1905. Холст, масло. Третьяковская Галерея, Москва, Россия.

Если в 1890-е годы Серова интересовало многообразие "артистических проявлений", нашедшее отражение в разнообразии живописных манер, то портреты Горького, Ермоловой, Шаляпина, созданные в 1905 году, выражают иную концепцию творческой личности. Теперь персонажи серовских портретов – это герои в полном смысле слова, отмеченные печатью исключительноти, гордого одиночества, словно вознесенные на некий пьедестал. Само тревожное революционное время, по-видимому, вызвало к жизни подобные образы, близкие мироощущению романтизма.

"Это памятник Ермоловой!" - писал в марте 1905 года архитектор Федор Шехтель о серовском портрете выдающейся актрисы. И, по-видимому, это именно то, чего и добивался Серов в портрете. Станковое полотно наделяется качествами монументального произведения. Фигура Ермоловой уподоблена скульптурному изваянию или даже архитектурному элементу - колонне. Голова написана на фоне зеркала, в котором отражается интерьер с фрагментом потолка - фигура актрисы показана возносящейся буквально от пола до потолка, подобно кариатиде. Вместе с тем абрис силуэта похож на контур возносящейся ввысь струи фонтана -Серов, по своему обыкновению, дал неожиданную, триумфально-патетическую интерпретацию излюбленной стилем модерн "льющейся, текучей .линии", приспособленной выражать образы медлительно-заторможенных, полудремотных состояний. Живопись портрета почти монохромна, доминируют излюбленные Серовым в поздний период серый и черный, изобразительный язык приближается к языку графики.

С южет

Сюжет картины, взятый Серовым из древнегреческой мифологии, принадлежит к одному из наиболее популярных сюжетов мирового искусства, связанных с античной культурой. Зевс влюбился в Европу, дочь финикийского царя Агенора, и явился царевне и ее подругам, гулявшим на берегу моря, в виде прекрасного быка. Девушки забавлялись игрой с быком, украшая его рога цветочными гирляндами. Когда Европа решилась сесть на спину быка, тот бросился в море и увез царевну на остров Крит, где она стала женой Зевса, родив ему впоследствии трех сыновей-героев.

История

Идея написать «Похищение Европы» приходит Серову во время его поездки с Бакстом в мае 1907 в Грецию, посещения острова Крит и изучения найденных там археологами остатков Кносского дворца, украшавших его фресок и других памятников критской культуры. Существуют многочисленные свидетельства того, что эта поездка была им предпринята в целях работы над росписями, предназначенными для Музея изящных искусств в Москве[1]. Исследователи творчества Серова обращают внимание и на то, что художник создавал именно декоративное монументальное панно, а не станковую картину.

Композиция

Используя характерный для эстетики модерна приём стилизации, Серов первым создает свою, далекую от академических канонов, версию античного сюжета. Композиционное решение полотна было им найдено достаточно быстро. С высокой линией горизонта, она построена на диагональном движении форм. В 1909—1910 годах Серов лишь продолжает поиски масштабных соотношений ее элементов, подчеркивающих монументальность произведения. Он вытягивает, трансформирует силуэты быка и дельфинов, чтобы подчеркнуть динамику общего композиционного движения. Очень выразителен и особо «упругий» ритм этого произведения. Горизонталь неба и моря как бы взрыты поднимающимися волнами. Море неспокойно, оно вздымает валы. Дельфины повторяют движение плывущего Зевса, чем усиливают динамику композиции.[2]

В колористическом решении Серов также отступил от традиции, использовав ту гамму, которая привлекала его в тот период. Так, быка вопреки сложившимся в искусстве представлениям, он сделал не белоснежным, а рыжим. Это ярко-оранжевое пятно на фоне сине-фиолетового моря необычайно красиво и выразительно. Хотя новаторский замысел остался в итоге неоконченным в связи с безвременной кончиной художника, исследователи сходятся о том, что в «Похищении Европы» Серов нашел не только свой новый изобразительный язык, но и открыл новый вариант утверждавшегося художественного стиля.

Варианты

По некоторым свидетельствам, Серовым было создано 6 вариантов картины[2]. Помимо наиболее часто упоминаемого в источниках варианта из собрания ГТГ, существуют два одноимённых эскиза меньшего размера в той же ГТГ и ГРМ (40 х 52 см, темпера, гуашь, картон)[3]. Наиболее завершённый вариант композиции Серова (холст, темпера, 138 х 178 см) до 1996 года хранился у наследников художника. С 1996 года, по соглашению между ГТГ и наследниками, находился на временном хранении в ГТГ в экспозиции музея. В 1999 работа была приобретена у наследников для частного собрания (в качестве нового владельца называется В. Кантор)[4].

35. Творчество М. Врубеля (стиль модерн; образы демона+ еще 2 работы.)

Врубель как создатель русского модерна

Врубель возражал против сведения роли искусства к публицистике. В потоке художественных новаций не было аналогов искусству Врубеля, он был слишком индивидуален и ярок. Его постоянно называли декадентом, и это его оскорбляло. Он мечтал о высоком творческом полете и понимал миссию искусства как преодоление ущербности. Его основным кредо было будить душу от мелочей будничного величавыми образами.

С 90-х годов XIX века Врубель находился у истоков формирования стиля и был, по сути, создателем русского модерна. Часто второстепенные явления в искусстве бывают показательнее в стилевом отношении, чем явления выдающиеся. Современный стиль является художественным языком настоящего времени, средой его интересов и вкусов, притяжений и отталкиваний. Искусство Врубеля захватывает гораздо более обширные территории, глубже коренится в прошлом и дальше заглядывает в будущее.

В лучших его работах нет плоскостной орнаментальности и изломанной изысканности модерна, но есть «культ глубокой натуры». Художник поднял на новую ступень духовное наследство старых мастеров. В его творчестве гениально трансформировался опыт предшествующих культур. Его неповторимая фантазия и мастерство превратили искусство в вечно живой источник познания мира. Он неистово углублялся в тончайшие детали, «планы», формы, отчего природа представала в его работах фантастически преображенной. Пристальное созерцание постоянно наталкивало Врубеля на фантастические образы, отвечавшие его духовному складу. Отсюда ведет происхождение его «теория камертона». Исходной точкой, «камертоном» для него была натура, изображенная «вполне реально». По ней настраивается воображение и художника, и зрителя.

Синтез фантастического и реального заключен в его лучших работах. Художник никогда не был рабом натуры, а извлекал из нее незримое волшебство. Детализация у него никогда не создает иллюзию предмета. «Фантастический реализм» делает творчество Врубеля близким произведениям Гофмана, Гоголя, Достоевского. Оно полно наблюдательной фантазии и увлекает в вечное странствие по природе, зовет пристальнее оглядываться в структуру окружающих форм. Щедрость природы и ее эстетического осознания ведут к нескончаемому пути познания.

Врубель завещал своим потомкам стремление к величавости идеи и формы. Любовь к анализу, деталям, тонкой моделировке и погружению в природу. Упрощенность формы не была для художника признаком монументального стиля. Искусственные приемы «монументализации» Врубелю были чужды. Он не жертвовал сложностью и утонченностью своего письма и был монументален даже в маленьких эскизах и картинах.

Принципы композиционного построения у Врубеля обращены на зрителя, за пределы рамы с использованием крупных планов, наплывов. Композиции Врубеля ближе к театру, а их персонажи ориентированы на запредельное пространство. Реальных границ картины им не хватает, поэтому они постоянно стремятся их раздвинуть.

Герои Врубеля будто хотят вырваться на волю из тесноты обрамления. Пространство картин он мыслит условно, несколькими планами, сближенными между собой. Врубель продолжил художественную традицию античной живописи. Но в его стиле есть примета ему чуждая. В пределах «малой глубины» он передает объем предмета и трактует его рельефно.

В сжатое пространство Врубель помещает тела, которым тесно в мире. Конфликт пространства и мощного объема и создает драматическое напряжение. Его пристрастие к сильно вытянутым формам холстов усиливает ощущение сдавленности пространства. Тематические, композиционные, пространственные, цветовые поиски мастера выражали предельное духовное напряжение.

Мир Врубеля мистичен, величав и монументален. Он хранит неразгаданную тайну гения и обретает все новые грани.

После окончания работ над иллюстрациями к произведениям Лермонтова Врубель почти десять лет не возвращался к теме демона. Не возвращался, чтобы потом вновь взяться за нее - и остаться с ней навсегда. В последние годы жизни тема Демона стала центральной в жизни Врубеля. Он создал множество рисунков, эскизов и написал три огромные картины на эту тему - Демон сидящий, Демон летящий и Демон поверженный. Последнюю из них он продолжал "улучшать" даже тогда, когда она уже была выставлена в галерее, тем самым изумляя и пугая публику. К этому времени относится ухудшение физического и психического состояния художника, что только подлило масла в огонь и укрепило уже возникшую легенду о мастере, продавшем душу дьяволу. Но, как говорил сам Врубель, Демона не понимают — путают с чертом и дьяволом, тогда как "черт" по-гречески значит просто "рогатый", дьявол — "клеветник", а "Демон" значит "душа" и олицетворяет собой вечную борьбу мятущегося человеческого духа, ищущего примирения обуревающих его страстей, познания жизни и не находящего ответа на свои сомнения ни на земле, ни на небе".

Демон сидящий

Демон поверженный

Л ицо девушки как бы полустерто. Свою героиню Врубель называл Наташей (связывая свой мир со светозарным пушкинским миром природы) — по его мысли, она должна была воплощать душу сирени. Масса зелени, то сгущающейся, то светлеющей до прозрачности и открывающей грунт, выдвигает нам навстречу цветы сирени — от этого возникает отчетливое ощущение словно «дышащей» картины. Одежда девушки написана темным пятном, никак не уточненным и не детализированным. Тем самым выражена сама стихийность этого персонажа, словно «проявляющегося» из растительного царства. Лиловый и сиреневый — доминантные тона полотна. Но внутри основных цветов краски сияют и переливаются и вместе с ними парят цветы — в ритме музыки, заданной художником.

Эта картина тоже связана с хутором Н. Ге в Черниговской губернии, где в мае 1900 года Врубель увидел заросли цветущей сирени. Увидел и поразился им. Сирень стала темой самого сложного произведения художника, в котором он попытался выразить свое философское кредо и само стремление к преодолению пропасти между формой-видимостью и сутью-смыслом. Это стремление, а вовсе не достижение (обретение смысла), было всегда дорого художнику. Всякое обретение он считал равным смерти, так как оно делает невозможным дальнейшее движение и развитие. Рассыпая по полотну цветки сирени, как бы «взбивая» облако парящего цвета, Врубель виртуозно разыгрывает тему с вариациями, и название этой темы - «превращение Хаоса в Космос». По большому счету, «Сирень» явила собой оформление живописного языка символизма. Примирила она, кстати, Врубеля с А. Бенуа, который, по собственному признанию, почувствовал, стоя перед картиной, запах весенних цветов. Один из современников художника позже (когда Врубель ослеп) написал: «Природа ослепила его за то, что он слишком пристально вглядывался в ее тайны».

М ихаил Врубель. Царевна-лебедь.