145492
.pdfхудожником маркизы Помпадур. Как и в живописи, имя Буше неотрывно от понятия «рококо». Творческое наследие его огромно. Только картонов он создал для сорока четырех шпалер.
С начала XIX века на мануфактуре в основном копировали современных живописцев, искусство шпалеры, потеряв свою самобытность и богатых заказчиков, приходит в упадок не только во Франции, но и в других странах Европы.
В России шпалерное дело появилось гораздо позже, чем в Европе - в начале XVII века. Да и то, если бы не энергия Петра Великого, возможно, и не развивалось бы вовсе.
Шпалеры, в качестве посольских даров, привозили в Россию со второй половины XVII века. Будучи заграницей, Петр Первый обратил на них внимание уже в 90-е годы XVII века. В России привозные шпалеры, как признак необычайной роскоши, были очень дороги.
Решение завести у себя шпалерную фабрику, видимо, созрело во время посещения Петром Первым Гобеленовой мануфактуры в Париже в 1716 году. Тогда же велено было пригласить французских мастеров для организации в России шпалерного дела и обучения русских учеников. С того времени и началась сложная история развития российского шпалерного искусства.
После смерти Петра Первого положение мануфактуры было тяжелым, но работы продолжались.
В 1732 году мануфактуру перевели из Екатерингофа в СанктПетербург в более удобное помещение за Литейным двором. Эта улица со временем стала называться Шпалерной. Здесь находились десять ткацких станков и красильня, большинство ткачей уже были русскими.
Серия декоративных шпалер этого времени говорит о высоком мастерстве ткачей, создавших пышные композиции с фонтанами, архитектурными фрагментами, букетами, птицами и пейзажами на дальнем плане.
Обычно одну шпалеру ткали несколько ткачей, причем каждый специализировался на своем. Самым простым считалось ткачество цветов, архитектуры, наиболее сложным - лиц и фигур.Со второй половины 40-х годов 18 века производство шпалер замирает.
Новый расцвет ожидал мануфактуру с середины XVIII века. По указу 1755 года императрицы Елизаветы Петровны надлежало привести мануфактуру в порядок для производства шпалер в
21
будущий Зимний дворец.
Особенно заботилась о мануфактуре Екатерина Вторая: отпускались деньги на содержание 117 учеников, закупались лучшие заграничные сорта шерсти и шелка. Мастеров обучали рисунку. Частные заказы пополняли казну мануфактуры. В 80-х годах штат ее состоял из 150 человек, при чем только русских.
Вплоть до начала XIX века отмечается расцвет шпалерного дела. В конце 20-х годов XIX века шпалеры выходят из моды, продаются плохо и дохода мануфактуре не приносят. И в 1858 году она была закрыта. За 140 лет на петербургской мануфактуре было
создано 205 шпалер.
XX век стал веком нового расцвета этого древнего вида декоративно-прикладного искусства. Картоны для гобеленов создавали такие художники, как Фернан Леже, Сальвадор Дали, Василий Кандинский. Но несомненно возрождение искусства шпалеры связано с именем Жана Люрса - знаменитого французского художника и мастера декоративного искусства.
Решающую роль сыграло знакомство Люрса с мастерами из Абюссона. Частные мастерские, получившие некогда стараниями Кольбера звание «Королевские мануфактуры в Абюссоне», долгое время испытывали нужду в оригинальных и качественных картонах. В 1932 году Жан Люрс предложил свой первый эскиз для Абюссона «Гроза». Этот опыт возродил интерес к шпалере. Вскоре в 1936 году национальные мануфактуры заказали Люрсу новые работы.
Он создал более 1000 картонов для гобеленов самой разной тематики. В основном они были выполнены в старинных мастерских г. Обюссона, которые возродились стараниями Люрса. Руководитель одной из них - Франсуа Табар в 1936 году познакомил Люрса с техникой ткачества, и они начали поиски новых решений.
Изучая ранние французские шпалеры, в частности, грандиозный Анжерский «Апокалипсис» XIV века, Люрса сделал важнейшее открытия. Он понял, что для возрождения гобелена в наши дни надо вернуться к принципам средневекового ткачества: невысокой плотности, ограниченной цветовой гамме (до сорока оттенков), монументальности и декоративности композиций, выразительному языку символов.
В гобеленах французских художников XX века солнце, как символ жизни - один из главных персонажей. Гобелен - «это настоящее солнце, не заходящее никогда», писал Жан Люрса.
22
Сегодня гобелен призван украсить жизнь и согреть уже не только стены, как в средние века, сколько наши души радостными яркими красками и образами.
Успешное развитие гобелена во Франции вызвало интерес у художников многих стран. Кроме сюжетно-изобразительного направления в гобелене, появились и чисто декоративные произведения. Они могли быть построены на красочных цветовых пятнах, линейных ритмах, простых или сложных ассоциациях.
В60-е гг. интерес к гобелену вырос настолько, что многие художники сами сели за ткацкий станок. Это привело к необыкновенным превращениям гобелена. Сначала он обрел преувеличенную рельефность за счет настилов, обвивок, ворса. Затем начал терять классическую прямоугольную форму, заменять перегородки и даже потолки и, в конце концов, превратился в мягкую скульптуру. Все течения модернизма и постмодернизма отразились в искусстве гобелена.
Еще хочется сказать, что у истоков развития современного гобелена в Латвии стоял замечательный художник и прекрасный педагог Рудольф Хеймрат.
Внастоящее время гобеленами практически называют все гладкотканые, ворсовые и даже войлочные сюжетные и бессюжетные ковры ручной работы, а также машинные безворсовые мебельные и декоративные ткани крупноузорного переплетения, изготовленные на жаккардовых механических станках. Отличие их от орнаметальных ворсовых машинных и ручных ковров стало чисто условным, поскольку в ковроделии используются наряду с отвлеченными орнаментальными мотивами декоративные изображения цветов, птиц, бабочек, сюжетные композиции и портреты.
ВXXI веке распространенным стал стиль Hi-tech, который продолжил историю гобелена. Современные художники стараются создать нейтральные изображения, которые способны вписаться в любой интерьер. Пусть художественная ценность современных гобеленов промышленного производства несопоставима с копиями старинных шпалер, но приятно осознавать, что в помещениях, оформленных в жестких и минималистических тенденциях, находится место яркому текстильному пятну. История гобелена не заканчивается...
23
История шерстоткачества
Шерсть издавна известна людям. В 9-10 тысячелетии до н. э. люди уже разводили овец на территории современный Европы и Азии и производили из шерсти ткани. В отличии от других волокон, история производства которых была связана с конкретной страной или местом, история шерсти принадлежит всему миру.
Остатки шерстяных тканей находили во всех обитаемых частях света при раскопках поселений древних людей. В городе Уре, недалеко от Персидского залива, найдено одно из наиболее старых изображений овцы, выполненное в технике мозаики. Оно датируется приблизительно 3500 г. до н.э.
Овцеводство было широко развито в Древнем Египте - там из шерстяной ткани изготовляли свободные белые плащи, которые носили поверх льняной одежды. Применяли шерсть и для нанесения узоров на ткани изо льна; шерстяные нити использовались в качестве утка при производстве тканей из других волокон.
В Индии, наравне с хлопчатобумажной одеждой, были распространены изделия из шерсти, а в Китае на высоком уровне шерстоткачество было развито уже в 3 в. до н. э. Некоторые ткани, найденные при раскопках, по прочности превосходили современные суконные материалы.
Кроме овец, использовали шерсть и других животных. В Америке - это были кролики, ламы, опоссумы, бизоны, а в Азии - верблюды и козы. Из тонкого волоса верблюда производили мягкие и красивые ткани, а из грубого волоса делали приводные ремни, долго считавшиеся самыми прочными.
Древние греки для изготовления одежды применяли мягкие, прекрасно драпирующиеся ткани из шерсти и льна, которые ткали ручным способом на вертикальном станке шириной до двух метров.
Одежда ремесленников и рабов обычно состояла из грубого шерстяного хитона: куска ткани, свисающего вдоль туловища и скрепленного на плечах пряжкой с булавкой.
В Древней Греции также преобладала одежда из шерсти и льна. В период Империи особое значение приобрела цветовая гамма одежды. На пример, пурпурные полосы по переду туники полагалось носить только римским сенаторам. Туника полководца - победителя была пурпурной, расшитой узором в виде золотых пальмовых ветвей.
24
Белый цвет был закреплен за аристократией, черный и серый выражал печаль. Зеленый, серый и коричневый были обычными цветами сельских жителей. Были известны многочисленные цветовые нюансы: носили платья «лягушачьего» и «яблочного» оттенка, аметистового, гиацинтового, шафранового и т.д.
Гомер, например, упоминает о том, что «двойной пурпурный шерстяной плащ..., был одет на Одиссее, на этом плаще была золотая булавка, сделанная из двух трубочек, и спереди плащ был богато украшен...».
Умением изготовлять великолепные шерстяные ткани славились византийские ткачи. Фактура тканей была разнообразна, но преобладали плотные, тяжелые, неэластичные ткани, затканные или вышитые металлическими нитями и драгоценными камнями. Технологию выделки тонкого сукна передали народам Северной Европы римляне. Британцам шерстоткачество было известно задолго до новой эры, но римляне, завоевав остров, принесли с собой более совершенные приемы ремесла.
Чтобы улучшить ткачество тканей, велись работы по улучшению состава шерсти. Известно, что во XI веке н.э. римляне вывели новую тонкорунную породу овец - так называемую тарентайнскую, скрестив колхидских баранов с итальянским овцами. А испанцы скрестили тарентайнских овец с африканскими баранами. Так появилась испанская порода мериносов, распространившаяся по всей Европе и Америке.
Но до 1760 г. испанцы сохраняли монополию поставщиков шерсти. Вывоз мериносовых овец был строжайше запрещен. Причем если тарентайнские овцы были коричневыми или черными, то порода мериносов давала длинное тонкое белое руно.
Французский король Людовик XIV с трудом приобрел стадо испанских мериносов, от которого после некоторых опытов пошла порода французских мериносов. После скрещивания с местными немецкими породами испанских мериносов получилась порода саксонских мериносов. Особенно славились своими овцами аббатства цистерианских монахов, прибывших в Англию из Франции в XII веке. Некоторые из аббатств насчитывали до 15 тысяч овец. Монашеские ордена имели свою одежду: нищенствующие монахи облачались в грубошерстные ткана серого цвета, цистерианцы щеголяли в белых рясах, а бенедиктинцы - в черных.
Шерсть чесали металлическими чесалками или деревянными
25
гребнями. Затем шерсть распутывали и формовали ее в виде своеобразной ленты.
Следующей операцией было прядение. Пряли обычно дома, и занимались этим не только крестьянки, но и знатные девицы и дамы. Поначалу пряли в ручную, с помощью веретен. Позже в Европе появилась прялка, вращающая веретено посредством колеса.
Римляне знали лишь вертикальный ткацкий станок, а приблизительно в XIII веке в Европе появился горизонтальный ткацкий станок. Он был оснащен механизмом, действовавшим с помощью педалей и поочередно поднимавший и опускавший нити основы, что ускоряло продвижение челнока с уточной нитью. Ткацкие станки были практически в любом доме, и хозяйка не только пряла пряжу, но и ткала ткань для своей семьи.
Производство тканей завершалось их отделкой. После удаления инородных частиц шерстяные ткани подвергали валянию для того, чтобы нити сцепились крепче и сукно стало более плотным. Сначала ткань мочили в теплой воде с золой, топча ее при этом ногами, затем промывали, били палками и высушивали.
Когда после валяния, сукно усаживалось - становилось короче и уже, его ворсовали. Для этого его надирали острыми крючками, используя соцветия растения ворсянки. Ворсянку специально разводили в некоторых местностях Европы. Но после такой процедуры ворс получался недостаточно ровным, и его стригли.
Заключительной операцией была окраска ткани. Простому народу было запрещено носить яркие цвета, и ему приходилось довольствоваться серым, коричневым и черным, тогда как знать одевалась в красное, зеленое, синее.
Главными центрами средневекового суконного производства в Европе были итальянские города Флоренция и Брюге. Известно, что во Флоренции производство шерстяных тканей занимались тридцать тысяч человек. Главным центром по продаже тканей из шерсти были ярмарки в Шампани. Кроме того, итальянское сукно шло в порты Египта, Сирии, Малой Азии, Крыма, далее - в Персию, на Кавказ.
С торговлей шерстяными тканями связана образование банков: именно знаменитым флорентийцам Медичи, членам нескольких текстильных гильдий, приписывают открытие банков, которые стали придатком текстильного производства.
На Руси кустарное производство тканей из шерсти существовало издавна - во всяком случае, в Киеве и Новгороде оно
26
было уже в X веке. В древних летописях неоднократно упоминается о выработке на Руси шерстяных тканей. Из сукна шили сермяги, опашни, сарафаны, шапки.
Грубые шерстяные ткани ткали дома, но уже с XI века их производили мастера шерстоткачества в монастырях и при княжеских дворах.
В 1630 году в Москве была создана первая мануфактура по изготовлению тонкого сукна, но выдержать конкуренцию с привозными товарами она не смогла и вскоре закрылась.
Петр Первый заботясь о снабжении армии, поддерживал создание суконных фабрик. Первая фабрика армейского сукна была создана в 1698 году, а в 20 годах 18 века в России насчитывалось уже около полутора десятков шерстоткацких предприятий. Однако производство камвольных шерстяных тканей было налажено только во второй половине XIX века.
Классический гобелен
Классический гобелен в интерьерах, по существу, был картиной, выполненной средствами ткацкого ремесла, который заполнял определенную плоскость стены. Возникнув как вид прикладного искусства, украшавшего жилище отдельной семьи, гобелены претерпели разительные изменения в своем функциональном назначении. Теперь они не разделяют большое жилье на отдельные помещения, как это было в средние века, и не украшают роскошные гостиные, как это было в 18-19 веках. Подобно мозаике, фреске, росписи они украшают стены общественных зданий, а небольшие произведения используются при оформлении интерьеров жилья.
В последние десятилетия появились новые текстильные приемы, изменилась техника ручного ткачества, художники начали использовать разные виды плетения, вязки, свободно висящие волокна. Меняются материалы - корме традиционных шерсти, льна, конопли и шелка, применяют сизаль, джгут, хлопок, различную объемную пряжу, шнур, кожу, металлические нити и некоторые инородные включения. Сама система переплетения нитей ритмизует изображение, придает ему структурность. Использование утолщенных и фактурных нитей создает вибрацию поверхности.
27
Собственноручное исполнение гобелена, текстильное дело становятся областью активного экспериментирования. Сегодня благодаря таким экспериментам распространение получил нетканый гобелен, в основе которого лежит метод пробивки тонко расчесанных синтетических волокон (войлока) на специальной иглопробивной машине. Особый шарм и теплоту нетканому гобелену придают мягкие контуры изображения, а многообразие оттенков волокон позволяет добиться красочности палитры.
Архитекторы и художники все чаще обращаются к гобелену как средству формирования среды. Современная архитектура нуждается в его мягкой подвижной структуре для формирования комфортного интерьера.
Гобелен в современном интерьере
Сейчас на Западе прослеживается новая волна моды на гобелены. В современном бешеном ритме жизни людям все чаще хочется окунутся в тишину и мудрость прошедших эпох, остановиться и создать вокруг себя атмосферу покоя и гармонии, и тогда в блеске стекла и металла современного дома возникают рукотворные гобелены.
Во все времена гобелен ценился как особая роскошь, доступная избранным. И сегодня гобелен ручной работы остается драгоценным даром, раскрывающим своё богатство лишь при общении, при контакте с ним. Гобелен - это целый мир богатства и неповторимости образов.
Гобелен создаст в интерьере атмосферу таинственности игру света и тени.
В наше время растущая популярность классических интерьерных стилей вновь возродили и популярность гобеленов. Существуют даже специализированные магазины, предлагающие полотна любого размера, сюжета и цветовой гаммы.
Гобелен всегда был символом престижа, достатка и утонченности стиля. Эти удивительные тканые полотнища имеют свойство превращать заурядную обстановку наших домов в удивительные интерьеры средневековых замков и венецианских дворцов, привнося немного волшебства в нашу обыденную жизнь.
В современной жизни гобелен может быть и тканой картиной, и ковром во всю стену офиса, и даже милой подстилкой под чайник на
28
даче. Художники уверены, что гобелен, прежде всего древнее искусство, способное символическим языком выразить самые разные идеи.
Декоративное искусство в настоящее время решает проблему создания не только единичных высокохудожественных произведений. Облик декоративного искусства стал богаче по пластике, различным по жанру, используемым материалом, разнообразным по технике исполнения и др. Когда мы имеем в виду не только единство удобных и красивых изделий. Среда - это не только материальное понятие, это
— пространство, наполненное взаимоотношениями людей, формированное всем опытом культуры, это единый духовный и материальный мир, создаваемый творческими усилиями всех видов искусства.
ЦВЕТ КАК СРЕДСТВО ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТИ В ИСКУССТВЕ ГОБЕЛЕНА
Символическая роль цвета в искусстве
Мир чрезвычайно красочен. При этом психофизиологический механизм восприятия цвета - явление весьма сложное.
Цвета имеют обширный и сложный диапазон символических значений. Обобщения относительно символизма какого-либо цвета сделать весьма трудно. В разные исторические эпохи у разных народов красивыми считались совершенно различные гармоничные цветовые сочетания - от зеленовато-коричневого у древних этрусков до сочетаний красно-черного у племен майя и ацтеков. Конечно, черный и белый (или светлый и темный) совершенно четко имеют разные значения и противопоставлены друг другу. Однако в некоторых культурах цвет смерти и траура - черный, в других - белый. Красный (цвет крови) обычно связывают с жизненным началом, активностью, изобилием, но в кельтском мире красный - знак смерти, а в Египте - знак угрозы.
Для художника вопрос о том, какой у него любимый цвет, всегда будет глупым, потому что он оперирует всей палитрой и может предпочесть лишь определенные сочетания цвета. Однако каждый цвет имеет определенное значение и в живописи, и в
29
цветовой символике.
Подобно запахам или звукам, цветовые сочетания независимо от нашего желания руководят подсознанием. Цвет может вызвать беспокойство или заторможенность, возбуждение и потрясение, он может доставить удовольствие, а иногда - отвращение. Эксперименты ученых показали, что некоторые цветовые ассоциации претендуют на то, чтобы иметь общечеловеческое значение. Красный называют сильным, «тяжелым», эмоциональным цветом. Синий единодушно признан «хорошим». Люди предпочитают, скорее, светлые тона цвета, нежели темные, поэтому «легкие» цвета более популярны. Цвета более других привлекающие наше внимание - это красный, желтый, зеленый и синий. Красно-желтая часть спектра характеризуется как теплая, и наоборот, сине-фиолетовая - как холодная.
Существует целая научная область, которая называется синестезией. Она изучает психологическую соотносимость цвета, звука, формы, вкусовых и обонятельных ощущений. Художники и писатели, натуры тонко чувствующие, давно обратили внимание на эту соотносимость.
Наиболее последовательная символика цвета связана с природой и природными явлениями. Зеленый символизирует жизнь природы в засушливых областях, по этой причине, вероятно, стал священным цветом ислама, который зародился в пустынях Аравии. Золото связывается с солнцем, поэтому обозначает просветление, свет, власть. Синий ассоциируется с цветом неба, поэтому часто символизирует дух и истину. Религиозные учения нередко придавали цветам иные значения: желтый имеет первостепенное значение в Таиланде не потому, что ассоциируется со светом и пламенем, а потому что Будда выбрал его, чтобы символизировать отказ от материального мира (одежду желтого цвета обычно носили преступники и нищие).
У древних майя в Центральной Америке страны света — восток, север, запад, юг — соответственно были соотнесены с красным, белым, черным и желтым, в то время как в Древнем Китае восток, юг, запад, север и средина — с синим (голубым), красным, белым, черным и желтым. В европейской цветовой символике красная роза обозначала пламенную любовь, а в Древнем Египте, все красное сулило угрозу и вред.
Цветовая символика — это безграничная сфера. Поэтому по
30