых лохмотьях; фоном им служат тёмные силуэты вооружённых турок. Большинство пленников безучастны к своей судьбе, лишь дети тщетно умоляют родителей защитить их. Далее — панорама залитой солнцем долины; здесь среди ослепительно белых домиков происходит избиение греков (то же ждёт и персонажей первого плана). Затем возникает новая тёмная полоса — море, сменяясь светлой — небом. Турецкий всадник, который тащит за собой девушку-гречанку, выглядит своеобразным символом порабощения. Не менее символичны и другие фигуры: мёртвая мать, к груди которой тянется младенец; обнажённый раненый грек — его кровь уходит в сухую землю, а рядом валяются сломанный кинжал и опустошённая грабителями сумка. Мастерски передан спокойный, щедро окрашенный солнцем воздух южного полудня — он даёт жизнь неподвижным фигурам.

Проникнутое драматизмом и сочувствием к бедствиям народа, это произведение прозвучало протестом против жестокости и насилия. «Греция на развалинах Миссолунги». Складывавшаяся живописная система Делакруа была отмечена новизной приемов, насыщенностью колорита, экспрессивностью мазка, яркими контрастами света и тени. Художник предпочитает сюжеты, полные драматизма и внутренней напряженности, нередко имеющие аллегорическое значение. Создает серию литографических иллюстраций («Мефистофель над Виттенбергом»; «Фауст, соблазняющий Маргариту»), В своем творчестве Делакруа обращается также к произведениям других писателей и поэтов: В. Скотта («Похищение Ребекки»), Дж. Байрона («Смерть Сарданапала», «Селим и Зулейка»). «Свобода, ведущая народ» («Свобода на баррикадах»). Делакруа — автор произведений на тему Великой французской революции, батальных композиций на сюжеты национальной истории («Битва при Тайбуре»), иных исторических («Взятие крестоносцами Константинополя»), религиозных «Пьета», мифологических композиций «Медея». Краски были смыслом живописи Делакруа, говорившего: «Когда цвет точен, линия рождается сама собой». Делакруа — автор ряда портретов («Автопортрет», «Портрет Шопена»). Значительное место в его творчестве занимает монументальная живопись. Художник создал росписи Бурбонского дворца в Париже (1833—47), зала Мира в Парижской ратуше (1851—53), Люксембургского дворца (1845—47), а также церкви Сен-Сюльпис в Париже (1849—61). 13 августа 1863 г. Делакруа скончался.

Вопрос 37: Ф. Гойя как крупнейший представитель испанского искусства конца XVIII — начала XIX в. В Испании XVIII столетия, утратившей свое былое величие, ко двору привлекались в основном иностранные художники, и даже главой Академии искусств Сан Фернандо, в Мадриде, был немецкий художник, апологет классицизма, Антон Рафаэль Менгс. Влияние Менгса, с одной стороны, и работавшего при мадридском дворе в 1767—1770 гг. Дж. Тьеполо —с другой, было определяющим для испанских художников в этот период. Общеевропейскую известность испанское искусство после «золотого века» вновь обрело лишь с появлением Франсиско Гойи. Гойя открыл для испанского искусства целую эпоху, положив начало развитию реалистической живописи нового времени. Огромное значение имело творчество Гойи и для формирования европейского романтизма.

Гойя Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусиентес 1746 г. для королевской шпалерной мануфактуры Гойя создает свыше 60 монументально-декоративных панно (картонов для ковров), изображающих сцены повседневной жизни, труда и праздничных народных развлечений («Зонтик», «Игра в пелоту», «Продавец посуды», «Молодой бык», «Раненый каменщик»). Картоны Гойи были проникнуты любовью к жизни и естественной красотой. Гойя получил известность и как портретист «Семья герцога Осуна». В 1794 г. появляется серия картин, посвященных теме народных развлечений («Деревенская коррида»). В этот период художник впервые обращается к теме человеческой жестокости и безумия «Двор сумасшедшего дома». С годами живопись Гойи становится все мрачнее — иногда зловещие фигуры на полотнах едва выступают из тьмы. «Шабаш ведьм». В 1790-х — начале 1800-х гг. исключительного расцвета достигло портретное творчество Гойи («Портрет Ф. Гиймарде», «Семья короля Карла IV». Гойя создал для короля Карла IV портрет его семьи. В этом парадном полотне хорошо видна ирония художника по отношению к властителям мира сего. Гойя замечательно передал цвета и фактуру тканей: шелестящего лёгкого шёлка, тяжёлой золочёной парчи, прозрачных кружев, мягкого нежного бархата. Однако великолепие ярких нарядов, блеск золота и сияние драгоценностей лишь сильнее оттеняют физическое несовершенство и заурядность членов королевской фамилии. Фигуры в роскошных одеждах стоят неподвижно, словно куклы. Их некрасивые, замкнутые, холодные лица производят отталкивающее впечатление. Даже дети не выглядят естественными и жизнерадостными в этой чопорной семье.

Особую известность получили два «портрета герцогини Альба», в которую Гойя был влюблен. Образ этой блистательной женщины долгое время был источником вдохновения для художника; он постоянно появлялся в его гравюрах и рисунках. Однако самыми знаменитыми ее изображениями стали картины «Маха обнаженная»- Больше всех протестовали махо и махи — так называли молодых мужчин и женщин, принадлежавших к городскому простонародью. Они вели себя на редкость свободно, подчас вызывающе, не подчиняясь правилам благочестивой скромности, установленным церковью. Одной из самых горячих сторонниц этих обычаев была возлюбленная Гойи Каэтана Альба, одна из знатнейших женщин Испании. Однако самыми знаменитыми ее изображениями стали «Маха обнаженная» и «Маха одетая». Гойя создал серию офортов «Капричос», в которой реальное переплетается с фантастическим: сцены с натуры и гротескные картинки, высмеивающие человеческие пороки. Из живописных работ 1810—20 гг. известны несколько портретов («Махи на балконе»), исторические композиции («Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года»-Войска Наполеона захватили Испанию, и 2 мая 1808 г. жители Мадрида подняли восстание против французов. На следующий день завоеватели жестоко покарали восставших, казнив сотни повстанцев и великое множество ни в чем не повинных людей. На картине яркий свет фонаря вырывает из мрака ночи повстанцев, которых вот-вот должны расстрелять, и исполняющих приговор солдат. Основной художественный приём этой композиции — противопоставление. Перед зрителем два враждующих народа: французские завоеватели и испанские борцы за свободу и независимость.

Жанровые сцены («Водоноска», «В тюрьме», «Похороны сардинки», «Кузнецы»), алтарная композиция «Моление о чаше». В 1815 г. художником была создана серия офортов «Тавромахия», посвященная бою быков.

Вопрос 38: Проблемы реализма в западноевропейском изобразительном искусстве XIX века: Домье, Милле, Курбе. Барбизонская школа. В период между революцией 1830 и 1848 годов во Франции складывается школа реалистического пейзажа, получившая название барбизонской. Взамен выдуманного, скомпонованного по принятым шаблонам пейзажа, лишенного конкретности и национального своеобразия, они стали изображать родную природу, которую внимательно изучали во всей неповторимости и изменчивости ее облика. Критическая обстановка, сложившаяся в стране, не могла не повлиять на мироощущение людей. В эту эпоху передовая французская интеллигенция стремится найти новые пути в искусстве и новые формы художественного выражения. Именно поэтому в живописи Франции реалистические тенденции обнаружились намного раньше, чем в других западноевропейских странах.

Гюстав Курбе 1819 г. Революционные события 1848 г., во многом предопределили демократическую направленность его творчества. Пройдя недолгий этап близости к романтизму («Виолончелист» (Автопортрет), «Человек с трубкой» (Автопортрет)). Стремление раскрыть значительность, поэзию повседневной жизни и природы французской провинции приводит Курбе к созданию монументальных, проникнутых реалистическим пафосом полотен («Послеобеденный отдых в Орнане», «Похороны в Орнане»). Курбе охотно обращается к теме труда, изображает людей из народа («Дробильщики камня», «Веяльщицы», «Купальщицы», «Уснувшая пряха», «Крестьяне, возвращающиеся с ярмарки»). «Ателье». Полное название картины — «Ателье, или реальная аллегория, характеризующая семилетний период моей творческой и личной жизни». В правой части картины изображены друзья Курбе. Выпустив каталог выставки, художник во вступлении обосновал свое понимание реализма в изобразительном искусстве. Художник выставляется в Германии, Голландии, Бельгии и Англии, и всюду на него сыплются почести, кульминацией которых стала Золотая медаль от Леопольда II Бельгийского и Орден Св. Михаила от Людвига II Баварского (обе награды присуждены художнику в 1869 г.). В 1860-е — начале 1870-х гг. Курбе много работает в жанре пейзажа («Косули у ручья Плезир-Фонтен»), пишет целый ряд марин («Бурное море» (Волна), «Скала в Этрета после шторма»), создает портреты («Девушка с чайками»), пишет натюрморты («Фрукты», «Корзина цветов»), обнаженную натуру («Источник», «Женщина с попугаем», «Женщина в волнах») и сцены охоты «Травля оленя». В 1870 г. правительство Франции награждает Курбе Орденом Почетного легиона, однако художник демонстративно отказался от этой награды.

Домье Оноре Викторьен родился в 1808 г. в Марселе в семье стекольщика. После революции 1830 г. Домье стал политическим карикатуристом и завоевал общественное признание беспощадной острогротескной сатирой на короля Луи Филиппа и правящую буржуазную верхушку. Карикатуры Домье распространялись в виде отдельных листов или публиковались в иллюстрированных изданиях. Домье вылепил из глины галерею скульптурных бюстов, представляющих сатирические портреты политических деятелей Июльской монархии ( Жан Огюст Шевандье де Вальдром, парламентарий (Тупица). Бюсты выполнялись Домье по свежему впечатлению, после возвращения из зала заседаний Палаты депутатов, где он мог присутствовать в ложах для прессы. В литографиях 1834 г. художник обличал бездарность и своекорыстие власть имущих, их лицемерие и жестокость («Законодательное чрево»). Литография «Законодательное чрево» является своеобразным итогом работы над сатирическим портретом. Здесь художник создал групповой портрет представителей финансовой аристократии. Он изобразил депутатов во время заседания палаты. Их лица выражают абсолютное безразличие к тому, что происходит. Депутаты беседуют между собой, спят, читают, дремлют. Они бесконечно далеки от интересов народа. Их тучные фигуры вырисовываются друг за другом на скамьях зала заседаний, лица, заплывшие жиром или напоминающие хищных животных, полны самодовольства и надменности.

Постоянным героем художника был Луи Филипп, на всех рисунках напоминающий огромную неповоротливую грушу («Прошлое, настоящее, будущее»). Он то выступает в роли лицемера-врача, радостно констатирующего смерть раненого рабочего («Он нам больше не опасен»), то, обнявшись со своими соратниками, воровато вынимает из чужого кармана часы («Все мы честные люди, обнимемся»). Литография «Улица Транснонен» изображает трагический финал рабочих восстаний в 1834 г. На улице Транснонен солдаты королевской армии ворвались в один из домов и перебили всех жильцов, включая женщин и детей. Страшным пятном выплывает из мрака фигура мёртвого мужчины в ночном колпаке, лежащего на полу. Он сполз с кровати и придавил собой малыша. Яркий свет безжалостно вырывает из темноты голову убитой старухи. В тени распласталась женщина. В этой гравюре дарование Домье проявилось наиболее полно. Он виртуозно использовал многочисленные серые оттенки и резкие контрасты чёрного и белого.

«Современные филантропы», «Парламентские сцены», «День холостяка», «Супружеские нравы», «Пасторали».

Домье вновь обращается к бытовой карикатуре (Из серии «На злобу дня», Из серии «Парижские зарисовки», Из серии «Летние зарисовки»). Последний всплеск творческой активности стареющего художника снова был связан с политическими событиями — франко-прусской войной 1870—71 гг. и Сентябрьской революцией 1870 г. На литографии «Бедная Франция! Ствол сломан, но корни еще крепки» (1871) Франция предстает искалеченным деревом с одной веткой, согнутой порывом ветра. Домье как живописец был неизвестен современникам: он никогда не выставлял свои картины. Художник писал портреты, жанровые сцены («Прачка»-Саркастичный, беспощадно-насмешливый в графике, в живописи Домье предстает скорее поэтом, создающим образы людей, к которым он испытывает чувство уважения, симпатии, духовной близости, сострадания.

«Вагон третьего класса». Полотна на литературные, мифологические, религиозные сюжеты; серия картин посвящена Дон Кихоту, великий мечтатель, большой ребёнок, искренне верящий в добро и справедливость.

Вопрос 39: Импрессионизм во французском искусстве второй половины XIX века. Мастера импрессионизма: Э. Мане, К. Моне, Э. Дега, О. Ренуар, О. Роден (по выбору студента). В последние десятилетия XIX века художественная жизнь Франции являла собой весьма пеструю картину. Медленно, постепенно ослабевали позиции официального салонно-академического искусства. Все больше распространялся "ар нуво" - особенно в плакате, декоративном искусстве. Во Франции развивались общеевропейские художественные течения, существенно расходившиеся с официальным академическим направлением: романтизм, ориентализм, реалистический пейзаж «Барбизонской школы», символизм. Этот прорыв связан в первую очередь с творчеством Эдуара Мане и Эдгара Дега, а затем — импрессионистов, наиболее заметными из которых были Огюст Ренуар, Клод Моне, Камиль Писсарро и Альфред Сислей, а также Гюстав Кайботт.

В это же время другими выдающимися фигурами были скульптор Огюст Роден и не примыкавший ни к каким течениям Одилон Редон.

Эдуард (Эдуар) Мане 1832 г. В 1850 г. Эдуард поступает в Школу изящных искусств. В 1859 г. Мане пытается выставить в салоне картину «Любитель абсента», однако жюри Салона отвергает это произведение. В 1861 г. в Салоне выставляются «Портрет родителей» и «Гитареро», принятые публикой довольно благосклонно. В ранних работах Мане заметны испанские мотивы. Во время гастролей в Париже мадридской балетной труппы он пишет серию картин с живых испанских моделей («Лола из Валенсии»). В 1863 г. три тысячи из пяти тысяч картин, представленных в Салон, были отвергнуты жюри. Наполеон III распорядился выставить эти полотна в расположенном по соседству Дворце промышленности. Эта выставка получила название «Салона отверженных». «Завтрак на траве» Позаимствовав мотив у классиков, Мане наполнил его современным содержанием. Однако публика и критики были шокированы «вопиющей непристойностью» картины. Разразился грандиозный скандал. В 1860-е гг. Мане работает в самых разных жанрах: пишет жанровые сцены («Скачки в Лоншане», «Музыка в Тюильри»), портреты «Флейтист», «Портрет Э. Золя», «Балкон». Марины («Бой «Кирсарджа» и «Алабамы»«Алабама» — деревянный винтовой пароход водоизмещением 1040 т с пушечным вооружением. В августе 1862 г. под командой капитана Р. Симса крейсер начал действия против торговых кораблей северян. в Индийском и Атлантическом океанах захватил и уничтожил 68 торговых и 1 военный корабль. Натюрморты, религиозные композиции, обращается к эпизодам современной истории («Казнь императора Максимилиана»). В 1873 г. в Салоне выставляется картина Мане «За кружкой пива», принесшая автору мимолетный успех. Искусство Мане предвосхитило возникновение импрессионизма. В конце 1860-х гг. художник сближается с его мастерами (Э. Дега, К. Моне, О. Ренуаром) и с начала 1870-х гг. начинает работать на пленэре. Ряд произведений Мане («Аржантёй», «Моне и госпожа Моне в лодке») несет в себе черты импрессионизма; в то же время Мане расходится с импрессионистами, сохраняя ясность рисунка и отдавая предпочтение бытовому сюжету («Нана», «В кабачке папаши Латюиль»). Пишет натюрморты («Лимон», «Сирень в стеклянной вазе») и пейзажи, выступает как рисовальщик, занимается литографией и офортом. В 1881 г. за «Портрет охотника на львов» Мане получает почетную медаль II степени. В том же году он награждается орденом Почётного легиона. Последней и самой значительной работой Мане стало полотно «Бар «Фоли-Бержер».

Ренуар Пьер Огюст 1841 г. в Лиможе. В 1854 г. он начинает работать художником по фарфору на фабрике братьев Леви. В ранних работах Ренуара сказывается воздействие Г. Курбе и Э. Мане «Портрет четы Сислей». («Лягушатник»). В картине нет выверенной композиции, поэтому она кажется эскизом, а не законченным произведением, кадрировка сцены выглядит случайной. Его задачей было успеть передать атмосферу беззаботности и веселья теплого летнего дня, поймать блики на воде, солнечные рефлексы на светлых платьях дам (хотя дамами этих особ женского пола можно назвать с натяжкой: большинство из них — девицы легкого поведения, обитательницы кафе сомнительной репутации). Живописцу нужно было писать в очень короткое время, т.к. они с Моне выработали свою технику письма широкими быстрыми мазками, обозначавшими фигуры людей и окружающую обстановку, но не выписывавшими детали.

Он пишет пейзажи, в которые органично включает человеческие фигуры («Девочка с лейкой»-В течение своей долгой творческой жизни Ренуар написал множество детских портретов. В них чувствуется удивительная теплота и симпатия, которую художник испытывал к своим маленьким моделям. Будучи сам счастливым отцом троих детей, он неоднократно писал и рисовал их, наполняя детские портреты личными чувствами и эмоциями. «Тропинка в высокой траве». «Бал в Мулен де ла Галетт», «После обеда», «Завтрак гребцов». Ренуар много работает в жанре портрета («Портрет В. Шоке»). Особое место в творчестве художника занимают женские образы («Портрет актрисы Жанны Самари»-Лиричный и живой погрудный портрет написан изумительно. Благодаря позе — молодая актриса опирается рукой о подбородок, как в доверительной беседе, ее прямому открытому взгляду, обращенному прямо на зрителя, и максимальному приближению изображения к краю картины, создается близкий контакт модели и зрителя.

«Девушки в черном», олицетворяющие живую естественную прелесть. Полны неповторимого изящества и грациозности ренуаровские образы обнаженных женщин («Купальщица с длинными волосами», «Сидящая купальщица»). Модели Ренуара далеки от классического идеала красоты; он отдавал предпочтение круглолицым миловидным женщинам с пышными формами и крепкими руками («Обнаженная»), часто это были девушки из простонародья. Ренуар участвовал в первой выставке импрессионистов в 1874 г. (на которой, выставлялась его знаменитая «Ложа»), затем во второй, третьей и седьмой. Однако вскоре Ренуар отходит от подобной, «строгой», трактовки художественной формы, возвращаясь к более свободной живописной манере. При этом его цветовая гамма становится нежно-жемчужной, этот период его творчества принято называть «перламутровым» («Спящая купальщица»). На смену «перламутровому» приходит так называемый «красный период», когда художник отдавал предпочтение красноватым и розовым тонам («Габриэль с розой»). В конце жизни, вынужденный из-за болезни рук отказаться от живописи, Ренуар переходит к скульптуре; давая указания помощнику Гино, художник создает ряд великолепных скульптур. Ренуар работал также в технике пастели, сангины, акварели; создал целый ряд рисунков карандашом, пером и цветными мелками.

Вопрос 40: Мастера постимпрессионизма: Сезанн, Ван Гог, Гоген (по выбору студентов). В 80-х гг. XIX в. ситуация во французском искусстве сильно изменилась. Три последние выставки импрессионистов показали высшие достижения этого направления и одновременно свидетельствовали о том, что оно уже исчерпало себя.

В конце столетия четыре художника громко заявили о себе, подводя итог искусству XIX столетия и прокладывая путь в будущее. Это были Поль Сезанн (1839—1906), Винсент Ван Гог (1853—1890), Поль Гоген (1848-1903) и Анри де Тулуз-Лотрек. Яркие индивидуальности, они не объединились в группу, однако с разных сторон двигались к одной цели — познанию истинной сущности вещей, скрывающейся под их внешностью. Так родился постимпрессионизм (от лат. post — «после»). Это течение было тесно связано с импрессионизмом и смогло проявить себя лишь в пору его заката.

Гоген Поль Эжен Анри родился в 1848 г. в Париже. В 1876 г. его пейзаж «Лес в Вилофоре» был принят в Салон. На выставке импрессионистов в 1881 г. Гоген выставляет «Этюд обнаженной натуры», вызвавший благосклонную реакцию критиков. Им были написаны «Кафе в Арле», «Видение после проповеди». «Желтый Христос». Сблизившись с символистами, Гоген, а также работавшие под его влиянием художники пришли к созданию своеобразной живописной системы — синтетизма, использующей обобщение и упрощение форм и линий. Дальнейшее развитие эта система получила в картинах, написанных Гогеном на островах Океании. «Женщины Таити» («На пляже»), «А, ты ревнуешь?»-Героиней большинства полотен мастера является прекрасная, дикая и загадочная таитянская женщина. Именно через ее величественный и гибкий образ Гоген передает свое пантеистическое видение мира. На полотне изображены две обнаженные девушки, уютно расположившиеся на берегу фантастически прекрасного водоема. Их насыщенно-золотистого цвета тела застыли в ленивой истоме на розовом песке.

«Женщина, держащая плод»-На первом плане изображена молодая девушка в ярко-красном парео, держащая бережно, словно ребенка, плод тропического растения. В некотором отдалении от нее, на фоне хижин, сидят ее подруги, внимательно смотрящие на зрителя. Стиль этой работы намного мягче и естественнее предыдущих полотен мастера. Рисунок почти утратил былую резкость, а линия приобрела гибкость и живость. Посредством композиции Гоген ненавязчиво объединил плоскостные ритмичные мотивы, смягчив границы контрастных цветов. Колорит картины изыскан; благодаря разнообразию теплых розовых оттенков она словно подернута знойным маревом.

«Около моря». Художник и здесь живет в нищете и, чтобы хоть как-то наладить свой быт, обзаводится женой, тринадцатилетней таитянкой Техурой. В счастливый медовый месяц Гоген пишет свою знаменитую картину «Дух умершего бодрствует». Тогда же был создан «Таинственный источник» — цикл картин по мотивам древнетаитянской религии и мифов. В этот краткий период пребывания во Франции Гоген пишет серию картин с изображением бретонских крестьян и пейзажей (Пейзаж в Бретани. Мулен-Давид, 1894, Орсе, Париж, Бретонские крестьянки, 1894, Орсе, Париж), несколько портретов. «Жена короля»-Картина «Жена короля» написана Гогеном в период его второго пребывания на Таити. Таитянская Ева с красным веером за головой, знаком королевского рода, возле которой старцы ведут разговор о древе познания. Крадущийся по склону зверь с горящими глазами воплощает загадку, скрытую в образе женщины. Ведущую роль в картине играет цвет, который Гоген трактует обобщенно, декоративно. «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?»- Содержание произведения нужно «читать» справа налево, постепенно раскрывая его смысл – течение человеческой жизни от рождения до смерти. На большом, вытянутом по горизонтали холсте изображен берег лесного ручья, в густой воде которого отражаются таинственные тени-видения. Пышная тропическая растительность призвана сбить зрителя с толку, создав впечатление того, что действие происходит не на земле, а в раю. Поставив в названии полотна три вопроса, Гоген композиционно разделил картину на столько же частей. Первую занимают три женщины, сидящие около ребенка, покой которого охраняет большая черная собака. В центре изображен юноша с высоко поднятыми над головой руками. Нарочито огромная фигура, попирающая законы перспективы, помещена художником в заросли. Оправившись после суецида, он пишет («Белая лошадь», «Женщины на берегу моря» («Материнство»), «Две таитянки», «Месяц Марии»). В 1901 г. художник перебирается на Маркизские острова, где строит свой последний приют — «Веселый дом», хозяйкой которого стала четырнадцатилетняя Ваехо. В последние годы жизни Гоген создает картины «Варварские сказания», «И золото их тел», «Всадники на берегу», «Девушка с веером»; спешно заполняет дневник воспоминаниями и размышлениями.

Ван Гог Винсент Виллем родился в 1853 г. в Голландии в семье бедного пастора. Лето и осень 1881 г. В Эттене создает около 50 рисунков (портрет отца, наброски сеятеля, жанровые сцены, пейзажи. За два года, проведенные в Нюэнене, он создал около ста картин («Едоки картофеля» — изображает крестьян за ужином. «Крестьянка») и свыше 240 рисунков.

В феврале 1886 г. Ван Гог переезжает в Париж. В Париже были написаны «Огороды на Монмартре», «Портрет папаши Танги»-Жюльен Танги — владелец художественной лавки, торговавшей красками вразнос. С товаром за спиной он обходил живописцев, работавших на плинэре. Он прекрасно разбирался в своем деле, обожал новую живопись, бывшую в те годы объектом жестоких насмешек. В его лавке, выкрашенной в голубой цвет, торговля шла не очень бойко. Но Танги, будучи человеком скромным и умеренным, довольствовался самым незначительным доходом. Гораздо важнее для него была возможность общаться с художниками, картины которых он так любил. Входя в положение художников, людей по большей части небогатых, он отпускал холсты и краски в долг или брал плату картинами. Его лавка была местом встреч импрессионистов, которые приходили сюда, чтобы поделиться новостями или обменяться идеями с коллегами: среди постоянных посетителей лавки на улице Клозель были Сезанн, Гоген, Писсарро, Гийомен, Ван Гог, Сёра, Синьяк. Будучи простым, необразованным человеком, папаша Танги любил живопись и тонко чувствовал ее. До самой смерти он бережно хранил свой портрет, написанный Ван Гогом.

«Мост через Сену» и др. За четырнадцать месяцев, проведенных в Арле, художник создал около 200 живописных работ «Ночное кафе», «Красные виноградники в Арле», «Жатва», «Рыбачьи лодки в Сент-Мари», «Подсолнухи» и более 100 рисунков и акварелей. Наутро Винсента, окровавленного, едва живого, отвезли в больницу. «Автопортрет с перевязанным ухом» и несколько вариантов «Колыбельной». В Сен-Реми были написаны композиции «Ирисы», «Звездная ночь»-«Звездная ночь» является одной из самых знаменитых композиций Ван Гога. Сам художник, однако, был недоволен своей работой. Он считал, что «она ни о чем не говорит, потому что в ней нет силы воли и глубоко прочувствованных линий».

«Оливковая роща», «Прогулка заключенных», «Дорога с кипарисами и звездами» и др. В Овер-сюр-Уаз Ван Гог создал 70 картин («Церковь в Овере», «Улица в Овере», «Дорога в Овере после дождя», «Вороны над хлебным полем») и 32 рисунка. 27 июля 1890 г. Ван Гог отправился в окрестности города, где выстрелил в себя из пистолета. Он сумел самостоятельно вернуться в город, в гостиницу, где он жил. Тотчас были вызваны врачи, но они уже не могли помочь.

Поль Сезанн родился в 1839 г. в Экс-ан-Провансе. Ранние работы Сезанна зачастую носят характер экспрессивных фантасмагорических сцен «Оргия». В Париже Сезанн сблизился с Э. Мане, К. Моне, О. Ренуаром и другими будущими импрессионистами. («Дом повешенного в Овере»). Несмотря на довольно мрачное название, полотно «Дом повешенного» представляет собой солнечный пейзаж. Интересно его композиционное построение, в котором, подобно коллажу, наблюдается совмещение разных планов. Первый план вводит зрителя в пространство полотна; он представляет собой ничем не примечательный песчаный склон холма с обрубками дерева в нижнем левом углу, помещенными сюда в качестве отправной точки для начала продвижения вглубь. Второй план занимают поросший травой холм и постройка с темной крышей, за которыми открывается неказистый «дом повешенного», словно вырастающий из холма и представляющий третий план. За ним виднеется крыша расположенного ниже дома (четвертый план), позади которого изображены постройки с ярко-рыжими кирпичными стенами. Взгляд зрителя из левого нижнего угла полотна вслед за художником спускается по склону холма, петляя между неровностями рельефа и стенами построек, открывая глубину пространства. Такие композиционные несуразности, немыслимые для традиционного искусства, давали возможность Сезанну правдиво писать то, что он видел.

Гору Сент-Виктуар художник писал 60 раз («Гора Сент-Виктуар»-Мотив горы Сент-Виктуар, которую Сезанн писал с разных точек зрения, доминирует в его позднем творчестве. Склонный к перемене мест Сезанн живет то здесь, то там. Творчество Сезанна многогранно. Наряду с пейзажами «Дома у дороги»-Мотив поворота дороги одно время играл особенно важную роль в живописи Сезанна. «Озеро в Аннеси», «Поворот дороги в Монжеру», художник уделяет большое внимание портретному жанру («Мальчик в красной жилетке», «Курильщик»). Полотно Сезанна принадлежит к серии, изображающей курильщиков и игроков в карты. В картине нет сюжетной занимательности. Отсутствует в ней и бытовая атмосфера, несмотря на обыденность мотива. Спокойная основательность позы, обобщенность лишенных мимики черт лица, монументальность фигуры сообщают образу классическое величие. За спиной курильщика, сидящего в мастерской художника, виден натюрморт с бутылкой и яблоками кисти Сезанна. Сезанн исполнил свыше 40 портретов своей жены («Женщина в зеленой шляпе» («Мадам Сезанн»), «Мадам Сезанн в красном кресле»). И 35 автопортретов. Сезанн писал фигурные композиции («Пьеро и Арлекин») и жанровые сцены («Игроки в карты»). Большое место в творчестве Сезанна занимает натюрморт; художник написал около двухсот произведений этого жанра («Натюрморт с кувшином», «Натюрморт с тарелкой вишен», «Персики и груши», «Натюрморт с драпировкой»). В последние годы Сезанн часто обращается к мотиву «купальщиц» и «купальщиков» («Большие купальщицы»-где Сезанн задумал многофигурную композицию большого формата (длина и ширина холста превышают два метра) с обнаженными купальщицами на лоне природы. Существовало несколько разновременных вариантов «Купальщиц». Над данным полотном художник много и упорно работал, тщательно продумывая компоновку нескольких обнаженных фигур в пространстве, выверяя ритм вытянутых рук и линий тел, которые вместе со склоненными стволами деревьев образуют полукруг.