Театр эстрада цирк

А

АВАНСЦЕ′НА (франц. avant-scène, от avant – перед и scène – сцена) – передняя часть сцены, занимает пространство от красной линии сцены до рампы.

А′ВГУСТ (нем. August) – клоунское амплуа в западноевропейском цирке. В русском цирке носит название рыжий. Первые исполнители этого амплуа развлекали публику в паузах между номерами, они создавали образ бестолкового и суетливого рабочего манежа (униформиста), которого прозвали «глупый Август» (Dummer August). Неловкие движения Августа ещё больше подчёркивали быстроту и слаженность действий настоящих униформистов, подтянутых и расторопных. Постепенно образ Августа приобрёл самостоятельное значение, не связанное с работой униформистов. В конце 19 в. клоуны-Августы разыгрывали в паре с белым клоуном специальные маленькие пантомимы и сценки (антре). В этих сценках Август представал грубоватым, но детски-наивным хвастуном и неудачником, не лишённым хитрости. Однако эти черты существенно менялись в трактовке различных артистов. Костюм и грим Августа приобрели условный характер: неестественно широкие бесформенные брюки и длинный пиджак; огромные ботинки, буфонный грим. Комизм достигался также особыми движениями, восклицаниями, интонацией, карикатурным смехом и плачем. Игра Августа строилась на контрастах. Рядом с партнёром – белым клоуном, одетым в усыпанный блёстками стилизованный костюм, с белым от пудры лицом, элегантным и высокомерным, увалень и весёлый растяпа Август казался особенно нелепым и смешным. (М.И.Зильбербрандт)

АГО′Н (греч. «веду») – в древнегреческой комедии словесное состязание между двумя главными действующими лицами, спор, в котором обсуждаются основные проблемы произведения.

АКРОБА′Т (греч. «хожу на цыпочках», «лезу вверх») – цирковой и эстрадный актёр, который исполняет акробатические номера. Различаются акробаты: прыгуны, клишники, крафт-акробаты (силовые), акробаты на проволоке, акробаты в колонне (групповые исполнители различных акробатических приёмов с плеч друг друга), акробаты с подкидной доской.

АКРОБА′ТИКА – один из видов циркового и эстрадного искусства, демонстрирующий мастерское владение телом и высокое развитие мускулатуры. Акробатика делится на 5 видов: силовую, прыжковую на земле, плечевую, икарийские игры и акробатику на лошадях. Акробатике родственны: балансирование (баланс), хождение по канату, балансирование на шаре, гимнастика и др. Акробатическое искусство было известно в древности (Египте, Греции, Риме, Византии). Первые акробатические упражнения состояли из эквилибристики на натянутом канате, неустойчивых пирамидах, из танцев между хрупких ваз, прыжков над мечом и т.д. В средние века это искусство развивали скоморохи, которые были одновременно фокусниками, танцорами на канате. Начиная с 18 в. и в особенности в 19 в. акробатика получила широкое распространение в цирке. Тогда же появилась акробатика на лошадях.

АМПЛУА′ (франц. emploi – применение, роль) – ряд ролей, которые соответствуют сценическим данным актёра. Зачатки амплуа были уже в античном театре (трагические и комические актёры, типизированные персонажи – маски в мимах); в средневековом театре (комические персонажи дурака, беса, аллегорические фигуры Зависти, Разума и т.д.); итальянская комедия дель арте специализировала актёров на исполнение ролей одного постоянного сценического типа (Панталоне, Смеральдина, Арлекин) и способствовала формированию амплуа. Французский классицистический театр 17 в. создал устойчивые амплуа: короли, тираны, любовники и пр. До начала 20 в. в России были распространены следующие амплуа: мужские – любовник, герой, комик, простак, резонёр, фат; женские – комическая старуха, грандам, травести, инженю, героиня, субретка и др. В странах Востока исполнительские традиции породили строгую систему амплуа. В китайском традиционном театре сложилось 5 основных групп амплуа, каждая из которых дробилась на несколько разновидностей. К концу 17 в. в японском театре Кабуки определилось 8 основных амплуа. В индийском народном театре катакали, в котором каждый персонаж представлял собой веками канонизированный мифологический персонаж, выработалось около 12 видов аплуа. (А.Я.Шнеер)

АМФИТЕА′ТР (лат. amphitheatrum, от греч. «с обеих сторон» и «зрелище») – 1)древнеримское монументальное здание для публичных зрелищ (боёв гладиаторов, травли диких зверей, массовых театрализованных представлений): грандиозное сооружение с эллипсовидной ареной, усыпанной песком; арену окружала высокая стена (подий), на которой размещались ряды кресел для зрителей, вместо крыши был тент (веларий), под ареной размещались клетки с дикими зверями и др.; 2)в современном театре места в зрительном зале, расположенные поднимающимися уступами за партером.

АНТРЕ′ (франц. entrée – вход, вступление, выход на сцену) – 1)в средневековой Европе – торжественный выход в пиршественный зал костюмированных персонажей. Выход сопровождался песнями, игрой на музыкальных инструментах. Антре во Франции, Италии, Испании явились прообразами балета. В 17-18 вв. так называли самостоятельную часть балета. В балетах 19-20 вв. – общий выход танцовщика и танцовщицы перед исполнением номера; 2)комический клоунский номер, разговорная сценка или пантомима. В широком смысле – всякое появление клоуна на манеже.

АНФЕСТЕ′РИИ (греч. «праздник цветов») – в Древних Афинах один из четырёх праздников бога Диониса. Праздновались в феврале-марте, посвящены весеннему обновлению природы. Сыграли большую роль в становлении греческого театра.

АНШЛА′Г (нем. Anschlag – афиша, объявление) – специальное объявление, которое вывешивается у кассы театра и означает, что все билеты проданы; то же самое, что «полный сбор».

АПА′РТ (франц. á part – в сторону) – слова актёров, направленные в публику, в сторону от действующих лиц; считается, что другие персонажи пьесы, присутствующие на сцене, их не слышат.

АПА′Ч (нем. Patsch – пощёчина) – фальшивая звонкая пощёчина, которой обмениваются клоуны в цирке.

АПОФЕО′З (греч. «обожествление») – заключительная торжественная сцена спектакля, обычно монументального характера.

АРАБЕ′СК (франц. arabesque – арабский) – одна из основных поз классического танца; существует множество разновидностей арабеска.

АРЕ′НА (лат. arena – песок) – в Древнем Риме круглая (иногда – овальная), усыпанная песком площадь в центре амфитеатра; от зрителей отделялась стеной или рвом с водой; служила местом для гладиаторских боёв. В современном цирке – место представления, игровая площадка, на которой демонстрируются цирковые номера.

АРЛЕКИ′Н (итал. Arlecchino) – традиционный персонаж итальянской комедии дель арте. Создан актёром А.Ганасса во 2-й половине 16 в. Арлекин занимал в труппе положение второго Дзанни – простака, неотёсанного увальня, который запутывает своими выходками действие комедии. Арлекин носил костюм, покрытый многочисленными разноцветными заплатками (они указывали на его бедность и скупость). В 17 в. во Франции актёр Д.Бьянколелли изменил характер и костюм Арлекина. В его исполнении Арлекин превратился в первого Дзанни – хитрого, остроумного, злоязычного интригана, который активно участвовал в развитии действия. Заплаты на костюме приняли форму правильных треугольников красного, жёлтого и зелёного цвета, тесно прилегавших друг к другу. В 18 в. актёр Т.Визентини внёс в трактовку роли Арлекина патетические черты, заставив зрителей парижских ярмарочных театров одновременно смеяться и плакать. Дальнейшее развитие маски Арлекина происходило вне комедии дель арте, во французских арлекинадах 18-19 вв., в которых Арлекин превратился из слуги в изящного любовника, счастливого соперника Пьеро. (С.С.Мокульский)

АРЛЕКИНА′ДА (франц. arlequinade) – небольшая сценка, в которой главным действующим лицом является Арлекин и другие персонажи итальянской комедии дель арте. Арлекинада была популярным жанром французских ярмарочных театров 18 в. В маленьких, чаще всего одноактных, пьесах-арлекинадах преобладали элементы пантомимы, пения, танца. Традиционная сюжетная схема арлекинады: любовные перипетии, остро комические ситуации с пародийно-сатирическими намёками на злободневные темы. Жанр арлекинады зародился в 17 в. под влиянием обосновавшегося в Париже театра итальянских комедиантов, который познакомил французского зрителя с комическими персонажами комедии дель арте и, в частности, с Арлекином. Разновидности арлекинады получили распространение и в других европейских странах (бурлеск, клоунада). Широкое развитие арлекинада получила также в русских балаганах в 19 в. (А.Я.Шнеер)

АТТРАКЦИО′Н (франц. attraction – притяжение) – зрелищный номер, который вызывает особый интерес. Впервые понятие было введено в цирке для номеров, основанных на механических и технических трюках.

Б

БАЛАГА′Н (от перс. «верхняя комната», «балкон») – временное здание для театральных, цирковых или эстрадных представлений. В России известны с 18 в. Балаганы строились из досок; крыши делались из брезента или мешковины (шапито). Большое место в балаганных представлениях занимал Дед-раёшник – зазывала. Балаганы существовали до 30-х гг. 20 в

БАТЛЕ′ЙКА (от Betleem – польск. название г. Вифлеема) – народный кукольный театр. Распространён с 16 в. в Белоруссии, куда пришёл с Украины и из Польши. Возникновение театра-батлейки связано с рождественскими праздниками (отсюда название: Вифлеем – место рождения Христа). Сценой служил двухъярусный ящик, который напоминал церковь или домик. Батлейщики водили деревянные куклы на стержнях по прорезям в полу ярусов. В представлениях участвовало до 40 персонажей. Существовало шесть разновидностей театра. Особое место занимали батлейки, устроенные по принципу теневого театра и батлейки с меняющимися прозрачными декорациями. Батлейки существовали до нач. 20 в.

«БЕ′ЛЫЙ КЛО′УН» – цирковое амплуа, партнёр Августа или Рыжего в традиционном клоунском антре. По характеру «белый клоун» – простак или резонёр. Внешний облик «белого клоуна» сохраняет постоянные черты. Неестественно белое под густым слоем краски лицо, поднятые в остром изломе чёрные линии бровей, малинового цвета губы и уши создают брезгливо-капризное выражение недоумения и настороженности. Изящный бархатный или шёлковый костюм, украшенный аппликациями и блёстками, состоит из куртки, коротких до колен галифе, шёлковых чулок и остроносых туфель. Напомаженные волосы покрыты надетым набекрень белым коническим колпачком, в руках – тонкая щёгольская тросточка с овальной подушечкой на конце. Игра тросточкой, мелкие семенящие шажки, жеманные интонации дополняют образ маменькиного сынка-переростка, изнеженного и манерного тихони. Наименование и характер «белого клоуна» оформились в выступлении с Августом. До этого существовали так называемые соло-клоуны, продолжавшие традиции балаганных дедов, ярмарочных паяцев. (М.И.Зильбербрандт)

БЕЛЬЭТА′Ж (франц. bel – прекрасный и étage – ярус) – первый ярус зрительного зала над бенуаром и амфитеатром.

БЕНЕФИ′С (франц. bénéfice – барыш, польза) – спектакль, сбор с которого полностью или частично поступал в пользу одного или нескольких актёров (бенефициантов). Первый бенефис состоялся во Франции в 1735 г. В России вошли в практику с 1783 г.

БЕНУА′Р (франц. baignoire – ванна) – ложи в театре, расположенные по обеим сторонам партера на уровне сцены или немного ниже. Впервые появились во французском театре 18 в. для того, чтобы подчеркнуть сословное разделение публики. Первоначально ложи бенуар закрывались сетками, которые позволяли находившимся там зрителям быть невидимыми.

БРА′ВО (итал. bravo – отлично) – возглас одобрения.

БРИГЕ′ЛЛА (итал. Brighella, от briga – ссора, неприятность) – традиционный персонаж итальянской комедии дель арте. Бригелла занимал в труппе амплуа одного из двух Дзанни – умелого, хитрого, изобретательного, злого, говорливого парня, не останавливающегося ни перед чем для того, чтобы устроить свои дела, извлечь пользу. Во всех сценариях, где действует Бригелла, он является главной пружиной интриги. Бригелла, как и Арлекин, деревенский парень, родом из Бергамо (северная Италия), но не такой простой и наивный. Костюм Бригеллы состоял из белой блузы, низко перехваченной кушаком, длинных белых панталон, простых туфель и шапочки. На блузе Бригеллы были жёлтые или зелёные нашивки типа галунов, что сближало её с лакейской ливреей.

БУРИМЕ′ (франц. bouts rimés – рифмованные концы) – эстрадный жанр. Произошёл от игры, состоящей в составлении шуточных стихов на неожиданные и не связанные между собой смыслом рифмы. Изобретателем игры считают французского поэта 17 в. Дюло. В 19 в. эту игру пытался возродить А.Дюма, объявивший конкурс на стихи на определённые рифмы.

БУРЛЕ′СК (франц. burlesgue, от итал. burlesco – насмешливый, шутливый) – один из жанров комедийного театра. Отличался вычурно-комическим изображением событий, пародийностью. В бурлеске возвышенная тема излагалась низменным языком, буффонными театральными приёмами. Широко распространён в Европе 17-18 вв.

БУТАФО′РИЯ (итал. buttafuori) – поддельные предметы – скульптура, мебель, посуда, украшения, детали костюма и т.п., которые употребляются в спектаклях взамен настоящих.

БУФФОНА′ДА (итал. buffonata – шутка) – комедийный приём актёрской игры. Для буффонады характерно стремление исполнителя максимально подчеркнуть внешние характерные признаки персонажа, склонность к резким преувеличениям, острой внешней динамике. Буффонада возникла в народном площадном театре мимов, скоморохов. Широко использовалась в комедиях, сатирической драматургии (Мольер, Гольдони, Маяковский и др.).

В

ВАРЬЕТЕ′ (франц. variété от лат. varietas – разнообразие, смесь) – вид театров, в представлениях которых сочетаются различные жанры театрального, музыкального, эстрадного и циркового искусства. Название произошло от театра «Варьете», основанного в Париже в 1720 г. Спектакли театров варьете носят лёгкий, развлекательный характер, для них характерны комедийные элементы, ирония, пародия, эротика. Во Франции предшественниками варьете были кафешантаны, кабаре. В 80-х гг. 19 в. появляются кабаре-варьете («Ша нуар», «Фоли бержер»). Расцвет театров варьете относится к 20-30 гг. 20 в. («Мулен Руж»). Характерный признак варьете, сближающий этот театр с рестораном – столики перед сценой. Характер варьете носил петербургский «Театр-буфф».

ВЕРТЕ′П (старослав., первоначальное значение – пещера, где, по преданию, родился Христос) – старинный украинский народный кукольный театр, распространён в 18-19 вв. Авторы и исполнители вертепной драмы, как правило, бурсаки и семинаристы. Во время рождественских каникул они возили по сёлам небольшую переносную сцену – двухъярусный ящик (вертеп). Представление разделялось на 2 части: каноническая («рождественская драма») и светская (народно-бытовая). Центральной фигурой был Запорожец (близок русскому Петрушке); другими персонажами были Солдат (Москаль), Дед и Баба, Шинкарка, Дьяк. Действие сопровождалось пением колядок и кантов; обязателен был инструментальный номер – танец пастухов «Дудочка» (казачок). Музыкальное сопровождение исполнял инструментальный ансамбль в типичном национальном составе: сопилка, скрипка, бубен, цимбалы. Позже существовал так называемый «живой вертеп», в котором тот же спектакль разыгрывался не куклами, а людьми. (Л.Б.Архимович)

ВЕРХОВА′Я КУ′КЛА – кукла, находящаяся во время спектакля над ширмой, выше работающего с ней кукловода, который скрыт от зрителя ширмой. Термин ввели русские народные кукольники, противопоставляя верховую куклу марионетке, которая находится ниже кукловода. С 16 в верховая кукла очень распространена во всей Европе. Основные разновидности верховой куклы: кукла, надеваемая на руку, и тростевая. (А.Я.Федотов)

ВОДЕВИ′ЛЬ (франц. vaudeville) – жанр лёгкой комедийной пьесы, в которой драматическое действие сочетается с музыкой и танцами, вид комедии положений. Основой водевильного сюжета является занимательная интрига, анекдотический случай. Термин происходит от названия долины реки Вир в Нормандии (Vau de Vire), где жил в 15 в. поэт-песенник О. Баслен, который считается родоначальником водевиля. Водевиль возник во Франции. Сначала водевилями называли куплеты-песенки с повторяющимся припевом; которые обычно исполнялись на знакомые, популярные мотивы. Как театральный жанр сложился в годы французской революции 1789-1824 гг. Игра актёров в водевиле должна была отличаться естественностью, непосредственностью, импровизационной лёгкостью диалога, острой наблюдательностью, чувством юмора, умением подметить забавный характерный штрих, найти живое общение со зрителем. Водевильные актёры были блестящими мастерами внешнего перевоплощения, владели искусством трансформации, так как часто играли 2-3 роли в одной пьесе. В конце 19 в. вытесняется опереттой. В России водевиль возник в начале 19 в. на основе комической оперы 18 в. (композиторы А.Верстовский, А.Алябьев). Во 2-ой половине 19 в. почти полностью вытесняется другими жанрами.

ВО′ЛЬТЬЕ (фламанд. Waaltje) – комический герой бельгийского театра кукол – тщедушный, длиннорукий, большеносый весельчак и проказник.

Г

ГА′НСВУРСТ (нем. Hanswurst – Ванька-колбаса) – комический персонаж немецкого народного театра. Появился в 16 в. в фастнахтшпилях. В 17 в. наряду с Пикельгерингом получил распространение как главное лицо комических интермедий. Гансвурст – немецкий простолюдин, простак и хитрец, весёлый забияка, трус и обжора, потешавший зрителя примитивными грубоватыми фарсовыми шутками и трюками. Существовало 2 разновидности Гансвурста – германский и австрийский. Австрийский Гансвурст усвоил под влиянием итальянской комедии дель арте некоторые черты сходства с Арлекином. В конце 18 в. Гансвурст вытесняется разнообразными комическими персонажами водевилей и зингшпилей. (С.С.Мокульский)

ГИМНА′СТИКА (греч.) – цирковой жанр, демонстрация упражнений на гимнастических снарядах, турнике, трапеции, кольцах и т.п.

ГИНЬО′ЛЬ (франц. Guignol) – персонаж французского театра кукол. Принадлежит к виду так называемых ручных (верховых) кукол. Маску Гиньоля создал в конце 18 в. директор Лионского театра кукол Л.Мурге. Гиньоль представлял собой тип жизнерадостного, остроумного и циничного лионского кустаря, говорящего на местном диалекте. Постоянным партнёром Гиньоля был Ньяфрон. Образ Гиньоля стал традиционным и таким же популярным во Франции, как Петрушка в России, Гансвурст и Кашперль в Германии, Панч в Англии, Кашпарек в Чехии. «Большой Гиньоль» – жанр коротких пьес, основанных на изображении злодейств, ужасов; ставились на Монмарте в Париже. (И.М.Бархаш)

ГИСТРИО′Н (лат. histrio) – народный бродячий актёр Средневековья (9-13 вв.). Был одновременно рассказчиком, музыкантом, танцором, певцом, гимнастом, дрессировщиком животных и т.п. Гистрионы объединялись в особые «братства», из которых впоследствии образовывались кружки актёров-любителей. В разных странах получили различные наименования: во Франции – жонглёры, в Италии – мимы, в Германии – шпильманы, в Испании – хугляры, в Польше – франки, В России – скоморохи. Разновидностью гистрионов были ваганты. К концу 13 в. слились с городской театральной самодеятельностью.

ГЛАДИА′ТОР (лат. gladius – меч) – 1)участник зрелищ-боёв в Древнем Риме. Гладиаторы проводили вооружённую борьбу между собой или со зверями. Обычно набирались из рабов или приговорённых к смерти преступников. Проходили специальное обучение, делились на множество разрядов по вооружению и технике. Бои гладиаторов иногда становились частью пышных зрелищ, обычно на популярный мифологический сюжет. Представления отличались жестокостью, грубым натурализмом (подлинные убийства). (С.С.Аверинцев); 2)цирковой артист, силовой акробат (крафт-акробат). Гладиаторы обычно обладают атлетическим сложением, развитой мускулатурой, выступают в стилизованных римских костюмах и вооружении, выполняют фигурные построения (акробатические пирамиды), напоминающие скульптурные изваяния. Номера гладиаторов получили распространение в дореволюционном русском цирке, западноевропейском варьете, мюзик-холле.

ГЛУМ (др.-рус.) – насмешка, издёвка, сатира. Глум составлял основное содержание скоморошьих игр. Глумотворец – уничижительное название скоморохов и вообще комедиантов, плясунов, музыкантов. В памятниках русской церковной письменности 13-18 вв. – синоним слова «сквернословец», «кощунник». (В.В.Всеволодский-Гернгросс)

ГРАНДА′М (франц. grande-dame – знатная дама) – театральное амплуа: актриса на роли немолодых знатных женщин.

«ГРАНД-ОПЕРА′» (франц. “Grand Opéra“ – «Большая опера») – оперный жанр, получивший распространение во французской музыке начала 19 в. Для «Гранд-Опера» характерны пышная театральность, насыщенный драматизмом сюжет (как правило, трагический), историческая тематика, контрастность и динамизм сценических ситуаций. Обычно «Гранд-Опера» делится на 5 актов с множеством мелких сцен. В «Гранд-Опера» широко используется хор, оркестр и балет, спектакли изобилуют эффектными, эмоционально приподнятыми сольными номерами, мастерски разработанными ансамблями. Классическим образцом «Гранд-Опера» считается опера Мейербера «Гугеноты» (1836). (В.В.Тимохин)

ГРИМ (франц. grime, от итал. grimo – морщинистый) – искусство изменения внешности актёра с помощью гримировальных красок (грима), пластических и волосяных наклеек, парика, причёски и пр. История грима восходит в своих истоках к народным обрядам и играм. Разрисовка лица была близка по типу к маске и иногда заменялась ею. Однако маска условна по характеру и не отражает индивидуальных особенностей образа. Поэтому уже актёры мима играли без масок, пользуясь гримом. Народные актёры Средневековья (скоморохи, жонглёры и т.д.) раскрашивали лица сажей, красящим соком растений, но употребляли в то же время и маски. В 18 в. делаются попытки придать гриму индивидуальную выразительность, характерность. Расцвет гримировального искусства – реалистический театр 19 в.

Д

ДА′МА (испан. dame) – амплуа в испанском театре 17 в., исполнительница женских ролей (исключая комические и характерные). В зависимости от положения актрисы в труппе дамы разделялись на «первую», «вторую», «третью» и т.д. (Н.Б.Томашевский)

ДЕД-РАЁШНИК – один из основных участников балаганного представления в России 19 в. Дед-раёшник зазывал публику на представление с балкона перед балаганом. Искусство деда-раёшника – продолжение искусства скоморохов. Обычно дед-раёшник был одет в домотканый армяк и лапти (летом) или в тулуп и валенки (зимой), на голове носил войлочную шапку. Дед-раёшник так же показывал картинки в райках.

ДЕ′ЙСТВО – древние культовые обряды (празднества, торжества), заключающие в себе элементы театрального действия. К действам относятся древнегреческие обряды в честь бога Диониса, от которых берёт своё начало античный театр. В Средние века действом являлись церковно-религиозные обряды, театрализованные процессии. На Западе такие обряды появились в 9 в. в богослужениях католической церкви: сначала они представляли собой диалогизированное чтение избранных священных текстов, затем – изображение в лицах отдельных евангельских эпизодов. В России действа появились в 16 в. и бытовали до конца 17 в. Действами так же называли массовые представления на революционные темы во Франции 18 в., в России в первые послеоктябрьские годы. (А.Я.Шнеер)

ДЕКЛАМА′ЦИЯ (лат. declamatio – упражнение в красноречии) – искусство произнесения стихов или прозы. В Древнем Риме декламация – упражнение в красноречии, которое являлось одним из важных элементов ораторского искусства; во Франции – искусство произнесения речей, а также стихов на сцене. В классицистическом театре 17-18 вв. понятие декламации объединяло всю совокупность средств актёрской игры, включая жест и мимику. Классицизм канонизировал торжественно-приподнятую, напевную, условную манеру сценической речи, отвечавшую нормам придворного вкуса. Романтизм и реализм отвергли декламацию, так как романтизм провозгласил свободу актёрского вдохновения и чувства; а реализм поставил речь и всё поведение актёра на сцене в зависимость от изображаемого характера со всеми его индивидуальными и типическими особенностями. В теории Станиславского декламационность – проявление пустоты и фальши в актёрском искусстве. Позже декламацией (или художественным чтением) стали называть концертное исполнение стихов с эстрады. Разновидностью декламации является мелодекламация – чтение стихов или прозы под музыку. (Т.М.Родина, П.М.Ершов)

ДЕКОРАЦИО′ННОЕ ИСКУ′ССТВО (лат. decoro –украшаю) – искусство создания зрительного образа спектакля посредством декораций и костюмов, освещения и постановочной техники. В древнейших народных обрядах и играх присутствовали элементы декорационного искусства (костюмы, маски, декоративные занавеси и т.п.). В Средневековье первоначально роль декоративного фона играла внутренность церкви (интерьер). Наибольшее внимание уделялось декорации «рая» (беседка, украшенная зеленью, цветами и плодами) и «ада» (раскрывающаяся пасть дракона). В 15-16 вв. в Италии появляется новый тип театрального здания и сцены. Декорации изображают уходящие в глубину сцены улицы, кровли домов, балконы, лестницы и т.п. Сложилось три типа декораций: храмы, дворцы, арки – для трагедий; городская площадь с частными домами, лавками, гостиницами – для комедий; лесной пейзаж – для пасторалей. В начале 17 в. появились кулисные декорации, распространившиеся во всех европейских театрах. Были введены технические приспособления, система люков, портальная арка; это привело к созданию сцены-коробки. Декорационное искусство конца 18-начала 19 вв. отличается сложностью живописных декораций, пышными костюмами, техническими эффектами (сцены кораблекрушений, извержения вулканов и т.п.). Реалистический театр 19-20 вв. стремился создать впечатление обжитости сцены, подчеркнуть психологическую атмосферу спектакля. Современное декорационное искусство обращается к различным школам, манерам, приёмам. К работе в театре часто привлекаются мастера станкового искусства, укрепляется интерес к декорационному искусству как виду творческой художественной деятельности. (М.Н.Пожарская)

ДЕКОРА′ЦИЯ (лат. decoro – украшаю) – оформление сцены, воссоздающее материальную среду, в которой действуют актёры; художественный образ места действия и одновременно площадка, представляющая богатые возможности для осуществления на ней сценического действия. (А.Д.Попов).

ДЗА′ННИ (итал. Zanni, уменьш. от имени Giovanni) – один из основных персонажей итальянской комедии дель арте. Прообразом Дзанни послужил тип обедневшего крестьянина из окрестностей города Бергамо. Две наиболее популярные разновидности персонажа: 1)пройдоха, плут, ловкач, который именовался Дзанни, Бригелла, Педролино, Скапино; 2)простак, увалень, которого называли Арлекин, Буратино, Кола, Флауттино (в Венеции) и Пульчинелла (в Неаполе). Дзанни говорили на местных диалектах, носили крестьянскую одежду. Костюм первого Дзанни, соответственно его характеру, был более щёгольским, на его блузу часто нашивались жёлтые позументы, что придавало ей сходство с лакейской ливреей. Обязательным атрибутом обоих Дзанни были чёрные полумаски. Исполнение ролей Дзанни отличалось остро буффонным характером, импровизацией, забавными трюками. (С.С.Мокульский)

ДО′КТОР (итал. Dottore) – один из персонажей итальянской комедии дель арте. Комический тип болонского учёного-юриста, не находящего применения своим знаниям и докучающего всем длинными нелепыми речами на различные темы. Маска Доктора возникла в конце 16 в. как дополнение к маске Панталоне. В отличие от Панталоне, Доктор часто был изолирован от основной интриги комедии. Чаще всего был стариком, которого дурачила молодёжь. Тип Доктора оказал влияние на образы врачей, философов, учителей-педантов в комедиях Мольера. (С.С.Мокульский)

«ДУРА′К» – сценическое амплуа раннего средневекового театра. Наиболее древнее общество «Дураков» было организовано в Клеве в 1381 г. «Дурак», наряженный в шутовской костюм, был постоянным участником пародийных соти, антицерковных сатирических сценок, мистериальных представлений. Свой текст «Дурак» чаще всего импровизировал. Как театральный персонаж «Дурак» был введён в светскую драматургию Адамом де ла Алем. Разновидностью «Дурака» является шут, образ которого получил широкое развитие в драматургии Ренессанса. (Г.Н.Бояджиев)

ДУЭ′НЬЯ (испан. Dueña – воспитательница) – амплуа характерных старух в пьесах классического испанского театра 16-17 вв. Сценическая функция Дуэньи – служить посредницей между влюблёнными, а иногда, напротив, препятствовать их сближению.

Ж

ЖОНГЛЁР (франц. jongleur, от лат. joculator – шутник, забавник) – 1)странствующий комедиант и музыкант Средневековья во Франции, то же, что гистрион. В Германии жонглёрам родственны шпильманы. Жонглёр, находившийся при трувере и трубадуре, назывался менестрелем; 2)цирковой артист, работающий с палочками, мячами, булавами, кольцами и др. предметами.

ЖОНГЛИ′РОВАНИЕ – жанр циркового искусства. При жонглировании артист в определённом ритме подбрасывает и ловит предметы (не менее трёх). Часто соединяется с балансированием, эквилибристикой, акробатикой, клоунадой. Известно с древних времён. В России появилось в 17-18 вв.

И

ИЛЛЮЗИОНИ′ЗМ (франц. illusionner – вводить в заблуждение) – вид циркового искусства. Восходит к древнему искусству фокусников, представлениям бродячих актёров (гистрионов, жонглёров).

ИМИТА′ЦИЯ (лат. imitatio – подражаю) – 1)эстрадный жанр, звукоподражание. Номер имитации строится на воспроизведении исполнителем звуков музыкальных инструментов (так называемый человек-оркестр), голосов животных и птиц, шума поезда и т.п.; 2)копирование известных людей, их манеры двигаться, говорить; 3)приём актёрской игры, воспроизводящий внешние черты поведения какого-либо человека (походка пьяного, заикание и т.п.). (М.И.Зильбербрандт)

«ИНЖЕНЮ′» (франц. ingénue – наивная) – актёрское амплуа в русском дореволюционном театре; роли простодушных, наивных, обаятельных молодых девушек, глубоко чувствующих, лукаво-озорных, шаловливо-кокетливых, обладающих своеобразным юмором. К «инженю» близки амплуа молодых героинь, субреток. (А.Я.Шнеер)

К

КАБАРЕ′ (франц. cabaret – кабачок) – первоначально импровизационное представление, которое устраивали в литературно-художественных кафе поэты, музыканты, актёры. Получили распространение во Франции в конце 19 в. Позже эти представления потеряли свой импровизационный характер и превратились в подготовленные выступления профессионалов. Во многих странах кабаре существуют в виде ресторанов с эстрадной программой. (Ю.А.Дмитриев)

КАБУ′КИ – вид японского театра. Сложился и получил развитие в 17-18 вв. Словом «кабуки» в 16 в. обозначали всякую экстравагантность в манерах, одежде, поведении; оно же применялось к скоморохам, бродячим актёрам. В 17 в. кабуки формируется как профессиональное высокоразвитое искусство.

КАПИТА′Н (итал. capitano) – персонаж итальянской комедии дель арте. Тип военного авантюриста. Образ Капитана отличался сатирической заострённостью. Наиболее популярен в период испанской оккупации. Капитан – трус, прикидывающийся храбрецом. Носил карикатурный военный костюм испанского покроя. Выступал без маски.

КАФ′Е-ШАНТА′Н (франц. café-chantant, от café – кафе и chantant – поющий) – кафе или ресторан, в котором демонстрируется эстрадная программа. Первые кафешантаны появились во Франции в середине 19 в. Особой популярностью пользовались выступления певиц (шансонеток), исполнявших фривольные песенки и демонстрировавших туалеты. КА′ШПАРЕК (Kašpárek) – главный комический персонаж чешского театра кукол – добродушный жизнерадостный крестьянин, шутник и балагур.

КА′ШПЕРЛЕ (Kasperle) – комический герой австрийских и немецких кукольных представлений – хитрец и плут.

КИРМАШО′ВЫЙ ТЕА′ТР – вид народного белорусского театра, представления, которые давались в Белоруссии до революции на кирмашах, т.е. ежегодных сельских праздниках, которые сопровождались ярмарками. Представления состояли из акробатических номеров, показа дрессированных зверей, плясок, небольших сценок. Исполнителями были скоморохи, бродячие актёры.

КЛО′УН (англ. clown, от лат. colonus – мужик, грубиян) – артист цирка, исполняющий комические сцены. Выступления клоуна сопровождают всю программу. Выделяют несколько разновидностей клоунов: клоуны-буфф, исполняющие разговорные или мимические сценки; ковёрные клоуны, исполняющие шуточные номера в то время, когда униформисты готовят сцену для следующего номера; музыкальные клоуны, играющие на различных (часто эксцентричных) инструментах и поющие куплеты; клоуны-дрессировщики; клоуны-акробаты. (Ю.А.Дмитриев)

КЛОУНА′ДА – цирковой жанр, комические выступления одного или нескольких артистов – клоунов, основанные на приёмах эксцентрики и буффонады. Истоки клоунады – в выступлениях народных артистов: скоморохов, жонглёров, шпильманов и т.п.

«КОВЁРНЫЙ» – цирковой артист, клоун, выступающий между номерами в то время, когда униформисты готовят арену и реквизит для следующего номера. Первые «ковёрные», появившиеся в 70-80 гг. 19 в., играли роли неловких работников сцены, которые всё делали невпопад и этим вызывали смех. Они носили криво застёгнутые ливрейные фраки, короткие или преувеличенно широкие штаны, рыжие парики, делали причудливый грим. В Германии клоунов называли Августами, в России – Рыжими. (ЮА..Дмитриев)

КОВЬЕ′ЛЛО (итал. Coviello) – маска неаполитанского театра комедии дель арте (южная группа масок). Появилась в конце 16 в. Ковьелло был глупым, трусливым и безмерно хвастливым.

КОМЕ′ДИЯ ДЕЛЬ А′РТЕ, КОМЕ′ДИЯ МА′СОК (итал. Сommedia dell’arte – вид итальянского театра, спектакли которого создавались методом импровизационной игры. Возникнув в середине 16 в., комедия дель арте, сочетавшая слово, танец, пение, трюк, стала высшим достижением итальянского театра эпохи Возрождения и определила начало европейского профессионального театра. Артисты выступали в масках, которые, как правило, закреплялись за исполнителями на всю сценическую жизнь. Сложилось две группы масок: северная (венецианская) и южная (неаполитанская). Северную группу составляли Панталоне, Доктор, Бригелла и Арлекин; южную – Ковьелло, Пульчинелла, Скарамучча и Тарталья. Значительную роль в развитии интриги играли слуги (дзанни). Исполнители комедии дель арте виртуозно владели искусством коллективной импровизации, они впервые в современном для них театре выработали сценический ансамбль. Традиции комедии дель арте были восприняты и развиты итальянской оперой-буффа.

«КОМЕ′ДИЯ ПЛАЩА′ И ШПА′ГИ» (испан. Comedia de capa y espada) – вид испанской драматургии. С начала 17 в. этот термин употреблялся актёрами по отношению к пьесам из современной жизни – комедиям нравов, игравшимся в обычных дворянских костюмах, в отличие от так называемых зрелищных комедий. Позднее термин стал обозначать значительную группу комедий Лопе де Веги и драматургов его школы. Характерные признаки этих пьес: изображение конфликтов на почве любви, ревности, чести; быстрое, динамичное развитие действия; устойчивость сценических типов. (З.И.Плавский)

КОМЕ′ДИЯ ЭРУДИ′ТА (итал. Commedia erudita) – итальянская литературная комедия конца 15-16 вв.

КОМЕ′ДИЯ-БАЛЕ′Т (франц. comédie-ballet) – театральный жанр, в котором объединяются диалог, танец, пантомима, музыка и изобразительные искусства (декорации, костюмы). Наиболее характерен для французского театра 17 в.

КОНФЕРАНСЬЕ′ (франц. conferencier – докладчик) – артист эстрады, объявляющий номера и выступающий перед публикой в промежутках между эстрадными номерами. Поведение конферансье на сцене и текст его реплик носит обычно комедийный характер.

КОСТЮ′М ТЕАТРА′ЛЬНЫЙ (от итал. costume – обычай) – одежда, обувь, головные уборы, украшения и другие предметы, которые использует актёр для создания сценического образа. Необходимое дополнение к театральному костюму – грим и причёска. Истоки возникновения театрального костюма – в глубокой древности. В играх и обрядах различных народов использовались причёски, грим-раскраска, маски, ритуальные костюмы. Многие костюмы отличались условностью, символикой. Первые русские театральные костюмы созданы скоморохами.

КОТУ′РНЫ (греч.) – в античном театре род обуви, применявшейся трагическими актёрами. Котурны имели очень высокую подошву, что увеличивало рост актёра, придавая его облику величие, торжественность. Применение котурнов имело и техническую причину: при больших размерах театральных зданий возникала необходимость увеличить фигуру актёра. Античная традиция приписывает введение котурнов Эсхилу. (Н.П.Зембатова).

«КРОВА′ВАЯ ДРА′МА» – жанр английской драматургии эпохи Возрождения, разновидность трагедии, в которой эффект достигается изображением многочисленных ужасов и кровавых злодейств. «Кровавые драмы» были по преимуществу трагедиями мести. (А.А.Аникст)

КУЛИ′СЫ (франц. coulisse, от couler – скользить) – плоские части театральной декорации, располагаемые по бокам сцены параллельно рампе. Впервые появились в Италии 17 в. В переносном смысле кулисами называют часть театра, находящуюся позади занавеса, куда закрыт доступ посторонним.

КУЛЬБИ′Т (франц. culbute – кувыркание) – акробатический трюк: переворот акробата вперёд (назад, в сторону).

Л

ЛИТУРГИ′ЧЕСКАЯ ДРА′МА – вид средневекового, преимущественно западноевропейского, религиозного представления (9-13 вв.). Входила в состав пасхальной или рождественской церковной службы (литургии) и представляла собой инсценировку отдельных евангельских эпизодов. Истоком литургической драмы были антифоны (певческий диалог) или респонсории (ответ хора на слова священника). В 13 в. литургические драмы в церквах были запрещены; они стали разыгрываться на паперти перед храмом.

ЛИЦЕДЕ′Й – древнерусское название актёра; лицедейство – театральное представление.

ЛО′НЖА (франц. longe – верёвка) – специальное приспособление для страховки и помощи при обучении различным акробатическим движениям в цирке.

ЛЮБО′ВНИК – актёрское амплуа; роли красивых, благородных, умных юношей, молодых мужчин. На ролях любовников строилась любовная интрига пьесы. В зависимости от жанра произведения и характера ролей различали: героев-любовников, комических любовников, салонных любовников; в зависимости от значительности роли – первых и вторых любовников. (А.Я.Шнеер)

М

МАНЕ′Ж (франц. manège) – площадка в цирковом здании. Манеж имеет круглую форму (арена), обносится невысоким барьером. Поверхность манежа покрыта перекопанной глиной, смешанной с опилками. К барьеру поверхность площадки несколько повышается (повышение называется писта), это необходимо наездникам для лучшего баланса при стремительном движении по кругу. Установлен стандартный размер манежа – 13 (13,5) м в диаметре (установлен в 1807 г. в Олимпийском цирке в Париже предпринимателями Л. и Э. Франкони). (Ю.А.Дмитриев)

МАРИОНЕ′ТКА (франц. Marion, Marionnette – название маленьких фигурок, изображавших деву Марию в средневековых кукольных мистериях) – театральная кукла, управляемая сверху посредством нитей или металлического прута актёром-кукловодом (невропастом), скрытым от зрителей специально задекорированным задником. Другие виды марионеток: мягкая кукла, верховая кукла, перчаточная, тростевая кукла. Марионетки известны с древних времён у народов Азии, Египта, Древней Греции и Рима. Материалом для марионеток служили терракота, дерево, слоновая кость, серебро (Древняя Греция и Рим), папье-маше, лак, кожа (страны Азии), ныне – главным образом дерево и папье-маше. (Н.И.Смирнова)

МА′СКА (лат.masca – личина) – специальная накладка с каким-либо изображением (лицо, звериная морда, голова мифологического существа), надеваемая чаще всего на лицо. Применение масок началось в глубокой древности в обрядах. Позднее маски вошли в употребление в театре как элемент актёрского грима. В итальянской импровизированной комедии дель арте большинство комических персонажей носили маски (маска Панталоне – землистого цвета, с длинным горбатым носом, Доктора – чёрная, обычно покрывающая только лоб и нос, и др.); лирические персонажи («влюблённые») носили чёрную полумаску, принятую на маскараде. Маски бывают парные, когда два исполнителя изображают одно животное (китайские, японские и вьетнамские «львы»; «лошадь» в японском театре Кабуки), и коллективные, когда под маской скрывается несколько исполнителей. Существуют маски-костюмы, где маска неотделима от костюма, и маски, которые держат в руках (индонезийский театр) или маски, которые надевают на пальцы (пальцевые маски у эскимосов). (А.Д.Авдеев)

МАСКАРА′Д (франц. mascarade) – празднество, бал, участники которого носят маски и особые костюмы. Обычай ряжения возник в глубокой древности. Элементы маскарада присутствуют в народных обрядах и играх (земледельческие праздники, ярмарочные, масленичные гулянья и др.). С 13-14 вв. получили распространение массовые народные гулянья театрализованного характера под открытым небом – карнавалы. Одновременно маскарады вошли в придворные празднества, принимая форму различных театральных зрелищ. В начале 18 в. маскарады вводились Петром I в качестве общественного увеселения.

МИЗАНСЦЕ′НА (франц. Mise en scène – размещение на сцене) – расположение актёров на сцене в определённых сочетаниях друг с другом и с окружающей вещественной средой в тот или иной момент спектакля. Назначение мизансцены – через внешние сочетания человеческих фигур на сцене выражать их внутренние соотношения и действия. Классическая трагедия требует строгих и монументальных мизансцен; весёлая комедия строится на мизансценах лёгких и подвижных, быстро сменяющих друг друга; мизансцены сатирической комедии должны быть графически чёткими, мизансцены бытовой драмы – жизненно правдивыми и простыми. Большое значение при построении мизансцен имеют опорные точки (колонна, стена, стена, мебель) и поверхность пола (возвышения, лестницы, площадки, ступени и т.п.). (Б.Е.Захава)

МИ′МИКА (греч. «подражательный») – выразительные движения мышц лица, являющиеся одной из форм проявления человеческих чувств. В отличие от непроизвольного характера бытовой мимики, не требующей никакой подготовки, мимика в театре предопределяется большой предварительной работой актёра. На мимике построено искусство исполнителей пантомим.

МИСТЕ′РИЯ (греч. «таинство») – жанр западноевропейского средневекового религиозного театра 14-16 вв.; был подготовлен развитием литургической драмы. Содержание мистерии составляли сюжеты Библии, чередующиеся с комедийно-бытовыми сценками. Мистерии были частью городских празднеств. В мистериях формировались жанры моралите и фарса. (Г.Н.Бояджиев)

МЮ′ЗИК-ХОЛЛ (англ. music-hall – музыкальный зал) – вид театров, дающих концертные представления; возникли в 18 в. в тавернах Англии (вначале назывались – кабацкий театр).

Н

НАПЕ′РСНИК, НАПЕ′РСНИЦА (франц. confident, от лат. confido – верю) – сценическое амплуа; традиционный персонаж в классицистической трагедии 17-18 вв.; приближённое лицо к герою или героине (кормилица, гувернёр, секретарь и т.п.). Роль наперсника имеет подсобный характер: отвечая на вопросы наперсника, герой рассказывает о своих мыслях, чувствах, поступках.

НО – вид японского театра. Сложился в 14-15 вв. Театр но первоначально был одним из видов народного японского театра. Первые представления устраивались в буддийских монастырях, в замках феодалов и военных правителей (сёгунов), взявших театр но под своё покровительство. Театр но стал театром для дворянства и занял видное место в классическом национальном театральном искусстве Японии. Театр но является изысканной театральной формой, доступной в настоящее время узкому кругу интеллигенции, хранящей любовь к национальному традиционному искусству. В основе представления но – текст, слагающийся из различных литературно-стилевых частей: ритмической прозы, стиха, ораторской и разговорно-бытовой речи. Значительное место в пьесах отведено хору, который активно вмешивается в действие. Хор состоит из восьми певцов-мужчин. В пьесе участвуют два актёра: главный герой (ситэ) и подсобник (ваки). В некоторых пьесах встречаются спутники главных действующих лиц (цурэ), которые не имеют самостоятельных функций (часто даже не имеют текста). Все исполнители – мужчины. Средства сценической выразительности у актёров театра но: разговорно-декламационная речь (диалоги), драматический речитатив (монологи), ариозное пение (лирические отступления). Действие включает статичные позы, пластические движения и танец. Во время танца текст исполнителя передаётся хору, который сидит на сцене. Актёры театра не прибегают к мимике, лица исполнителей и хористов неподвижны, отсутствует и грим. Только актёр, выражающий основной конфликт, исполняет танцевальную сцену-кульминацию в маске и парике. Маска является главным средством выразительности в театре но. Костюм лишён бытовой конкретности и служит для создания цветовой партитуры спектакля. Бутафория в театре но условна. Основной сценический реквизит – складной веер, с помощью которого исполнитель передаёт различные эмоции. Действие сопровождает оркестр, состоящий из флейты, двух тамбуринов и барабана. Представления происходят на квадратной площадке, открытой с трёх сторон и покрытой крышей. В театре но нет декораций. В настоящее время большинство зрителей имеют в руках тексты пьес, снабжённые знаками музыкальной и ритмической партитуры, выполненной «театральным» шрифтом японского письма. Героями пьес являются: боги (персонажи буддийского и синтоистского культов), мужчины (придворные аристократы, воины, люди из народа), женщины (придворные дамы, наложницы знатных феодалов, служанки), безумные (люди, потрясённые горем), демоны (персонажи фантастического мира). Маски различаются по возрасту (старик, старуха, молодой мужчина, молодая женщина), характеру (старик добрый и злой, божество грозное и благостное, воин могучий и «поникший») и облику (женщина красивая и безобразная, демон человекообразный и демон-зверь и т.п.). Маски строго классифицированы, число их достигает 200. Пьесы театра но строятся на острых конфликтах, разрабатывают тему личности и судьбы. Сюжетом служат сказания и легенды, исторические и религиозные предания, исторические хроники литературные произведения. В драматургии театра но существуют две эстетические концепции: подражание действительности (мономанэ) и внутренний смысл (югэн). Основным элементом драмы является превращение героя (сначала человек, потом – бог, сначала воин, потом – его загробный дух и др.). Основоположники театра но – Канами Киёцугу и его сын Сэами (1333-1384), который был не только автором пьес, музыки, танцев, но и теоретиком театра но, сформулировавшим его принципы. Труппа театра но строилась по цеховому принципу, возглавлялась мастером. В 14-15 вв. было пять таких трупп, каждая из которых имела свой стиль и свою школу искусства. (Н.И.Конрад)

П

ПАНТАЛО′НЕ (итал. Pantaleone – старинное нарицательное название венецианцев) – персонаж итальянской народной комедии дель арте. Маска Панталоне выражала дух народной, злой и меткой, сатиры. Панталоне – богатый купец-венецианец, глупый, хворый и почти всегда скупой старик, самоуверенный, считающий себя умнее всех. Панталоне постоянно становится жертвой проделок Дзанни и Серветты. Костюм: красная куртка, красные в обтяжку панталоны, жёлтые туфли с пряжками, красная шапочка, чёрный плащ, на поясе – кошелёк с деньгами. Маска – землистого цвета, длинный горбатый нос, седые усы и борода. Образ Панталоне был создан актёром труппы «Джелози» Дж. Паскуати.

ПАНТОМИ′МА (греч. «всё воспроизводящий подражанием») – вид сценического искусства, в котором основным средством создания художественного образа и раскрытия содержания и идеи драмы является пластическая выразительность человеческого тела, жест, мимика. Зародилась в Древней Греции. В Средние века развивалась гистрионами, жонглёрами, мимами, скоморохами, в 16-18 вв. широко использовалась в итальянской комедии дель арте. В России пантомима входила в состав многих народных игр (святочных, масленичных) и обрядов (сватовство, свадьба). В 19 в. занимала видное место в балаганных театрах и цирках. Пантомима имеет различные жанры и виды: трагедия, бытовая новелла, памфлет, фельетон, сказка, миф, поэма и др. Иногда пантомима сопровождается музыкой, ритмическим аккомпанементом, пением, декламацией. Такой вид пантомимы получил распространение в странах Азии – Индии, Китае, Японии и др. С древнейших времён в этих странах пантомима является основным видом театральных представлений. Исполнители обычно подчинялись строго регламентированной системе жестов и телодвижений. В современной пантомиме различают два вида: искусство «мима», в котором действует только один актёр, и представление со всеми аксессуарами театрального спектакля (много участников, музыка, декорации и др.). (А.А.Румнев)

ПАНЧ (англ. Punch, сокращ. oт Puncinello) – персонаж английского народного театра кукол. Впервые появился в Англии в 1662 г. в представлениях итальянских марионеточников. Со временем стал постоянной маской шута в кукольных представлениях. Панч – ручная (перчаточная) кукла. Панч – горбун в остроконечном колпаке, с длинным крючкообразным носом, гуляка, плут, весельчак, драчун, собрат Пульчинеллы, Полишинеля, Петрушки. С 18 в. Панч – центральная фигура спектакля. (И.М.Бархаш).

ПАРАСИ′Т (греч. «сотрапезник») – традиционный персонаж античной комедии, обжора-прихлебатель, напрашивающийся на угощение к богачам и развлекающий хозяев лестью и остротами. Зарождение типа парасита относится к творчеству Эпихарма. Парасит обычно связан с другими традиционными комическими типами – хвастливым воином или влюблённым юношей. Обычно наделялся яркими «говорящими» именами: Артотрог (Хлебогрыз), Пеникул (Столовая щётка) и т.п. (Н.П.Зембатова)

ПЕТРУ′ШКА – главный персонаж народных кукольных представлений. Разновидность верховой куклы (т.е. кукла находится во время спектакля над ширмой, выше кукловода, который скрыт за ширмой). Пьесы с участием Петрушки входили в репертуар скоморохов. Внешность Петрушки: большой нос крючком, смеющийся рот, часто два горба. Одежда Петрушки состояла из красной рубахи и колпачка с кисточкой или шутовского наряда. Представления Петрушки давались обычно на ярмарках, на базарах. В них принимали участие два человека: один играл на шарманке (гуслях, дудке) и участвовал в диалоге, другой из-за ширмы показывал кукол, держа на правой руке Петрушку, а на левой поочерёдно его партнёров. Кукольник говорил за Петрушку, применяя так называемый пищик, благодаря чему голос Петрушки становился металлически резким и слышным на далёкое расстояние. Содержание представлений было устойчивым: Петрушка торговал у цыгана-барышника беззубую клячу и расплачивался с ним дубинкой; Петрушка побоями расправлялся с капралом, который вербовал его в рекруты и т.п.; в заключение чёрт (или собака) утаскивал Петрушку за нос.

«Комедия не мудрая, однако, и не глупая,

Хожалому, квартальному не в бровь, а прямо в глаз!» (Н.А.Некрасов,1821-1877)

«…была создана фигура, тоже известная всем народам; в Италии это Пульчинелло, в Англии – Панч, в Турции – Карапет, у нас – Петрушка. Это – непобедимый герой народной кукольной комедии, он побеждает всех и всё: полицию, попов, даже чёрта и смерть, сам же остаётся бессмертен. В грубом и наивном образе этом трудовой народ воплотил сам себя и свою веру в то, что в конце концов именно он преодолеет всё и всех.» (М.Горький, 1868-1936).

ПИКЕЛЬГЕ′РИНГ (нем. Pickelhering, голл. pekelharing – солёная сельдь) – комический персонаж немецкого театра, один из вариантов образа Гансвурста. Появился в 17 в. Пикельгеринг – ловкий пройдоха, грубиян, обжора и добродушный увалень. Исполнители носили костюм, напоминающий матросский – жёлтые штаны, красную куртку, жилет, серую шляпу. Этот персонаж встречался и в русских пьесах 17-18 вв.

ПОЛИШИНЕ′ЛЬ (франц. polichinelle, от итал. pulcinella) – персонаж французского народного театра. Появился на сцене ярмарочного театра в 16 в., близок к итальянской маске Пульчинеллы. В различных пьесах сохранял традиционный облик горбуна, весёлого задиры и насмешника. Стал одним из излюбленных героев театра кукол.

ПРОСТА′К – актёрское амплуа, исполнитель ролей простодушно-наивных или недалёких людей Ранние прообразы простака – второй дзанни в итальянской комедии дель арте, «дурацкие» персонажи в старых немецких, русских и др. народных представлениях. Позднее это амплуа получило распространение в комедийных жанрах (водевиль, оперетта).

ПУЛЬЧИНЕ′ЛЛА (итал. Рulcinella) – персонаж итальянской комедии дель арте. Маска Пульчинеллы появилась в Южной Италии (Неаполь) в конце 16 в. В ней сочетались черты первого и второго дзанни: простодушие, придурковатость деревенского обжоры и увальня с ловкостью и сметливостью городского простолюдина. Наряду с Арлекином Пульчинелла – самая популярная из масок. Традиционный облик Пульчинеллы – горбун с большим крючковатым носом, в одежде из грубой материи, в высокой остроконечной шляпе. Итальянскому Пульчинелле родственны французский Полишинель и английский Панч.

ПЬЕРО′ (франц. Pierrot, уменьш. от имени Pierre) – персонаж французского народного театра (слога). Возник в 17 в. Прототипом Пьеро послужил образ слуги Педролино из итальянской комедии дель арте. Ловкий, решительный Пьеро добивался своей ели, прикрываясь добродушием, но нередко и сам попадал впросак. Исполнитель роли Пьеро выступал без маски, с лицом, обсыпанным мукой, носил широкую крестьянскую рубаху, часто сшитую из мешка. Был любимым героем ярмарочного театра, участником многих сатирических пьес и пантомим. Эта маска подверглась эстетизации на сцене театра «Комеди Итальенн» (Париж); в характере Пьеро стали преобладать черты печального любовника – неудачливого соперника Арлекина. Традиционный костюм Пьеро – белая рубашка с жабо, с большими пуговицами, широкие белые панталоны, на голове – остроконечная шапочка. В 19 в. актёр Ж.Б.Дебюро превратил Пьеро в центральную фигуру пантомимы, в его исполнении Пьеро стал народным комическим героем, преодолевающим жизненные трудности. В 20 в. образ Пьеро приобрёл черты изломанности, печальной томности.

Р

РАЁК – 1)вид представления на ярмарках, распространённый в 18-19 вв. во многих европейских странах. Райком называли ящик с двумя круглыми отверстиями, снабжёнными увеличительными стёклами. Через эти отверстия зрители рассматривали картинки, прикреплённые к деревянной оси, которая вращалась внутри ящика. В русском райке чаще всего демонстрировались лубочные картинки религиозного содержания, позже – фотографии с видами различных городов. Показ картинок раёшник сопровождал стихотворными пояснениями, которые были близки монологам балаганных дедов-раёшников и преемственно связаны с традициями скоморошьей сатиры; 2)устаревшее название верхнего яруса зрительного зала театра, то же, что галёрка.

РА′МПА (франц. rampe, от ramper – спускаться отлого) – 1)осветительная аппаратура, установленная на полу сцены по её переднему краю и спрятанная от публики. Служит для освещения сцены спереди и снизу; 2)граница между зрительным залом и сценой (за рампой – на сцене); 3)в переносном смысле – сцена вообще, театр в целом (увидеть свет рампы – появиться на сцене, выступить публично в театре).

РЕВЮ′ (франц. revue – обзор, обозрение) – вид театрального искусства. Ревю состоит из отдельных эпизодов, объединённых сквозной темой и действующими лицами. В ревю вводятся вставные эстрадные номера (песенки, куплеты, танцы). Возникло во Франции в 18 в. Наименование «ревю» впервые было применено актёром-драматургом М.Романьези (Париж, 1728).

РЕЗОНЁР (франц. raisonneur, от raisonner – рассуждать) – сценическое амплуа; актёр, исполняющий роли рассудочных людей, склонных к риторическим декларациям, назидательным сентенциям. Резонёр обычно высказывает мысли автора по поводу изображаемых событий, даёт моральные оценки поступкам действующих лиц, поучает их. Наибольшее распространение роли этого амплуа получили в европейских театрах 17-18 вв. Существовало несколько разновидностей резонёров: герой-резонёр, комик-резонёр, характерный резонёр и др.

РЕКВИЗИ′Т (лат. requisitum – необходимое) – совокупность подлинных или бутафорских вещей, необходимых актёру на сцене во время спектакля. Иногда реквизит является дополнением к сценическому костюму (зонт, палка, портфель, кошелёк и т.п.) или к декоративному убранству сцены (посуда, подсвечники и пр.). Еду, напитки, табак и прочие вещи, используемые по ходу действия, называют исходящим реквизитом.

РЕПРИ′ЗА (франц. reprise, от reprendre – возобновлять, повторять) – 1)в цирке и на эстраде шуточная реплика или сценический трюк; 2)в номерах наездников, гимнастов, акробатов законченная комбинация трюков, исполнив которую артист обычно раскланивается с публикой. (Ю.А.Дмитриев)

С

СЕРВЕ′ТТА (итал. Servetta, уменьшит. от serva – служанка) – то же, что Фантеска (итал. Fantesca – служанка) – персонаж итальянской комедии дель арте, тип разбитной крестьянской девушки. Серветта принимала активное участие в развитии сюжета. Выступала без маски, носила пёстрое подобранное платье с белым передником и косынку на голове, говорила на диалектном языке (тосканском, неаполитанском и др.). Наиболее распространённые имена серветты – Смеральдина, Коломбина и др. В Италии образ серветты сохранился под разными именами в комедиях Гольдони (например, Мирандолина в пьесе «Хозяйка гостиницы»).

СКАРАМУ′ЧЧА (итал. Scaramuccia, франц. Scaramouche) – персонаж итальянской комедии дель арте. Первоначально Скарамучча был одним из вариантов Капитана и отличался от него только чёрным костюмом. Выдающийся неаполитанский актёр Т.Фьорилли (сер. 17 в.) изменил характер этой маски. Он превратил Капитана в светского хвастуна, отказался от деталей, указывающих на его военную профессию, не носил маски (белил лицо мелом или мукой). Высокое искусство мимики Фьорилли, его песенки, игра на гитаре разрушали устаревшие каноны комедии дель арте.

СКОМОРО′ХИ – странствующие актёры Древней Руси. Первое летописное упоминание о скоморохах относится к 1068 г. Скоморохи выступали как певцы, исполнители сценок, дрессировщики, акробаты и т.п. Песни-сказы (скоморошины) скоморохи исполняли в речитативно-скороговорочной манере или на плясовые напевы. Главный герой представлений скоморохов – весёлый и разбитной мужик себе на уме, обычно облекающий свою сметливость в личину простоты. В 16-17 вв. скоморохи образуют большие группы – ватаги или артели (100 и более человек), к которым присоединялись беглые крестьяне. В 1648 г. царь Алексей Михайлович запретил представления скоморохов. Некоторые традиции искусства скоморохов были использованы придворными шутами и проникли в представления церковного школьного театра. Искусство скоморохов оказало влияние на представления балаганных театров 18-19 вв., особенно на выступления дедов-раёшников; от них скоморошья традиция перешла на эстраду и цирковую арену. (Ю.А.Дмитриев)

СТАТИ′СТ (нем. Statist, от греч. «стоящий») – актёр, исполняющий роли без слов (или состоящие из нескольких слов), участник массовых сцен.

СУБРЕ′ТКА (франц. soubrette – притворщица) – традиционное театральное амплуа. Бойкая, остроумная, находчивая девушка, чаще всего служанка, активная участница и помощница в любовной интриге. Амплуа субретки возникло в итальянской комедии дель арте (серветта), затем перешло во французскую комедию. Итальянская серветта была более демократичной, грубой и дерзкой; позже и та и другая приняли грациозный, несколько салонный облик. Классический тип субретки в оперном спектакле – Сюзанна в «Свадьбе Фигаро» Моцарта.

СУФЛЁР (франц. souffleur, от souffler – дуть, поддувать) – работник театра, следящий за ходом репетиции и спектакля по выверенному тексту пьесы (суфлёрский экземпляр) и подсказывающий актёрам, в случае необходимости, текст роли. В музыкальном театре суфлёр следит за спектаклем по клавиру. Суфлёр находится в суфлёрской будке, расположенной у линии занавеса и скрытой от зрителя. Ранее профессия суфлёра была необходима, так как театр давал каждый месяц несколько новых спектаклей; в современном театре за суфлёром сохраняются лишь подсобные функции.

Т

ТАРТА′ЛЬЯ (итал. Tartaglia, от tartagliare – заикаться) – персонаж итальянской комедии дель арте; обычно старик-нотариус, судья, секретарь и др. Маска Тартальи появилась в 17 в. в Неаполе. Тарталья был наделён низменным, трусливым характером. Комический эффект производило заикание Тартальи, подчёркивающее его назойливость, педантизм. Тарталья носил костюм зелёного цвета в жёлтую полоску, большие очки и серую шляпу; говорил на неаполитанском диалекте. В 18 в. Тарталья встречается в театральных сказках К.Гоцци.

ТЕА′ТР (греч. «место для зрелища», «зрелище») – 1)род искусства; 2)представление, спектакль; 3)здание, где происходит театральное представление. Как особый вид искусства, театр обладает своей спецификой: отражение действительности, характеров, событий, их трактовка и пр. в театре происходит посредством драматического действия, возникающего в процессе игры актёра перед публикой. Игровая сущность театра определялась исторически, при самом его возникновении из охотничьих, аграрных и др. ритуальных празднеств. Вначале обрядовый характер действия заслонял собой игровую сторону представления. Однако по мере становления театра как искусства его игровая, творческая сущность выступала всё более явственно, оформляясь в различных театральных системах. Театральное искусство по природе своей синтетично. На ранних стадиях исторического развития театра это проявлялось особенно ярко. В дальнейшем образуются три основных типа театра: драматический, оперный и балетный (с некоторыми промежуточными формами). Театр теснейшим образом связан с драмой, как родом литературы, зависит от её содержания и художественных форм. Содержание драмы в театре раскрывается в форме действия, производимого актёрами. Важнейшим средством театра является речь, однако, слово также подчиняется законам драматического действия.(Т.М.Родина.)

«Театру нужно то, что просто и сильно, без завитушек» (Л.Н.Толстой, 1828-1910).

«Театр – не отображающее зеркало, а – увеличительное стекло» (В.В.Маяковский, 1894-1930).

ТЕА′ТР КУ′КОЛ – особый вид театральных представлений, в которых действуют куклы (объёмные и плоские), приводимые в движение актёрами-кукловодами, чаще всего скрытыми от зрителей ширмой. Иногда в театре кукол действующим лицом становится условный предмет (кубик, шарик, палочка и др.), изображающий живое существо. Многообразие форм представлений определяется различием видов кукол, систем их управления: марионетки (куклы на нитках), верховые куклы – перчаточные (Петрушка), тростевые куклы, механические, теневые. Истоки театра кукол – в языческих обрядах, играх с овеществлёнными символами богов. У большинства народов существовали религиозно-мистериальные представления: в Древнем Египте – мистерия об Осирисе и Исиде, культовые представления в Индии и Китае. Упоминание об игровых куклах встречается у Геродота, Аристотеля, Горация, Апулея и др. С 11 в. в церквах и монастырях устраиваются религиозно-мистериальные представления, в которых католическая церковь использует куклы как средство инсценировки евангельских сцен, главным персонажем в которых была дева Мария. Название изображения девы Марии (Marion, Marionett) в дальнейшем распространяется на кукол, управляемых посредством нитей или проволок (марионетка). В 16-17 вв. в Европе формируются народные национальные театры кукол. Главными героями в них становятся весёлые, задорные Пульчинелла (Италия), Полишинель (Франция), Панч (Англия), Гансвурст и Кашперле (Германия), Пикельгеринг (Голландия), Вольтье (Бельгия), Копленяк (Польша), Кашпарек (Чехия), Петрушка (Россия) и др. (многим из них в последствие были установлены памятники). В 20 в. рождается профессиональный театр кукол для детей (Чехословакия, Германия). Первые свидетельства о русском театре кукол встречаются в записях немецких путешественников 17 в. Старинный русский театр кукол неотделим от традиционной языческой обрядности. В западных и юго-западных областях России в 16-17 вв. получил распространение религиозно-мистериальный театр – вертеп (Украина), батлейка (Белоруссия). (Н.И.Смирнова.)

ТРОСТЕВА′Я КУ′КЛА – разновидность верховой куклы. Получила название от тростей, при помощи которых актёр управляет руками куклы. Происхождение – остров Ява.

Ф

ФАТ (франц. fat, от лат. fatuus – глупый) – актёрское амплуа: роли эффектных самовлюблённых и ограниченных людей (как правило, молодых).

ФЕЕ′РИЯ (франц. féerie, от fée – фея, волшебница) – вид спектакля, в котором изображаются фантастические происшествия, применяются различные трюки. Как особый театральный жанр появился в Италии 17 в. Сейчас так называют и цирковое представление, в котором используются различные фантастические трюки (вода, затопляющая манеж, исчезновение животных и людей и пр.).

ФО′РА (итал. fora и fiori – вне, вперёд, наружу) – в итальянском театре возглас одобрения с просьбой повторения, то же, что бис.

Х

ХАРА′КТЕРНЫЙ АКТЁР (франц. caractère, от греч. «отпечаток», «своеобразие») – актёр, исполняющий роли, отмеченные ярким внешним своеобразием (сословным, бытовым, речевым, комедийным и т.п.).

ХУДО′ЖЕСТВЕННОЕ ЧТЕ′НИЕ – публичное исполнение произведений литературы (стихов, прозы, публицистики). Особый вид эстрадного искусства. Выразительное слово составляло основу искусства народных сказителей – русских сказочников, скоморохов, армянских ашугов, казахских акынов, бродячих японских рассказчиков. Античная Греция славилась устным творчеством поэтов-импровизаторов. Искусство декламации культивировалось в Древнем Риме. Во Франции искусство выразительного чтения входило в число предметов школьного образования. В настоящее время в искусстве художественного чтения различают два направления – игровое и манера рассказчика. Особое место в истории художественного чтения занимает так называемое авторское чтение. (А.И.Дубинская, В.К.Покровский)

Ц

ЦИРК (лат. circus – круг) – здание для цирковых представлений. В Древнем Риме – эллипсовидная арена с трибунами. На арене демонстрировались бега колесниц. В перерывах между заездами выступали акробаты, эквилибристы, жонглёры, комики и др. Большой цирк в Риме, по словам Плиния Старшего, вмещал до 250 тысяч зрителей. В Испании, Мексике и некоторых других странах – большая арена, окружённая местами для зрителей, предназначенная для демонстрации боя быков. Современный цирк имеет круглую арену, обнесённую жёстким барьером, и сферический купол, необходимый для воздушных гимнастических номеров. (Ю.А.Дмитриев).

ЦИРКОВО′Е ИСКУ′ССТВО – вид искусства, предусматривающий демонстрацию силы, ловкости и смелости, включающий шутки клоунов, пантомиму и др. Первоосновой циркового представления являются трюк, номера, построенные на эксцентрике. Происхождение цирка связано с обрядами, играми. На Востоке, в частности в Китае, ремесленники, чтобы показать крепость сплетённого ими каната, ходили и бегали по нему, растянув канат между двумя подставками. Так рождалось искусство канатоходцев. Акробатические номера первоначально связаны с культовыми действиями. Профессиональные акробаты, жонглёры, эквилибристы были известны в Древней Греции, Древнем Риме, Китае, Византии и других странах. В Средневековье бродячие артисты-акробаты выступали на городских площадях. В 16 в. в Европе получили распространение школы верховой езды (конные бои требовали особой подготовки всадников), в которых главное внимание отводилось вольтижировке. Искусство наездников и дрессировки лошадей демонстрировалось в специально построенных манежах (амфитеатрах). В 1770 г в Лондоне был открыт первый стационарный цирк, в 1807 г. открылся Олимпийский цирк в Париже. С тех пор все зрелищные предприятия, включавшие конные номера, именовались цирками. Из ярмарочных балаганов в цирк переходят акробаты, гимнасты, жонглёры; из зверинцев – укротители и дрессировщики. Во 2-й половине 19 в. появляются ковёрные клоуны. В 20 в. в цирке увеличивается количество технических приёмов, появляются смертельные номера, строящиеся на опасных для жизни артиста трюках. Своеобразно развивался цирк в странах Азии. В Китае он сблизился с представлениями классического театра. Китайский цирк включал ряд оригинальных жанров: игра с лентами, зонтами, упражнения на турнике, прыжки через огонь и ножи, подъём на ремнях и др. Особыми жанрами обогатили цирковое искусство японские артисты: метание ножей, упражнения на лестнице, на подвешенном бамбуке, подъём и спуск по наклонному канату и др. Из Индии в цирк пришла дрессировка змей, иллюзионные трюки, заимствованные у факиров. В Африке развитие получила прыжковая акробатика, связанная с религиозным культом. В 19 в. на аренах Европы появляется ряд выдающихся акробатов-прыгунов арабов. У народов Кавказа и Средней Азии всё более зрелищной становится джигитовка. Истоки русского циркового искусства – в выступлениях народных актёров-скоморохов, известных с 11 в. В 18-19 вв. развитие получают балаганы на народных гуляньях, устраиваются театрализованные конные карусели, кавалькады и т.п. С конца 19 в. многие города России уже имеют стационарные цирки. (Ю.А.Дмитриев)

Ш

ШАПИТО′ (франц. chapiteau – капитель, колпак) – вид передвижного циркового помещения. Первые шапито появились в середине 19 в.

ШУТ – комический персонаж в старинных ярмарочно-площадных и балаганных представлениях. Получил распространение в драматургии 16-18 вв. (Англия, Франция). Главная функция шута – развлекать высокопоставленных героев пьес. Исполнители ролей шутов носили пёстрые, яркие костюмы, часто увешанные колокольчиками и бубенцами. Эмблемой шута является кукла с погремушками, которую он держит в руках.

Э

ЭКВИЛИБРИ′СТИКА (лат. aequilibris – находящийся в равновесии) – цирковой жанр, искусство сохранять баланс (устойчивое положение, равновесие) на различных аппаратах (снарядах) и в разных положениях (на двух или на одной ноге, на руках, на голове и т.п.). Эквилибристика известна с древнейших времён, но особое распространение получила со 2-й половины 19 в. (А.Я.Шнеер)

ЭКСЦЕ′НТРИКА в цирке (от лат. ex – вне и centrum – средоточие) – одна из разновидностей комического жанра, показывающая алогизм, нелепость общепринятых действий. Эксцентрика близка клоунской буффонаде, может применяться во всех жанрах циркового искусства. Эксцентрика требует мастерства мимики, пантомимы, акробатики, пластики, умения виртуозно использовать реквизит. (А.Н.Ширай)

ЭСТРА′ДА (лат. stratum – помост) – 1)вид сценического искусства, соединяющего в одном представлении (концерте) выступления нескольких артистов (чтецов, куплетистов, певцов, фокусников, танцоров, конферансье и др.). Могут быть также сольные концерты, в которых участвует один артист. Из-за краткости каждого выступления (10-15 минут) эстрадное искусство получило название искусства малых форм. Сценические образы артистов эстрады не претендуют на психологическую глубину и сложность, но лучшие из них выразительны, ярки, гротескны; 2) возвышение в концертном зале, предназначенное для выступления артистов. В отличие от сцены, не имеет переднего и заднего занавеса, кулис, театральных машин. (Ю.А.Дмитриев)

Я

Я′РМАРОЧНЫЙ ТЕА′ТР – вид народного театра в ряде европейских стран 16-18 вв. Возникновение ярмарочного театра относится к Средним векам. На ярмарках для привлечения покупателей устраивались различные зрелища и увеселения, выступали бродячие фокусники, акробаты, дрессировщики и др. В 15-16 вв. городские ремесленники-любители, объединённые в шутовские общества (Франция), камеры риторов (Нидерланды), кружки мейстерзингеров (Германия) и др., разыгрывали в дни ярмарок фарсы, моралите и т.п. В 16 в. на сцене ярмарочных театров стали выступать профессиональные актёры, исполнявшие так называемые парады (шутовские сценки) и другие музыкально-танцевальные и волшебно-феерические номера. Игра актёров ярмарочных театров была, как правило, импровизационна, включала элементы буффонады. В 18 в. на сцене ярмарочного театра зародились жанры водевиля, комической оперы. Постепенно ярмарочные театры становились стационарными. В России ярмарочные театры существовали до конца 19 в.