19) Исполнительское искусство в 2000 годы.

20) Григорович вершина хореографии в 20 веке.

ГРИГОРОВИЧ, ЮРИЙ НИКОЛАЕВИЧ (р. 1927), русский артист балета и балетмейстер.

Родился в Ленинграде 2 января 1927. По окончании Ленинградского хореографического училища в 1946–1961 – артист балета Театра оперы и балета им. С.М.Кирова (преимущественно гротесковые роли), в 1961–1964 – балетмейстер; в 1964–1995 – главный балетмейстер Большого театра. В двух первых значительных работах Григоровича, осуществленных им в Ленинграде – Каменном цветке (музыка С.С.Прокофьева, 1957) и Легенде о любви (музыка А.Д.Меликова, 1961), – заявил о себе как о реформаторе, восставшем против догм советского балета 1930–1950-х годов (нередко называемому направлением «драмбалета»). Сохраняя свойственную «драмбалету» повествовательность, Григорович излагал события средствами танца (не прибегая к чистой пантомиме) и добивался более тесной связи с музыкой, стремясь воплотить ее в танце. В его спектаклях впервые за многие годы появились танцевальные ансамбли, призванные раскрывать внутреннее содержание действия, состояние души героев, не проявляющееся в прямых поступках (например, «мысли» одной из героинь Легенды о любви Мехмене-бану).

В Большом театре Григорович поставил новую редакцию балета П.И.Чайковского Щелкунчик (1966), где сказочный сюжет стал основой для серьезных размышлений, раскрывающих душевный мир девочки-подростка. Балет Спартак (музыка А.И.Хачатуряна, 1968), принесший Григоровичу мировую славу, – героическая трагедия о борьбе и любви. Все последующие постановки Григоровича всегда имели в основе предельный накал страстей, иногда мрачных (Иван Грозный, на музыку Прокофьева, 1975), иногда возвышенных (Ромео и Джульетта, музыка Прокофьева, 1979). Другие его спектакли в Большом театре (помимо переделок балетов классического наследия) – Ангара (музыка А.Я.Эшпая, 1976), Золотой век (музыка Д.Д.Шостаковича, 1982). Во второй половине 1980-х – начале 1990-х годов малая активность Григоровича в Большом театре, отсутствие новых оригинальных постановок стали вызвать нарекания. В 1995 он был вынужден уйти из Большого театра.

Значение творчества Григоровича для русского балета второй половины 20 в. очень велико. На рубеже 1950–1960-х годов он первым заявил о возможностях новых форм балетного спектакля, о возврате к танцевальности, стал ключевой фигурой реформ последующих десятилетий. С Григоровичем работали и на определенном этапе были его единомышленниками все ведущие танцовщики Большого театра 1960–1970-х годов: его жена Н.И.Бессмертнова, М.М.Плисецкая, Е.С.Максимова, В.В.Васильев, М.Э.Лиепа, М.Л.Лавровский и др.

20) Творчество Эйфмана.

Родился 22 июля 1946 года в городе Рубцовске Алтайского края. Один из ведущих хореографов мира Борис Эйфмана свои первые шаги как постановщик танцев сделал уже в 16 лет. С 1962 по 1966 год он руководил детским хореографическим коллективом. В 1972 году он окончил балетмейстерское отделение Ленинградской государственной консерватории имени Римского-Корсакова. Его первые постановки - балеты "Жизни навстречу" (1970, муз. Кабалевского), "Икар" (1970, муз. А. Чернова, В. Арзуманова), "Блестящий дивертисмент" (1971, муз. М. Глинки), "Фантазия" (1972, муз. А. Аренского) - вызвали взволнованный отклик зрителей и пристальное внимание критиков. Дипломная работа молодого хореографа - балет "Гаяне" на музыку А. Хачатуряна (1972) - был создан и показан на сцене Малого театра оперы и балета в Ленинграде. Это было блистательное начало творческого пути.

С 1971 по 1977 год Б.Я. Эйфман работал балетмейстером в Ленинградском Академическом хореографическом училище имени А.Я. Вагановой (ныне Академия русского балета имени А.Я. Вагановой). После "Гаянэ" им были созданы балеты: "Русская симфония" (1973, муз. В. Калинникова), "Встречи" (1975, муз. Р. Щедрина), "Жар-птица" (1975, муз. И. Стравинского), "Прерванная песня" (1976, муз. И.Калныньша), "...Души прекрасные порывы" (1977, муз. Р. Щедрина). Все они с большим успехом шли на сцене ленинградского Театра оперы и балета имени Кирова. Спектакль "Жар-птица" принес Б.Я. Эйфману мировую известность: вскоре после премьеры в Ленинграде он был показан в Москве и на гастролях в Японии. Помимо театральных постановок в эти годы Б.Я. Эйфман стал автором фильмов-балетов: "Вариации на тему рококо", "Икар", "Блестящий дивертисмент".

В 1977 году молодой хореограф получил возможность создать свой театр при Ленконцерте, который получил название "Новый балет", а впоследствии был переименован в Санкт-Петербургский государственный академический Театр балета под руководством Бориса Эйфмана. Не имея ни сцены, ни постоянных репетиционных помещений, с маленьким коллективом, он сумел произвести сильнейшее впечатление первой же программой, в которую вошли спектакли: "Только любовь" (муз. Р. Щедрина), "Искушение" (муз. Р. Уэйкмана), "Под покровом ночи" (муз. Б. Бартока), "Прерванная песня" (муз. И. Калныньша), "Двухголосие" (муз. Д. Баррета - из репертуара "Пинк Флойд"). Камерный балет "Двухголосие" зрители до сих пор вспоминают как потрясение. В последующие годы Б.Я. Эйфман поставил спектакли "Жар-птица" (1978, муз. И. Стравинского) и "Вечное движение" (1979, муз. А. Хачатуряна).

Театр Б.Я. Эйфмана изначально возник как авторский, как театр одного хореографа, что для тех лет было явлением уникальным. Первые спектакли коллектива были обращены к молодежной аудитории. Смелым экспериментом стал балет "Бумеранг" на музыку Д. Маклафлина, о котором "Нью-Йорк таймс" опубликовала статью под заголовком "Борис Эйфман - человек, который осмелился".

Становление Театра балета под руководством Б.Я. Эйфмана связано с духовным воспитанием целого поколения российского зрителя. Репертуар театра поражал своим многообразием: трагедия и буффонада, библейская притча и психологическая драма, рок-балет и детская сказка... Велико было и жанровое разнообразие постановок: полнометражные одноактные спектакли, камерные балеты и хореографические миниатюры.

Всего за годы своей плодотворной творческой деятельности он создал более 40 балетов, которые отличаются масштабностью поднимаемых тем, оригинальностью хореографического решения.

21) Выдающиеся мастера зарубежной хореографии.

ЛИФАРЬ, СЕРГЕЙ МИХАЙЛОВИЧ (Lifar, Serge) (1905–1986), русский артист балета, балетмейстер, теоретик танца, работавший во Франции. Родился в Киеве 2 (15) апреля 1905. Первые навыки в искусстве танца получил в студии Б.Ф.Нижинской в 1921. С 1923 жил во Франции, где работал в 1923–1929 в труппе «Русский балет Сергея Дягилева» и обучался у Э.Чекетти и ряда русских педагогов. Быстро усовершенствовав технику, стал превосходным классическим танцовщиком лирико-романтического плана и занял ведущее положение в труппе Дягилева. Исполнял главные роли во многих балетах: Кошка (балетмейстер Дж.Баланчин, музыка Э.Соге, 1927), Ода (балетмейстер Л.Ф.Мясин, музыка Н.Д.Набокова, 1928), Аполлон Мусагет (балетмейстер Баланчин, музыка И.Ф.Стравинского, 1928), Блудный сын (балетмейстер Баланчин, музыка С.С.Прокофьева, 1929). К 1929 относится первый опыт постановки балета – Байка про лису, кота, петуха да барана Стравинского. Однако в том же году антреприза Дягилева со смертью ее руководителя прекратила существование. Лифарь был приглашен в Парижскую оперу и поставил балет Бетховена Творения Прометея (1929), а с 1930 возглавил труппу и оставался ее балетмейстером до 1958, а танцовщиком до 1956 (с перерывом в 1944–1947, когда руководил труппой «Новый балет Монте-Карло»).

Лифарь сыграл огромную роль в развитии балета во Франции, обогатил репертуар Парижской оперы, поставив более 70 оригинальных балетов и большое число возобновлений, в том числе таких знаменитых спектаклей классического наследия, как Жизель, в которой исполнял роль Альберта с 1931 и до конца своей карьеры. Одновременно провел реформу театра, где вплоть до 1930-х годов сохранялись порядки, заведенные в 19 в. Лифарь пригласил новых педагогов, и благодаря ему в труппе выросло несколько поколений выдающихся артистов.

Стиль балетов Лифаря формировался постепенно, от постановки к постановке. Это были одноактные (как всюду на Западе) сюжетные балеты, преимущественно основанные на мифах и легендах – библейских, античных или средневековых. В центре его ранних спектаклей – активный герой, упорно идущий к своей цели: Прометей, Икар (на ритмы Лифаря и Ж.Сифера, 1935), торжествующий Давид (одноименный балет, музыка В.Риети, 1937), Александр Великий (одноименный балет, музыка Ф.Гобера, 1937), Рыцарь (Рыцарь и девушка (музыка его же, 1941), Дон Жуан (Жоан из Цариссы, музыка В.Эгка, 1942) и др. В более поздних балетах, поставленных уже для балерин труппы, таких, как Наутеос (музыка Ж.Лелё, 1954), Фантастическая свадьба (музыка М.Деланнуа, 1956), возникла тема одиночества героя, невозможности противостоять судьбе.

В решении идеи спектакля Лифарь склонялся к аллегоричности, мелодраматической патетике и стилизаторству. Пользовался средствами классического танца, но обновлял его лексику, вводя новые движения (сам он называл свой стиль «неоклассическим»). Танцевальным построениям в его балетах была свойственна некоторая статуарность, подчеркнутая живописность поз и групп. В послевоенные годы как тематика, так и стиль спектаклей Лифаря казались уже устаревшим.

Помимо исполнительской и постановочной работы немалое значение имела деятельность Лифаря как теоретика танца и писателя. В 1935 Лифарь опубликовал Манифест хореографа, один из главных тезисов которого – самостоятельность танца, независимость его от музыки: на практике он осуществил эту идею в балете Икар. Позднее Лифарь написал ряд книг – как воспоминаний, так и исследований. Кроме балета особое внимание Лифаря привлекали произведения А.С.Пушкина.

Рудольф Фон Лабан— один из создателей свободного танца — предтечи танца модерн.

Родился в Австро-Венгрии, жил и работал в Германии и Англии. Лабан стремился к возрождению социальной роли искусства как совместного действия людей; главное место в этом он отводил танцу. Настоящий новатор и один из первых теоретиков танца, он придумал новую систему его записи — «лабанотацию». Наибольшую известность Лабан приобрел как создатель «экспрессивного танца» (Ausdruckstanz) и искусства «движущихся хоров» (последний вид искусства был особенно распространён в Германии и Советской России в 1920—1930-х годах). Чтобы танец поднялся на уровень других искусств, в нём должен совершиться переворот, подобный тому, какой в начале XX века произошёл в изобразительном искусстве. Лабан помог этот переворот совершить.

 

Самый, пожалуй, радикальный из всех пионеров свободного танца, он отказался не только от традиционных танцевальных па, но и от музыкального аккомпанемента, темы и сюжета. Он открыл, что выразительность танцу придает пространство, а не тело как таковое. Освободившись от заученных движений, тело должно искать собственные ритмы и «упиваться пространством». В 1920-е годы вокруг Лабана объединились не менее смелые экспериментаторы танца — Курт Йоос (Kurt Joos), Мэри Вигман (Mary Wigman), Сюзанн Пероте (Susanne Perottet), Дуся Берёзка (Dussia Bereska). Они работали вместе в больших летних школах в Мюнхене, Вене и Асконе, до тех пор, пока не была основана первая международная труппа Tanzbuehne Laban (1923—1926) — «театр аутентичного жеста» или «экспрессивного танца». Театр танца Лабана не был чужд социальной тематике, вдохновляясь драмой Б.Брехта, конструктивизмом, политической карикатурой. В 1930-е годы, совместно с Йоосом, Лабан создавал политические антивоенные балеты. В 1938 г. он покинул Германию, а после окончания войны открыл студию по изучению движения в Манчестере. В 1975 г. эта студия, переехав в Лондон, стала всемирно известным Центром движения и танца Лабана.

Куртом Йоссом.

ЙОСС (Jooss) Курт (р. 12.1.1901, Вассеральфинген - 29.5.1979, Хейльбронн), немецкий артист, балетмейстер и педагог (ФРГ).

В 1919-21 гг. учился в Высшей музыкальной школе в Штутгарте, затем работал с балетм. Р. Лабаном в театрах Мангейма и Гамбурга.

В 1924- 25 гг. балетмейстер государственного театра в Мюнстере. Здесь совместно с балериной А. Симола, композитором Ф. Коэном, артистом и балетмейстер З. Ледером и художником X. Хекрогом организовал труппу "Нойе танцбюне", ставил балетные номера в экспрессионистской манере: "Персидская сказка" Веллеса (1924), "Демон" Хиндемита (1925) и др.

Изучал классический танец в Вене и Париже.

В 1927 г. руководил отделением танца "Фолькванг-шуле" в Эссене, преобразованной в 1928 г. в "Фолькванг танцтеатер".

В 1930-33 г. работал как балетмейстер в Эссенском муниципальном театре.

Постановки: "Демон" Хиндемита, "Король Дроздобород" на музыку Моцарта (1929), "Комната No 13" Коэна, "Павана" на музыку Равеля (оба - 1929), "Петрушка"; "Бал" Риети, "Половецкие пляски" (все - 1930), "Коппелия", "Блудный сын" (оба - 1931), "Пульчинелла". (1932).

Творчество Йосса было направлено на создание танциональной драмы нового типа. Одним из первых он осознал необходимость синтеза танца модерн с техникой классического танца и небалетной пантомимы. Его теоретические воззрения получили детальную разработку в системе "эукинетика".

Новаторство Йосса проявилось и в обращении к совершенно новым для балетного театра темам. Его "Зелёный стол" на музыку Ф. Коэна - первый балет с ярко выраженной политической и антимилитаристской направленностью получил 1-ю премию на Международном конкурсе хореографов в Париже (1932) и до сих пор сохраняется в репертуаре немецких и другох театров.

В 1933 г. Йосса эмигрировал вместе со своей труппой, получившей название "Балле Йосс", в Англию и обосновался в Дарлингтоне, где открыл собственную школу.

С труппой гастролировал в Америке и Западной Европе.

Успехом пользовались балеты: "Семь героев" на музыку Перселла - Коэна, "Блудный сын" Коэна (оба - 1933), "Сегодня вечером Иоганн Штраус" (1935); "Компания на постоялом дворе" на музыку Бетховена - Кука (1943), "Пандора" Герхарда (1974) и др.

В 1947 г. труппа Йосса распалась, он работал в Чили, в 1949-68 гг. вновь руководил отделением танца в школе "Фолькванг-шуле" и труппой "Фолькванг-балет".

Ставил балеты в Дюссельдорфе, Стокгольме, для фестивалей в Шветцингене и Зальцбурге.

Творчество Йосса, крупнейшего представителя экспрессионизма в танце, оказало большое влияние на развитие хореографического искусства многих стран.

Фред Аштон. 1904–1988), английский хореограф и руководитель труппы Королевский балет Великобритании в 1963–1970, родился в Гуаякиле (Эквадор). Начал ставить балеты в труппе Мари Рамбер в 1926. В 1933 вступил в труппу, которая впоследствии стала именоваться Королевским балетом; на спектаклях, которые он поставил, выросло несколько поколений английских артистов балета, в частности Маргот Фонтейн. Стиль Аштона, основой которой стал метод обучения, предложенный Э.Чекетти, определил особенности английской балетной школы. В числе наиболее значительных постановок Аштона: Конькобежцы (на музыку Дж.Мейербера, 1937). Симфонические вариации (на музыку С.Франка, 1946), Золушка(музыка Прокофьева, 1948), Подношение ко дню рождения (на музыку А.К.Глазунова, 1956), Тщетная предосторожность (на музыку Луи Жозефа Фердинанда Герольда в обработке Джона Ланчбери, 1960), Сон (на музыку Ф.Мендельсона, 1964), Монотонности 1 и 2 (на музыку Э.Сати, 1965, 1966), и Месяц в деревне (на музыку Ф.Шопена, 1976). Аштон поставил для Михаила Барышникова и Лесли Кольер Рапсодию (на музыку С.В.Рахманинова, 1980). Будучи руководителем труппы Королевский балет, ставил также отдельные танцы и сцены в Лебедином озере и Спящей красавице.

БАЛАНЧИН, ДЖОРДЖ (Balanchine, George) (1904–1983), русско-американский хореограф, новатор. Баланчин считается выдающимся хореографом 20 в., он вернул на балетную сцену чистый танец, оттесненный на второй план сюжетными балетами. В своих новаторских постановках Баланчин использовал, в частности, современную музыку разных стилей.

Георгий Мелитонович Баланчивадзе, сын известного грузинского композитора (и брат не менее известного композитора Андрея Баланчивадзе), родился в Петербурге 9 (22) января 1904. В 1914 он поступил в Петроградское театральное училище, в 1921 окончил его и был принят в труппу петроградского Государственного театра оперы и балета (бывшего Мариинского). Став в начале 1920-х годов одним из организаторов коллектива «Молодой балет», он ставил там свои номера, которые исполнял вместе с Т.Л.Жевержеевой (позже известной как Тамара Жева), А.Д.Даниловой, Л.А.Ивановой, Н.П.Ефимовым и др. В 1924 при содействии певца В.П.Дмитриева группа танцовщиков получила разрешение для выезда в европейское турне. Затем их пригласил С.П.Дягилев, и Баланчин стал следующим, после Б.Ф.Нижинской, хореографом труппы «Русского балета Сергея Дягилева». Он осуществил десять постановок, в том числе балет Аполлон Мусагет (музыка И.Ф.Стравинского, 1928). С этого времени началось многолетнее сотрудничество Баланчина и Стравинского. Именно Дягилев придумал для Баланчивадзе европеизированный вариант его имени – Баланчин.

После смерти Дягилева (1929) труппа «Русский балет» распалась. В 1933 Линкольн Кёрстайн пригласил Баланчина для создания Школы американского балета и труппы «Американский балет». С 1935 по 1938 «Американский балет» работал в нью-йоркской «Метрополитен-опера». В 1936 Баланчин поставил балет Убийство на Десятой авеню (Slaughter on Tenth Avenue) в составе мюзикла Роджерса и Харта На пуантах (On Your Toes), что послужило началом тенденции к серьезному танцу на Бродвее. В 1940 Баланчин стал гражданином США. В 1941 для латиноамериканских гастролей американской труппы «Америкен балле караван» он создал два самых знаменитых своих спектакля – Балле Импириал (Ballet Imperial, на музыку Чайковского) и Кончерто барокко (Concerto Barocco, на музыку И.С.Баха). В 1944 и 1946 Баланчин сотрудничал с «Русским балетом Монте-Карло». Две работы Баланчина сделаны для «Балле тиэтр» – Школа вальса (Waltz Academy, на музыку В.Риети, 1944) и Тема с вариациями (на музыку Чайковского, 1947).

В 1946 Баланчин и Кёрстайн основали труппу «Балле сосаети», которая в 1948 стала называться «Нью-Йорк сити балле». В репертуаре труппы преобладали его постановки, среди которых: Орфей (музыка И.Ф.Стравинского, 1948), Блудный сын (музыка С.С.Прокофьева, 1959), Вальс (музыка М.Равеля), Шотландская симфония (на музыку Ф.Мендельсона) и Метаморфозы (на музыку П.Хиндемита, 1952), Щелкунчик и Лебединое озеро (музыка П.И.Чайковского, 1954), Square Dance (на музыку А.Вивальди и А.Корелли) и Агон (музыка И.Ф.Стравинского, 1957), Симфония Гуно и Семь смертных грехов (музыка К.Вайля, 1958), Модерн Джаз (на музыку Г.Шуллера) и Электроника (музыка Р.Гассмана и О.Сала, 1961), Дон Кихот (музыка Н.Набокова, 1965); восемь балетов для организованного труппой фестиваля Стравинского в 1972; Венские вальсы (на музыку И.Штрауса-сына, Ф.Легара и Р.Штрауса, 1977)