Романтизм (Romanticism), идейное и художественное направление, возникшее в европейской и американской культуре конца 18 века - первой половины 19 века, как реакция на эстетику классицизма. Первоначально сложился (1790-е гг.) в философии и поэзии в Германии, а позднее (1820-е гг.) распространился в Англии, Франции и других странах. Он предопределил последнее развитие искусства, даже те его направления, которые выступали против него.

Новыми критериями в искусстве стали свобода самовыражения, повышенное внимание к индивидуальным, неповторимым чертам человека, естественность, искренность и раскованность, пришедшие на смену подражанию классическим образцам 18 века. Романтики отвергали рационализм и практицизм Просвещения как механистичный, безличностный и искусственный. Вместо этого они во главу угла ставили эмоциональность выражения, вдохновение. Чувствуя себя свободными от приходящей в упадок системы аристократического правления, они стремились высказать свои новые взгляды, открытые ими истины. Изменилось их место в обществе. Они нашли своего читателя среди растущего среднего класса, готового эмоционально поддержать и даже преклоняться перед художником - гением и пророком. Сдержанность и смирение были отвергнуты. Им на смену пришли сильные эмоции, часто доходящие до крайностей.

Некоторые романтики обратились к таинственному, загадочному, даже ужасному, народным поверьям, сказкам. Романтизм был частично связан с демократическими, национальными и революционными движениями, хотя "классическая" культура Французской революции на самом деле замедлили приход Романтизма во Францию. В это время возникает несколько литературных движений, важнейшие из которых - "Буря и натиск" в Германии, примитивизм во Франции, во главе которого стоял Жан-Жак Руссо, готический роман, повышается интерес к возвышенному, балладам и старым романсам (от которых собственно и произошёл термин "Романтизм"). Источником вдохновения для немецких писателей, теоретиков йенской школы (братьев Шлегель, Новалиса и других), объявивших себя романтиками, была трансцендентальная философия Канта и Фихте, которая ставила во главу угла творческие возможности разума. Эти новые идеи благодаря Колриджу проникли в Англию и Францию, а также определили развитие американского трансцендентализма.

Таким образом, Романтизм зародился как литературное течение, но оказал значительное влияние на музыку и меньшее на живопись. В изобразительном искусстве Романтизм наиболее ярко проявился в живописи и графике, меньше - в архитектуре. В 18 веке излюбленными мотивами художников были горные пейзажи и живописные руины. Его основные черты - динамичность композиции, объёмная пространственность, насыщенный колорит, светотень (например, произведения Тёрнера, Жерико и Делакруа). Среди других художников-романтиков можно назвать Фузели, Мартина. Творчество прерафаэлитов и неоготический стиль в архитектуре также можно рассматривать как проявление Романтизма.

Вопрос 17. Романтический портрет (О.Кипренский 1-2 любимых портрета, сравнить портрет Пушкина с работой Тропинина романтизим\реализм).

1787 — поступление в Петербургскую Академию художеств.

1805 — окончание академии с золотой медалью.

1809 — создает портреты Е. П. Растопчиыой и Ф. В. Растопчина, маль чика А. А. Челищева.

1809—1811 — помогает Мартосу в работе над памятником Минину и Пожарскому в Москве, затем в Твери.

1812 — возвращение в-Москву, где создает основные свои работы.

1813 — портрет генерал-майора Е. И, Чаплица.

1814 — портрет Д. И. Хвостовой.

1816 — портрет В. А. Жуковского.поездка в Италию.

1823 — портрет Н. И. Стародубской.

1827 — портрет А. С. Пушкина.

1828 — после пятилетнего пребывания в России уезжает в Италию.

1836, 17 октября, в Риме Орест Адамович Кипренский умирает.

Модель изящно и очень по-детски облокотилась на высокий стол и обернулась к зрителю. Прекрасно переданы пластика движения, чистота и естественность ребёнка. Любопытно, что эту картину, как и портрет Адама Швальбе, итальянцы посчитали работой старого мастера. Кипренский писал в Россию: «Мне в глаза говорили... якобы в нынешнем веке никто в Европе так не пишет, а особенно в России может ли кто произвести оное чудо».

Вернее, когда он писал портрет, звали ее Мариучча, и была она дочерью итальянской натурщицы, с которой художник был близок.

А потом случилась трагедия, о которой говорил весь Рим.

Красавицу-итальянку нашли мертвой в квартире художника. Умерла она страшно - кто-то завернул ее в холст, облил скипидаром и поджег. Женщина сгорела заживо. Через несколько дней в городской больнице «Санта-Спирито» от неизвестной болезни умер слуга Кипренского - молодой итальянец.

Кипренский был убежден, что натурщица убита слугой, но его уверенность разделяли немногие. В городе открыто говорили, что убил натурщицу не слуга, а сам художник. Полиция так ничего и не выяснила.

Этот случай наложил отпечаток на всю жизнь Ореста Адамовича.

Константин Паустовский писал:

"Рим отвернулся от художника. Когда он выходил на улицу, мальчишки швыряли в него камнями из-за оград и свистели, а соседи - ремесленники и торговцы - грозили убить В Париже русские художники, бывшие друзья Кипренского, не приняли его. Слух об убийстве дошел и сюда. Двери враждебно захлопывались перед ним. Выставка картин, устроенная им в Париже, была встречена равнодушно. Газеты о ней промолчали.

Кипренский был выброшен из общества. Он затаил обиду. В Италию возврата не было. Париж не хотел его замечать. Осталось одно только место на земле, куда он мог уехать, чтобы забыться от страшных дней и снова взяться за кисть. Это была Россия, покинутая родина, видевшая его расцвет и славу".

Спешно покидая Италию в 1822 году, Кипренский определил 10-летнюю Мариуччу в монастырский пансион, оставив при этом большую сумму на воспитание девочки, к которой был очень привязан.

Через семь лет, вновь приехав в Италию, он встретился с Мариуччей и влюбился в нее.

Ей было 17, ему – 47. Для нее он принял католичество и летом 1836-го без огласки обвенчался.

Но, к сожалению, счастья этот брак не принес. Девушка не любила Кипренского, хотя и была благодарна ему за заботу.

Современники вспоминали о частых ссорах молодой женой и о постоянных запоях Ореста Адамовича.Через три месяца после свадьбы Кипренский скончался от скоротечного воспаления легких.

После его смерти Мариучча (именуемая в русских документах Марией Кипренской), прислала в Петербургскую Академию художеств оставшиеся ей в наследство картины, в том числе и «Девочку с цветком в маковом венке». Деньги за проданные картины были ей отосланы, расписка в получении получена.

Через несколько месяцев после смерти Кипренского Мариучча родила его дочь, Клотильду.

П ортрет Александра Сергеевича Пушкина

1827Г, холст, масло, 68 X 54 см

Государственная Третьяковская галерея, Москва

Перед нами погрудное статичное изображение поэта, одетого в модный сюртук, изображение, приближенное к зрителю и, казалось бы, камерное по своему характеру.Но взгляд Пушкина, устремленный вдаль, покоряющая духовная сила, исходящая от него, подчеркивают небудничный, вдохновенный облик поэта.

Скрещённые на груди руки поэта, складки плаща, наброшенного на плечи, — всё это характерные признаки романтического героя, отрешённого от окружающего мира и погружённого в свои мысли. Живой взгляд пушкинских глаз выражает вдохновение и сосредоточенность. Поэт как бы прислушивается к внутреннему голосу: «...минута — и стихи свободно потекут». Пушкин показан в самый счастливый, светлый момент — момент творчества. Таким себя Пушкин мог и не увидеть в зеркале, это был тот ореол поэтического воодушевления («лесть», по терминологии поэта), который открылся проницательному художнику.

Именно это особенно понравилось в портрете и самому поэту. Он выразил своё восхищение мастерством живописца в стихотворении, посвящённом Кипренскому:

Нимало не заблуждаясь относительно «арапского безобразия» своего лица, Пушкин отмечает здесь объективность, реалистически правдивую «зеркальность» портретной характеристики, данной Кипренским.

Из всех художников, творивших в пушкинское время, именно Кипренский наиболее популярен и в наши дни. И это прежде всего потому, что его кисть навечно сохранила облик величайшего русского поэта.

У Кипренского был счастливый дар портретировать выдающихся представителей русского общества в наиболее значительные минуты их жизни. И этот дар не изменил ему здесь. Он создал живописный портрет-памятник великого поэта. Полотно Кипренского стало самым известным из всех изображений Пушкина.

В 1827 году, когда Кипренский создал портрет Пушкина, поэт был автором не только романтических «Цыган», но и «Бориса Годунова» и «Евгения Онегина». Портрет был написан в доме Шереметевых на Фонтанке. Его заказал Дельвиг, «художников друг и советник».

Кипренский начал работу над ним, вероятно, в последних числах мая, вслед за Тропининым, написавшим поэта весной этого же года в Москве.

Уже в середине июля имеются отзывы о петербургском портрете как о «необычайно похожем», а увидевшие его осенью на выставке писали восторженно:

«...это живой Пушкин» — «...видев его хоть раз живого, вы тотчас признаете его проницательные глаза и рот, которому недостает только беспрестанного вздрагивания..»

Это последнее высказывание словно отвечает одному из критиков, отозвавшемся о высоко ценимом им Тропинине, что он все же «не мог совершенно схватить быстроты взгляда и живого выражения лица поэта».

Правда, критик оговаривался при этом: «...физиономия Пушкина ...вместе с тем так изменчива, зыбка, что трудно предположить, что один портрет Пушкина мог дать о ней истинное понятие».

Теперь, когда перед нами галерея пушкинских портретов, мы не можем не признать, что поразительный по емкости содержания, гармонии художественной формы образ, созданный Кипренским, совершенно воплощает наше представление о Пушкине.

Любопытно, что современники узнавали Пушкина именно по портрету Кипренского, впервые экспонированному на открывшейся 1 сентября 1827 года в Академии художеств в Петербурге выставке, где живописцу был предоставлен целый зал. Вот что произошло, по рассказу П.А.Вяземского (в письме к жене), когда он вместе с Пушкиным совершал прогулку по Неве:

«Мы садились с Пушкиным в лодочку, две дамы сходят, и одна по-французски просит у нас позволения ехать с нами, от страха ехать одним. Мы, разумеется, позволяем».

И, как пишет далее Вяземский, одна из этих дам «узнала Пушкина по портрету его, выставленному в Академии».

Да и мы, когда хотим представить себе внешний облик великого поэта, почти неизменно вспоминаем его портрет кисти Кипренского. Он создал живописный портрет-памятник великого поэта. Все элементы художественного строя: виртуозная линейная проработка, почти монохромный сдержанно-напряженный колорит, точно выдержанное сочетание остроиндивидуальных неповторимых черт и качеств непреходящей ценности — прекрасно служат этой цели.

Портрет послужил исходным материалом для многих художников и скульпторов последующих поколений, известен во всем мире. После смерти Дельвига в 1831 году Пушкин, несмотря на материальные затруднения, покупает этот портрет и п В.А.Тропинин

Портрет А.С.Пушкина1827г., холст, масло, 68.2 х 55.8Государственная Третьяковская галерея, Москва(копия, оригинал - в Музее А.С.Пушкина, Санкт-Перербург)

Поэт изображен в белой сорочке, вокруг распахнутого ворота которой артистично перекинут черный шейный платок, и в просторном, коричневых тонов халате. Это вполне отвечает романтическому духу эпохи: художник противопоставил независимый образ мыслей Пушкина официальной идеологии, как халат противопоставил мундиру. Тропининский Пушкин вовсе не приземлен — он так царственно величав, что кажется невозможным потревожить его раздумья. Особую внушительность, почти монументальность сообщают образу поэта гордая осанка и устойчивая поза, благодаря чему его домашний халат уподобляется торжественной античной тоге.

Вопрос 18. Романтический пейзаж. (С. Щедрин: Пейзажи, написанные в италии + Айвазовский 9 вал + черное море).

С 1800 по 1811 годы Сильвестр Щедрин учился в Академии художеств. Первые картины художника («Вид с Петровского острова» и «Вид с Петровского острова на Тучков мост») писал в мастерской. Исполнены они в манере классицизма с присущей этому стилю условностью в цвете и композиции.

Ранние пейзажи итальянского периода (такие как: «Колизей», «Водопад», «Вид в Тиволи», «Водопад в Тиволи») верны натуре, но ни один из них не представляет собой целостного пейзажа-картины. В них присутствует некоторая необъединённость, разрозненность точно скопированных деталей.

«Водопад в Тиволи близ Рима» «Вид Сорренто близ Неаполя»«Вид на Неаполь с дороги в Позилиппо»

«Вид из грота на Везувий и Кастелло дель Ово в лунную ночь» «В окрестностях Сорренто близ Амальфи близ Неаполя»

«Веранда, обвитая виноградом» — картина русского художника Сильвестра Феодосиевича Щедрина, написанная в 1828 году в Неаполе.Щедрин в Неаполе создал серию картин, посвящённых «пейзажному интерьеру» — верандам и террасам с зеленью и видами на заднем плане. Мотив, изображённый на данной картине, художник назвал «Перголата», от итальянского слова пергола (pergola), что означает беседку, арку или крытую аллею из вьющихся растений. Щедрин больше всего был увлечён проблемой света и передачи особенностей воздуха. Он пытался выбиться из тёплых тонов, добавляя серо-голубые, серебристые оттенки, помогающие почувствовать особенности итальянского воздуха в полуденный час, когда природа предстаёт во всём своём великолепии. Эта картина прекрасно передаёт мироощущение русских людей той эпохи, в восприятии которых Италия — это мир счастья, гармонии и романтики.

И ван Константинович Айвазовский — aкадемик живописи, профессор Академии художников, член Амстердамской, Штутгартской, Флорентийской и Римской академий художеств. Живописец Главного морского штаба. Обладатель наград: серебряной медали и золотой медали на выставках Петербургской академии художеств, золотой медали от папы Григория ХVI золотой медали на выставке в Лувре, ордена Почетного легиона (1857 г.). Основатель Музея древности (1871 г.), художественной мастерской, картинной галереи и концертного зала в Феодосии. Его, послушная замыслу, кисть воспела покой и буйство природы, гордую красу моря, неба, воздуха, мужество и волю человека в неравной борьбе со стихией — художник и патриот, добрый, честный, широкий человек и гражданин своего Отечества, прославил Россию и свой родной город Феодосию. Искусство изображения моря принесло И.К. Айвазовскому всемирную известность. И не случайно на могиле мариниста, которого хоронили со всеми воинскими почестями - явление по тем временам небывалое,- написано:

"Рожденный смертным, оставил о себе бессмертную славу!"

И. К. Айвазовский Черное море

1881г, холст, масло, 149 x 208 см

Государственная Третьяковская галерея, Москва

Безграничное море и такое же бесконечное небо над ним. Поднимается ветер, мерно катятся волны, уже вскипают барашки пены на гребнях. Изменчив и разнообразен цвет темнеющей воды. От зеленовато-серых, серебристых и светло-изумрудных оттенков в центре цвет сгущается до темно-синей, почти черной густоты, уводящей взгляд в бездонную глубину моря. На горизонте виден крошечный парус рыбачьей лодки, спешащей домой.

И.Н. Крамской считал "Черное море" лучшим произведением Айвазовского.

И . К. Айвазовский Девятый вал

1850г, холст, масло, 221 x332

Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Романтические черты творчества Айвазовского особенно ярко сказались в картине "Девятый вал", написанной в 1850 году. Название её взято из народного поверья о том, что в общем ритме накатывающихся волн одна заметно выделяется своей мощью и размерами среди других.

Древние греки считали самой гибельной волной третью, римляне - десятую. В представлениях других мореплавателей самым сокрушительным был девятый вал. Раннее утро после бурной ночи... Первые лучи солнца освещают бушующий океан и громадный "девятый вал", готовый обрушиться на группу людей, ищущих спасение на обломках мачт. Зритель сразу же может представить, какая страшная гроза прошла ночью, какое бедствие терпел экипаж корабля и как гибли моряки. Они с честью выдержали испытание, постоянно поддерживая друг друга. Вся группа держится вместе, чтобы в случае чего подбодрить друг друга.Противостояние людей и стихии - вот тема картины.Есть смысл в борьбе, в воле человека к спасению, в его вере в то, что, проявляя героизм, своими собственными силами можно спастись, когда по всем законам было суждено погибнуть! Айвазовский нашел точные средства для изображения величия, мощи и красоты морской стихии. Несмотря на драматизм сюжета, картина не оставляет мрачного впечатления; наоборот, она полна света и воздуха и вся пронизана лучами солнца, сообщающими ей оптимистический характер. Этому в значительной степени способствует колористический строй картины. Она написана Светящаяся на просвет грозовых всполохов вода переливается всеми цветами радуги, брызги светятся, могучие волны тяжело перекатываются через погибающих людей, грозные скалы сулят гибель.

Яркая, мажорная красочная гамма картины звучит радостным гимном мужеству людей, побеждающих слепые силы страшной, но прекрасной в своем грозном величии стихии.

Кажущийся перебор чувств, в действительности соответствовал трагической ситуации. Такого реализма, проявившегося в картине Девятый вал, и других, никто в его время в изображении морских стихий достичь не мог. В картине соединилось многое из виденного и испытанного самим художником. Особенно памятна была ему буря, которую он пережил в Бискайском заливе в 1844 году. Шторм был столь сокрушителен, что судно сочли утонувшим, и в европейских и петербургских газетах появилось сообщение о гибели молодого русского живописца, имя которого уже было хорошо известно.Спустя годы Айвазовский вспоминал: «Страх не подавил во мне способности воспринять и сохранить в памяти впечатления, произведенного на меня бурею, как дивною живою картиной».Эта картина нашла широкий отклик в момент ее появления и остается до наших дней одной из самых популярных в русской живописи. Образ бушующей морской стихии волновал воображение многих русских поэтов.Ярко отражено это в стихах Баратынского.