Тема 8. Искусство середины XIX века. Импрессионизм.

Вопросы для рассмотрения.

1. Особенность нового колористического строя композиции. Отказ от традиций академической школы изобразительного искусства.

2. Новая система отражения реальности посредством новых технических приемов, открытых пленэрной живописью.

3. Творчество Э.Мане, К.Моне, П.Ренуара, Э.Дега. Пуантилизм Сера, Синьяка. Роль наследия импрессионизма для искусства XX века.

4. Отношения цвета и формы в произведениях П. Сезана. Его влияние на формирование нового художественного мышления в искусстве XX века.

Импрессионизмом называется направление в искусстве последней трети 19 – начала 20 вв., представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть окружающий мир и повседневную жизнь в их подвижности и изменчивости.

Импрессионизм возник в русле реалистического искусства, начиная с первой выставки в 1874 г и по последнюю, 8-ю в 1886 году и получивший название с легкой руки критика Вольфа, который воспользовался названием одного пейзажа Клода Моне – «Imprssion. Soleil levant» («Впечатление. Восходящее солнце», 1872 г.), увиденного им на первой выставке художников этого направления.

Художники, объединенные названием «импрессионисты» и объединившиеся вокруг Эдуарда Мане, не были едины в своем творчестве, у них не было единой программы. Общим у них было несогласие с официальным искусством, желание найти новые, свежие формы выражения, но каждый из них шел своим путем. Главным, объединяющим их, было понимание локального цвета как чистой условности, поиск передачи световой среды, воздуха, окружающего предметы. Они стремились передать в своих произведениях впечатление от окружающей среды, создавая живописными средствами иллюзию света и воздуха, богатой световоздушной среды. Идя в этом направлении, они приходили последовательно к разложению цвета призмой на основные цвета, стараясь писать чистым цветом, не смешивая его на палитре и используя оптическое восприятие глаза, сливающего на определенном расстоянии отдельные мазки в общий живописный образ.

Импрессионисты внесли много нового в построение картины. В прежние времена оно было тщательно продуманное и уравновешенное, поэтому действующие лица казались нередко нарочито позирующими. Импрессионисты строили картину так, словно это был случайно схваченный кусок действительности; нередко край картины обрезал человеческую фигуру или какой-нибудь другой предмет.

Импрессионистам пришлось упорно отстаивать принципы своего искусства. Их работы не принимали на официальные выставки, и они устраивали сами несколько выставок, которые были встречены крайне враждебно со стороны критики и публики, не скупившихся на оскорбления и насмешки. Новаторство импрессионистов и особое обаяние их картин были оценены лишь пару десятков лет спустя, когда сами художники были уже старыми людьми. Теперь же их картины ценятся очень высоко и они принадлежат к наиболее известным сокровищам лучших художественных собраний.

Движение импрессионистов сформировалось вокруг Эдуарда Мане, одного из самых выдающихся художников 19 века, искусство которого во многом связано с переосмыслением в условиях ему современной жизни традиций реалистической сюжетной картины. Свою приверженность к этой традиции прошлого и умение приложить ее к реальной действительности, к образам повседневной жизни он мастерски продемонстрировал в картине «Завтрак на траве» (1863 г.), в которой он по примеру мастеров Возрождения представил обнаженную модель рядом с одетыми по моде своего времени мужчинами. Выставленная в «Салоне отверженных», устроенном не принятым на очередную выставку художниками, она вызвала негодование буржуазной публики, возмущенной наготой модели, не прикрытой мифологическим сюжетом. Однако художник не стремился к ниспровержению основ официального искусства, его лишь интересовала прежде всего проблема солнечного света, световоздушной среды, в которой представлены как фигуры, так и предметы в ландшафте.

В дальнейшем главным в творчестве Мане становятся сцены обыденного, случайно увиденного. Изображенные им парижские улицы и бары, парижская толпа, современный ему ландшафт, лица его друзей, парижская богема – вся современная ему жизнь понята и передана им во всем богатстве остро и точно схваченного движения и разнообразия случайностей: «Аржантей», 1874 г., «Партия в крокет», 1873 г., «В лодке», 1874 г. В этих картинах проявились все новшества пленэрной живописи, разработанной его друзьями-импрессионистами. Однако он никогда не препарировал, не растворял предметы в световоздушной среде, как делали это импрессионисты. Имея от природы повышенное чувство цвета, он лепил форму широким мазком, мощным живописным пятном. Сохранил он и синтетичность формы, и цельность передаваемых характеров.

Истинным главой импрессионистической группы явился Клод Моне. Именно в его творчестве воплотилась основная задача импрессионизма – проблема света и воздуха. Его пленэрные открытия внесли обновление всей системе живописи.

В своих ранних работах, изображающих людей на лоне природы, - «Камилла», 1866 г., «Завтрак на траве», 1866 г. – он стремился включить человеческие фигуры в пейзаж, передать состояние природы, игру солнечных бликов. В дальнейшем человеческая фигура становиться лишь частью среды, получающей в картине все более живое и непосредственное выражение. Постепенно предметы в его картинах, растворяемые в световоздушной среде, лишаются материальности, а сами картины превращаются в гармонию цветовых пятен.

Одним из самых пленительных художников-импрессионистов был Огюст Ренуар, проявляющий в своем жизнеутверждающем творчестве живой интерес к человеку. Он писал в основном женскую модель: портреты и «ню» - обнаженную натуру. Писал он вдохновенно, по внутренней неистребимой потребности, тщательно обдумывал композицию и виртуозно ее исполнял, создавая впечатление необычайно легкого и быстрого письма. Он строил свои образы на гармонии чистых, мажорных, радостных, красочных сочетаний, объединяя пейзаж и фигуры людей свето - воздушной средой, создавая настроение созерцательности, беззаботности и спокойствия.

В образах Ренуара нет психологической глубины, но в них есть непосредственность, обаяние юности, жизнерадостность.

Художником большого оригинального таланта, острого динамичного видения мира был Эдгар Дега. Горячий почитатель отточенного рисунка, он не был последовательным импрессионистом, никогда не обращался к пейзажу, в его картинах нет трепетной воздушной дымки, окутывающей предметы, присущей произведениям импрессионистов. Но тематика его картин типична для импрессионистов и довольно ограниченна: изображение будней театра, в основном балета, и ипподрома перемежается с изображениями женщин за туалетом и сцен труда – прачек, гладильщиц, модисток. Дега был одним из организаторов и участников почти всех выставок импрессионистов и мужественно делил с ними все невзгоды, непризнание и презрение публики.

Порой в его произведениях отчетливо звучит тема безнадежности. Грусти, одиночества маленького человека в большом городе, порой прорывается сарказм и ирония. Таковы образы сидящих за столиком в кафе опустившихся, отчужденных друг от друга мужчин и женщин в картине «Абсент», 1876 г. Отупели от усталости, почти механически выполняя работу, его «Гладильщицы белья», 1884 г.

С живописью импрессионистов соприкасалось творчество самого выдающегося скульптора 19 века Огюста Родена, который стремился передать мгновения в выражении лица человека или в позе человека, ломая мертвые схемы и догмы официального искусства.

Подлинной монументальности и жизненной правды добивается он в статуе «Бронзовый век», символизирующей пробуждение человечества от сна к новой жизни, пробуждение мучительное, тягостное.

От незавершенной композиции «Врата ада», создававшейся по государственному заказу для оформления бронзовой двери Музея декоративного искусства, осталось несколько фигур, выбившихся в ходе работы из общего замысла. Эти произведения – «Мыслитель», «Ева», «Адам», «Блудный сын», «Мучение» и другие – составили основную тематику творчества скульптора до конца дней и донесли до нас поразительную мощь дарования Родена.

В 1886 г. Роден закончил памятник «Граждане Кале» в честь героя Столетней войны Эсташа де Сен-Пьера, пожертвовавшего собой во имя спасения осаждения города. Эта реалистическая монументальная скульптура, установленная в 1895 г. перед зданием ратуши в Кале, - одно из значительных произведений монументальной пластики 19 века. Роден вылил из бронзы горожан Кале, отдающих себя в руки врагов. Группа полна изумительной выразительности, каждая из фигур остро индивидуальна и раскрывает целую гамму чувств и мыслей - от мужественной решимости и убежденности до задумчивого сомнения, душевной борьбы и отчаяния. Но все они объединены единством судьбы и высокого духовного подъема. Никогда позже Роден не поднимался до такой глубины прозрения и воплощения сложнейших человеческих чувств, как в этом монументе.

Роден много и успешно занимался жанром портрета, всегда подчеркивая главную черту модели: изящный артистичный Далу (1883 г.), ироничный Рошфор (1897 г.), полный творческого огня, темпераментный Гюго.

В течении всей долгой жизни Роден много раз повторял темы вечной весны, ускользающей любви, поцелуя. Основную форму в скульптуре он видел в движении, был страстно влюблен в танец, увлекался смелой современной хореографией. Отсюда его этюды, посвященные Айседоре Дункан и Нижинскому, знаменитое бронзовое «Па-де-де» (1905 г.).

Роден одинаково выразительно передавал тончайшие переливы света на коже нежного женского тела, резкие складки старческого лица; кажется, что мрамор или бронза его скульптур дышат, связанные со световой средой, с окружающим пространством. Его потрясающее умение выразить напряженное внутреннее движение, подчинить пластическую форму определенному психическому состоянию оказало огромное влияние на развитие скульптуры.

Импрессионизм получил недолгое продолжение в виде течения, называемого неоимпрессионизмом (приставка «нео» значит «новый»). Его основоположником и главным представителем был Жорж Сера. Неоимпрессионисты изучали, пользуясь новейшими достижениями науки, как человеческий глаз воспринимает цвет, и в соответствии с этим разработали новую технику письма. Они наносили на холст чистые краски, располагая их по всей поверхности картины пятнышками одинаковой величины. В выборе цвета художник также был не вполне свободен, например, тени следовало наносить цветом, дополнительным к цвету освещенных частей. Таким образом, картина производила впечатление яркой мозаики и лишь отчасти напоминала увиденное в природе.

Вопрос для самостоятельного изучения.

1. Отношения цвета и формы в произведениях П. Сезана. Его влияние на формирование нового художественного мышления в искусстве XX века.

Дисциплина: История искусств