1.2. Эпоха возрождения в Италии хv в.

Художественная культура эпохи Возрождения (ренессанса) представляет особый этап в истории мировой культуры [1.3]. По значению, которое имело Возрождение для развития искусства, в том числе и декоративно-прикладного, рассматриваемая эпоха сопоставима в прошлом только с расцветом античной цивилизации. Именно в этот период были разработаны основные принципы художественного реализма в сочетании с высоким мастерством исполнения, обусловленные возникновением мировозрения, в котором человек предстал как свободная личность.

Это произошло в ряде стран Западной Европы, хотя термин «Возрождение» появился только в ХV в., а в ХIХ в. Термин был распространен на всю культуру не только Италии (ХIV – ХV вв.), но и других стран Европы, прошедших подобный этап историко-культурного развития: Германия, Франция, Англия, Нидерланды.

Особая роль Италии в эпохе Возрождения выразилась не только в более раннем периоде его возникновения в этой стране (ХIV в.), связанном с более высоким развитием экономики и культуры в ее средневековых городах-государствах, но и связью с античной культурой прошлого. Земля Италии была насыщена прекрасными памятниками прошлого: дворцами, скульптурой из камня и металла, ювелирными изделиями и др.

Если в торговые купеческие Нидерланды искусство Возрождения проникло уже в ХV в., то в искусство Франции только в конце ХV начале ХVI в., а в Англии в конце ХVI и начале ХVII вв. В культуре русского государства влияние эпохи Возрождения начало сказываться посредством изучения опыта и шедевров западноевропейского реалистического искусства только с ХVII в.

Особенность периода Возрождения в развитии прикладного искусства состояла не только в исполнении новых или реалистических форм отображения действительности, но и перехода от художественного ремесла к высокому искусству. Мастер –живописец, скульптор или ювелир ставяться на особое место. Это не только творческая личность с высоким социальным статусом, но и богатый человек, чьи произведения покупают за очень высокую цену князья, феодалы, купцы и богатые горожане.

Изделия из камня

В декоративной резьбе по камню эпохи Возрождения проявлялись различные тенденции: от изобилия украшений, переходящих в излишества, например, в церкви Чертоза в Павии (Италия), до лаконичных украшений благородной простоты с гармоничной и тонкой орнаментацией.

Новыми элементами украшений в архитектуре стали герб в венке из цветов, поддерживаемый пухлыми младенцами. В некоторых случаях используются элементы, навеянные античностью, например, геммы и кариатиды. В отличие от готического «пламенеющего стиля» рельеф украшений – низкий, без строгой симметрии.

Во Франции, кроме античного декора, в камне использовались изображения крылатых сфинксов, человеческих фигур среди гирлянд, грациозные барельефы. Для украшений применялись красивые и дорогие породы камней. Драгоценные и полудрагоценные камни (аметист, лазурит, агат, янтарь) тщательно обрабатывались и вправлялись в оправу из различных металлов и сплавов. Например, в мастерских при дворе Медичи была изготовлена большая ребристая ваза из красной яшмы в серебряной оправе. Ваза принадлежала Лоренцо Великолепному, о чем свидетельствует выгравированные на ней буквы.

Там же была выполнена овальная ваза из лазурита, выточенная мастером Буоналенти и украшенная золотой оправой работы другого мастера - Биливерти.

Однако наиболее многочисленными изделиями из камня, в частности, скульптур и барельефов, были произведения из мрамора.

Одним из подлинных реформаторов скульптуры явился Донателло (1386-1466 гг.). По существу именно в его искусстве нашли свою первую и основопологающую формулировки основные жанры скульптуры: монументально свободно стоящая статуя, сложная алтарная композиция, конный монумент, рельефная пластика в различных ее видах. Алтари, кафедры, бронзовые двери, статуи – нет, пожалуй, ни одной области скульптуры, в которую не внес своего вклада этот мастер. Основными работами Донателло являются : статуя св. Марка на фасаде Ор-Сан-Микеле, статуя св. Георгия (Национальный музей, Флоренция), статуя св. Иова, гробница папы Иоанна ХХIII (Флоренция), рельеф Благовещенье, алтарь для церкви Сан-Антонио в Падуе. Другим выдающимся скульптором эпохи Возрождения, который как и Донателло, работал как с мрамором, так и с бронзой, является Микеланджело (1475-1564 гг.). Этот мастер был одарен как скульптор, живописец и архитектор. Он прошел обучение в художественной школе при дворе правителя Флоренции Лоренцо Медичи, где его учителем был Бертольдо Джованни. Сам Джованни обучался искусству скульптуры у Донателло.Среди скульптурных работ из камня до нас дошли рельефы «Мадонна у лестницы», «Битва кентавров», «Оплакивание Христа», «Пророк Исайя» (Пьета), статуи к гробнице папы Юлия II, «Мадонна с младенцем» и статуи в усыпальнице-саркофаге Медичи. Статуи у саркофага изображают «Утро», «Вечер», «День» и «Ночь» как символы быстротекущего времени. Эта композиция произвела большое впечатление на современников, а статуе «Ночь» посвятил восторженные стихи флорентийский поэт Джованни Строцци. Микеланджело ответил Строцци от имени «Ночи» следующим прекрасным четверостишьем, в котором выразил свои чувства после разгрома республиканской Флоренции войсками императора и папы в 1527 г.:

Отрадно спать, отрадно камнем быть

О, в этот век, преступный и постылый

Не жить, не чувствовать – удел завидный

Прошу, молчи, не смей меня будить.

На рис.1.2 представлен фрагмент головы статуи Давида (1501-1504 гг.), которая хранится во Флоренции в Академии изящных искуств.

Рис.1.2. Давид (фрагмент). Мрамор. Скульптор Микеланджело.

Керамика

Самым распространенным видом прикладного искусства в Италии ХIV-XVI вв. была керамика, а точнее майолика. Центром производства керамической или майоликовой посуды были города Умбрия, Тоскана, Фаэнца, Сиена и др.

В отличие от античной керамики итальянская майолика, название которой происходит от о. Майорка (Мальорка) – являвшегося в средние века центром изготовления и поставки в Европу испано-мавританской керамики, отличается большей простотой и некоторой тяжеловесностью форм. Основное ее украшение – декор как в форме рисунков на античные и бытовые темы, так и дарственных надписей. Часто на сосудах из майолики помещали имена хозяев, геральдические знаки или дарственные надписи. Иногда использовались соединения различных орнаментальных мотивов.

Во Флоренции в ХV в. особое значение получили большие майоликовые рельефы, где переплетались приемы барельефа, круглой скульптуры и живописи.

Кроме посуды из керамики выполнялись изразцы для украшения стен и потолков. Сохранились интересные образцы для украшения потолков, выполненные в Испании в ХV в.

Во Франции изделий из керамики периода Возрождения сохранилось очень мало и относятся они к середине ХV в. В основном это работы Бернара Палисси и Сен-Потера, причем обычно это чаши и солонки с оттенком цвета слоновой кости. Материал этих керамических изделий – фаянс, причем Бернар Палисси начал работать не только со светлой, но и с цветной керамикой. Следует отметить, что родиной первых изделий из фаянса является город Фаэнце в Италии, отсюда и название «фаянс», где первые сервизы из фаянса появились уже в 1476 г. Например, это предметы сервиза, выполненного по заказу венгерского короля Матиаша І Корвина.

Цвета для украшения керамических изделий менялись. В ХIV в. часто использовались синие и голубые цвета, а к 1550 г. в г.Урбино, который превзошел к этому времени мастеров г.Фаэнци, стали применять оранжево-желтые цвета.

Стекло

Слава венецианского стекла особенно возросла в эпоху Возрождения, а остров Мурано становится крупным центром стеклоделия не только в Италии, но и в Европе.

Кроме гладких стеклянных кубков, поверхность которых позднее украшалась эмалями, форма сосудов стала самой разнообразной, изготавливались также блюда, бокалы, кувшины и др. Поверхность кубков с эмалями декорируется гирляндами. В эпоху готики очень ценились за легкость и прозрачность кубки под «хрусталь», которые на свету сверкали яркими радужными красками.

Во Франции и Германии изделия из стекла были заимствованы и стали выполняться в «венецианской» манере в ХVI в., например, в мастерских в долине Луары и Лионе.

В стеклянных витражах все большее место отводится человеческим фигурам, а растительный орнамент вытесняется на второй план. Делаются попытки исполнять на стекле картины Рафаэля и гравюры Дюрера. Продолжают выполняться витражи с геральдическими символами и гербами. На витражах часто ставили имя мастера взамен былой анонимности периода готики.

Ювелирное и художественное литье

Шедевром ювелирной пластики этого рода являются литая золотая солонка Франциска І работы флорентийца Бенвенутто Челини (Вена, Музей истории искусства). Солонка увенчана полулежащими фигурами Нептуна с трезубом, окруженного морскими коньками, и аллегорической фигуры Земли, выполненной в виде обнаженной женской фигуры. Основание солонки украшено аллегорическими фигурами Зари, Дня, Сумерек и Ночи, навеянных образами Микеланджело. Солонка была отлита по восковой модели. Увидев эту модель, Франциск І воскликнул: «Это божественнее, чем я мог вообразить. Этот художник просто чудо!» Король оценил уже готовое произведение мастера очень высоко и заплатил ему тысячу золотых экю.

Ювелиры Италии, кроме золотых и серебряных предметов культового назначения, исполняют множество разнообразных предметов для знати и богатых горожан – кувшины, чаши, миски и тарелки. Эти предметы иногда покрывают эмалью. Как уже указывалось, изделия из камня часто украшаются оправами из золота.

В Испании для изготовления ювелирных изделий из золота использовались богатства, награбленные при завоевании доколумбовой Америки. При этом для изготовления ювелирных украшений часто приглашались мастера из Италии и Германии. К произведениям искусства, созданным в Испании итальянским мастером, относится посох из позолоченного серебра и горного хрусталя из Авилы (Париж, Лувр).

Влияние античности и готического стиля сказывалось и в произведениях германских ювелиров. Например, ими было выполнено изделие из золота в виде сирены, несущей модель корабля с мачтами и снастями. Там же изготавливались из золота предметы церковного обихода: кропильницы, кадило, оклады церковных икон, а также кубки и бокалы для вина из позолоченной меди.

В Лиможе (Франция) выемчатая и перегородчатая техника эмалей заменяется расписной эмалью.

Однако наибольшего использования в качестве материала для художественных изделий различного назначения в эпоху Возрождения нашла бронза. Особенно это проявилось в Италии, где центрами работы по металлу была Флоренция, Пиза, Сиена, Болонья, а также Милан и Венеция. Например, скульптор Донателло, начав с изготовления бронзовых литых накладок для украшения ворот церквей, постепенно перешел к исполнению таких известных скульптурных произведений из бронзы как статуя Давида (1438 г), Юдифи и Олоферна (1450 г.).Донателло представил Давида в облике еще не вполне сложившегося юноши. Его голова покрыта войлочной шляпой, увитой листьями, правая рука опирается на меч, а ногой он касается головы Голиафа. Образ Давида вдохновил и другого скульптора эпохи Возрождения Андреа Вероккьо, который в 1476 г. создал свой вариант бронзового Давида. В отличие от простого и поэтичного облика Давида работы Донателло; бронзовая статуя Верроккьо отмечена стремлением к своеобразной утонченности и внешней эффективности образа. В нем выразился новый, характерный для конца XV в. идеал красоты.

Одним из центров бронзового литья была Падуя. Литейщик Андреа Риччо создал здесь в 1507-1515 гг. четырехметровый канделябр для церкви Сант-Антонио, на котором изображены как христианские, так и языческие божества.

Из бронзы изготавливались портретные медали. В этом жанре работал Маттео де Пасти, Леоне Леони, Джованни Пасторно.

В соборе Толедо в Испании к периоду Возрождения относятся работы литейщика Франциско де Вильяльпандо. Им выполнены для церковных кафедр многофигурные композиции, барельефы и скульптуры.

В Германии снискала известность семья бронзовщиков Фатер. Самое знаменитое их творение относится к 1507 г. Это рака св. Зеебальда в Нюрнберге. Мастер возводит над гробницей целое архитектурное сооружение из литой художественной бронзы, включающее трехэтажную кровлю и увенчанные статуями консоли.

В области художественной обработки железа можно назвать следующие фасонные изделия: ограды, замки, засовы и др. Особенно это широко практикуется в Италии и Испании. Оружейниками Джакото и Филиппе Негроли в 1533 г. был изготовлен для Карла V железный щит с богатым художественным декором: в центре щита – львиная голова, а по бордюру – фриз из мелких грифов и других мотивов в очень тонком рельефе. Многие церковные ограды так же, как и решетки, выполнялись из кованого железа. Эта работа была очень трудоемкой. Например, мастер Санчо Муньес с подмастерьями пять лет трудились над исполнением кованой железной ограды собора в Севилье. Ограда была украшена коринфскими колонами и религиозными композициями. В декоре главной капеллы Толедского собора из железа выполнена фигура Христа в размер человека. Из кованого железа исполнялись украшения балюстрад балконов, античные гротески и др.

Во Франции в качестве металла для художественных изделий использовалось олово. Из него методом литья делалась парадная посуда, которая затем украшалась чеканкой и гравировкой. Эта посуда выставлялась напоказ для гостей на столе или подставке, а для бытовых нужд использовалась другая посуда. Наиболее известным мастером в этой области был Франсуа Брно из Лотарингии. Им, в частности, выполнено блюдо с аллегорической композицией «Умеренность» (Париж, Лувр).

Влияние эпохи Возрождения в странах Западной Европы не успело оказать влияние на прикладное искусство Киевской Руси, так как в период 1237-1270 г. древняя Русь была захвачена монголо-таткарскими племенами. Установленная ими жестокая система правления русских земель получила название монголо-татарского иго, длившееся с 1243 по 1480 г.

Монголо-татары в период в 13-14 вв. имели наиболее многочисленную и мобильную конную армию, однако, по своему культурному и образовательному уровню были близки к варварам. Поэтому они не только разграбили или сожгли все художественные ценности и древние строения в культурных и ремесленных центрах Киевской Руси (Киев, Чернигов, Львов), но убили или взяли в плен большинство ремесленников и мастеров.

Поэтому возрождение художественного и прикладного творчества в России и Украине началось в ХVII – XVIII в., посредством расширения культурных и экономических связей с Западом в период царствования Петра І и Екатерины ІІ [1.3].

2. Возникновение промышленного ( индустриального ) дизайна

Ремесленник или мастер выполнял те или иные предметы вручную или

с использованием примитивных приспособлений. Приэтом он обычно изготовлял предмет от начала и до конца. Начавшееся в XVIII в. разделение труда достигло нового этапа в середине ХIХ века, когда стало возможно серийное или массовое производство различных изделий. В этих условиях возникла необходимость в точных чертежах изделия, его макетах, моделях и иной технической документации. Эту новую задаче стала решать проектная деятельность, которая была встроена в систему создания изделия. В начале развития проектной деятельности источником формирования задач и содержания проектирования чаще всего служил прототип, а не анализ сферы потребления изделий и функциональных процессов [1.1]. Такое проектирование называют прототипным. Для проектировщика прототип является формой выражения целей, норм, средств и операций проектирования, а также процессов и процедур преобразования объекта (исходного материала) в продукт. Прототипное проектирование – это промежуточная фаза в переходе от ремесленного воспроизводства предметного мира к высокоорганизованному промышленному производству. Научно-технический прогресс ХIХ века привел к резкому расширению номенклатуры предметного окружения. Новые технические приборы для быта, оборудования и машины на фабриках и заводах, транспортных устройств, создаваемые на основе технических решений творцов в лице ученых и изобретателей, быстро входили в повседневную жизнь: радио, автомобиль, телефон, фотоаппарат и др. Техническая цивилизация породила идеи вытеснения гумманистических ценностей и духовных традиций прагматизмом, идеологией практической целесообразности [1]. В художественной культуре это явление отразилось в появлении авангардных течений и абстрактного искусства. Примером этого искусства является направление созданное Казимиром Малевичем (1878-1935) известное как «Суперматизм», обозначающий «превосходство» или «доминирование». Это геометрические одноцветные фигуры, располагающиеся в пространстве вне конкретной ситуации: например его картина «Черный квадрат» - это черная геометрическая фигура в белой бездне образует динамично-статичную гармоничную композицию. Однако в ХХ веке наступило понимание, что предметы массового производства должны и могут быть не только утилитарными, но и обязательно удобными в обращении и красивыми. Так в англоязычных, а затем и других промышленно развитых странах возник «Industrial design» - индустриальный дизайн. Этот вид дизайна охватывает художественно-промышленное проектирование изделий машиностроения, технологического оборудования, транспортных устройств и всех объектов технического назначения как в народном хозяйстве в целом, так и предназначенных для бытового применения (товары народного потребления). При этом если при выборе оборудования покупателем прежде всего он обращает внимание на технические характеристики изделия, то для товаров народного потребления, например легковые автомобили или предметы домашнего обихода первоначально на выбор товара влияет его внешняя привлекательность.

Специалистами Научно-исследовательского института технической эстетики (ВНИТЭ, г. Москва) предложена следующая номенклатура эстетических показателей качества и единичные (более конкретные) показатели, дифференцирующие содержание первых:

1) художественная выразительность: образная выразительность; оригинальность; стилевая определенность; соблюдение требований моды; соответствие окружающей среде;

2) рациональная организация формы: функциональная обусловленность;

3) композиционная целостность: соответствие эстетически значимой формы эргономическим требованиям; гармоничность объемно-прост-ранственной структуры; тектоничность; пластичность; упорядочность графических и изобразительных элементов; цветофактурное решение (цвет, фактура, орнамент).

В качестве примера на рис.1.3 представлена эволюция дизайна легкового автомобиля в период от его создания в 1886 до 2004 г.[1].

Рис.1.3 Эволюция дизайна легковых автомобилей в период с 1886 – 2004 гг.

Современный промышленный дизайн возник из симбиоза ремесленного художественн-прикладного творчества, машинного промышленного производства, архитектурного и инженерного проектирования. Конкретнее, из операций, предваряющих собственно массовое изготовление промышленной продуцкции, т.е. проектирования. Дизайнерский подход к решению проектных задач характеризуется комплексным учетом широкой гаммы формообразующих факторов, под которыми понимаются жизненные условия и обстоятельства, оказывающие влияние на формообразование, понимаемое как синтез ряда объективных социально-экономических, функциональных, деятельностных, инженерно-технологических и других сложно взаимодействующих аспектов образа жизни. Методически факторы можно сгруппировать следующим образом.

Во-первых, это факторы, обусловленные направленностью проектирования на удовлетворение утилитарных запросов потребителей-пользовате-лей продукции. Затем следуют факторы жесткой заданости производственно-экономических условий. Третья группа диктуется необходимостью обеспечения коммерческого успеха при реализации продуктов производства.

Детализация первой группы факторов (наряду с высокими технико-функциональными параметрами) включает в себя понятия удобства, комфорта и безопасности эксплуатации, гармрничности формы, соответствия окружающей среде, вписываемости в нее.

Детализация второй группы касается проблем конструктивного решения, технологии изготовления, применяемых материалов, комплектующих элементов с учетом экономической целесообразности.

Третья группа факторов связана с маркетингом, включает вопросы анализа потребительского рынка, учета социальных аспектов, тенденций моды, защиты корпоративных интересов, комплексного представления продукта, его рекламы, обратной связи от потребителя к производителю (проектировщику) и т.д.

С момента зарождения и особенно с начала американского периода (1930-е годы) дизайну присущ коммерческий характер. Наряду с новыми технологиями, оригинальными инже

нерными решениями, организационными нововведениями дизайн стал неотъемлемым фактором повышения колнкурентоспособности.

Позиция ведущих американских дизайнеров и прежде всего в создании предметного окружения, создания товаров и услуг звучит следующим образом: «Самая важная цель дизайна – заставить звонить кассу, выбивающую чеки» [1.4].

2. Прочие виды дизайна

Графический дизайн также яваляется продолжателем многовековых

традиций и одним из наиболее распространенных видов дизайнерского творчества. Получив вместе с рекламой второе дыхание в начале ХХ века, прикладное графическое искусство сегодня охватывает практически все сферы жизни общества. К традиционным видам книжного и плакатного оформления, решению упаковки, этикеток, разработкам фирменных знаков и фирменных стилей, а также шрифтов, сначала добивалась коммуникативная ветвь (в интерьерах зданий, на на пространствах населенных пунктов и дорогах). Позднее – заставки, рекламные ролики на телевидении, а в ХХI веке – компьютерный дизайн.

Компьютерный дизайн переходит из прикладной сферы, обслуживающей ранее сложившиеся виды дизайнерского проектирования, в самостоятельный вид творчества, включающий в себя направление, связанное с так называемыми Website в Интернете. Построение графических изображений, всей системы информации в этой сети определяется своими, достаточно жесткими правилами.

Дизайн архитектурной среды охватывает интерьеры и внешнюю архитектурную среду. Решение интерьеров и оборудования общественных и производственных зданий, жилых помещений имеет свои особенности, определяющие круг дизайнерских задач и проектных методов. Активное использование методов дизайна при формировании среды, повышенное внимание к потребительскому уровню оборудования площадей и улиц относятся к середине 1960 годов, когда стали создаваться благоустроенные пространства городов. Сегодня появилось понятие ландшафтного дизайна, потеснившее традиционные садово-парковое искусство и ландшафтную архитектуру.

Дизайн выставочных экспозиций, праздничного оформления среды жизнедеятельности, обладая специфическими особенностями и уже сложившимися традициями, занимает место на стыке графического дизайна и дизайна архитектурной среды.

Дизайн одежды и аксессуаров – понятие, которое еще только становится общеупотребляемым. Индустрия моды живет во многом по своим законам. Художники-модельеры создают уникальные коллекции «от кутюр» (haute conture) и более близкие к массовому, серийному выпуску «пред-а-порте» (pret-a-porter). Сегодня при создании не только последних, но и первых, все больше используются современные материалы и технологии, учитываются интересы широких слоев населения, а самое главное - специфические методы дизайн-проектирования.

Арт-дизайн ( англ. аrt - искусство). Его особенность состоит в том, что усилия дизайнера направлены, в первую очередь (и часто единственно), на организацию художественных впечатлений, получаемых от образа воспринимаемого объекта. Изделия лишаются утилитарного значения (или сохраняют его в малой степени) и становятся почти исключительно декоративными, выставочными, т.е. фактически проектируются эмоции. В связи с переходом к рынку «эмоциональных покупок» опыт создания произведений арт-дизайна все шире используются в проектировании продукции индустриального дизайна. В этом случае это должен быть синтез художественного и архитектурного формообразования на базе философии дизайна: эргономичность изделия, ориентация на современные материалы и технологии, учет направлений моды и др.

Самобытным и модным виждом дизайна стал арт-кар – расписывание наружных поверхностей автомобилей. В 1975 году по просьбе французского автогонщика Эрве Пулена его друг – художник-авангардист Александр Калдер – подготовилмашину к ралли. Знаменитый Энди Уорхол принципиально изменил процесс работы, начав творить сразу на автомобиле (1979 г). Ранее художники делали эскизы и расписывали макеты в масштабе 1:5, а уже по ним мастера работали с собственно объектом творчества – автомобилем. Арт-кары сделались непременными экспонатами выставок поп-арта (в частности, на вытсавке Э. Уорхола в Эрмитаже, Санкт-Петербург, Россия, 2000).

Выводы

1. Возникновение дизайна обусловлено развттием художественного творчества человека и переходом общества к гумманистическому мировозрению, наиболее ярко проявившееся в Италии в эпоху Возрождения, относящуюся к ХV-ХVI вв.

2. Промышленный дизайн возник из симбиоза ремесленно художественно-прикладного творчества, машинного промышленного производства, архитектурного и инженерного проектирования и стал результатом научно-технического прогресса ХIХ – ХХ вв.

3. На период ХХI века под дизайном следует понимать как собственно творческий художественный процесс или художественно-технический процесс в сфере проектной деятельности (промышленный дизайн, графический дизайн, компьютерный дизайн) а также результаты этого процесса в виде проектов, чертежей, материальных изделий различного назначения, изображений промышленных образцов и товарных знаков, фирменного стиля, этикеток на упаковке, а также объектов предметно-пространственной среды.