56.Абстракционизм 2 волны

Абстракционизм - направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Крайнее проявление модернизма.

С приходом к власти фашистов центры абстракционизма перемещаются в Америку. В 1937 году в Нью-Йорке создается музей беспредметной живописи, основанный семьей миллионера Гугенхейма, в 1939 году - Музей современного искусства, созданный на средства Рокфеллера. Во время Второй Мировой войны и после ее окончания в Америке собрались вообще все ультралевые силы художественного мира.

В послевоенный период новая волна абстракционизма была поддержана огромным размахом рекламы, организованным успехом. В произведения абстрактной живописи вкладывают капитал. Тенденция отрыва искусства от изображения реальной действительности получила логическое завершение в произведениях художников-абстракционистов. Их работы отличались полным отсутствием сюжета и композиции. Абстракционизм считается одним из самых сложных явлений современной культуры, поскольку полностью исключает идейное содержание и образную форму.  Новое направление в искусстве получило название от латинского слова abstractus, что означает «отвлеченный». Полотна, выполненные в абстрактном стиле, не пользовались популярностью у широких масс, поскольку картины, хаотично заполненные пятнами и линиями, довольно трудны для понимания.

В конце 30-х гг. начинается вторая мировая война. Многие художники эмигрируют в Америку, центр художественной жизни. Марк Шагал, Марк Эрнст, Пит Мондриан, Дали.

Причины: Выражение недовольства действительностью и своеобразный протест. Отрицание всяких традиций. Вторая волна связана с абстрактным экспрессионизмом (линии Кандинского) Испытывают влияние сюрреализма. Сказывается это отказом от реального сознательного творчества.

Ведущая фигура в американском искусстве 2-ой волны является: Джексон Поллок.

Поллок ввел термин дриппинг - разбрызгивание красок на холст без применения кисти. Иногда он расхаживал по холсту, держа в руке продырявленное ведро с краской, давая ей свободно просеиваться. Это называется также в Америке абстрактным экспрессионизмом, во Франции - ташизмом (от слова tache - пятно), в Англии - живописью действия, в Италии - ядерной живописью (pittura nucleare). Во Франции в первой половине 40-х годов наблюдается некоторое затишье в сфере абстрактного искусства. С конца 40-х годов абстракционисты вновь объединяются в «Салон новой реальности» и издают специальный журнал «Искусство и архитектура сегодня». Его теоретики - Леон Деган и Мишель Сейфор. В 50-е годы во Франции увлечение абстракционизмом повсеместно. Соперником американца Поллока выступает Жорж Матье, сопровождающий свои "сеансы творчества" в присутствии публики маскарадными переодеваниями и музыкой и называющий свои огромные творения вполне сюжетно, что не делает их, однако, менее абстрактными.

Джексон Поллок родился в Коди (Вайоминг) в семье овцевода. В 16 лет он записался в Высшую школу прикладных искусств, в Лос-Анджелесе, однако уже через год вынужден был уйти оттуда из-за "неудовлетворительного поведения". С 1930 Поллок учился у Томаса Харта Бентона, представителя, так называемого американского регионализма, выступающего против модернистов и отстаивающего реалистичную живопись. Поллок постепенно отходил от предметной живописи и приближался к европейскому авангарду: его интересовали работы Пауля Клее, Хоана Миро и Пабло Пикассо, а также Макса Эрнста, чья "капельная техника" (Эрнст наносил капли на бумагу) буквально очаровала его. Целью художника было "напрямую переносить творческий процесс на полотно". Примерно в 1947 он открыл для себя так называемый "капельный" метод, позволивший ему вплотную приблизиться к своей цели: полотно он клал на пол и покрывал его каплями краски, беспорядочно стекающей с кисти, из жестяной банки или продырявленного ведра. Иногда он с силой метал краски на поверхность, смешивая их друг с другом; либо предварительно смешивал краски с песком или стеклянной крошкой и затем наносил эту смесь на полотно толстым слоем. О своей манере работы Поллок отзывался так: "На полу я являюсь частью картины". При работе он целиком и полностью отдавался вдохновению, и появившиеся таким образом продукты "подсознательной" деятельности подвергал в дальнейшем "осознанной" обработке с помощью деревянных палочек, ножей, мастерков и т. п. Например «Осенний ритм». Особенность этих картин прерывистые переплетения цветных линий, которые за счет своей прозрачности дают возможность заглянуть в пространство заднего фона картины. Для своих работ Поллок выбирал большие форматы, так как, по его мнению, мольбертная живопись устарела. Будущее живописи он видел в настенных росписях.

В начале 50-х переживает тяжелый кризис и предался сильнейшим алкогольным возлияниям. Из его картин исчезли краски, сейчас он обходился одним лишь черным цветом. Многие работы нумеровал, оставляя без названий, "чтобы зритель видел в картине именно то, что она собой представляет «обнаженную живопись». Помимо картин, выполненных с применением «капельной»техники, Поллок создавал работы на основе энергичных, широких штрихов. При этом он часто обращался к фигурным мотивам (например, "Номер 29", 1952; "Белый свет", 1954). Погиб в автокатастрофе в 44 года.

Марк Ротко - американский художник, ведущий представитель абстрактного экспрессионизма, один из создателей живописи цветового поля (род абстрактной живописи, в основе которой лежит использование больших плоскостей однородных цветов, близких по тональности и не центрированных). Марко Ротко изображал квадраты и прямоугольники различных размеров и цветов.

Ротко не был согласен с тем, что его относили к художникам-абстракционистам, пишущим под влиянием "живописи цветового поля". Его единственным интересом было, по собственному признанию, "выражение древнейших человеческих понятий и эмоций - трагедии, экстаза, смерти". Посредством этого он хотел передать этапы религиозного развития человека. Чтобы подчеркнуть метафизичность своих работ, Ротко применял приглушенный свет на выставках, где демонстрировались картины,- цветовые блоки за счет этого казались повисшими в бесконечном пространстве. Это впечатление усиливалось отсутствием рамок у картин; цветовое поле шло до самой границы полотна таким образом, что оптически картина казалась растворенной в плоскости стены.

Виллем де Кунинг.

Кунинг часто использовал громадные холсты, сокращая количество цветов, формируя красноречивые мазки кистью, выполнял импровизации с потрясающей энергией. Многие из его работ рассматриваются как шедевры абстрактного экспрессионизма. Писал и чисто абстрактные лирические композиции, используя – в целях экономии краски – лишь черные и белые малярные лаки, позднее стал вводить импульсивные всплески цвета.

Марк Тоби.

На него большое влияние оказала дальневосточная культура, китайская каллиграфия. Дрожащий ритм паутинообразных переплетений - характерная особенность манеры Тоби. Марк Тоби сначала изображал привычные объекты реальности, а потом рисовал поверх них. В работах художника острые, тонкие как иглы линии рисунка, который проносятся через полотно и создают впечатление пространства, центр которого невозможно с точностью определить.

57. Художественное объединение «Мир искусства».ОХ.А. Бенуа (Версальская серия), К. Сомов (Дама в голубом, Арлекин и дама), Лев Бакст (Ужин, Античный ужас, театральные костюмы и декорации)

1898 – возникновение «Мира искусств» в Петербурге. Кружок объединил художественную элиту России тех лет.

Начало «Миру искусств» положили вечера в доме А. Бенуа, посвященные искусству, литературе и музыке. Людей, собравшихся там объединила любовь к прекрасному и уверенность, что его можно найти только в искусстве, так как действительность безобразна.

В первый состав «Мира искусств» входили: Бенуа, Сомов, Бакст, Е.Е. Лансере, Головин, Добужинский, Врубель, Серов,К. Коровин, Левитан, Нестеров, Остроумова-Лебедева, Билибин, сапунов, Судейкин, Рябушкин, Рерих, Петров-Водкин, Малявин, Ларионов, Гончарова.

1899-1904 – издается журнал «Мир искусства» под редакцией Дягилева.

Основная задача журнала – воспитание эстетических вкусов русского общества.

Всего было 5 выставок Мира искусства.

1903, март – закрылась последняя выставка.

1904, декабрь – вышел последний номер журнала «Мир искусства»

Мир искусства распался на:

• Художники ушли в «Союз художников»

• Литераторы – журнал «Новый путь»

• Символисты – журнал «Весы»

• Музыканты – «Вечера современной музыки»

• Дягилев ушел в балет и театр.

К 1910 году «Мир искусства» перестал существовать в первоначальном своем составе.

Формально они просуществовали до 1924 г, но это было только название и ничего общего с первым «Миром искусств» не имели.

Второе поколение «мирискусников» менее занято проблемами станковой живописи, его больше интересует книжная графика, театрально-декоративное искусство. Состав №2: Кустодиев, Судейкин, Серебрякова, Чехонин, Григорьев, Яковлев, Шухаев, Митрохин.

При характеристике «Мира искусств» речь в основном идет о первом этапе его существования и его ядре – Бенуа, Сомове Баксте.

Александр Николаевич Бенуа (1870-1960) – идейный вождь «Мира искусств». Живописец, график-станковист, иллюстратор, театральный художник, режиссер, автор балетных либретто, теоретик и историк искусства, музыкальный деятель. Происходил из высшего слоя петербургской художественной интеллигенции, учился на юридическом факультете Петербургского Университета.

Как у художника у него проявляются стилизаторские тенденции и пристрастие к прошлому, очень любил Версаль. В его версальских пейзажах слились историческая реконструкция 17 века и современные впечатления художника.

Характерно:

• Четкая композиция

• Ясная пространственность

• Величие и холодная строгость ритмов

1896-1898 – первая версальская серия «Последние прогулки Людовика 14»

1905-1906 – вторая версальская серия «Прогулка короля» (картон, гуашь, акварель, золото, серебро, перо)

Константин Андреевич Сомов (1869-1939) – ведущий художник «Мира искусств».

Сын главного хранителя Эрмитажа, окончил Академию Художеств.

1897-1900 – «Дама в голубом»

"Дама в голубом" (портрет художницы Е.М. Мартыновой) - художник переносит в мир прошлого, облекает ее в старинное платье, помещает модель на фоне условного декоративного парка. Это - стройный вымышленный мир природы (созданной человеком), мир музыки (музицирующие фигурки на скамье), мир вечернего покоя. Вечернее небо с легкими розовыми облаками, деревья старинного парка, темная гладь водоема - все это изысканно по цвету, но, как истинный "мирискусник", К. Сомов стилизует пейзаж. Например, пожухшая зелень листвы словно взята со старинных гобеленов или с пожелтевших картин старых мастеров.

Созданный К. Сомовым ретроспективный портрет стал новым явлением в русском искусстве. Художник был первым, кто поставил перед собой эту задачу и блестяще решил ее. Интерес к духовному миру человека связывает К. Сомова с традициями русской портретной живописи, и вместе с тем "Дама в голубом" намечает новую тенденцию. Художник отказался от всего случайного, бытового, он поднял созданный им образ над повседневностью, придав ему возвышенное очарование.

1903 – «Эхо прошедшего времени»

Натура художника – борьба между мощным реалистическим чутьем и болезненно-эмоциональным мироощущением.

Одевает свои модели в старинные костюмы, придает их облику черты тайного страдания, грусти и мечтательности, болезненной надломленности.

Создает ряд портретов своих современников – интеллектуальной элиты – во вневременной сфере. Раньше всех обращается к темам прошлого, к интерпретации 18 века.

Лев Самуилович Бакст (1866-1924) – театральный художник, первым в среде «Мир искусства»приобрел популярность в Европе, окончил Академию Художеств, исповедовал стиль модерн.

В его изображениях нет мотивов 18 века и усадебных тем. Он тяготеет к античности, греческой архаике, толкованной символически.

1908 – «Древний ужас». Страшное грозовое небо, молния, море, древний город – над ним загадочная мистическая улыбка.

Мировую славу принесли декорации и костюмы к балетам дягилевской антрепризы:

«Шахерезада» Римского-Корсакова

«Жар-птица» Стравинского

«Дафнис и Хлоя» Равеля

«Послеполуденный отдых фавна»