5.Концепция направления «Антидизайн», ведущие дизайн-студии Италии 1960 – 1970-х гг.
ВОПРОС№ 36. Творчество Эйлин Грей
Род деятельности: промышленный дизайнер, архитектор Дата рождения: 1878 Дата смерти: 1976 Гражданство: Франция Самые известные работы: дом Е1027, столик Е 1027, кресло Bibendum, Boudoir-bedroom de Monte-Carlo
Она не умела вести светские беседы, заводить нужные знакомства и заботиться о коммерческой выгоде. Ее работы приводили в недоумение продавцов и покупателей. Тем не менее она стала классиком мебельного дизайна ХХ века. Столики, диваны, кресла и стулья -- творения знаменитого французского дизайнера и архитектора Эйлин Грей. дизайн Эйлин Грей пользуется большим спросом и в Европе, и в Америке. Чемпионом по продажам является непритязательный, но оригинальный столик, с некоторых пор ставший легендарным. Этот предмет интерьера, в числе других вещей представленный на выставке, изготовлен из хромированных стальных трубок. Его основание -- полузамкнутый круг ("ножки"). Стеклянная или деревянная столешница фиксируется металлическим гвоздиком-стопором, так что высота может варьироваться. К тому же столик снабжен ручками, и его можно легко переносить с места на место. Способность мебели "от Эйлин Грей" к трансформации действительно впечатляет. Письменный стол, например, вполне может быть превращен в низкий кофейный столик. Шкаф "легким движением руки" складывается или, наоборот, раскладывается до такой степени, что его вместимость увеличится вдвое. Стул служит не только местом для сидения, он используется еще и в качестве переносной лестницы. Низкий столик, изготовленный из лакированного дерева и поставленный на лыжные полозья для легкого перемещения, одновременно способен выполнять роль табурета. А в перевернутом состоянии -- быть подставкой для просушивания посуды. Законодатель Профессионалы в области архитектуры и дизайна утверждают, что все революционно новое в этой сфере было создано в первые 30 лет ХХ века. Потом идеи прошлого лишь "дорабатывались" и трансформировались. Творчество Эйлин Грей, пожалуй, подтверждает эту точку зрения. Ставший с недавнего времени ультрамодным стиль хай-тек -- не что иное, как современное воплощение идей и методов знаменитой француженки. Например, использование хромированных стальных трубок. В мебели Грей это ножки столов и стульев, ручки, обрамления и другие декоративно-функциональные детали. Холодная индустриальная эстетика сочетается с роскошью натуральной кожи и яркой цветовой гаммой. Лаконичный дизайн не противоречит способности мебели к трансформации -- практически любой предмет можно увеличить, уменьшить, сложить, разложить. У Эйлин Грей не было своей мастерской, и она не тиражировала свои изобретения. Однако в 1926 году у нее появился магазин. Клиентами стали представители французского бомонда, писатели, художники. Признание и слава к французскому дизайнеру, никогда специально дизайну не обучавшейся, пришли только на закате ее жизни. Кстати, будущий чемпион по продажам -- столик из хромированных трубок тогда не был отмечен особым вниманием поклонников творчества Эйлин Грей. Зато после ее смерти на аукционе Sotheby's именно он был продан за 10 тыс. фунтов стерлингов.
Биография
Эйлин Грей родилась в 1878 году в Ирландии. Она была одной из пятерых детей в богатой аристократической семье. В 1900 году Эйлин поступает учиться в “Slade School of Art” в Лондоне. Уже через два года она переезжает в Париж, где продолжает изучение живописи. Однако в 1905-ом ей пришлось вернуться в Лондон для того, чтобы ухаживать за своей больной матерью. В свободное время она изучает технику лакировки. В 1906 году Эйлин возвращается в Париж, где занимается исследования с японским ремесленником Сеизо Сугаварой (Seizo Sugawara).
В 1913 году Грей впервые экспонирует свои работы в салоне “Artistes Decorateurs”. Впоследствии, она вновь переезжает в Лондон, где работает в студии “Sugawara”. В 1919 году она открывает свой салон в парижской квартире на улице de Lota. Спустя три года Эйлин совместно с архитектурным критиком Жаном Бадовичем (Jean Badovici) открывает галерею “Jean Desert Galerie”. В 1993 она создает интерьер спальни-будуара “Монте-Карло” (Boudoir-bedroom de Monte-Carlo) в рамках салона “Artistes Decorateurs”.
В профессиональном сообществе Эйлин Грей недолюбливали из-за того, что она никому ничего не доказывала, не имела специализированного образования и была… женщиной. Она любила экспериментировать и часто создавала мебель из материалов, которые на тот момент не были популярны. Ее проекты отличались лаконичностью и необычностью форм. Во многом ее идеи опередили тенденции в мебельном дизайне. Например, при создании кресла “Bibendum” она использовала металлические трубки, которые применил в своих проектах более популярный архитектор и дизайнер Ле Корбюзье (Le Corbusier) лишь через 10 лет.
В 1927 году Эйлин Грей проектирует дом “E. 1027″ (название расшифровывается следующим образом: «Е» — первая буква имени Eileen, “10″ — порядковый номер буквы “J”, “2″ — номер буквы “B”, а “7″ — первой буквы ее фамилии. “J” и “B” являются первыми буквами имени и фамилии Жана Бадовича (Jean Badovici), а в 1932-м — дом “Tempe à Pailla”. Затем, на протяжении долгого времени, Грей прекращает активную деятельность и, более не участвует в выставках. Лишь в 1954 году она проектирует новый дом “Lou Perou”.
В 1968 году, после статьи Джозефа Рукверта (Joseph Rukvert) в журнале “Domus”, общественность вновь обратила внимание на творчество Эйлин Грей. Ее работы становятся объектом торга на множестве аукционов, а в 1970 году проходят две персональные выставки в Граце и Вене.
31 октября 1976 года Эйлин Грей скончалась в Париже, о чем был сообщено по французскому национальному радио.
Творчество
Эйлин Грей почти всю жизнь прожила в одиночестве, придумывая вещи – удобные, оригинальные и очень смешные – и строя для них дома (в которых сама же и жила). Хотя ни того, ни другого она не умела. У аристократки и богачки Эйлин Грей не было формального архитектурного образования, да и проектировать мебель ее нигде не учили. Она начинала как художник – это, в отличие от строительства, не считалось эпатажем в английском высшем свете. Родную консервативную Англию она с легкостью променяла на космополитичную вольную Францию. И вряд ли хоть раз пожалела о своем выборе. У нее была маленькая мастерская, вещи она делала в нескольких экземплярах, а дома строила своими руками, при помощи пары рабочих. Увы, они практически не сохранились в нормальном виде.
Ее мебель знают все, но не все знают ее имя. Первые робкие и одновременно очень смелые шаги Эйлин Грей в дизайне пришлись строго поперек тогдашней мебельной моды. Простота линий, металл, хром и лак были не в ходу: дерево – да, золочение – да, резьба – да, но только, Боже сохрани, не пластик. Работы Эйлин казались причудой сумасшедшей богачки, которая от нечего делать и от избытка денег стала проектировать “мебель для бедных”. Впрочем, так казалось только поначалу. Дизайнер во многом опередила свое время.
Эйлин Грей, Day Bed, фото Adjustable Table E 1027 кресло Bibendum
Свой первый (и самый известный) дом, Е 1027, Эйлин Грей построила, когда ей было пятьдесят лет. Тогда же она придумала и самую знаменитую вещь – столик с тем же названием из хромированных стальных трубок – популярнейшего у модернистов материала. Сейчас подобная мебель называется хай-тек. Но почему-то никто и понятия не имеет, что большинство новейших хайтековских разработок вовсе не новы.
Эйлин нашла великолепное место на Лазурном берегу и построила для него дом – на свои деньги, почти своими руками – и наполнила его вещами, среди которых Жану Бадовичу (румынскому архитектору и писателю, самой длительной гетеросексуальной увлечённости Эйлин Грэй) было бы удобно. В их доме на берегу моря были парусиновые занавесы, блестящие металлические перила и ковры с морскими рисунками. На стене висела огромная карта с надписью «Счастливого плавания» и лампа, которая освещала карту ночью. Кожаное кресло «Transat» с металлическим каркасом было похоже на шезлонги, стоявшие на палубах трансатлантических лайнеров. Это кресло, как и всю остальную мебель, Грей сделала сама. Её вещи нельзя рассматривать по отдельности, они были настоящей семьей, живущей в доме. И, как люди, находились в постоянном движении: столы ездили по рельсам, табуретки служили лесенками, полки вращались на петлях, шкафы прятались и появлялись, с помощью зеркал и ширм одна комната превращалась в несколько… Всё здесь было рассчитано на долгую, комфортную и счастливую жизнь. Эйлин и Жан прожили в этом доме несколько лет.
Одна из знаменитых инноваций Эйлин Грэй – кресло Bibendum – одно из самых узнаваемых произведений дизайна XX века. Это кресло с регулируемой спинкой (положение работа-отдых), а форма самой спинки, по словам Эйлин Грэй навеяна шинами Michelin. Кресло было специально разработано для владелицы шляпного бутика, мадам Матье. Эйлин Грэй получила заказ на дизайн квартиры с пожеланием, что это должен быть «новый, оригинальный, инновационный проект».
Процесс занял четыре года (1917 – 1921) – был создан Bibendum, дизайн стен, ковры, мебель, светильники. Bibendum – относительно большой предмет – глубина 840 мм, высота 740 мм, видимая часть опоры – хромированная сталь. Кресло Bibendum было задумано как часть модернистского движения, которое полностью, принципиально отличалось от традиционных работ. Это не просто стилистическое новаторство – это ПРОГРЕСС.
ВОПРОС№ 37 Проектная деятельность Карима Рашида
Всемирно известный промышленный дизайнер, профессор Университета Искусств в Филадельфии, прагматик и фантазер. Карим Рашид запустил в производство около 3000 разработок, включая проекты дизайна мебели, посуды, модных аксессуаров, упаковки, фурнитуры, осветительных приборов, а также интерьеры, инсталляции и прочие архитектурные проекты. Его работы повлияли на развитие современного индустриального дизайна.
Девиз: “Жить с дизайном значит быть живым”.
Род деятельности: дизайнер
Дата рождения: 18 сентября 1960 года
Место рождения: Каир, Египет Гражданство: США Награды и премии: более трехсот международных премий в области дизайна и архитектуры
Карим Рашид родился в 1960 году в Каире (Египет). Наполовину египтянин (по отцу), наполовину англичанин, Карим рос в Англии и Канаде. В семье было трое детей, художественный вкус Кариму привил отец — художник и театральный декоратор, который любил брать сына на этюды. Промышленному дизайну Рашид обучался в Университете Карлтон (англ. Carleton University) в Оттаве. Получив в 1982 году степень бакалавра, продолжил учёбу в Неаполе, а за тем на год переехал в Милан, где стажировался в студии Родольфо Бонетто.
После стажировки вернулся в Канаду и семь лет проработал с «KAN Industrial Designers». С этого времени он начинает плотное сотрудничество с такими компаниями, как Sony, Citibank, Issey Miyake и др., шаг за шагом перемещаясь в тесный ряд самых успешных, модных и авторитетных дизайнеров современности.
В 1993 году открывает в Нью-Йорке собственную студию дизайна.
Сегодня Карим Рашид оформляет рестораны в Нью-Йорке и Токио, гостиницы в Лондоне, Афинах и Лос-Анджелесе, интерьеры бутиков, выставок и студии известнейших телеканалов.
Каждым своим шагом Карим Рашид демонстрирует интерес не только к проектированию или созданию отдельных предметов или пространств, но и к дизайну среды обитания в самом широком смысле слова. «Не ограничивай своих возможностей узкой специализацией — специализируйся в целом на жизни», — гласит одна из 50 заповедей, сформулированных дизайнером.
Забыть о стиле, думать об удобстве. Осознать роскошь свободы вместо роскоши материального. В этом ключ к пониманию сути творчества и мировосприятия Карима Рашида. Беззаботность чистых и ярких цветов, гладкие глянцевые поверхности, простые и мягкие очертания. Несколько лет назад Карим Рашид исключил из своего гардероба черный цвет, теперь его фавориты — белый и розовый. Также и в творениях дизайнера редко можно встретить черный цвет.
Рашид предпочитает современные материалы на синтетической основе традиционным натуральным. Новейшие технологии помогают сделать каждый предмет практичным, удобным, дешёвым. Дизайнер уверен, что изменить мир в лучшую сторону можно лишь тогда, когда люди отказываются от ностальгии по прошлому — в любом проявлении. «Я хочу изменить мир» («I want to change the world»), — заявляет он миру с обложки своей первой книги-манифеста, вышедшей в 2001 году в издательстве Universe Publishing. Работы Рашида выставлены во многих музеях мира: Museum of Modern Art в Нью-Йорке, Musee des Arts Decoratifs в Монреале, Tokyo Gas в Токио, Groningen Museum в Голландии и многих других музеях. Дизайнер является обладателем более трёхста наград и премий, в том числе Daimler Chrysler Design Award (1999 год), George Nelson Award (1999), the Silver IDEA Award (1999), Industrial Design Excellence Award (1998), золотая награда в номинации «мебель» от Industrial Designers Society of America (IDSA) (2001 год), «Лучший новый дизайн ресторана» от Esquire magazine (2003 год) и IDSA (Industrial Design Excellence Award, 2005 год) и многих других.
Он читает лекции, проводит презентации и мастер-классы по всему миру и охотно участвует в жюри международных дизайнерских конкурсов. Рашид преподавал промышленный дизайн 10 лет в различных университетах и институтах, обучал ремеслу дизайнера в институте Пратта, Школе дизайна Род-Айленда и Колледже искусств Онтарио, является обладателем почётного титула доктора Колледжа искусств и дизайна Конкоран (Corcoran College of Art + Design) в Вашингтоне.
Карим Рашид изобрел новое направление в архитектуре, которое прозвал “чувственным минимализмом”. Интерьер предстаёт некой сферой на стыке реальности, заполненной предметами и явлениями с определёнными, давно изученными физическими свойствами, и миром виртуальным, всё больше и больше поглощающим человека. Его интерьеры – это не научная фантастика, он старается максимально приблизить их к потребностям сегодняшнего человека. По мнению дизайнера, человечество всё больше живет в виртуальном пространстве, и от этого физический мир приобретает иное значение. Поэтому предметы обстановки становятся технологическими объектами. Карим Рашид считает, что отрицать хай-тек – значит отрицать современный образ жизни.
Футуризм – его смелая попытка соединить виртуальный мир с реальным, хай-тек с природой, физическое с социальным. В результате из-под руки дизайнера вышли: резиновый пульт для дистанционного управления телевизором, как будто отлитый из чистого золота; пластиковые шахматы, которые никогда не падают, потому что вставлены в специальные лунки; сенсорные табло для гостиничных номеров, где постояльцы могут набирать любой, какой душе угодно текст, компьютеризированный павильон, стены которого напичканы разного рода цифровыми изысками, благодаря им каждый шаг человека сопровождается музыкальными аккордами, и таким образом любой смертный может стать “сам себе композитором”.
Карим глубоко убежден, что человек, однажды поживший в интерьере им придуманном, уже никогда не сможет вернуться в традиционную обстановку, потому что ЕГО дизайн раз и навсегда покажет ему, что такие простые и прагматичные вещи, как окно с правильно падающим светом, или особая высота потолка, или многофункциональная мебель есть жизненно необходимые вещи. Дизайнер осознаёт, что окончательный переход к предложенной им среде обитания – это дело будущего.
Дизайнер никогда не бывает доволен. Он нуждается в постоянном движении и переменах! Чуть ли не каждую неделю двигает мебель, добавляет и убирает предметы. Все вещи, которые разрабатывает, он сначала пробует на себе, поэтому обстановка его дома все время меняется. Его девиз – “сложение путем вычитания”. Если в доме появляется новый предмет, значит, одновременно с этим другой такой же должен исчезнуть. Другими словами, если вы покупаете новую пару носков, вы должны избавиться от старой. Так в доме всегда будет оставаться неизменное количество предметов и никогда не накопится слишком много лишнего. Это красота Равновесия.
Рашид сравнивает дизайн с индустрией музыки. Кстати, к музыке у дизайнера особое отношение – около 10 лет он сам работал как ди-джей любитель. Музыка для него постоянный спутник жизни и его три I-Pods по 30GB до отказа забиты музыкой всех стилей и направлений. Карим Рашид сравнивает создание каждого нового объекта с написанием популярной песни, а чтобы получился хит нужно немало потрудиться. Как и в музыке, в дизайне существуют свои направления, Карим Рашид придерживается своего собственного – поплюкс (poplux). Дизайнер считает, что красивые вещи хорошего качества должны быть доступны всем, а не только элите общества.
Своим творчеством Карим пытается сделать мир лучше, красивее, удобнее. Возможно поэтому, он в таких количествах выбрасывает на рынок свои оптимистичные творения.
Концепция демократизации дизайна по Кариму Рашиду включает в себя и простоту названий. Так, туфли на каблуках называются High (высокий), коврик для входной двери – Step (шаг), названия подставки для зонтиков и мусорной корзины для итальянской фирмы Casamania русскому человеку переводить не надо – Zontik и Korzina.
Автор нескольких книг по дизайну, Карим Рашид также написал манифест и заповеди современного дизайна. Согласно манифесту, современный дизайн представляет собой взаимодействия многих факторов: внешнего и внутреннего, личного опыта, социального поведения, экономической и политикой ситуации. Но особенно важно точное понимание устремлений современной культуры.
Карим Рашид интересуется всем и редко отклоняет заказы, так как считает, что для дизайна нет недостойных предметов. На вопрос же о своем любимом творении, он неизменно отвечает – сотворение женщины!
ВОПРОС№38 Проектная деятельность Нормана Фостера
Известный британский архитектор, автор множества проектов, реализованных по всему миру, Норманн Фостер является одним из лидеров стиля хай-тек. Он увлечен идеей экологичности и очень внимателен к новациям в области энергосбережения. Свои идеи архитектор стремится воплотить с максимальным использованием естественного света и воздуха, привлекая для этой цели самые смелые инженерные решения. Спроектированные им здания сами регулируют потоки воздуха и света, активно экономя энергию. Его любимые материалы - сталь и стекло.
Биография Нормана Фостера к его архитектурным решениям шла длинным и извилистым путём. Родился архитектор в 1935 г. в Манчестере в семье простых рабочих. Финансовое положение того времени вынудило Нормана оставить образование: несколько лет он работал в казначействе города, одновременно изучал торговое право. После Фостер ушёл служить в британские ВВС, однако уже тогда начал задумываться о профессии архитектора. По окончании службы будущий архитектор стал работать в пекарне, затем на заводе и, приближаясь к архитектуре, перешёл в мебельный магазин.
Лишь в 21 год Норман Фостер поступил в архитектурную Школу при Манчестерском университете. По её окончании в 1961 году, он выигрывает стипендию на обучение в университете Йельска в США. Там он знакомится с Ричардом Роджерсом и к 1963 году Фостер возвращается в Англию, где вместе с Роджерсом основывает мастерскую "Team 4" (Команда 4). В результате совместной работы данной команды родился такой архитектурный стиль, как «хай-тек», совершенно новое для того времени направление в архитектуре. Проект фабричного здания «Рилайенс контролс» 1966 года, делает имя архитектора знаменитым. И здесь начинается его долгий путь уже по лестнице архитектуры.
В 1967 Фостер открывает свою архитектурную фирму "Foster and partners". И до 1983 года он работает с Бакминстером Фуллером над рядом проектов. Одним из первых таких проектов является главный офис Willis Faber & Dumas – страховая компания в Великобритании (1971-75 годы). Внутренняя планировка, эскалаторы вокруг атриума, сад на крыше и бассейн для сотрудников, который работает в качестве теплоотвода, демонстрируют постоянную озабоченность энергетическими показателями и социальными аспектами архитектуры.
1990 год Норману Фостеру приносит титул баронета, а 1999 – титул пожизненного пэра. В этом же году архитектор становится лауреатом премии Притцкера.
Компания Foster and Partners достигла международного уровня, под началом Фостера проекты здесь заказывает весь мир. Британский архитектор проектирует здания аэропортов, картинных галерей, торговые порты и целые города. На работы Нормана большое влияние оказало как обучение в Америке, так и любовь к русским традициям. Он с каждым своим новым произведением удивляет мир и открывает некое новое обозрение в архитектуре. Основной стиль в его постройках – хай-тек, который он сам основал и вывел в свет. Фостер начинает проектировать музеи, один из самых последних XX века – это Бостонский музей изящных искусств 1999 года. Особая гордость местных горожан
Старт третьего тысячелетия вдохновляет архитектора на новые открытия. Он проектирует символические здания в разных точках мира, делая акценты на каждую отдельную культуру, но при этом используя в качестве основы всё тот же стиль хай-тек. В 2004 году закончены строительные работы над его новым произведением во Франции. Французский Мост Мийо высотой своих опор превышает высоту Эйфелевой башни в Париже. Виадук Мийо – это совместный франко-британский проект. Его авторы - Норман Фостер и французский инженер Мишель Вирложо, известный проектом второго по протяженности вантового моста в мире – моста «Нормандия».
Каждый последующий год Норман Фостер выдаёт новые проекты в самых неожиданных странах для его стиля. Он использует хай-тек в восточных странах, например, Малазийский жилой комплекс из стекла и стали «Тройка» в Куала-Лумпур (2006 год) и развлекательный центр «Хан Шатыр» в столице Казахстана строился 4 года (2006-10). Гигантский шатер в 150 метров высотой, созданный из тёмного стекла и алюминия гармонирует с Астаной, только подчёркивая её восточный налёт. Копенгагенский зоопарк с названием Дом слонов в Дании (2008 год) в этом же стиле стал самым шикарным домом для экзотических животных.
Фостер - один из немногих архитекторов, чьи здания дважды удостаивались Премии Стерлинга. По проектам Нормана Фостера построены Millennium Bridge в Лондоне, самый высокий небоскреб в Европе - Коммерцбанк во Франкфурте-на-Майне, стадион Wembley в Лондоне и знаменитая башня для корпорации Hearst в Нью-Йорке.
Архитектор построил новое здание мэрии Большого Лондона, в котором применил конструкцию со стеклянным куполом. Кроме того, Фостер разработал и воплотил в жизнь Индустриальный театр с большим залом на 5000 мест в Глазго (Шотландия).
Небоскреб-огурец Свисс Ре (Swiss Re ) в Лондоне. Небоскреб башня Свисс Ре, одно из самых оригинальных современных зданий в мире, имеет высоту около 180 м. За необычную форму прозван в народе "корнишоном" (gherkin). Он был построен в Лондоне в 2003 году для штаб квартиры швейцарской страховой фирмы Swiss Reinsurance Company.
В основу проекта легли принципы экологичности и рациональности как при строительстве, так и при эксплуатации здания. Небоскреб удивляет своей необычной конструкцией. Он строился с учетом законов аэродинамики. Конструкция в форме "боба" устойчива к ветровым нагрузкам и, следовательно, снижает нагрузки на стены, освобождает большие пространства внутри здания и даже позволяет открывать окна небоскреба. Башня Свисс Ре отмечена премией Стерлинга 2004 года и премией Emporis как лучший небоскреб в мире. В проекте принимал участие Кен Шаттлворт.
Здание Рейхстага в Берлине. Символом современной Германии стал для многих купол здания Рейхстага, построенный Норманном Фостером в 1999 году. Вскоре после воссоединения Германии бундестаг (немецкий парламент) поручил Фостеру обновить здание Рейхстага, история которого уходит еще во времена Древнеримской Империи. Фостер спроектировал прозрачный купол, сквозь который открывается вид на панораму Берлина всем посетителям Рейхстага. Точно также они могут видеть и парламентские комнаты, которые отражаются в зеркальном конусе в центре здания. Этот конус также служит проводником естественного света с внешней стороны здания в его внутреннее помещение. Рейхстаг стал одной из главных достопримечательностей Берлина.
В основу проекта легла идея вантового виадука, состоящего из семи высоких опор и легкого настила. Это сооружение как бы парит над живописной долиной Тарна. Мост длиной в 2460 м поддерживается двумя береговыми и семью трапецеидальными опорами. Расстояние от земли до дорожного полотна составляет в самой высокой точке 270 м. Высота самой низкой опоры равна 70 м, а самой высокой - 343 м. На бетонных опорах закреплена система из 154 стальных тросов вантов, поддерживающих полотно автомобильной дороги шириной 27,35 м (по две полосы в каждом направлении). Мост призван служить 120 лет, поэтому имеет большой запас прочности, высокую сейсмическую и погодную устойчивость.
Терминал 3, Пекинский Аэропорт. В архитектуре терминала Фостер соединил технологию с превосходным дизайном. Снаружи здание напоминает ящерицу саламандру. Фигурная крыша обильно покрыта небольшими окошками, а детали интерьера включают в себя традиционные китайские символы и цвета (освещение меняется от красного до желтого). Аэропорт более трех километров в длину, 292 пропускных пункта, 179 лифтов, 98 движущихся дорожек.
Фостер был разработчиком многих архитектурных проектов для стран СНГ. В столице Казахстана, Астане, по его проекту был построен монумент со смотровой площадкой "Байтерек" (тополь) - сооружение высотой 105 метров в виде 300 тонного шара из стекла "хамелеон", меняющего цвет в зависимости от времени суток, находящееся на пятистах стальных сваях. Предполагалось, что оно станет символом столицы и страны. Дворец мира и согласия в Астане, открытый 1 сентября 2006 года, также был построен по проекту Нормана Фостера.
Он имеет форму пирамиды. Первые несколько уровней занимает оперный театр на 1500 мест. Высота пирамиды - 62 метра, такова же и площадь ее основания. Внутри расположены помещения для проведения собраний и конференций. Вершину пирамиды занимает круглый зал на 200 мест, где планируется проводить собрания лидеров различных религий и конфессий. По мнению Нормана Фостера пирамида является воплощением добра и мира.
"Апельсин" Нормана Фостера. В марте 2008 года на международной выставке недвижимости MIPIM 2008 в Каннах (Франция) был представлен проект реконструкции московского Центрального Дома художника (ЦДХ). Проект был осуществлен по заказу компании "Интеко" и известен под названием "Апельсин". Этот многофункциональный комплекс планировалось разместить на месте нынешнего ЦДХ на Крымском валу.
ВОПРОС № 39. Эль Лисицкий – дизайнер
ЛИСИЦКИЙ (псевд. Эль Лисицкий) Лазарь Маркович (1890-1941), российский архитектор, художник-конструктор, график. В 1921-25 жил в Германии и Швейцарии. Член Аснова и нидерландской группы \"Стиль\". Разрабатывал проекты высотных домов, трансформируемой мебели, методы художественного конструирования книги (\"Хорошо!\" В. В. Маяковского, 1927). Оформленные им книги (к примеру, "Для голоса" Маяковского, 1923) и международные выставки (вроде "Прессы" в Кельне, 1928) — до сих пор образцы, и образцы непревзойденные, которые стали фактом мирового искусства.
Учился на архитектурном факультете Высшей технической школы в Дармштадте (1909—14), в Рижском политехническом институте, эвакуированном в Москву (1915—18). Член художественных объединений Утвердители нового искусства (Уновис; 1919—21), «Ассоциация новых архитекторов» (1925), «Четыре искусства» (с 1924 г.).
Лисицкий рано сделался космополитом(сторонник идеи мирового гражданства, тот, кто считает весь мир своим отечеством, ставит общечеловеческие интересы и ценности выше интересов отдельной нации или отдельного государства), сначала вынужденно его, еврея, не брали в университеты, он учился на Западе. Но и потом он всегда был одной ногой в Европе — даже в советские времена он там жил, работал и лечился. Он привез жену из Германии, был личным другом самых знаменитых художников Запада, входил во все международные авангардные ячейки. При этом многим на зависть сумел поставить свой талант на службу советскому агитпропу. Ранняя смерть (он скончался в 51 год от туберкулеза в Москве) увела его от репрессий. Он умер космополитом в хорошем смысле этого слова, а не в таком, который был бы к нему обязательно применен в 1950-х.
Важнейшую роль в творчестве художника сыграли теория и практика супрематизма (метод выражения структуры мироздания в простейших геометрических формах, разработанный К. С. Малевичем). В 1919—20 гг. Эль Лисицкий руководил архитектурным факультетом и мастерскими графики в витебской Народной художественной школе, создавал «проуны» (проекты утверждения нового) и «фигурины» – проекты театральных костюмов для футуристической оперы «Победа над солнцем» (1920—21). В фигуринах, исполненных в технике гуаши, акварели, туши, часто используется революционная символика цвета и форм (красный квадрат, красная звезда и др.). В проунах плоские геометрические фигуры обретают объём. Поверхность листа бумаги превращается в космическое пространство, в котором движутся или находятся в покое объёмные геометрические элементы («Проун – 84», 1923—24). Создание проунов позволило Эль Лисицкому перейти к работе в реальной предметно-пространственной среде и архитектуре. «Проект передвижной ораторской трибуны» (1920) имел в основе проун. В «Проекте небоскрёба на площади у Никитских ворот» (1924—25) крупные объёмы параллелепипедов расположены на трёх стойках-опорах. В «Проекте яхт-клуба для международного Красного стадиона на Ленинских горах» (1925) художник создал структуру из простых геометрических объёмов, ввёл в композицию резкие диагонали и яркий локальный цвет. Эль Лисицкий – основоположник дизайна выставочного пространства. При оформлении экспозиций он активно использовал движущиеся установки, фотомонтаж. Новаторские идеи Лисицкого воплотились в экспозициях выставок «Пресса» в Кёльне (1928), «Фильм и фото» в Штутгарте (1929), гигиены в Дрездене (1930), пушнины в Лейпциге (1930).
Эль Лисицкий развивал в своём творчестве передовые открытия современного искусства: использовал открытия супрематизма, теорию и практику конструктивизма, был тесно связан с Н. А. Ладовским. Его оригинальные пластические решения воплотились в самых различных областях искусства, вписав одну из наиболее ярких страниц в историю художественного авангарда.
О Лисицком часто спорят, был ли он советским, или западным, или все-таки еврейским художником. Но довоенный авангард был программно интернациональным. В какой-то момент Лисицкий просто перешел в ряды всемирных гениев (наподобие нынешних героев фонда Гуггенхайма, только вполовину не таких богатых), которые как раз старались стереть любые национальные границы. Чтобы, как писал его соратник Владимир Маяковский, "в мире без Россий, без Латвий жить единым человечьим общежитьем"