23. Кубизм в европейском искусстве. П. Пикассо как воплощение для современников понятия «художник хх века». Основные периоды его творчества.

Наибольшее распространение получило во Франции. Начало кубизма относят к 1907г., когда П. Пикассо выставил свое полотно "Авиньонские девицы". В кубизме подчеркивалась материальность и трехмерность изображения, сведенного к элементарным геометрическим формам - кубу, шару, цилиндру и другим фигурам. Кубисты во многом отталкивались от негритянской скульптуры и творчества Сезанна. Первая фаза кубизма (1907-09) получила название "аналитической". В это время в произведениях кубистов предмет "анализировался" - разлагался на простейшие формы и вместе с тем сохранял свою узнаваемость; художник стремился показать предмет со всех сторон. С 1910-11гг. берет начало "синтетический" кубизм. В произведениях этого периода естественные связи предметов распадаются и их составляющие становятся исходным материалом для последующего синтеза, свободных построений. Большое место в кубизме занимала техника коллажа, интерес к фактуре. В эти же годы появилась и кубистическая скульптура. Крупнейшими мастерами кубизма были Пикассо, Ж. Брак, X. Грис.  С середины 19 века отход от господствующей в это время в изобразительном искусстве натуралистической традиции резко ускоряется. Живопись, графика, скульптура обращаются к тому, что недоступно прямому (“буквальному”) воспроизведению. Отработка новых изобразительных средств, стремление к типизации, повышенной экспрессии, созданию универсальных символов, сжатых пластических формул направлены, с одной стороны, на отображение внутреннего мира человека, его состояния (психического, эмоционального), с другой – на усиление выразительности, информативности структуры вещей, обновление видения предметного мира вплоть до задачи создания “самостоятельного живописного факта”, конструирования “новой реальности”.  Последняя выставка импрессионистов в 1886 г. знаменует конец классического периода европейского искусства. Начиная с этого времени в европейской живописи одно за другим возникают многочисленные течения, существующие более или менее длительное время: югендстиль, экс-прессионизм, неоимпрессионизм, пуантилизм, символизм, кубизм, фовизм.  1907 год считается поворотным в отношении к традиционному, в первую очередь африканскому искусству, творчество Сезанна стало последним и, возможно, решающим в ряду факторов, заставивших по-новому взглянуть на примитивное искусство.  Таким образом, в основу концепции кубизма легла “языческая” культура, которая в свое время вызвала к жизни искусство античности, а позднее дала новые ростки в эпоху Возрождения. Она освобождала художественное творчество от салонной легковесности, возвращала его к раскрытию сущности вещей и явлений, делая искусство в соответствии с тенденцией времени инструментом познания.  Столь близкая к технике ранних кубистских работ Брака, казалось, должна была способствовать если не пониманию, то хотя бы признанию права на существование этого эксперимента, который называют самым смелым в истории искусства. И все же работы Брака, как и последующие работы кубистов, были отвергнуты жюри и стали надолго мишенью критики и предметом скандала для широкой публики.  В 1905 г. Пикассо создает свою знаменитую серию “Акробаты”, “Девочка на шаре”, “Семья акробатов”и другие композиции “розового” периода, детализированные, близкие к натуре, чем предыдущие работы. Они не предвещают того перелома в творчестве художника, который наступает внезапно и со всей резкостью проявляется впервые в большой композиции “Авиньонские девицы”. Эта картина была начата в 1906 г. в манере, довольно близкой предыдущим: портрет Гертруды Стайн, “Две обнаженные женщины” (1906 г.). Но когда она была закончена, в 1907 г., в ней не осталось ничего, что напоминало бы прежнего Пикассо “розового” периода. Пять обнаженных женских фигур, изображенных в разных ракурсах, заполняющих почти всю поверхность холста, как бы грубо вытесаны из твердого дерева или камня. Тела предельно обобщены, лица лишены выражения. Складки драпировок, составляющих фон картины, создают ощущение распада и дисгармонии.  Именно эта картина, так и оставшаяся непризнанной, знаменует начало нового, “негритянского” периода в творчестве Пикассо и нового направления в мировом искусстве – кубизма.  Геометрическая простота фигур – именно то, что прежде всего бросается в глаза в “Авиньонских девицах”. Причем лица двух правых фигур прямо ассоциируются с африканскими ритуальными масками. По рисунку и цвету эти головы резко отличаются от остальных, и композиция в целом производит впечатление незаконченности.  1906 г. был определяющим для дальнейшей направленности его творчества, именно в это время Пикассо переходит от реализма сентиментального к реализму пластическому.  Кубизм не оказал бы такого влияния на развитие мирового искусства, если бы остался делом одного-двух живописцев. Подхваченное десятками и сотнями художников во всех странах мира, это дело оказалось столь значительным потому, что расширило художественный кругозор, раздвинув границы европейской эстетики.  Официальная родословная кубизма начинается с “Авиньонских девиц”, со вступления Пикассо в “негритянский” период, с начала совместной работы группы французских художников и поэтов, в центре которой – П.Пикассо, Ж.Брак, Х.Грис, Ф.Леже, Г.Аполлинер, М.Жакоб и др.  Одним из первых испытал влияние африканского искусства А.Дерен. В его картине “Купальщицы” (1906) можно обнаружить черты, связывающие ее, с одной стороны, с африканской скульптурой, с другой – с творчеством Сезанна. Многие исследователи, считают, что картина оказала известное влияние на Пикассо в период создания им “Авиньонских девиц”.  Большинство подготовительных этюдов к “Авиньонским девицам”, рисунки, отдельные композиции Пикассо 1906–1910 гг. сделаны под непосредственным впечатлением от африканской скульптуры. Такие холсты, как “Обнаженная в лесу” (1908) и другие картины этой серии, воспринимаются как живописная интерпретация пластических ритмов традиционной скульптуры. Другие его работы: “Три обнаженные женщины”(1907–1908) и карандашные наброски к этой картине, “Обнаженная с драпировкой” (1907), “Обнаженная с полотенцем” (1907) – передают то новое отношение к форме, которое позднее выявится в пластических символах. В этих работах еще заметна забота о фактуре, сохранение некоторой живописности предыдущего периода. Об этих и особенно последующих работах, таких как “Королева Изабо” (1909), “Купальщица” (1908–1909), “Крестьянка” (1908), “Девушка с мандолиной”(1910)и др., можно сказать то же, что и об африканской скульптуре.  Обобщенные, рубленые формы монументальной живописи и скульптуры уже стали привычными, и теперь может показаться странным, что столь важное место отводится работам Пикассо, в которых человеческие лица и фигуры предельно упрощены, геометризованы, лишены какой бы то ни было индивидуальности. Дело в том, что именно картины Пикассо 1910-х годов и подготовительные наброски позволяют видеть, как и из чего складываются основные параметры нового направления, как и под воздействием чего именно совершался перелом, и на этом примере (который не случайно оказался столь заразительным) понять перемены, происходившие в это время во французском искусстве. Творчество П.Пикассо, Ж.Брака, Х.Гриса, Ф.Леже, Ж.Метценже, А.Глеза и др. стало определяющим для раннего этапа кубизма и соответствующего периода в истории французского и мирового искусства.  Особый интерес в этом плане представляют два рисунка женской фигуры со спины с поднятыми руками, выполненные весной 1907 года. Здесь уже в полной мере использован принцип архитектурного сочленения. Фигура составлена из нескольких самостоятельных “чистых” объемов: голова (шар), руки (прямоугольник) и отделенные от туловища, четко очерченные как самостоятельные объемы, ноги. Считается, что в это время Пикасо еще не был знаком с африканской скульптурой. Вместе с тем принцип архитектурного построения – именно то, что в первую очередь привлекло к ней внимание художников. Вскоре в рисунках Пикассо не только фигура, но и лицо распадается на отдельные элементы. Рот, глаз, ухо становятся чем-то вроде универсальных деталей.  На лице прежде и разительнее всего меняется способ изображения носа. Теперь он

начинает жить своей собственной, отдельной жизнью. Впрочем, в нем нет ничего живого: это каменный или деревянный скошенный брус – архитектурная деталь, элемент чудовищного конструктора. Можно было бы бесконечно гадать о происхождении и значении этого элемента, если бы не его очевидная связь с кубом в “Девочке на шаре”.  В Дальнейших работах кубистов все большее место занимает натюрморт. Натюрморты Брака и Гриса 1910–1913 гг. принадлежат к числу лучших, наиболее совершенных и законченных кубистских работ.  Итак, целью художественного творчества для кубистов, так же как и для первобытных и традиционных художников, является не отражение или отображение, а создание новой, иной реальности – явлений, стоящих в одном ряду с явлениями действительности, а не производных от них.  Изображенные в их натюрмортах предметы порой приобретают большую весомость, материальность, чем сама натура, а портреты, составленные из геометрических фигур, сохраняют даже внешнее сходство с оригиналом.  В центре внимания художника-кубиста не приметы внешности, а конструкция, архитектоника предмета, не фактура, а структура. Работая над образом, он стремится максимально освободить его от всего преходящего, изменчивого, непостоянного, выявить его подлинную сущность.  Вопреки не прекращавшемуся сопротивлению широкой публики новое течение к 1912–1914 гг. распространяется на все области художественного творчества. Вначале Пикассо, затем А.Лоренс и Ж.Липшиц создают первые кубистские скульптуры; живописцы-кубисты пишут театральные декорации, иллюстрируют книги и журналы. Соня Делоне создает рисунки для тканей и модели одежды. “Парад” Жана Кокто (1917) в исполнении дягилевского балета с музыкой Эрика Сати и декорациями Пикассо вошел в историю как триумф нового искусства.  Творчество П. Пикассо  (1881-1973), французский художник. Первые значительные произведения П. относятся уже к началу 1900-х гг. Картины "голубого периода" (1901—04), написанные в сумрачной, почти монохромной гамме голубых, синих и зелёных тонов, и "розового периода" (1905—06), в колорите которых преобладают розово-золотистые и розово-серые оттенки, посвящены теме трагического одиночества обездоленных (слепых, нищих, бродяг), романтической жизни странствующих комедиантов; они исполнены острого, подчас горького чувства утраченной или ускользающей, мимолётной гармонии человека с миром ("Старый нищий с мальчиком", 1903; "Девочка на шаре",1905). Отличающиеся тонкостью цветового строя, пластичностью форм и в то же время остротой лаконичного рисунка, эти произведения П. отмечены проникновенностью социально-психологической характеристики человека.  В 1907 П. решительно порывает с реалистической традицией мировой живописи. Обостренно, в большей мере интуитивно, нежели осознанно, ощущая кризис буржуазного общества и его гуманитарной культуры, новые трагические условия существования, не видя в капиталистическом мире общественных сил, а в современном искусстве ценностей, способных противостоять пугающей действительности, П. подвергает её в своём творчестве безжалостному искажению. Сознательная деформация натуры ("Авиньонские девушки", 1907), а также односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к созданию кубизма.  Разлагая предмет на составные геометрические элементы, оперируя комбинациями ломающихся плоскостей и громоздящихся объёмов, он отрицает реальный мир, существующий вне нас, и само изобразительное начало искусства, заменяя его "активностью" художника, чей субъективный произвол принимает форму геометрической игры отвлеченных элементов, разрушающих чувственно-наглядные образы вещей. Некоторые произведения П. кубистического периода не лишены декоративного изящества и эмоционального звучания. ("Дама с веером", 1909), а в ряде случаев сохраняет и остатки реальных образов (портрет А. Воллара,1910).  С середины 10-х гг., наряду с опытами в области фактуры ("Бутылка аперитива", коллаж, 1913) и поисками чистой декоративности ("Три музыканта", 1921), завершающими период кубизма, в творчестве П. возникают неоклассические тенденции; это

нашло отражение в таких работах, как "Три женщины у источника" (1921), "Мать и дитя" (1922), иллюстрации к "Метаморфозам" Овидия (офорт, 1931), серия "Мастерская скульптора" (1933—34). Характерными для неоклассицизма П. являются настроения сказочной идиллии, графическое изящество линий. Более реальным представлением о человеке проникнуты появляющиеся в его творчестве с конца 10-х гг. образы современников, людей из народа (рисунки — "Рыбак", карандаш, 1918; "Отдыхающие крестьяне", перо, 1919).  Резким контрастом по отношению к этим произведениям являются многие работы 20—30-х, с их безудержной трансформацией натуры ("Танец", 1925).  Обе линии — гуманистически-элегическая и иррационально-фантастическая — сталкиваются в серии "Минотавромахия" (офорт, 30-е гг.), воплощающей в символическом образе Минотавра (человека-быка) извечную борьбу светлого, разумного начала с тёмным; серия словно проникнута болезненно-острым предчувствием той трагедии, в которую вскоре будет повергнут мир.  Со 2-й половины 30-х гг. творчество П. всё сильнее пронизывают отзвуки современных событий; его реакция на господствующий в буржуазном мире дух насилия, попрание человеческих прав, боль и страдания людей ("Плачущая женщина", 1937; "Кот и птица",1939). С этого же времени во всей полноте начинает выявляться общественная позиция П. Человеконенавистническая сущность фашизма разоблачается им в серии "Мечты и ложь генерала Франко" (акватинта, 1937). Гневным протестом против фашистского террора является монументальное панно "Герника" (1937), в котором экспрессия манеры П. тех лет достигает своего высшего накала.  Передовые, гуманистические воззрения П. проявляются в его работах: рисунок "Голубь мира" (тушь, 1947), ставший символом движения за мир; панно "Мир" и "Война" (1952). Со 2-й половины 40-х гг. творчество П. особенно многообразно. Он продолжает создавать станковые живописные произведения, возвращаясь в них к античным реминисценциям, продолжая свою полемику против реалистического искусства. П. работает и как скульптор ("Человек с ягнёнком", бронза, 1944, статуя в Валлорисе), керамист (около 2000 изделий) и очень много как график, использующий широкий диапазон техник (рисунок, офорт, линогравюра, литография и др.) и изобразительных средств (тонкая, то гибкая, то резкая линия, мягкие монохромные или сочные контрастные пятна). В эти годы вновь проявляется характерная особенность творческого метода П.— принцип серийности (цикл рисунков и литографий "Человеческая комедия", 1953—54, и др.). Новые, иногда загадочные образные метафоры находит П., продолжая обращаться к своим постоянным, излюбленным темам — цирку, бою быков, античной мифологии, мотивам художника и модели, спящего и созерцающего. Большое место в его наследии занимают женские портреты.