Вопрос 28. Дизайн в эпоху постмодернизма.

С конца 60-х годов термин "постиндустриальное общество" наполняется новым содержанием. Ученые выделяют такие его черты, как массовое распространение творческого, интеллектуального труда, качественно возросший объем научного знания и информации, применяемой в производстве, преобладание в структуре экономики сферы услуг, науки, образования, культуры над промышленностью и сельским хозяйством по доле в ВНП и числу занятых, изменение социальной структуры.

Постмодернизм (1978-по н.в.)

Постмодернизм распространился с начала 70-х годов XX века как тип мировоспрятия, согласно которому мир не рационально устроен, он сомнителен и непознаваем. Этот стиль, отрицая современный функцианализм, объединил различные концепции многочисленных экспериментаторов, существовавших в это время.

Происхождение: Италия

Черты:

• отказ от промышленного производства

• слияние разных стилей

• декорирование поверхностей

• в графическом дизайне – использование многослойных изображений

Сведения:

• Отрицается акцент на логику, простоту и порядок, свойственных модерну

• пропагандируется слияние изящных искусств и поп-искусства

• С целью привлечь внимание потребителя на психологическом уровне, сторонники движения в внедряют в свои работы символизм (Милтон Глейзер, логотип «I Love NY»(«я люблю Нью-Йорк»))

• считали, что достижения модерна- это несколько удобочитаемых книг и бездушные произведения искусства

• Расширение арсенала художественных средств

• в 1966-м году в США вышла книга Роберта Вентури «Сложность и противоречия в архитектуре», где были сформулированы принципы антифункционализма. «Я скорее за богатство значений, чем за ясность значений; я за неявную функцию, так же как и за явную функцию. Я предпочитаю «и то и другое»

Персоналии: Роберта Вентури, Хельмут Джан, Чарльз Мур, Майкл Грейвс (Чайник Грейвса со свистком в виде птицы), Роб Криер, Альдо Росси(арх.,диз., теоретик. Театральные посторойкеи в Генуе и торонто, домашняя утварь для «Алесси», отель «Палаццо» Кукоко, Япония )

Группа «Мемфис»

• была основана в Милане в 1981 году Этторе Соттсассом (Ettore Sottsass), Андреа Бранци (Andrea Branzi) и Микеле де Лукки (Michele De Lucchi). Сначала группа существовала как отделение студии "Алхимия" - галереи экспериментальных работ, не предназначенных для промышленного производства.

Происхождение: Милан

Черты:

• Яркие цвета

• стиль китча

• броские геометрические формы

• Выпуск ограниченными сериями

• С 1981 по 1988 год выставки группы с успехом прошли в Лондоне, Монреале, Нью-Йорке, Париже, Стокгольме и Токио.

• острота жеста, смелая игра материалами, фактурами и формами, виртуозное смешение стилей. Многие из объектов выглядели как детские игрушки.

• стиль "Мемфиса" был привлекательным, остроумным и забавным: "Не относитесь к дизайну слишком серьезно!"

• Одним из любимых материалов дизайнеров стал ламинат, который они ценили за "недостаток благородства". Из баров и кафе-мороженных 50-60-х годов они перенесли его в жилые дома.

• коллажи, построенные по принципу хаоса. Отвержение принципов швейцарской школы.

• цель - установить связь между дизайнерским объектом и потребителем. В своей деятельности они использовали новые знания в социологии и маркетинга: Стремились не просто снабжать рынок, а с ориентацией на определенные социальные группы.

«Мемфис» от путь к антифункциональным направлениям в европейском дизайне которые получили название «новый стиль».

• в каждом регионе имелд свои отличительные черты, но общее было в том, что они стремились к независимости от жесткого диктата индустирии и рациональности функционализма.

Американском и Итальянский дизайн

Американский:

• тонко реагирует на изменения отношений между элитарным и активным потреблением

• не выработал до настоящего времени определенного стиля в дизайне, все стандарты, получившие широчайшее распространение на американском потребительском рынке

• ориентирован почти исключительно на массовое потребление "среднего класса" (именно этим и определяется его мощность

• принципиальные решения и эталоны дизайна могут создаваться только в расчете на элитарного потребителя. Этим и определяется внешнее отставание американского дизайна, которое достаточно наглядно выступает в экспозициях выставок или на страницах специальных журналов, посвященных дизайну.

Европейский "артистический" дизайн, возникая в странах, находящихся на значительно более низком уровне массового потребления, ориентировался прежде всего на элитарного потребителя. Не будет лишним отметить, что с послевоенным ростом экономики ФРГ или Италии:

• арт-дизайн (элитарный дизайн - в специальных журналах мы можем видеть этот вид деятельности художника-проектировщика в первую очередь) начинает количественно растворяться в американизованном стайлинге.

• способности итальянского дизайна продуцировать "шедевры"

• В Италии первые модели "Оливетти" в конце 40-х годов при более чем скромных условиях жизни среднего обывателя целиком были ориентированы на собственную потребительскую элиту и на экспорт. Выработанная как максимальное выражение обтекаемого стиля линия Ниццоли быстро превратилась в эталон элитарного дизайна и как таковой была импортирована в Соединенные Штаты.

• При этом нужно отметить, что собственно обтекаемый стиль был самостоятельно выработан американским коммерческим дизайном еще в 30-е годы, хотя эстетические качества этого "стиля" несопоставимы с обтекаемым стилем, базирующимся на решении итальянских дизайнеров. В 50-е годы происходит превращение этого нового обтекаемого стиля в массовую моду американского (уже и европейского) "среднего класса" - при этом собственно эстетические качества решения принимают новый характер, превращаясь в знаковость "современной формы".

• Сказанное выше не означает, что американскими художниками-проектировщиками не создано проектных решений на высшем художественном уровне, однако

1. не эти работы определяют лицо американской индустрии дизайна

2. они получали силу эталона массового потребления не самостоятельно (даже если это стул работы известного архитектора Сааринена), а через общее распространение всеобщей коммуникативности нового эталона, принятого из элитарного дизайна.

«Японский дизайн»- это уже почти не дизайн в американском значении этого слова, это иной вид проектирования для промышленности. Они говорят о синтоистских основаниях их деятельности, объясняя, что каждый созданный ими промышленный предмет - это не просто средство удовлетворения потребностей, но некое «живущее» в нем естественное божество, пользование которым предполагает ритуальную почтительность, как в чайной церемонии. Высшей целью его являлось духовное единение людей, где «состояние безмолвной беседы» происходило в продолжительном процессе любования цветами, садом и атрибутами церемонии.

Метаболизм- (франц. metabolisme от греч. metabole – перемена) – течение в архитектуре середины XX в. , пришедшее на смену функционализму интернационального стиля 1930-1940-х

• Развитие принципов конструктивизма согласно концепции «изменяемого пространства». Оптимальная конструктивная основа сооружений сочеталась с комбинаторикой - вариационными «ячейками», благодаря чему архитектурные композиции приобретали более разнообразный вид

• Воспринимали город как живой организм со всеми свойственными организму процессами.

• Делили город на постоянные и временные элементы – кости, кровеносные сосуды и живые клетки, которые меняются с течением времени.

• Лучшим произведением метаболизма признана первая же постройка Кисё Курокавы Nakagin Capsule Tower в Токио, включенная в список всемирного архитектурного наследия DOCOMOMO International.

Творчество современных дизайнеров.

Широ Курамата (Shiro Kuramata), величайшего и успешнейшего дизайнера мебели и интерьеров современной Японии, это понятие о единстве искусств было решающим.

• Отражает необыкновенный динамизм и расцвет творчества в послевоенной Японии с характерными для этого времени техническим прогрессом и бурным ростом экономики.

• Соединил западный модернизм, сюрреалистические элементы и восточную философию.

• Японский минимализм и западное чувство иронии.

• В 70-80-х - революционер в формообразовании. Он соединяет такие материалы как акрил, стекло, алюминий и сталь

• комод Drawers in a Irregular Form (1970), форму которого дизайнер со свойственным ему чувством юмора выводит за рамки прямоугольника. Из-за инновационной формы комода, воспроизведение которой вызывало технические трудности, компания Cappellini взялась за его массовое производство лишь спустя 18 лет.

• Стеклянный стул (Glass Chair), созданный в 1976 году. Своей нематериальностью и строгой геометрической формой, отдает дань уважения творчеству Пита Мондриана, датского художника и члена группы «Де стиль» и модернистским поискам дематериализации. «материал становится светом, а вес становится воздухом» (Этторе Соттсасс). Несмотря на то, что стул вполне функционален, он кажется слишком хрупким.

• С 1980-х годов Широ Курамата становится международно известным дизайнером.

• мебельный дизайн для «Мемфиса» (начало 80-х), а затем работая для таких компаний, как Vitra, Cappellini, XO, Kokuyo Co

• «Как высока луна» (How high the Moon) - кресло с таким поэтичным названием сделано из металлической сетки. Сетку Курамата использовал не только в мебели, но и при оформлении интерьеров, делая из нее колонны, перегородки, навесы. Никелированный металл, из которого выполнено кресло, мерцает, напоминая о бледном свете луны.