Тема VII

ИСКУССТВО XIX ВЕКА

На протяжении XIX века капитализм становится господствующей формацией в Европе. Все значительней противоречия капиталистической эпохи.

Деятели культуры XIX столетия ставят в своем творчестве сложные вопросы современности, пытаются найти на них ответы. Развивается реалистическое искусство, утверждающее эстетические ценности действительности. Реалистические тенденции прослеживаются в литературе и изобразительном искусстве. Различные области культуры развиваются неравномерно. Высочайшего расцвета достигла литература: Гюго, Бальзак и Стендаль; музыка: Бетховен, Шопен, Вагнер, Григ и Штраус; станковая живопись (особенно пейзаж), графика, скульптура. Однако в архитектуре чувствуется спад. После подъема, обусловленного появлением стиля ампир, в зодчестве наблюдается тяготение к стилизации, эклектическим* формам. Архитекторы обращаются к архитектурным образцам предыдущих эпох, преломляя в своем творчестве элементы различных стилей и течений. Происходит распад стилевого единства, как целостной художественной системы, охватывающей все виды искусства.

ЛЕКЦИЯ 25

АНГЛИЯ

Живопись. Первые десятилетия XIX в. стали завершающим этапом расцвета английского искусства, начавшегося в середине XVIII столетия. Ведущее место в живописи XIX в. занимает пейзаж.

У истоков лирического пейзажа стоит Гейнсборо. Его традиции развивают художники реалистического направления этого времени.

Подлинным новатором в создании реалистического пейзажа был Джон Констебл (1776 – 1837). Он воспевал родную природу, не идеализируя ее. Излюбленными мотивами художника были знакомые ему с детства виды Дедхемской долины и реки Стур ("Вид Дедхемской долины", 1809, Лондон, Национальная галерея). Знакомый с трудом крестьян, которые жили по соседству с мельницей его отца, живописец часто изображает сцены из крестьянской жизни, тщательно и подробно воплощая на полотне сельскохозяйственные работы на открытом воздухе. Констебл предпринимает путешествие по Англии, выезжает в Шотландию, "край озер", где делает множество этюдов с натуры. Большое значение пейзажист придает изображению неба в разное время суток, различную погоду, улавливая его тончайшие оттенки от нежно–голубых до серебристо–лиловых, подчеркивая динамику облаков или неподвижность знойного воздуха. В своих работах художник обычно избирает высокую точку зрения, обозревая местность с высоты моста или холма.

Творческая зрелость приходит к Констеблу в 1820-х гг. К этому периоду относится создание таких картин, как "Телега для сена" (1821, Лондон, Королевская Академия), "Хлебное поле" (1826, Лондон, Национальная галерея), "Собор в Солсбери" (1827, Лондон, Национальная галерея), "Прыгающая лошадь"(1825, Лондон, Королевская Академия).

Точность воспроизведения, глубокое постижение жизни, демократизм, свойственные работам Констебла не были поняты в Англии. Однако в Париже во французском Салоне 1824 г. пейзажи Констебла имели большой успех. Во Франции этого времени не было пейзажиста его уровня. Писатель Стендаль, посетивший Салон, так выразил свое восхищение работами английского пейзажиста: "Правдивость сразу же поражает и увлекает в прелестных этих произведениях.., в них нет ничего идеального".

Констебл, верный правде жизни, не был по достоинству оценен у себя на родине. Официальное признание получают мастера отвлеченного романтического направления.

Особое место в английской пейзажной живописи занимают работы Джозефа Уильяма Тернера (1775 – 1851), творчество которого намного опередило свое время и по достоинству, было оценено лишь импрессионистами.

Произведения Тернера увлекают фееричностью зрелища, где потоки красок сливаются в утонченные цветовые очертания. Поразительна трактовка пейзажных мотивов, в которых проступают размытые черты деревьев, гор, замка. Основной эффект достигается сочетанием цветовых пятен, которые не воспроизводят, а позволяют ощутить движение воздуха, клубы дыма, завесу тумана, струящиеся потоки света ("Вечерняя звезда", Лондон, Национальная галерея). Тернеру принадлежит первое в живописи изображение паровоза, бегущего по рельсам – символа индустриального будущего. Как мираж пробивается сквозь густую завесу, тумана чудо техники XIX в. ("Дождь, пар, скорость", 1844, Национальная галерея).

Современникам не суждено было понять сложное, противоречивое творчество Тернера, эмоциональное искусство которого принадлежало еще не наступившей эпохе.

ЛЕКЦИЯ 26

ИСПАНИЯ

Новый расцвет испанского искусства связан с именем Франсиско Гойи (1746 – 1828), который жил и работал в один из сложных периодов истории родины. В XIX веке Испания уже утратила свои позиции сильной процветающей державы. Во главе, которой стояли силы феодальной реакции, препятствовавшие продвижению страны по пути прогресса. Народно – освободительная война испанского народа против войск Наполеона, две неудавшиеся революции, за которыми последовал разгул реакций – вот исторические события, свидетелем которых стал великий испанский живописец, которые не могли не найти свое отражение в его творчестве.

Как ни один из живописцев Испании Гойя воплотил в своем искусстве трагическую судьбу испанского народа.

Произведения выдающегося живописца несут отпечаток его глубоко личных переживаний, сочетая критический дух передовых взглядов эпохи и элементы традиционно испанских народных представлений с личным отношением художника к тому или иному явлению.

Гойя часто обращается к гротескным, фантастическим, утрированным образцам, обнажая безобразные стороны современной ему действительности.

Как художник Гойя показал себя довольно поздно. Его редкое дарование проявилось в сериях шпалер королевской мануфактуры (1776 – 1791), сюжетами для которых стали сцены из народной жизни: сбор урожая, праздники, игры. Фигуры людей, в соответствии с требованием того времени незначительно идеализированы, но художник удивительно точно подметил разнообразные народные типы в национальных одеждах, их манеру держаться. С большой достоверностью изображена испанская природа.

Однако уже в позднем картоне "Деревенская свадьба" (Мадрид, Прадо). Гойя далек от идеализации изображенного события, не скрывает своего критического отношения к происходящему. Изображая шумную праздничную процессию, художник дает острые характеристики всех участников этого спектакля под названием "брак по расчету".

Работа над шпалерами принесла Гойе известность. И в 1789 г. он получил звание придворного живописца.

1790–е гг. стали переломными в творчестве художника. Тяжелое личное переживание – Гойя потерял слух – усиливается сложная ситуация в стране. Наиболее прогрессивная часть общества, вдохновленная Французской революцией 1798 г., активно включается в борьбу против феодальной реакции и поддерживавшей ее католической церкви. Гойя не остался в стороне от этой борьбы. Появляется серия офортов "Капричос" (1797 – 1798), где в гротескной форме художник обличает пороки феодально-католической Испании. Реальное здесь сплетается с фантазией, мистификацией, сквозь завесу которой угадывается колкая политическая сатира. Персонажи "Капричос" – ослы, которых учат, услужливо развлекают, портретируют мартышки и другие ослы; уродцы с закрытыми глазами и замками на ушах, которых кормят с ложки; жирный попугай в роли проповедника, которого, угодливо восхищаясь, слушают уродливые тупые монахи.

Жизнь современного ему общества Гойя отразил и в живописных полотнах. Поражает откровенностью характеристик не имеющее аналогов в истории парадных портретов изображение семьи Карла IV (1800, Мадрид, Прадо). Неподвижные фигуры в роскошных парадных одеждах не вызывают симпатии, лица одних напряжены, а другие не скрывают откровенно злобного выражения.

С новой силой талант Гойи раскрывается в его работах, посвященных героической борьбе испанского народа с французскими интервентами. ("Расстрел в ночь со 2 на 3 мая 1808 года", 1814, Мадрид, Прадо). Трагическую напряженность произведения усиливает оттенки сумрачных тонов, в которых под воздействием неверного желтоватого света фонаря тревожно вспыхивают пятна светло – коричневого, красного, желтого. Это картина Гойи – шаг по пути развития реалистического исторического жанра.

Искусство Гойи повлияло на творчество многих художников XIX в., среди которых Делакруа, Эдуард Моне и другие известные живописцы.

ЛЕКЦИЯ 27

ФРАНЦИЯ

В XIX в. искусство Франции занимает ведущее место в мировом искусстве. Это было обусловлено передовой ролью страны в политической и общественной жизни Европы. Пафос революционной борьбы рождает реалистическое искусство, в котором находят отражение исторические события времени, взятия Бастилии, революции 1830 и 1848 гг., Парижской коммуны 1871 г.

Поиски средств наибольшей выразительности в передаче образов, новаторство в использовании цветовой гаммы привели к пересмотру всей системы живописи.

Живопись. Революционное правительство Франции пытается привлечь искусство на свою сторону, использовать его агитационную силу, сделать достоянием народа. С этой целью создаются музей искусства, призванные довести искусство "до хижин". Новая, революционная художественная культура развивается в упорной борьбе с академическим искусством.

Огромное влияние на развитие живописи конца XVIII – начала XIX в. оказал основоположник революционного классицизма, активный участник революционных событий Жак Луи Давид (1748 – 1825). Энергичный, волевой, даже жестокий человек, он был членом Конвента, Другом Робеспьера, голосовал за казнь короля.

В ранних работах Давида чувствуется воздействие классических образцов античности и Возрождения. Исторические картины живописца призывают к подвигу во имя отечества. Идеал Давида – бесстрашный герой, мужественный и сильный.

Принципы революционного классицизма ярче всего художник воплотил в своей картине "Клятва Горациев" (1784, Париж, Лувр). Сюжет картины основан на древнеримской легенде о трех братьях из рода Горациев. Братья изображены перед смертельной схваткой с врагом. Герои непоколебимы и решительны в своем порыве, защитить родной город. Отец благословляет их на подвиг.

Захлестнувшие страну революционные события, дали новые импульсы творчеству Давида. Расширяется сфера деятельности художника: он оформляет революционные праздники, создает эскизы костюмов республиканцев, становится руководителем художественной жизни Франции.

Революция – это не только героика и пафос, это трагедия. Одна из наиболее впечатляющих картин Давида, - трагическое произведение "Смерть Марата" (1793, Брюссель, Музей современного искусства), здесь героический реализм Давида достигает высшего выражения. Картина написана под впечатлением от увиденного. Марат был убит в ванне, в то время когда он читал письмо убийцы – Шарлоты Корде. Давид уподобляет картину величественному монументу, превратив ванну с тяжелой драпировкой в античный саркофаг, а тумбу, на которой стоит чернильница, в надгробие с надписью: "Марату - Давид".

Большое место в творчестве Давида принадлежит портрету. Его портреты революционной поры, в том числе и "Автопортрет" относятся к лучшим творениям живописца ("Портрет зеленщицы", 1795, Лион, Музей; "Королева Мария Антуанетта перед казнью" Париж, Лувр).

Поражение революции, казнь Робеспьера стали причиной отказа Давида от своих политических убеждений. Разочарованный, утративший веру в борьбу за справедливость художник уходит в мир идеальной красоты классицистического искусства ("Сабинянки останавливают битву между римлянами и сабинянами", 1799, Париж, Лувр). Портрет Бонапарта и его приближенных стали образцами живописи классицизма ("Портрет Бонапарта на перевале Сен - Бернар", 1800, Версаль, Музей; "Коронование императора и императрицы", 1806, Париж, Лувр).

Талантливым учеником Давида был Жан Огюст Доминик Энгр (1780 – 1867), ставший одним из самых выдающихся художников XIX века, убежденным проводником классических традиций в живописи. В творчестве Энгра явственно выделяются две направленности. С одной стороны художник, являясь упорным приверженцем классицизма, обращается к искусству античности и Высокому Возрождению. В то же время, обладая необычайной наблюдательностью Энгр, не мог не воспользоваться этой своей особенностью в создании портретов, ставших подлинными шедеврами реалистического искусства.

В традициях классицизма выполнены исторические произведения Энгра ("Обет Людовика XIII", 1824, Монтобан, Собор; "Апофеоз Гомера", 1827, Париж, Лувр).

Наиболее значительными произведениями художника стали его реалистические портреты, отличающиеся острой наблюдательностью автора. ("Портрет Ф. Ривьера", "Госпожа Ривьер", 1805, Париж, Лувр; "Госпожа Девосе", 1807, Шаннтильи, Музей Конде).

Классическое направление в живописи, которое возглавил Энгр, уже не отвечало художественным потребностям широких слоев общества и к началу 1830-х гг. классицизм начинает сдавать свои позиции под натиском нового течения в искусстве – романтизма. Последователи романтической направленности в искусстве в поиске повышенной эмоциональности обращаются к таинственному, мистическому, уводя от реальной жизни в сторону идеализации средневековой культуры. Ведущая роль, однако, принадлежала революционному прогрессивному романтизму, темами которого были страдания и гибель в борьбе героев, вступающих в битву с враждебной средой.

Основоположником революционного романтизма во французской живописи был Теодор Жерико (1791 – 1824). Отказавшись от канонов классицизма, Жерико ищет вдохновение в образах окружающего мира. Эмоциональное, взволнованное искусство первого романтика французской живописи заключало глубокое чувство правды ("Офицер императорских конных егерей во время атаки", 1812, Париж, Лувр; "Раненый кирасир", 1814, Париж, Лувр).

Самая значительная из картин Жерико "Плот Медузы" (1818 – 1819, Париж, Лувр) решена в героико-монументальном плане. Эта композиция написана на реальный сюжет: у берегов Африки по вине неопытного капитана потерпел крушение фрегат "Медуза", почти все пассажиры погибли, лишь некоторые спаслись на плоту. "Плот Медузы" – одно из лучших произведений реалистического французского искусства.

Реалистические тенденции прослеживаются и в более поздних работах Жерико. Интерес к внутреннему миру человека проявляет художник в серии портретов душевнобольных парижского госпиталя.

Короткая жизнь большого художника была прервана трагической случайностью. Жерико разбился, упав с лошади.

Глубоко переживал смерть друга и единомышленника Эжен Делакруа (1798 – 1863) – один из самых знаменитых революционных романтиков Французской живописи.

Известность художнику принесла картина "Данте и Вергилий" (1822, Париж, Лувр), которая произвела сильное впечатление на посетителей парижского Салона, где она была выставлена.

Еще больше впечатляет современников следующая картина Делакруа "Резня на Хиосе", (1824, Париж, Лувр), отражающая события того времени – героическую борьбу греческого народа против турецких завоевателей.

Вершиной его творчества стала картина "Свобода, Ведущая народ" или "28 июля 1830 г." (1830, Париж, Лувр).

Написанная в самый разгар событий, картина произвела огромное впечатление, став выдающимся событием в художественной жизни Франции.

Поздний Делакруа тяготеет к исторической тематике ("Правосудие Траяна", 1840, Руан, Музей; "Взятие Константинополя крестоносцами", 1840, Париж, Лувр).

В последние годы жизни Делакруа работает, как монументалист (росписи в Палате депутатов, Сенате, галерея Аполлона в Лувре), и как график (иллюстрации к произведению Гете, Байрона, Шекспира).

Делакруа до конца жизни сохраняет гуманистические убеждения.

С середины XIX в. все большую роль в художественной жизни Франции начинает играть пейзаж. Новую страницу в истории пейзажного жанра открывает Камиль Коро (1796 – 1875).

Ранние произведения Коро, говорят о тяготении художника к классическому пейзажу ("Утро в Венеции", 1834, Москва, ГМИИ). В более поздних работах Коро исчезает четкость рисунка, картины будто размыты, художник играет тонами, изменяя их насыщенность. Эти различные градации интенсивности цветового тона называются валерами. Для валерной живописи Коро характерна выдержанность в одной тональности ("Вечер", "Утро", конец 50-х – начало 60-х гг., С. –Петербург, Эрмитаж). В этих картинах чувствуется поэтически – романтическое звучание. Иногда в произведениях Коро звучат суровые ноты ("Порыв ветра", 1865 – 1870, Москва, ГМИИ).

Значительное место в творчестве замечательного французского художника занимает портрет. Обычно это образы миловидных девушек, погруженных в чтение или романтические мечты ("Эмма Добиньи в греческом костюме" 1868 – 70 гг., Нью–Йорк, Метрополитен – музей, "Прерванное чтение", 1866, Чикаго, Институт искусств).

Иной характер носила живопись художников – барбизонцев, избравших местом своего пребывания деревню Барбизон. Они стремились к реалистической передаче окружавших их полей, лесов, рек, деревень, обращаясь к обыденным мотивам. В Барбизоне близ Парижа поселились Руссо, Милле, Дюпре, Добиньи.

Критический реализм новое мощное художественное направление активно утверждает себя в жанровой живописи, его становление связано с именем Гюстава Курбе (1819-1877). Гюстав Курбе дебютирует с серией автопортретов "Автопортрет с черной собакой "(1842), "Автопортрет с трубкой "(1846) позже художник обращается к темам труда и нищеты, в его картине "Каменотесы" (1848-1850), люди согнуты под тяжестью своей ноши. Самое знаменитое произведение Курбе - "Похороны в Орнане" поражает своими размерами (6 кв. м. холста, 47 фигур в натуральную величину), показывает провинциальное общество во главе с мэром на похоронах деда художника, завершает поиски монументальной картины на современный сюжет.

Оноре Домье (1808-1879) яркий представитель сатирического рисунка, его работы рассказывают о "Законодательном чреве" серия "Адвокаты", "Представители правосудия", о нравах "Парижские типы", "Супружеские нравы". Предмет его изображения мир простых людей "Вагон III класса"(1862), "Прачка"(1862) в образах Домье сохранялась большая жизненность, жест, движение, поза.

Искусство импрессионизма. Переосмысливая традиции реалистической сюжетной живописи в соответствии с современностью, в своем творчестве один из самых выдающихся Французских художников XIX в. Эдуард Мане (1832 – 1883).

Его считают основоположником нового течения Французской живописи – импрессионизма, который был одним из самых ярких явлений во французской культуре нового времени. Термин происходит от французского "impression" – впечатление. Впечатление от увиденного стремились сохранить в своих произведениях художники – импрессионисты.

В 1863 г. к Мане приходит скандальная слава. Выставленные в "Салоне отверженных" картины "Завтрак на траве", а позже "Олимпия" вызвали взрыв возмущения буржуазной публики: впервые обнаженная натура не была "прикрыта" мифологическим сюжетом. Моне создает реальные образы, используя композиционные схемы классического искусства, аналогии с картинами Джорджоне "Сельский концерт", Тициана «Венерой Урбинской» - художников итальянского Возрождения.

В 30-х гг. в творчестве живописца появляется импрессионистическая направленность. К числу его импрессионистических произведений относится "Кабачок" (1878 – 79, Москва, ГМИИ) и "Портрет Антонина Пруста" (1877, Москва, ГМИИ).

Весь путь развития импрессионизма связан с именем Клода Моне (1840 – 1926), именно его картина "Впечатление. Восход солнца", выставленная в Париже в 1874 г. дала название целому направлению в живописи.

Подобно Эдуарду Мане, Клод Моне с большим интересом наблюдает жизнь Парижа ("Бульвар Капуцинок в Париже", 1873, Москва, ГМИИ).

Большое значение в творчестве Моне имеет пейзаж. Его ранние работы посвящены решению задач оптического смешения красок, органического включения человеческих фигур в пейзаж ("Завтрак на траве", 1866 г., Москва, ГМИИ). Поиск средств в передаче неуловимых, мимолетных состояний природы приводит к созданию цикла картин, написанных по одному и тому же мотиву природы в разное время суток (серии "Стога сена", 1866, одна из работ в Москве, ГМИИ; "Руанский собор", 1893 – 1895, две работы находятся в Москве, ГМИИ).

Вечно изменчивый мир природы привлекал и других импрессионистов, работавших с натуры на открытом воздухе, среди них Камиль Писсаро (1830 – 1903), его работы передают живое и непосредственное изображение природы ("Вспаханные земли", Москва, ГМИИ; "Осеннее утро в Эраньи", 1897, Москва, ГМИИ).

Альфред Сислей (1839 – 1899), пейзажи которого гармоничны и лирически нежны ("Опушка леса в Фонтенбло", 1885, Москва, ГМИИ).

Одним из самых ярких представителей импрессионизма стал Огюст Ренуар (1841 – 1919), искусство которого отличается живым интересом к человеку.

Выдающегося художника – импрессиониста особенно привлекают образы женщин и детей.

Ренуар восхищает нас жизнерадостностью своих полотен. Художник всегда следовал принципу, который однажды выразил так: "Я считаю, что картина должна быть приятной, радостной и красивой… в жизни и так достаточно противных вещей, чтобы мы увеличивали их число".

В картинах Ренуара все приобретает характер мимолетной подвижности ("Купание на сене" ("Лягушатник"), 1869, Москва, ГМИИ), "Завтрак гребцов"(1881), "Зонтики"(1879), цвет растворяется в световоздушной среде, сотканной из множества оттенков, и создается ощущение трепетности живописи.

Женские образы, созданные художником, нежны и грациозны. Ренуар поэтизирует своих моделей. Таковы "Девушка с веером"(1881, С-Петербург, Эрмитаж), "Портрет актрисы Жанны Самари" (1877, С-Петербург, Эрмитаж), "Обнаженная" (1876, Москва, ГМИИ), женские образы на картине "В саду. Под деревьями. Мулен де ле Галетт" (1875, Москва, ГМИИ). Живопись Ренуар оказала большое влияние на последующее поколение художников и по сей день восхищает своей чистотой и нежностью, великолепное собрание картин художника хранится в С-Петербурге, в Эрмитаже и в Москве, в Государственном Музее Изобразительных Искусств.

Скульптура. С живописью импрессионистов соприкасается творчество выдающегося скульптора XIX века Огюста Родена (1840 – 1917), проложившего новые пути в искусстве ваяния.

Романтическая направленность творчества великого скульптора проявилась уже в ранних работах ("Человек со сломанным носом", 1864, Париж, Музе Родена).

Одна из самых интересных работ Родена - "Мыслитель" (1879 – 1900, Париж, Музей Родена) олицетворяет концентрированную силу мысли, глубину раздумий.

Роден много и успешно занимался жанром портрета "Портрет Гюго"(1897), "Портрет Бальзака"(1897), его произведения темпераментны, психологичны, передают всю трепетность жизни. "Вечная весна"(1897 С-Петербург, Эрмитаж) является гимном любви и жизни.

Лучшие свойства таланта знаменитого ваятеля проявились в памятнике "Граждане Кале" (1884 – 1886, Кале, Установлен в 1895 г.); он посвящен героям французской истории XIV в. – защитникам города Кале от англичан.

В лучших произведениях 1870 – 90 гг. Роден развивает великие традиции гуманизма, внося значительный вклад в развитие мировой пластики.

Искусство постимпрессионизма. После импрессионистов во французском искусстве воз­никают несколько течений, получивших название постимпрессионизма. Его ведущими фигурами стали Се­занн, Ван Гог, Гоген.

Поль Гоген (1848-1903) стремясь приблизиться к художественным традициям туземного искусства, художник намеренно пришел к примитивизации формы. Он пользуется предельно упрощенным рисунком, формы изображаемых им предметов нарочито плоскостные, краски чистые и яркие. Он вносит в свои экзотические, овеянные романтикой легендой произведения элементы символики "Таитянская пастораль", "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?"(1897), "Чудесный источник"(1894). Создав стилизацию таитянского искусства, Гоген вызвал интерес к искусству неевропейских народов. Поль Гоген увидел гармонию миря, единство человека и природы, когда после шумного Парижа попал на острова Океании, на Таи­ти. Среди пышной природы, изобилия цветов и плодов, окруженный искренними, не­испорченными цивилизацией людьми, он работал много и вдохновенно. Картины Го­гена из таитянского цикла напоминают кра­сочные панно, где настроение создается яр­кой декоративностью цвета Рисунок Гоге­на носит обобщенный, стилизованный ха­рактер.

Ван Гог (1853-1890), художник, воплотивший в своих работах душевную смятенность человека "Едоки картофеля"(1885), "Дорога в Овере после дождя"(1890), "Красные виноградники в Арле"(1888), "Автопортрет с перевязанным ухом"(1889), "Спальня"(1888).Художник достигает внутренней экспрессии при помощи особых приемов наложения краски резкими, иногда зигзагообразными, а чаще параллельными мазками, что усиливало впечатление напряженности. Динамизм мазков, предельная насыщенность красочных тонов помогают художнику передать всю сложность его мировосприятия.

Он оказал огромное влияние на искусство XX в. В ранних картинах Ван Гог выразил свои впечатления от тяжелого крестьянского труда, от безрадостной жизни шахтеров, которую он наблюдал во время странствий и миссионерской работы в Бельгии. Затем Ван Гог отправился а Париж, к брату Tеo, который занимался торговлей предме­тами искусства. Здесь он познакомился с художниками-импрессионистами. Вначале он находился под их влиянием, но затем нашел собственную манеру письма. Его мазки так динамичны, что кажется, на картинах Ван Гога нет ни одного равнодушного движения кисти, все сделано на пределе чувств - стра­стно, выразительно, смело.

Напряженная творческая жизнь, тяжелая душевная болезнь привели Ван Гога и боль­ницу для душевнобольных в Арле, а затем и к самоубийству. Но в искусстве навсегда ос­тались его «Подсолнухи», омытые дождем поля и «Красные виноградники в Арле».

Поль Сезанн (1839 – 1906), великолепный колорист, его работы "Берега Марны"(1888), "Натюрморт с корзиной фруктов"(1890), "Курильщик"(1900), "Игроки в карты"(1892) раскрывают мир полный задумчивости, цельности и геометрической структуры природных форм.

Поль Сезанн стремился показать природу в простых и ясных формах. Он настойчиво ищет совершенство в построении компози­ции картины, стремится к соразмерности объемов. У Сезанна есть несколько сюже­тов, к которым он возвращается на протя­жении всей творческой жизни; натюрмор­ты, игроки и карты, курильщики. Люди и предметы на полотнах Сезанна об­ретают удивительную внутреннюю гармо­нию. Яблоки и груши, горы и деревья на его картинах словно пребывают и вечности. Се­занн несколько раз писал гору Святой Вик­тории. Самое последнее изображение пост­роено с помощью отдельных мазков и вы­глядит почти абстрактным. Но именно они придают энергию всему полотну.

Сезанн, Ван Гог и Гоген, творчество которых хотя и интерпретировалось односторонне формалистическим искусством ХХ века, имели огромное влияние на все последующее развитие художественной культуры новейшего времени.

Характеристика основных направлений западноевропейского искусства XX века. В начале века возникли несколько течений, которые принято называть модернистскими, авангардистскими. Ма­стера этих направлений считали, что новый век с его ре­волюционными идеями, трагическими ситуациями тре­бует нового живописного языка, что реализм остался в прошлом, что искусство мало что может изменить в жиз­ни и должно больше заниматься формой, пластикой. Они решили порвать с классическим наследием и создавать нечто совершенно новое.

Кубизм. Новый стиль — кубизм — был создан Пабло Пикассо и Жоржем Браком. Кубисты по­рывали со всеми духовными тонкостями и занимались в основном поисками формы. На картинах кубистов изображения людей и предметов складываются из простейших геометрических кубов, конусов и цилинд­ров. Предмет изображается не целиком, а частями и не с одной, а сразу с нескольких сторон.

Футуризм. Футуризм провозгласили итальянские худож­ники и литераторы, которые считали глав­ной ценностью века динамику, победное шествие науки и техники.

Абстракционизм. Беспредметное, или абстрактное искусство, возникло в 10-х г.г. XX в. и в середине века стало играть особую роль. Абстракционисты считали, что живопись — это стихия кра­сок. Не нужно никаких предметных изоб­ражений, краски сами по себе способны пе­редать самые глубокие чувства. Живопись соединяет в себе силу и поэзии, и музыки. Художник должен только правильно подо­брать сочетание красок на картине.

Сюрреализм. Художники этого течении убеждены, что и окружающем мире пет высшей логики, жизнь абсурдна и подобна ужасному или фантастическому сну. Причудливдя фанта­зия, самое неожиданное сочетание пред­метов, грезы, – все это можно увидеть на картинах знаменитою сюрреалиста Сальвадора Дали. Он умел создавать причудливый мир своей живопи­си, используя непривычные, даже абсурд­ные сочетания разных предметов.

«Герника» Пикассо. Конечно, в искусстве XX в. были такие мастера, как, например, Пабло Пикассо или Анри Матисс, которые, будучи осно­вателями различных течений, потом резко порывали с ними. Они стремились отразить основные приметы своего времени, не огля­дываясь на условности стиля. Например, Пи­кассо не раз выступал как модернист-нова­тор и не раз обращался к реалистическому методу. Но он всегда глубоко чувствовал не­совершенство мира и стремился выразить свои чувства страстно, непосредственно, без компромиссов. Эти качества и помогли ему создать одну из самых замечательных кар­тин XX в. — «Гернику». Герника — малень­кий испанский городок, уничтоженный во время фашистских бомбардировок.

В картине Пикассо нет примет конкрет­ного города, чего-то наглядного. Картина состоит их фрагментов человеческих фигур, домов, которые будто рушатся па глазах зрителя. С полотна словно несется крик ужаса и боли. Пикассо будто предвидел Вторую мировую войну и своим искусст­вом говорил, что человечество нуждается в защите. Картина «Герника» стала симво­лом-предостережением воины, которая не раз вторгалась в мирную жизнь в XX в.