модуль-естетика
.docМіністерство освіти і науки
Національна академія внутрішніх справ
Модульна контрольна
з естетики
Виконала
курсант курсу №1
104 н/г
рядовий міліції
Фомченко Юлія
Київ 2013
Зміст
1.Життя та творчість І.Айвазовського
2.Життя та творчість А.В.Моцарта
3.Характеристика готичного стилю
Життя та творчість І.Айвазовського
Ім'я художника Айвазовського нерозривно пов'язане з морем. Він народився в Криму, у Феодосії і провів все своє дитинство біля хвиль, то ласкавих, то бурхливих, то каламутних, то іскристих на сонці. З дитячих років ця стихія, вчинена в своїй мінливості, вабила його. Хлопчиськом сидячи на березі, він вбирав і запам'ятовував, володіючи чудовою пам'яттю художника, щоб потім уже дорослим стати визнаним живописцем-мариністом, мабуть, одним з найбільш відомих російських художників.
Отже, майбутній художник народився 17 липня 1817 року в вірменській сім'ї. Ще до народження сина його батько Геворг (Костянтин) Гайвазовський покинув Польщу і переїхав до Феодосії. Його предки, що носили колись прізвище Гайвазян, були з турецьких вірмен і жили в Польщі з XVIII століття. Спочатку торговельні справи батька йшли непогано, але чума 1812 року, спіткало Феодосію, не тільки забрала безліч життів городян, а й привела до матеріальних труднощів більшість жителів міста. Сім'я Гайвазовський не була винятком. Мати Івана (Ованеса) Ріпсіме вміла майстерно вишивати і своїм рукоділлям також заробляла на життя. Маленький Ованес виявився дуже здібним до малювання і до гри на скрипці. Йому подобалося малювати море, а також копіювати літографії з книги про боротьбу греків з турецькими завойовниками. Коли хлопчику було вісім років, батько здивував його розповіддю про те, що бувають такі місця, де є тільки суша, а моря немає. Хлопчик не міг його зрозуміти: "А як же тоді кораблі? Адже вони тільки по воді можуть плавати". Іван вважав, що світ не може існувати без моря. У цьому ж віці він почав розмальовувати самоварним вугіллям вибілені стіни сусідських будинків. Тоді батько подарував йому папір для малювання, і це було для дитини вершиною щастя, однак папір швидко закінчилася, і хлопчина почав розмальовувати батьківські книги. Батько підняв справжню бурю - він дорожив своєю колекцією книг. Ованес Гайвазовський чудово закінчив вірменську парафіяльну школу, а потім архітектор Кох, запримітили талановитого хлопчину, ще коли той потім закінчив «розписував» (причому дуже добре!) Сусідські стіни і паркани, визначив його в Гімназію в Сімферополі. Коли Ованесу виповнилося шістнадцять, градоначальник А. Казначеєв допоміг йому виїхати до Петербурга. Показаних малюнків Айвазовського виявилося достатнім, щоб його прийняли в Академію мистецтв. Він почав вчитися в пейзажному класі у професора М. Н. Воробйова. Іншими його вчителями були А. Зауервейд в батальному класі і французький мариніст Ф. Таннер.
Через два роки після зарахування, Айвазовський одержав срібну медаль за роботу "Етюд повітря над морем". У 1837 р. робота «Штиль» і три марини принесли йому Велику золоту медаль, а також дозвіл здати екстернатом курс Академії на два роки раніше, якщо молодий художник напише пейзажі деяких міст Криму. У 1839 році з'являється перша картина батального жанру - "Висадка десанту у Субаши", навіяна враженнями, отриманими художником під час військово-морського походу до кавказьких берегів. У якості «прискореного іспиту» Айвазовський створює пейзажі, що зображують Ялту, Феодосію, Севастополь, Керч, а також пише роботи "Буря", "Місячна ніч у Гурзуфі" (1839) і "Морський берег" (1840). Всі роботи, написані в цей період, були схвалені професорами Академії художеств, більш того, молодий художник отримав можливість поїхати в якості пенсіонера до Італії. У 1841 році Іван Костянтинович прибрав початкову букву «Г» з свого прізвища, ставши Айвазовським. Ця поїздка, що почалася в 1840 р., мала великий вплив на російського художника, так як він не тільки зміг познайомитися з шедеврами західноєвропейської культури, а й
потрапити в коло блискучих російських талантів. Під час цієї італійської відрядження Айвазовський зустрічався Н.В. Гоголем, художником Олександром Івановим, з яким вони навіть здружилися, а також з Боткіним і Панаєвим. У Римі художник дуже багато працював, копіюючи картини старих майстрів, а також писав улюблені марини. П'ятдесят великих творів народилися під пензля Айвазовського в Італії. Морські пейзажі цього періоду, такі, як "Буря", "Неаполітанська затока місячної ночі" і "Хаос" були захоплено прийняті публікою. За "Хаос", куплений музеєм Ватикану, Папа Григорій XVI вручив Айвазовському золоту медаль. У 1843 році європейські виставки російського художника принесли йому великий успіх. "Рим, Неаполь, Венеція, Париж, Лондон, Амстердам, - говорив сам Айвазовський, - удостоїли мене найприємнішими словами." Крім того, Академія мистецтв Амстердама удостоїла Айвазовського званням Академіка. Він був єдиним російським художником, який прийняв участь у міжнародній виставці в Парижі, що проходила в Луврі. Через 10 років йому, першому з іноземних художників, французи обрали його кавалером ордена Почесного легіону. До Росії І.К.Айвазовський повернувся на два роки раніше, ніж закінчувалося його пенсійне утримання, в 1844 році. Тут його також чекає успіх - майже відразу після повернення Академія мистецтв у Петербурзі жалує Айвазовському звання академіка. Військово-морське відомство доручило Айвазовському написати всі військові порти росіян на Балтиці, попередньо присудивши Івану Костянтиновичу право носіння адміралтейського мундира, як почесному художнику Головного морського штабу. Взимку 1844 - 1845 рр.. художник пише картини на замовлення Військово-морського відомства на Балтійському морі. У 1845 році Айвазовський брав участь в експедиції Ф. П. Літке до берегів Туреччини і Малої Азії. Ця подорож виявилося дуже корисним, художник зробив безліч начерків та ескізів, до яких потім повертався не раз при роботі в майстерні. Навесні Іван Костянтинович, як завжди, пішов до Феодосії. За його словами: «трохи повіє навесні, ... - мене тягне до Криму, до Чорного моря". Для зручності Айвазовський побудував за власним проектом будинок з майстернею у рідній Феодосії, де намагався проводити всю теплу частину року », тога як взимку він влаштовував виставки в Петербурзі і періодично подорожував. Художник неодноразово був в Італії, Парижі та Амстердамі та інших містах Європи, на Кавказі, біля Малої Азії, в Єгипті, і навіть в Америці в 1898 році.
Творчість К. П. Брюллова мало великий вплив на роботи Айвазовського в 1840-1850 рр.. Так, наприклад, «Чесменський бій 25-26 червня 1770 року» (1848) - монументальне барвисте полотно, що зображує морський бій, де на тлі нічного моря і покритими хмарами неба, яскравіше видно гарячі кораблі турків. Айвазовський багато писав на теми морських баталій. "Кожна перемога наших військ на суші або на море, - писав художник, - тішить мене, як російської в душі, і дає думка, як художнику зобразити її на полотні ...". Під час Кримської війни 1853 - 1856 років Айвазовський написав дві картини, присвячені Синопському бою, попередньо розпитавши його учасників про те, як він проходило. Коли Адмірал Нахімов побачив ці твори, особливо, нічну битву, він сказав: "Картина надзвичайно вірно зроблена". Але не тільки баталіями підтримувалося мистецтво Айвазовського, важливу частину в ньому займають романтичні картини, створені в 1845 - 1850-х рр.., "Буря на Чорному морі" (1845), "Георгіївський монастир" (1846) і "Вхід у Севастопольську бухту" (1851), а також одна з найвідоміших картин Айвазовського "Дев'ятий вал" (1850). Його унікальна кольорово-лінійна манера написання картин, постійно перебувала в розвитку. З часом художник став використовувати більш світлі тони, і з'явилася певна колірна стриманість. Пізніше, в 70-х рр.., Айвазовський почав писати море в різних відтінках блакитного. Твори цього періоду навіть отримали назву "блакитних Айвазовський". Цікаво, що художник ніколи не писав свої картини з натури, користуючись своєю
унікальною пам'яттю. Айвазовський говорив, що «руху живих стихій - невловимі для пензля: писати блискавку, порив вітру, сплеск хвилі - немислимо з натури. Сюжет картини складається в мене в пам'яті, як сюжет вірша у поета ... ". 1860-1870-ті роки по праву вважаються розквітом творчості художника. За цей період Айвазовський багато подорожував. В1867 році він написав серію полотен, присвячених повстанню жителів острова Крит. А в 1868 році художник виконав пейзажі, що зображують передгір'я Кавказу, а також вид на гори з Чорного моря. Потім, побувавши у Вірменії, Айвазовський відобразив озеро Севан і Арарат долину. У художника є цілий цикл картин на національні та біблійні теми, наприклад, "Хрещення вірменського народу", "Клятва. Полководець Вардан "а також" Зішестя Ноя з Арарату ". Дружба з Гоголем і Шевченко, завдяки якій Іван Костянтинович познайомився з природою Україні, також принесла творчі результати. У 1868 році він написав "Чумацький обоз" і "Український пейзаж". У 1869 році в Єгипті Айвазовський був присутній при відкритті Суецького каналу. Ця поїздка надихнула його на створення ряду картин на єгипетську тему, включаючи панораму нового каналу. Завершує цей період прекрасна, поетична, наповнена контрастом драми людей на потопаючому кораблі і зачаровує красою неба і моря. У 1880 році Айвазовський прибудував до свого будинку у Феодосії виставковий павільйон, який став першою в Росії картинною галереєю, розташованої на периферії.
Айвазовський завжди і всюди працював багато і захоплено. І в останні десять років свого життя він написав кілька монументальних полотен, що оспівують бурю: "Обвал скелі" (1883), "Хвиля" (1889), "Буря на Азовському морі" (1895), "Від штилю до урагану" (1895) та інші. Гамма фарб в творах Айвазовського цього періоду майже монохромна, гранично стримана і виразна цієї стриманістю. Ця серія картин не тільки має схожий сюжет, але і колірну гамму. Тут з'являються свинцево-сірі, оливково-охристі і зеленувато-блакитні лесування, як синтетична манера написання водної стихії. Вершиною творчості Айвазовського стала, безумовно, картина "Серед хвиль" (1898), на якій знову вирує буря, кипляча як ніколи.
За рік перед смертю художник ніби знову знайшов спокій. Його полотно «Штиль у Кримських берегів" побудовано на гармонії бірюзових хвиль і рожевого відсвіту на хмарах "і наповнене неймовірною ясністю і спокоєм. Айвазовський знову хотів поїхати в Італію, щоб «зустрітися зі своєю молодістю», але, на жаль, він не встиг. Іван Костянтинович Айвазовський помер 19 квітня 1900 року. Він був похований у рідній Феодосії, залишивши місту в дар свій будинок, як музей і 125 картин. За своє життя художник, визнаний і в Росії, і за кордоном, створив шість тисяч художніх творів.
Життя та творчість В.А.Моцарта
Вольфганг Амадей Іоанн Хризостом Теофіль Моцарт народився в Австрії, у місті Зальцбург на березі річки Залках. У XVIII столітті місто вважалося центром музичного життя. Маленький Моцарт рано познайомився з музикою, що звучала в резиденції архієпископа, з домашніми концертами в заможних городян і зі світом народної музики. Батько Вольфганга, Леопольд Моцарт, був одним з найбільш освітчених і видатних педагогів своєї епохи і став першим учителем сина. У віці 4-х років хлопчик уже відмінно грає на фортепіано і починає складати музику. За свідченням одного запису того часу, він буквально за кілька днів освоїв гру на скрипці і незабаром вразив свою родину і друзів батька рукописом "фортепіанного концерту". У шістьох років він уперше виступив перед широкою публікою, а через короткий час відправився в концертне турне в Мюнхен, Аугсбург, Мангейм, Брюссель, Відень, Париж, а потім його родина відправляється в Лондон, де в той час знаходилися найбільші майстри оперної сцени.
Історія музики свідчить про цілий ряд чудесних виступів, якими Моцарт валив своїх слухачів у здивування. Хлопчику було всього 10 років, коли він взяв участь у творі колективної ораторії. Його цілий тиждень тримали в справжньому полоні, відкриваючи замкнені двері лише щоб передати йому їжу чи нотний папір. Моцарт блискуче витримав іспит, і незабаром після ораторії, виконаної з великим успіхом, уражає публіку оперою "Аполлон і Гіацинт".
У 1769 році Моцарт відправляється в турне по Італії. Великі італійські музиканти спочатку з недовірою і навіть з підозрою відносяться до легенд, що оточують ім'я Моцарта. Але його геніальне дарування скоряє і їх. У 14 років він стає членом прославленої Болонской академії та Філармонічної академії у Вероні. Вершини слави Моцарт досягає в Римі. Прослухавши всього один раз у соборі святого Петра "Мизерере" Аллегрі, він по пам'яті записує його на папір. Пам'яттю про поїздку в Італію є опери "Митридат, цар Понтійский" (1770), "Лючіо Силла" (1772), театралізована серенада "Асканіо в Альбе".
Після поїздки в Італію Моцарт створює квартети для струнних інструментів, симфонічні добутки, сонати для фортепіано і твори для самих різних сполучень інструментів, опери "Мнима садівниця" (1775), "Король - пастух".
Молодий композитор , що знав дотепер тільки блискучу сторону життя, пізнає тепер її іншу сторону. Новий князь-архієпископ Ієронім Колоредо не любить музики, не любить Моцарта і все частіше й частіше дає йому зрозуміти, що Моцарт лише слуга, якому покладається не більше поваги, чим будь-якому чи кухарчуку лакею. Залишивши Зальцбург і придворну службу, він поселяється в Мангеймі. Тут він знайомиться з родиною Веберів і здобуває кілька вірних і надійних друзів серед аматорів мистецтва. Але важкі матеріальні турботи, приниження і чекання в прихожих, пошуки протекції змушують молодого композитора повернутися в Зальцбург. По клопотанню Леопольда Моцарта архієпископ приймає назад свого колишнього музиканта, але дає строгу вказівку: його слугам і лакеям (зрозуміло, і Моцарту) публічні виступи заборонені. Однак у 1781 році Моцарту вдається одержати відпустку для постановки в Мюнхені нової опери «Ідоменей». Після успішної прем'єри, вирішивши більше не повертатися в Зальцбург, Моцарт подає заяву про звільнення й одержує у відповідь потік лайок і образ. Чаша терпіння переповнена; композитор остаточно порвав із залежним положенням придворного музиканта й оселився у Відні, де і прожив останні 10 років життя.
Однак перед Моцартом устають нові труднощі. Аристократичні кола відвертаються від колишнього вундеркінда, і ті, хто ще недавно платили йому золотом і оваціями, тепер вважають твори музиканта надмірно важкими, плутаними й абстрактними. А Моцарт тим часом створює шедеври. У 1782 році виповнюється його перша зріла опера «Викрадення із сералю»; улітку того ж року він жениться на Констанції Вебер (композитор Карл Марія Вебер був сином її дядька). Новий творчий етап у житті Моцарта зв'язаний з його дружбою з Йосипом Гайдном (1732-1809). Під впливом Гайдна музика Моцарта знаходить нові крила. Народжуються перші чудесні квартети Моцарта. Але крім блиску, що став уже приказкою, у його творах усі частіше виявляється більш трагічне, більш серйозний початок, властиве людині, що бачить життя у всій її повноті. Композитор усе далі і далі іде від вимог загального смаку, що ставлять перед покірними авторами музики салони вельмож і багатії-меценати. У цей період з'являється опера "Весілля Фігаро" (1786). Моцарта починають витісняти з оперних подмостков. У порівнянні в легкими творами Сальєрі і Паезіелло, витвори Моцарта здаються важкими і проблематичними. Нещастя і позбавлення всі частіше заглядають у будинок композитора, молоді чоловіки не вміють ощадливо господарювати. У цих тяжких умовах народжувалася опера "Дон-Жуан" (1787), що принесла автору світовий успіх. Під час написання останніх сторінок партитури Моцарт одержує звістку про смерть батька. Тепер композитор дійсно залишився самотнім; він уже не може сподіватися, що батьківська рада, розумний лист, а можливо і пряме втручання допоможуть йому у важку хвилину. Після прем'єри "Дон-Жуана" у Празі імператорський двір змушений піти на деякі поступки. Моцарту пропонують зайняти місце придворного музиканта, що належало Глюку (1714-1787). Однак це почесне призначення приносить композитору небагато радості. Віденський двір відноситься до Моцарта як до пересічного автора танцювальної музики і замовляє йому менуети, лендлери, контрданси
для придворних балів.
До останніх років життя Моцарта відносяться 3 симфонії (мі-бемоль мажор, сіль мінор і до мажор), опери "Так надходять усі" (1790), «Милосердя Тита» (1791), "Чарівна флейта"(1791).
Смерть застала Моцарта під час роботи над "Реквіємом". Історія створення цього добутку розповідається всіма біографами композитора. До Моцарта прийшов літній незнайомець, пристойно одягнений і приємний. Він замовив для свого друга "Реквієм" і заплатив щедрий аванс. Похмурий тон і таємничість, з якими було зроблене замовлення, породили в недовірливого композитора думку, що цей "Реквієм" він пише для себе.
Моцарт був похований у загальній могилі для бідняків. Його дружина в день похорону лежала в будинку хвора; друзі композитора, що вийшли проводити його в останню путь, через жахливу непогоду були змушені повернутися додому з півдороги. Так сталося, що ніхто точно не знає, де знайшов вічний спокій великий композитор...
Готичний стиль
Готичний стиль(від італ. gotico, букв. - готський, від назви німецького племені готовий), художній стиль, що з'явився завершальним етапом у розвитку середньовічного мистецтва країн Західної, Центральної і частково Східної Європи (між серединою 12 і 15 - 16 ст.). Термін "готика" введений в епоху Відродження як зневажливе позначення всього середньовічного мистецтва, що вважалося «варварським». З початку 19 ст., коли для мистецтва 10 - 12 ст. був прийнятий термін романський стиль, були обмежені хронологічні рамки готики, у ній виділили ранню, зрілу (високу) і пізню фази. Готика розвивалася в країнах, де панувала католицька церква, і під її егідою феодально-церковні основи зберігалися в ідеології і культурі епохи готики. Готичне мистецтво залишалося переважно культовим по призначенню і релігійним по тематиці: воно було співвіднесено з вічністю, з «вищими» ірраціональними силами. Для готики, характерний символіко-алегоричний тип мислення й умовність художньої мови. Від романського стилю готика успадкувала верховенство архітектури в системі мистецтв і традиційні типи будинків. Особливе місце в мистецтві готики займав собор - вищий зразок синтезу архітектури, скульптури і живопису (вітражів). Непорівнянне з людиною простір собору, вертикалізм його веж і зводів, підпорядкування скульптури динамічним архітектурним ритмам, багатобарвне сяйво вітражів робили сильний емоційний вплив на віруючих.
Розвиток мистецтва готики відбивало і кардинальні зміни в структурі середньовічного суспільства: початок формування централізованих держав, ріст і зміцнення міст, висування світських сил - міських, торговельних і ремісничих, а також придворно-лицарських кіл. В міру розвитку суспільної свідомості, ремесла і техніки слабшали підвалини середньовічного релігійно-догматичного світогляду, розширювалися можливості пізнання і естетичного осмислення реального світу; складалися нові архітектурні типи і тектонічні системи. Інтенсивно розвивалися містобудування і цивільна архітектура. Міські архітектурні ансамблі включали культові і світські будинки, зміцнення, мости, колодязі. Головна міська площа часто оббудовувалася будинками з аркадами, торговельними і складськими приміщеннями в нижніх поверхах. Від площі розходилися головні вулиці; вузькі фасади 2-, рідше 3-поверхових будинків з високими, фронтонами вибудовувалися уздовж вулиць і набережних. Міста оточувалися могутніми стінами з багато прикрашеними проїзними вежами. Замки королів і феодалів поступово перетворювалися в складні комплекси фортечних, палацових і культових споруджень. Звичайно в центрі міста, пануючи над його забудовою, знаходився замок або собор, який ставав осередком міського життя.
Смілива і складна каркасна конструкція готичного собору, що втілила торжество сміливої інженерної думки людини, дозволила перебороти масивність романських будівель, полегшити стіни і зводи, створити динамічну єдність внутрішнього простору. У готиці відбувається збагачення й ускладнення синтезу мистецтв, розширення системи сюжетів, у якій відбилися середньовічні представлення про світ. Основним видом образотворчого мистецтва була скульптура, що одержала багатий ідейно-художній зміст і розвиті пластичні форми. Застарілість і замкнутість романських статуй перемінилися рухливістю фігур, їхнім звертанням один до одного і до глядача. Виник інтерес до реальних природних форм, до фізичної краси і почуттів людини, нове трактування одержали теми материнства, морального страждання, мучеництва і жертовної стійкості людини. У готиці органічно переплелися ліризм і трагічні афекти, піднесена духовність і соціальна сатира, фантастичний гротеск і фольклорність, гострі життєві спостереження. У епоху готики розцвіла книжкова мініатюра і з'явився вівтарний живопис, досягло високого підйому декоративне мистецтво, зв'язане з високим рівнем розвитку цехового ремесла.
Готика зародилася в Північній Франції (Іль-де-Франс) у середині 12 ст. і досягла розквіту в 1-й половині 13 ст. Кам'яні готичні собори одержали у Франції свою класичну форму. Як правило, це 3 - 5-нефні васильки з поперечним нефом - трансептом і напівкруговим обходом хору ("діамбулаторієм"), до якого примикають радіальні капели ("вінець капел") *(НЕФ - це витягнуте у довжину приміщення (або частина приміщення), відокремлене рядом колон чи стовпів.)*. Їх високий і просторий інтер'єр осяяний кольоровим мерехтінням вітражів. Враження нестримного руху вгору і до вівтаря створюється рядами струнких стовпів, могутнім злетом гострих стрілчастих арок, прискореним ритмом аркад верхньої галереї (трифорія). Завдяки контрастові високого головного і напівтемних бічних нефів виникає мальовниче багатство аспектів, відчуття безмежності простору. Конструктивна основа собору - каркас зі стовпів (у зрілій готиці - пучка колон) і стрілчастих арок, що спираються на них. Структура будинку складається з прямокутних осередків (травей), обмежених 4 стовпами і 4 арками, що разом з арками-нервюрами утворять ост хрестового зводу, заповненого полегшеними невеликими зводами - розпалубками. Бічний розпір зводу головного нефа передається за допомогою опорних арок (аркбутанів) на зовнішні стовпи - контрфорси. Звільнені від навантаження стіни в проміжках між стовпами прорізаються арковими вікнами. Нейтралізація розпору зводу за рахунок винесення назовні основних конструктивних елементів дозволила створити відчуття легкості і просторової волі інтер'єру. 2-баштові західні фасади французьких соборів з 3-ма "перспективними" порталами і візерунковим круглим вікном ("трояндою") у центрі сполучать устремління вгору з ясною урівноваженістю членувань. На фасадах варіюються стрілчасті арки і багаті архітектурно-пластичні і декоративні деталі - візерункові вімперги, фіали, краби і т. д. Статуї на консолях перед колонками порталів і в їх верхній арковій галереї, рельєфи на цоколях і в тимпанах порталів, а також на капітелях колон утворять цільну сюжетну систему, у яку входять персонажі й епізоди Священного писання, алегоричні образи. Кращі добутки готичної пластики - статуї фасадів соборів у Шартрі, Реймсі, Амьєні, Страсбурі перейняті одухотвореною красою, щирістю і шляхетністю почуттів. Декор ритмічно організований і строго підлеглий архітектурним членуванням фасаду, що обумовило струнку тектоніку і пропорції статуй, урочистість їхніх поз і жестів. Інші частини храмів також прикрашалися рельєфами, статуями, рослинним орнаментом, зображеннями фантастичних тварин; характерний достаток у декорі світських мотивів (сцени праці ремісників і селян, гротескні і сатиричні зображення). Різноманітна і тематика вітражів, у гамі яких переважали червоні, сині і жовті тони.
Сформована готична каркасна система з'явилася в церкві абатства Сен-Дені (1137 - 44). До ранньої готики відносяться також собори в Лане, Парижі, Шартре. Багатством ритму, досконалістю архітектурної композиції і скульптурного декору відрізняються грандіозні собори зрілої готики в Реймсі й Амьєні, а також каплиця Сент-Шапель у Парижі (1243 - 48) з численними вітражами. Із середини 13 ст. величні собори будувалися в древніх європейських країнах - в Німеччині (у Кельні), Нідерландах (в Утрехті), Іспанії (у Бургосе, 1221 - 1599), Великобританії (Вестмінстерське абатство в Лондоні), Швеції (в Упсалі), Чехії (хор і трансепт собору св. Віта в Празі), де готичні будівельні прийоми одержали своєрідну місцеву інтерпретацію. Хрестоносці донесли принципи готики до Родосу, Кіпру і Сирії.
Наприкінці 13 - початку 14 ст. будівництво соборів у Франції переживало кризу: архітектурні форми стали сухіші, декор розкішніший, статуї одержали однаковий підкреслений S-образний вигин і риси куртуазності. З 14 ст. велике значення придбали міські і монастирські зальні церкви, замкові і палацові капели. Для пізньої ("полум'яніючої") готики характерний примхливий, що нагадує мови полум'я візерунок віконних прорізів (церква Сен-Маклу в Руані). У світському міському зодчестві використовувалися головним чином композиції і декоративні прийоми готики. На головній площі міст будувалися ратуші з рясним декором, нерідко з вежею (ратуша в Сен-Кантене, 1351 - 1509). Замки перетворювалися у величні палаци з багатим внутрішнім оздобленням (комплекс папського палацу в Авіньоне), будувалися особняки ("готелі") багатих городян.
У пізній готиці одержали поширення скульптурні вівтарі в інтер'єрах, що поєднують дерев'яну розфарбовану і позолочену скульптуру і темперний живопис на дерев'яних дошках. Склався новий емоційний лад образів, що відрізняється драматичною експресією, особливо в сценах страждань Христа і святих, переданих з нещадною правдивістю. З'явилися розписи на світські сюжети (у папському палаці в Авіньоне, 14 - 15 ст.). У мініатюрах (часословах) намітилося прагнення до одухотвореної людяності образів, до передачі простору й обсягу. До кращих зразків французького готичного декоративного мистецтва належать дрібна скульптура зі слонової кісти, срібні реликварії, лиможська емаль, шпалери і різьблені меблі.