14. Основные формы народно - сценического танца.

Хоровод – это массовый танец. В нем принимают участие и молодежь, и люди среднего возраста, и даже старики. Музыка танца обычно медленная, напевная, лиричная. Музыкальный размер чаще используется 4/4, но бывает и 2/4, реже, 3/4. Танец часто сопровождается пением.

Большая роль в хороводе отводится хороводнице – женщине, которая пользуется всеобщим уважением, благодаря чему и заслужила право руководить танцем. В другое время хороводница может быть свахою на свадьбах, бабою-позываткою на пирах, кумою на крестинах. Основные фигуры хоровода – это хождение по кругу. Хороводница руководит хождением танцующих в одном большом кругу, затем разбиванием его на несколько маленьких, вновь схождением в один большой круг.

В старину хороводы водились на особенных местах, каждое из которых получало свое название. Это были озера, реки, лужайки, рощи, пустоши, огороды, дворы. На одних местах собирались хороводы только праздничные, на других – повседневные. Для праздничных хороводов селяне пекли пироги, караваи, красили в желтый цвет яйца.

Виды хоровода

Этот танец является поистине универсальным, и в том или ином виде, под разными названиями встречается у многих народностей. Так, в Болгарии хоровод называется хоро, в Молдавии – хора, хурэ, в Литве – карогод, в Сербии – коло, что в переводе означает «круг».

Различают хороводы женские и смешанные. Молодые парни могут принять участие в хороводе только по приглашению хороводницы. Это прекрасная для них возможность познакомиться с понравившейся девушкой, с ее окружением и родными.

Виды хоровода:

Орнаментальные.  Если в тексте песни, сопровождающей хоровод нет конкретного действия, ярко выраженного сюжета, действующих лиц, то это орнаментальный хоровод. Участники хоровода ходят кругами, рядами, заплетают из хороводной цепи различные фигуры, согласую свой шаг с ритмом песни, являющейся лишь музыкальным сопровождением. Игровые.  Хоровод, в песне которого имеются действующие лица, игровой сюжет, конкретное действие, то содержание песни разыгрывается всеми участниками хоровода одновременно. Исполнители с помощью пляски, мимики, жестов создают различные образы и характеры героев. Часто персонажами песни являются животные, птицы

Пляска  В древности пляски носили обрядовый, культовый характер, но со временем приобрели бытовой. Пляска - это наиболее распространенный и любимый жанр русского народного танца.  Пляска родилась в хороводе и вышла из нее, разорвав хороводную цепь, усложнив техническую основу, создав свои формы и рисунки, заменив хороводную песню плясовой и различным музыкальным сопровождением. Пляской можно выражать различные состояния человека. Пляска состоит из ряда отдельных движений - элементов, которые отличаются характерной манерой исполнения, имеют русский национальный колорит. Каждые движения в пляске наполнены смыслом. В пляске могут участвовать парни и девушки, мужчины и женщины, подростки и пожилые люди. Для мужской пляски характерны широта, размах, удаль, сила, внимание и уважение к партнерше. Для женской пляски характерны величавость, плавность, благородство и задушевность, однако часто она исполняется живо, с задором.  В каждой пляске есть свое содержание, сюжет. Одной из отличительных особенностей пляски является индивидуальная импровизация. Пляска отличается от хоровода более богатой и сложной лексикой танцевальных движений. Помимо обогащения лексики пляска дает возможность и для усложнения и разнообразия пространственного рисунка: лихие выходы парней, задорные проходки девушек, перебежки, разнообразные по рисунку переходы пар и т.д. - все это создает новые рисунки и построения, присущие только пляске. Отличает пляску от хоровода и музыкальное сопровождение. Пляски идут не только под песни, а под аккомпанемент различных музыкальных инструментов

ВИДЫ ПЛЯСКИ  Одиночная.  Бывает мужской и женской. В ней наиболее полно отражается индивидуальность, мастерство, изобретательность исполнителя. Одиночная пляска основана на импровизации исполнителя.

Парная .  Ее исполняют в основном парень и де вушка. Содержание парной пляски - как бы сердечный разговор, диалог влюбленных. Чаще всего это свадебные пляски.

Перепляс.  Это соревнование в силе, ловкости, изобретательности. Это показ индивидуальности исполнителя

Массовый пляс.  В этой пляске нет ограничения ни в возрасте, ни в количестве участников. Массовый пляс чаще всего исполняют в парах - один против другого. Пляшут по одному, по трое, по четверо, но у каждого исполнителя пляса есть своя задача - не только показать себя, но и сплясать лучше, чем стоящий рядом.

Групповая пляска.  В групповой пляске может участвовать много народа. Групповая пляска имеет установленное построение. Она вобрала в себя многие фигуры хороводов, в некоторые групповые пляски вошли одиночная или парная пляска, используется импровизация.

Кадриль  По количеству исполнителей кадриль можно отнести к групповым пляскам, но ее более позднее возникновение и появление в быту русского человека, своеобразное построение, четкое деление на пары и фигуры и ряд других признаков отличают кадриль от традиционных плясок. Поэтому кадриль выделяется в самостоятельную форму. Кадриль ведет свое происхождение от салонного французского танца. Французская кадриль начала распространятся в русском народе в начале XIX столетия.  В народе кадриль десятилетиями видоизменялась, совершенствовалась и создавалась заново. Она приобрела своеобразные движения, рисунки, манеру исполнения, взяв от салонного танца лишь некоторые особенности построений, да название. Русский народ сделал кадриль разнообразной по рисунку, введя в нее многие фигуры русских хороводов и плясок. Богаче стала и форма кадрили, она стала исполняться и линиями, и квадратом, и в круговом построении. В кадрили стали принимать участие различное количество пар: 2, 4, 6, 8 и больше, но обязательно четное. В некоторых местностях, где было мало мужчин, появляются кадрили, исполняемые одними девушками. Если французская кадриль состояла из 5 - 6 фигур, то в русской народной кадрили встречается, от 3 до 14 и даже более фигур. Названия фигур французской кадрили почти не имели отношения к существу танца. В русской же кадрили фигуры получили разнообразные названия исходя из местных особенностей, а самое главное - названия эти ярко характеризуют каждую фигуру с точки зрения хореографии или ее содержания.

ВИДЫ КАДРИЛИ  Квадратная.  Она исполняется четырьмя парами, стоящими друг напротив друга по углам квадрата. Движение и переходы пар происходят по диагонали или крест – накрест

Линейная.  Может участвовать от 2 до 16 пар. Пары располагаются в таком порядке: слева от зрителя первая пара, в другой линии, напротив нее, вторая пара и т.д. Каждая пара пляшет почти всегда только с противостоящей парой. Линейным кадрилям присущи свои построения и переходы пар:

15. Ведущие профессиональные коллективы У. Крыма

1. «Таврия» — Симферопольский государственный вокально-хореографический ансамбль «Таврия» имени Л. Чернышевой ( 1971)

Сегодня ансамбль «Таврия», с гордостью носящий имя своей основательницы, бережно сохраняет и приумножает традиции и творческие принципы, заложенные Лидией Чернышевой.

Композиции, созданные Чернышевой, органически сочетали музыку, танец, слово и пение. Они отличались национальной самобытностью, высоким профессионализмом.

В 1982 году ансамбль преобразован в Государственный вокально-хореографический ансамбль Украины "Таврия".

2.Ансамбль песни и пляски Черноморского флота РФ

марте 1932 года была организована небольшая группа певцов и танцоров, вошедших в состав созданного в это же время Краснофлотского театра Черноморского флота. Первой крупной постановкой ансамбля была музыкально-литературная композиция «Красный Флот в песнях», с которой коллектив много раз выступал на кораблях, береговых батареях и в других воинских частях флота. Первым художественным руководителем ансамбля был С.П.Кузнецов, ранее работавший с флотской художественной самодеятельностью. И хотя репертуар, с которым ансамбль выступал в те годы, был актуален с политической точки зрения, но он воспитывал у участников коллектива хорошие хоровые навыки. В 1938 году ансамбль приказом Народного комиссара Военно-морских сил был выделен из Краснофлотского театра в самостоятельную творческую единицу с определенным штатом участников. В конце 1938-го года в ансамбле был создан оркестр В годы Великой Отечественной войны ансамбль не прекращал своей деятельности. Помогая нашим воинам защищать Севастополь, певцы, музыканты, танцоры появлялись на самих различных участках его обороны: выступали на боевых кораблях, передовых позициях, в землянках, окопах, одним словом везде, где яркое художественное слово, песня, пляска могли содействовать подъему воинского духа моряков, солдат, офицеров. 16. Год создания государственного академического ансамбля танца России

- Государственный академический ансамбль народного танца имени Игоря Моисеева — хореографический ансамбль народного танца, созданный в 1937 году хореографом и балетмейстером Игорем Александровичем Моисеевым. ГААНТ имени Моисеева — первый в мире профессиональный хореографический коллектив, занимающийся художественной интерпретацией и пропагандой танцевального фольклора народов мира.Для достижения максимальной выразительности и экспрессивности танцевального действа Игорем Моисеевым были использованы все средства сценической культуры: все виды и роды танцев, симфоническая музыка, драматургия, сценография и актерское мастерство. Помимо этого Моисеев взял за основу принцип равенства артистов ансамбля, в коллективе с самого начала не было солистов, ведущих танцоров и кордебалета — любой участник мог исполнять как главную, так и второстепенную роль в постановке.

Репертуар ансамбля составляют около 300 хореографических произведений, созданных Игорем Моисеевым, начиная с 1937 года. По жанровому признаку все танцы делятся на хореографические миниатюры, танцевальные картины, сюиты танцев и одноактные балеты. Тематически танцы объединены в циклы «Картинки прошлого», «Советские картинки» и «По странам мира». В списке приведены наиболее часто исполняемые хореографические номера.

17. Истоки зарождения и развития танца.

1 этап: ритуальные танцы. Все важнейшие особенности образа жизни людей отражались в ритуальных плясках. Основные темы были таковы: охота и война и тема любви. Чуть позже появляется деление на пляски-игры, культовые пляски и бытовые пляски.

2 этап: греко-римский. Танец стали преподавать в учебных заведениях. Они делились на несколько категорий: священные танцы (исполнялись в храмах) и общественные (воинские пляски, массовые гуляния)

3 этап: мрачное средневековье. Этот этап носит такое название, потому что танец полностью искореняли из жизни общества. Ему присвоили культ «дьявольского наваждения», а тело (в особенности женское) стало символом любых форм осквернения.

4 этап: феодализм. Одной из главнейших форм развлечения знати были балы и маскарады.

5 этап: появление балета. Заимствованный в Италии, балет появился во Франции, в XVI. в качестве придворного балета. Самостоятельным видом танцевального искусства он становится во второй половине XVIII в. благодаря реформам Жан-Жоржа Новерра.

6 этап: современный танец. Основоположница нового направления – Айседора Дункан. Источником вдохновения она считала природу. Выражения ее чувств не имело ничего общего с какой-то определенной хореографической системой. Импровизация, танец босиком, отказ от традиционного балетного костюма – все это послужило развитию такого стиля танца, как модерн.

18. Основные формы бального танца.

Бальные танцы – группа различных парных танцев, некоторые из которых имеют народные истоки. Эти танцы очень сильно видоизменялись, каждая эпоха влекла за собой какие-либо изменения.

Большинство бальных танцев в наше время имеют африканские корни, сильно замаскированные европейской школой.

В XX в. английские специалисты стандартизировали все известные к тому времени танцы: вальс, фокстрот, танго. Так появились конкурсные танцы. Позже к ним добавились еще 5 танцев из латиноамериканской программы: ча-ча-ча, самба, джайв, румба и пасадобль.

С середины XX в. бальный танец подразделяется на две категории: спортивный и социальный.

Бальные танцы XX века сложились на основе европейского танца, в который на рубеже XIX—XX веков вдохнула новую жизнь африканская и латиноамериканская музыкальная и танцевальная культура. Подавляющее большинство современных бальных танцев имеют африканские «корни», уже хорошо замаскированные технической обработкой европейской танцевальной школы.

Все бальные танцы являются парными. Пару составляют кавалер и дама, танцующие с соблюдением точек контакта. В Европейской программе этот контакт более плотный. Он сохраняется в течение всего танца. В Латиноамериканской программе контакт более свободный, чаще всего осуществляется за счет соединенных рук и иногда может как вообще теряться, так и усиливаться за счет натяжения при исполнении фигур.

Поскольку исполнение бальных танцев требует определенных навыков и тренированности, их популярность в обществе снизилась с течением времени. Появление твиста в 1960-х годах ознаменовало конец парных танцев. Такие танцы, как вальс, танго, фокстрот и т. д. фактически перестали служить для массового развлечения. В истории бального танца открылась новая страница.

Европейская программа

В Европейскую программу (Modern или Standart) входят 5 танцев: квикстеп (темп—50-52 тактов в минуту), медленный вальс (темп—28-29 тактов в минуту), танго (темп—30-32 тактов в минуту), медленный фокстрот (темп—27-29 тактов в минуту), и венский вальс (темп—58-60 тактов в минуту). В эту программу должны быть одеты в соответствующиетребованиям бальные платья. Кавалеры должны быть одеты во фраки черного или темно-синего цвета и носить бабочку или галстук. Вместо фрака разрешено танцевание всмокинге или в жилете. Современный танцевальный костюм отличается от повседневного в первую очередь покроем, одна из особенностей которого в том, что плечи костюма партнера должны оставаться ровными, когда руки поднимаются в стороны.

Латиноамериканская программа

Латиноамериканские танцы

В Латиноамериканскую программу (Latin) входят танцы: самба (темп — 50-52 тактов в минуту), ча-ча-ча (темп — 30-32 тактов в минуту), румба (темп — 21-25 тактов в минуту),пасодобль (темп — 58-62 тактов в минуту) и джайв (темп — 60-70 тактов в минуту). Из латиноамериканских танцев только самба и пасодобль танцуются с продвижением по линии танца. В остальных танцах танцоры более или менее остаются на одном месте, хотя и в этих танцах возможно перемещение танцоров по танцевальной площадке с возвратом к исходной точке или без. В настоящее время конкурсные платья дам, как правило, короткие, очень открытые и облегающие. Современный конкурсный костюм кавалеров тоже достаточно облегающий, подчеркивающий мужественные линии тела.

19. Основные законы драматургии.

I. Экспозиция знакомит зрителей с действующими лицами, помогает им составить представление о характере героев. В ней намечается характер развития действия; с помощью особенностей костюма и декорационного оформления, стиля и манеры исполнения выявляются приметы времени, определяется место действия. Действие здесь может развиваться неторопливо, постепенно, а может динамично, активно. Длительность экспозиции зависит от той или иной задачи, которую решает здесь хореограф, от его музыкального материала, строящегося, в свою очередь, на основе сценария произведения, его композиционного плана.

II. Завязка. Само название этой части говорит о том, что здесь завязывается – начинается действие: здесь герои знакомятся друг с другом, между ними либо между ними и какой-то третьей силой возникают конфликты. Драматургом, хореографом сделаны первые шаги, которые впоследствии приведут к кульминации.

III. Основное действие перед кульминацией - это та часть произведения, где развёртывается действие. Конфликт, черты которого определились в завязке, обретает напряженность. Ступени перед кульминацией действия могут быть выстроены из нескольких эпизодов. Количество их и длительность, как правило, определяется динамикой развёртывания сюжета. От ступени к ступени она должна нарастать, подводя действие к кульминации. Некоторые произведения требуют стремительно развивающейся драматургии, другие, наоборот, замедленного хода событий.

IV. Кульминация – наивысшая точка развития драматургии хореографического произведения. Здесь достигает наивысшего эмоционального накала динамика развития сюжета, взаимоотношение героев.

В бессюжетном хореографическом номере кульминация должна выявляться соответствующим пластическим решением, наиболее интересным рисунком танца, наиболее ярким хореографическим текстом, т.е. композицией танца. Кульминации обычно соответствует также наибольшая эмоциональная наполненность исполнения.

V. Развязка – завершает действие. Развязка может быть либо мгновенной, резко обрывающей действие и становящаяся финалом произведения, либо, наоборот, постепенной. Та или иная форма развязки зависит от той задачи, которую ставят перед произведением его авторы. Развязка – идейно нравственный итог сочинения, который зритель должен осознавать в процессе постижения всего происходящего на сцене.

Все части хореографического произведения органично связаны друг с другом, последующая вытекает из предыдущей, дополняет и развивает её.

16.Композиция в хореографическом искусстве. Композицию создает балетмейстер – создатель, сочинитель хореографического произведения. Это может быть сочинение целого балета, отдельного танцевального номера, эпизода в пляске, дуэта, трио, квартета и т.д. Каждая композиция включает в себя ряд танцевальных комбинаций, она должна основываться на определенном музыкальном материале и отражать все особенности музыки, строится по законам драматургии и включать в себя экспозицию, завязку, ступени перед кульминацией, кульминацию и развязку. В композиции следует различать рисунок танца и хореографический текст.  Композиция танца состоит из ряда компонентов. В не входят: драматургия (содержание), музыка, текст (движения, позы, жестикуляция, мимика), рисунок (перемещение танцующих по сценической площадке), всевозможные ракурсы. Все это подчинено задаче выразить мысль и эмоциональное состояние героев в их сценическом поведении. Композиция составляется из ряда частей – танцевальных комбинаций.

20. Хореография это

21. Композиция - составление целого из частей. В хореографии же композиция представляет собой гармоническое единство формы и содержания хореографического произведения, отличающегося оригинальностью выразительных средств.

Понятие композиции существует во многих видах искусства, например, в живописи (компонент художественной формы, придающий единство и цельность), в литературе (структура, план выражения и построение художественного произведения), в музыке (категория музыкальной эстетики, характеризующая воплощение музыки в виде выработанного и завершенного произведения), в архитектуре (расположение частей и форм здания или комплекса и соотношение их между собой).

21. Временные искусства (динамические или процессуальные, воспринимаются слухом) – музыка и художественная литература

23.Виды балетмейстерской деятельности.

3. Балетмейстер и сфера его деятельности.

Балетмейстер – мастер танца, постановщик танца. Балетмейстеры работают в оперно-балетных театрах, а также в муз.комедии, на эстраде, в ансамблях классического и народного танца соединяют бальные танцы. Одни балетмейстеры создают характерные произведения, другие репетируют, ведет педагогическую работу.

Балетмейстер постановщик – переносит точность текста произведения; доносит до зрителя мысль произведения. Он ставит уже готовое произведение.

Балетмейстер постановщик должен досконально знать лексику+­рисунок+­характер+­манеру+­замысел сочинителя-.Изменения оригинала как в тексте так и в композиции недопустимо. Если исполнители не справляются с работой ­от неё лучше отказаться.При переносе номера в программу другого коллектива необходимо указывать автора и балетмейстера постановщика

Балетмейстер-репетитор

Как любой художник, балетмейстер должен быть высокообразованным человеком, который не только владеет профессиональными секретами хореографического искусства, но и разбирается в смежных видах искусства - драматургии, музыке, изобразительном искусстве, литературе.  

Балетмейстер-репетитор, как правило, присутствует на постановочных репетициях. Если номер или балетный спектакль создается заново, то он присутствует при всей постановочной работе, которую проводит балетмейстер-сочинитель. Если, например, ставится уже поставленный ранее или в другом месте спектакль, то балетмейстер-репетитор, присутствуя на репетициях постановщика, учит хореографический текст, мизансцены, изучает стиль, характер сочинения.

Балетмейстер-сочинитель

Приступая к работе он должен четко определить цели, четко продумать структуру будущего сочинения: как выстроить завязку, как развивать образы, характеры действующих лиц, как вести действие к кульминации ,как решать развязку. Творчество балетмейстера-сочинителя сродни к творчеству коомпозитора или поэта, но у каждого свой язык.

балетмейстер-сочинитель должен владеть искусством сочинения танца, пантомимных эпизодов, мастерством режиссерского построения мизансцены, умением создавать драматургию хореографического произведения, так как иначе он не сможет в художественно-хореографических образах раскрыть идею произведения, не сможет раскрыть свой замысел.

Сфера творческой деятельности хореографа

Это театр оперы и балете, здесь во всей полноте представлена функция балетмейстера, как мастера хореографа. Идея, образ балетного спектакля, ее оейственное развитие приобретает художественную плоть в сочинениях балет-ра только в танцевальных образах. На современном этапе деятельности балет-ра распространяется на такие виды деятельности:

- Организация и создание хореограф. Коллективов.

- Постановка хореографических сочинений в детских, подростовых, взрослых, профессиональных и любительских хореографических коллективах

- Воспитание средствами хореографических, эстетических потребностей детей и молодежи

- Педагогическая и научно-творческая работа по вопросам хореографического искусства

- Сбор и владение информацией развития форм и стилей хореографии в стране и за рубежом, разработка теоретических вопросов и заданий, работа с литературными , музыкальными и видео материалами.

24. Танец четырех исполнителей – па де катр

25.Содержание и форма как важнейшие эстетические категории искусства.

Содержание и форма – философские категории, во взаимосвязи которых содержание, будучи определяющей стороной целого, представляет единство всех составных элементов объекта, его свойств, внутренних процессов, связей, противоречий и тенденций, а форма есть способ существования и выражения содержания[1]. В искусстве – в художественном произведении, принадлежит содержанию ведущая роль. Содержание искусства – многообразная действительность в ее эстетическом своеобразии, главным образом человек, человеческие отношения, жизнь общества во всей ее конкретности. Форма – внутренняя организация, конкретная структура художественного произведения, которая создается при помощи специфических изобразительно – выразительных средств для выявления и воплощения содержания. Основные элементы содержания произведения искусства – это тема и идея. Тема раскрывает круг жизненных явлений, который отражается и осмысливается в данном произведении. Художественная форма произведения искусства многогранна. К ее основным элементам относятся: сюжет, композиция, художественный язык, материальные изобразительно-выразительные средства (слово, рифма, звукоинтонация, гармония, цвет, колорит, линия, рисунок, светотень, объем).