24. Древнеримская религия.

Древнеримская религия прошла длительный путь развития. Первоначаль­но она была в отличие от религии древних греков анимистической, причем, как и у греков, в ней сохранялись пережитки тотемизма. На это указывает ле­генда о волчице, выкормившей Ромула и Рема.

Для римлян царской эпохи мир был полон добрых и злых духов, которых следовало задобрить путем молитв, магических заклинаний и жертвоприноше­ний. Так как основным занятием римлян было сельское хозяйство, у них суще­ствовало множество божеств, олицетворявших все явления природы и все виды сельскохозяйственных работ. Так, при вспашке целины людям оказывали по­мощь три божества: Вервактор, Редаратор, Обаратор. При удобрении поля молились и приносили жертвы Стеркулинию, при севе - Сатурну и Семоне. Созревание колосьев считалось делом бога Лактурна.

Многочисленные божества охраняли безопасность и благополучие дома и семьи: Лары и Пенаты опекали жилище, Янус охранял двери, Веста - домаш­ний очаг. Каждый человек имел своего духа покровителя - гения, в котором проявлялась жизненная сила отдельной личности. Различались «гениус фами-лиэ» - покровитель семьи и «гениус лоци» - покровитель места. Духами - ма-нами - считались и души умерших. Маны считались добрыми духами, но если семьи усопших пренебрегали совершением положенных обрядов для успокое­ния их души, они являлись смертным как грозные и мстительные лемуры. Всех этих божеств и духов римляне не представляли в человеческом облике, не ста­вили им статуи, не строили храмов. Однако они выделяли среди них главных богов, к которым относились Юпитер, обещеиталийское божество неба, и Марс - первоначально дух-покровитель растений, позднее - бог войны.

Переход к антропоморфизму богов происходит под влиянием этрусков, под их же влиянием появляются первые храмы. При царе Тарквинии Древнем (616/615-578/577 гг. до н. э.) Рим поддерживал тесные отношения с городом Кумы в Кампании, откуда, вероятно, и попали в Рим так называемые «Сивил-лины книги», принадлежавшие, по преданию, знаменитой прорицательнице -Кумской сивилле. В критические для Рима моменты особая коллегия римских жрецов обращалась к этим книгам как к оракулу, ища там совет.

Под влиянием греческой религии древние латинские и общеиталийские божества приобрели антропоморфные черты, и их стали изображать как в Гре­ции. Римская религиозность состояла прежде всего в самом тщательном и скрупулезном соблюдении всех обрядовых формальностей, ибо даже малейшее отклонение, ошибка или пропуск какого-либо ритуального действия могли обидеть божество и вызвать его гнев. При огромном количестве культов, суще­ствовавших в Риме, необходимо было создать многочисленное жречество, хо­рошо знавшее всю обрядность, имена и функции всех божеств. Жрецы состав­ляли «индигетамента» - официально утвержденные собрания молитвенных формул с указаниями, к каким богам и в какие дни надлежит обращаться с мо­литвами, какие совершать жертвоприношения. Жрецы вели календарь, отмечая в нем дни, благоприятные для проведения собраний, заключения договоров, а также «несчастливые дни», когда нельзя было ничего предпринимать. В Риме существовала специальная коллегия жрецов-гадателей - авгуров, умевших уви­деть знамения в том, как летят птицы. Были и гаруспики, занимавшиеся этрус­ской наукой, то есть гадавшие по внутренностям животных. Жрецы фламины обслуживали культ какого-либо определенного божества - Юпитера, Марса. Жрецы фециалы ведали обрядами, связанными с внешней политикой государ­ства. Жрицы весталки присматривали за очагом в храмах богини Весты. При этом следует учесть, что большинство жрецов в Риме были выборными долж­ностными лицами.

Во II в. до н.э. усиливается греческое влияние на Рим. В этот период окончательно формируется пантеон богов, многие из которых соответствовали греческим богам. Основными богами в Риме являлись:

• Юпитер - бог неба, грома и молний, различных небесных явлений, главный бог римского пантеона;

• Юнона - супруга Юпитера, богиня брака, супружеской любви и плодоро­дия;

• Янус - бог входа и выхода, всякого начала, изображавшийся с двумя лица­ми;

• Сатурн - бог посевов, научивший людей земледелию, виноградарству, дающий изобилие;

• Марс - бог войны, хранитель гражданского коллектива;

• Нептун - бог влаги, моря, покровитель коневодства;

• Минерва - богиня мудрости, покровительница ремесел и искусств;

• Венера - богиня любви, красоты, плодородия;

• Диана - богиня Луны, охоты, покровительница диких зверей;

• Меркурий - бог торговли, скотоводства и прибыли, покровитель пастухов, купцов, путников;

• Церера - богиня плодородия и земледелия;

• Плутон - бог подземного мира и мертвых;

• Веста - божество домашнего очага и огня;

• Вакх - бог растительности, виноградарства, виноделия;

• Флора - богиня растительности, цветов и юности;

В Iв. до н.э., в период гражданских войн, в Древнем Риме распространя­ются восточные культы и магия, вера в вещие сны и астрология.

В I в. н.э. в Палестине, на окраине Римской империи, возникает христи­анство. Уже во второй половине I в. в Риме существовала христианская общи­на. В течение I-III вв. христианство распространилось по всей Римской импе­рии и за ее пределами. Императорские власти с подозрением относились к хри­стианам, приписывая им человеконенавистничество, так как христиане того времени не только ждали, но и призывали конец света и Страшный Суд. Хри­стиан также обвиняли в нелояльности властям, так как они отказывались со­вершать официальные жертвоприношения перед статуями государственных бо­гов (в том числе - императоров). Это привело к многочисленным гонениям на христиан, начало которым положил Нерон (54-68), с особой силой они прохо­дили при императорах Домициане (81-96), Траяне (97-117), Марке Аврелии (161-180), Диоклетиане (284-305). Но христианство продолжало распростра­няться и к IV в. стало силой, с которой вынуждены были считаться и сами им­ператоры. В 313 г. императоры Константин и Лициний издают Миланский эдикт, по которому провозглашается равноправие всех религий, в том числе и христианства, а в 325 г. император Константин объявляет христианство госу­дарственной религией. В 395 г. по указу Феодосия Великого были закрыты все языческие храмы, с этого момента христианство становится единственной офи­циальной религией Римской империи.

25.Древнеримская литература.

Драма и поэзия были главными, но не единственными видами латинской литературы. Параллельно развивалась и проза. Долгое время, вплоть до I I в. до н. э., сочинения в прозе были немногочис-ленными и представляли собой главным образом краткие записи исторических событий и норм права. Как и ранняя поэзия, ранняя римская проза была подражательной. Первые литературные произведения и писались по-гречески, хотя в них излагалась римская история. Первым прозаическим произведением на латинском языке был труд Катана Старшего «О сельском хозяйстве», написанный в конце 90-х - начале 80-х годов I I в. до н. э. другие дроизведения Катана были тоже написаны на латинском языке; так, Катан издал около 150 своих речей, написал Римскую историю, сочинение по медицине, ораторскому искусству. Как Ливий Андроник был первым римским поэтом, так и Катод был первым римским прозаиком, и в этом их великая заслуга перед Римской литературой. Наиболее выдающиеся римские писатели, мастера прозаического слова жили и творили в I в. до н. э. Это Марк Теренций Варрон (116 - 27 гг. до н. э.) и Марк Туллий Цицерон (106 - 43 гг. до н. э.) - два корифея римской литературы и вообще латинской культуры. Теренций Варрон - уникальный писатель, он написал около 74 сочинений в 620 книгах (к сожалению, почти все они погибли). Главное произведение Варрона - «Древности дел божеских и человеческих» в 41 книге - энциклопедия историческая, географическая и религиозная, его перу принадлежат многочисленные грамматические и историко-литературные сочинения («О латинском языке», «О латинской речи», «О грамматике», «О комедиях Плавта»), «Портреты».- биографии наиболее выдающихся граждан, философские произведения («Логисторики» - сборник философских трактатов на разные темы, например об истории, о счастье, о безумии и др.). Варрон вависал также трактат «О сельском хозяйстве», где вопросы земледения изложены в хорошей литературной форме. Наконец, Варрону принадлежат знаменитые «Менипповы сатуры» в 150 книгах - веселое и остроумное поэтическое произведение. Заслуги Варрона в развитии римской литературы были столь велики, что ему, единственному из римских писателей, еще при жизни поставили памятник. Не меньшее, если не большее значение в истории латинской культуры имело творчество Цицерона. Цицерон был выдающимся государственным деятелем, прекрасным оратором, юристом, знатоком философии, замечательным писателем. В его руках латинский язык приобрел как бы новое звучание, новую выразительность и пластичность. Проза Цицерона совершенна во всех отношениях, она красочна, легка для понимания, разнообразна, богата содержанием, в ней присутствует внутренний ритм. Цицерон писал в разных прозаических жанрах: философские произведения («О пределах добра и зла», «Тускуланские беседы», «О природе богов»и др.), юридические сочинения и речи («О государстве», «Об обязанностях», речи «против Верреса», «против Катилины», «Филиппики против антония»). Его перу принадлежат сочинения по теории ораторского искусства («Об ораторе», «Брут»), многочисленные письма - изящные и непринужденные. Сочинения Цицерона познакомили римлян с греческой филосо-фией, обогатили ее знавием многих вопросов юриспруденции, истории, политических учений. Без сочинений Цицерона так же невозможно представить себе последующую римскую литературу, как русскую литературу XIX в. без творчества Пушкина. Произведения Цицерона усердно читались и перечитывались в последующие века. Они сохранились до нашего времени с наиболь-шей полнотой (в сравнении с произведениями других авторов). Крупным римским .писателем был Юлий Цезарь, автор «Записок о галльской войне» и «Записок о гражданской войне». Эти произведения представляют собой отчеты о двух войнах, которые вел сам Цезарь. Выступая в роди писателя, Цезарь преследовал политические цели: оправдать свои завоевательные и часто вероломные действия в Галлии, взвалить ответственность за развязывание гражданской войны на своих противников. «Записки» Цезаря - это выдающиеся литературные произведения, образцы римской художественной прозы. Для них характерны продуманная ясная композиция, простой, непринужденный рассказ, точный и правильный язык. Большим событием в литературной жизни конца Республики был выход исторических сочинений Саллюстия Криспа (86 - 35 гг. до н.э.): «О Югуртинской войне», «О заговоре Каталины» и «История». Первые два произведения Саллюстия являются образцами исторической монографии, написаны они с целью показать полную неспособность римской знати управлять государством и необходимость установления сильной власти.

26

Древнеримское искусство ведёт отчёт со II в. до н. э. Рим не имел эстетической традиции или образа, связанного с идеей о природе или о сакральном. Поэтому всё, что относилось к изобразительности (будь то этрусское или греческое искусство) считалось чуждым и посему опасным для сохранения жёсткой суровой традиции образа жизни. Искусство было недостойным низким ремеслом для римского гражданина. Возникла новая эстетика: искусство рассматривалось как история в образах, доступная и простакам. Также искусство имело воспитательную роль и становилось орудием управления. Первые непосредственные контакты Рима с изобразительной культурой эллинизма восходят к III веку до н. э. — через Великую Грецию. В II в. до н. э., после покорения Греции, они становятся интенсивными. В следующем столетии, при императоре Августе, классическое искусство стало официально-государственным (августовский классицизм). Так в Риме, месте встречи цивилизаций, установился художественный плюрализм. Рим, которому предстояло объединить античный мир в одной великой империи с единой культурой, поначалу ничем не обнаруживал признаков своего будущего величия.

27. Средние века, Средневековье, обычно подразделяют на три стадии:

Раннее Средневековье - V-XI вв.

Зрелое Средневековье - XII-XIV вв.

Позднее Средневековье - XIV-XV вв.

средневековая культура проявилась в обработке, оформлении, облагораживании и природы и самого человека. Природа оформлялась и в крестьянском труде и в труде ремесленном, создававшем своеобразную эстетику быта, в строительстве храмов, замков (и иных сооружений), насыщении их произведениями искусства. Обработка человека касалась и его внешности, и поведения, и духовного мира. Разнообразие одеяний, причесок, украшений, развитие к концу Средневековья личной гигиены. Не это дает представление о своеобразии именно культуры. Для культуры (высшего уровня) характерным стало то, что высшей ценностью жизни стал христианский Бог (вера в него), и, в то же время высокой ценностью мог оказываться сам верующий человек. Нарушения христианских заповедей, рыцарских норм отношений вызывали столь же яркое искреннее раскаяние, сильные мучения совести. В культурном средневековом человеке должен был жить и художник, поэт; пусть только в восприятии эстетических и художественных явлений. Ему должно было быть свойственно умение оценить красоту природы, поступка человека, художественную привлекательность ремесленных творений, архитектурное изящество, поэтичность литературных произведений. А чтобы, последнее стало возможным, он должен был знать языки. И не только латынь, но и языки искусств. Для массы средневековых людей было характерным то, что житейские чувственные радости были чрезвычайно остры и ярки на фоне общего безрадостного существования. Поэтому особенно ценились и разные около культурные развлекательные формы бытия: празднества, пиры, процессии, зрелища, иногда весьма сомнительные в нравственном отношении развлечения. В сравнении с более ранними историческими этапами, Средневековье создало и новые ценности культуры и возможности для дальнейшего роста духовного богатства. Хотя в эту же эпоху уничтожались ценности античной культуры и были порождены чудовищные антикультурные явления, подготовлено многое из того, что позже стало “работать” против культуры в Европе и за ее пределами. 28.Романский стиль.

Преобладающие и модные цвета: коричневый, красный, зеленый, белый. Линии: полуциркульные, прямые, горизонтальные и вертикальные. Форма: прямоугольная, цилиндрическая. Характерные элементы интерьера : полуциркульный фриз, повторяющийся геометрический или растительный рисунок; залы с открытыми потолочными балками и опорами по центру. Конструкции: каменные, массивные, толстостенные; деревянные оштукатуренные с видимым скелетом. Окна: прямоугольные, маленькие, в каменных домах - арочные. Двери: дощатые, прямоугольные с массивными петлями, замком и засовом.

Готический стиль.

Преобладающие и модные цвета: желтый, красный, синий. Линии: стрельчатые, образующие свод из двух пересекающихся дуг, ребристо повторяющиеся линии в отделке домов. Форма: прямоугольные в плане здания; стрельчатые арки, переходящие в столбы. Характерные элементы интерьера : веерный свод с опорами либо кессонный потолок и деревянные панели стен в отделке квартир; лиственный сложный орнамент; залы высокие, узкие и длинные, либо широкие с опорами по центру. Конструкции: каркасные, ажурные, каменные; вытянутые вверх, стрельчатые арки; подчеркнутый скелет конструкций. Окна: вытянутые вверх часто с многоцветными витражами; по верху здания иногда круглые декоративные окна. Двери: стрельчатые ребристые арки дверных проемов; двери дубовые филенчатые. Техническим прорывом архитекторов готики явилось открытие ими нового способа распределения нагрузки. Обнаружилось, что вес и давление каменной кладки могут концентрироваться в определенных точках, и если их поддержать именно в этих местах, другим элементам постройки уже не обязательно быть несущими. Так возник готический каркас.

В эпоху раннего средневековья в Европе резко преобладало деревянное зодчество, памятники которого не могли дойти до наших дней. Однако возводили и фундаментальные каменные постройки, некоторые из которых стали наглядными образцами зодчества того времени. Почти все они имеют религиозное, церковное назначение.

29. Возрожде́ние, или Ренесса́нс  — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — начало XIV— последняя четверть XVI веков и в некоторых случаях — первые десятилетия XVII века (например, в Англии и, особенно, в Испании). Отличительная черта эпохи Возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» .Возрождение делят на 4 этапа:

1. Проторенессанс (2-я половина XIII века — XIV век)

2. Раннее Возрождение (начало XV века — конец XV века)

3. Высокое Возрождение (конец XV — первые 20 лет XVI века)

4. Позднее Возрождение (середина XVI — 90-е годы XVI века)

Проторенессанс тесно связан со средневековьем, с романскими, готическими традициями, этот период явился подготовкой Возрождения. Этот период делится на два подпериода. Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию.

Период «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время 80 лет. Искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности

Третий период Возрождения — время самого пышного развития его стиля — принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II — человека честолюбивого, смелого и предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству.

Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590—1620-е годы. Некоторые исследователи причисляют к Позднему Возрождению и 1630-е, но эта позиция вызывает споры среди искусствоведов и историков. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности.

30.Архитектура, живопись, скульптура эпохи Возрождения: основные особенности. Началом ренессансной живописи считают эпоху Дученто, т.е. конец XIII века. Проторенессанс еще тесно связан со средневековыми романскими, готическими и византийскими традициями. Художники конца XIII — начала XIV вв. еще далеки от научного изучения окружающей действительности. Они выражают свои представления о ней, еще используя условные образы византийской изобразительной системы — скалистые горки, символические деревья, условные башенки. Но иногда облик архитектурных сооружений так точно воспроизведен, что это указывает на существование зарисовок с натуры. Традиционные религиозные персонажи начинают изображаться в мире, наделенном свойствами реальности — объемом, пространственной глубиной, материальной вещественностью. Начинается поиск приемов передачи на плоскости объема и трехмерного пространства. Мастера этого времени возрождают известный античности принцип светотеневой моделировки форм. Благодаря её фигуры и здания приобретают плотность и объем. По-видимому, первым, кто применил античную перспективу, был Флорентиец Ченни ди Пепо (сведения с 1272 по 1302), прозванный Чимабуэ. К сожалению, самая его значительная работа — серия росписей на темы из Апокалипсиса, жизни Марии и апостола Петра в церкви Сан Франческо в Ассизи дошла до нас почти в разрушенном состоянии. Лучше сохранились его алтарные композиции, которые находятся во Флоренции и в музее Лувра. Они тоже восходят к византийским прототипам, но в них отчетливо проступают черты нового подхода к религиозной живописи. Чимабуэ возвращався от итальянской живописи XIII век усвоившей византийские традиции, к не-посредственным истокам. Он почувствовал в них то, что осталось недоступным его современникам,— гармоническое начало и возвышенную эллинскую красоту образов. Жесткость и схематизм уступок место музыкальной плавности линий Фигура Мадонны уже не кажется бес плотной. В средневековой живописи ангелы трактовались как знаки, как атрибуты Богоматери, они изображались на маленькие символические фигурки. Чимабуэ они приобретают совершенно новый смысл, включаются в сцену, это прекрасные юные существа, предвосхищающие тех грациозных ангелочков, которые появятся у мастеров XV века. Творчество Чимабуэ было исходным» пунктом тех новых процессов, которые определили дальнейшее развитие живописи. Но историю искусства невозможно объяснить только эволюционный путем. Иногда в нем обнаруживаются резкие скачки. Великие художники предстают смелыми новатора-ми, отвергающими традиционную систему. Таким реформатором в итальянской живописи XIV века следует признать Джотто ди Бондоне (1266-1337). Он создатель новой живописной системы, великий преобразователь всей европейской живописи, истинный родоначальник нового искусства. Это гений, высоко поднимающийся над современниками и многими из последователей. Флорентиец по рождению, он работал во многих городах Италии: от Падуи и Милана на севере до Неаполя на юге. Самая знаменитая из дошедших до нас работ Джотто — цикл росписей в капелле делъ Арена в Падуе, посвященный евангельским сказаниям о жизни Христа. Этот живописный уникальный ансамбль — одно из этапных произведений в истории европейского искусства. Вместо разобщенных от дельных сцен и фигур, свойственных средневековой живописи, Джотто создал единый эпический цикл. 38 сцен из жизни Христа и Марии («Встреча Марии и Елизаветы», «Поцелуй Иуды», «Оплакивание» и др.) языком живописи связаны в единое повествование. Вместо привычного золотого византийского фона Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры уже не парят в пространстве, а обретают твердую почву под ногами. И хотя они еще малоподвижны, в них видно стремление передать анатомию человеческого тела и естественность движения. Джотто придает фор-мам почти скульптурную ощутимость, тяжесть, плотность. Он моделирует рельеф, постепенно высветляя основной красочный фон. Этот принцип светотеневой моделировки, позволявший работать чистыми, яркими красками без темных теней, стал господствующим в итальянской живописи вплоть до XVI века. Из многочисленных поздних фресковых циклов Джотто, упоминаемых в источниках, сохранились лишь росписи двух капелл флорентийской церкви Сайта Кроче. Они посвящены святому Франциску Ассизскому, основателю ордена нищенствующих монахов, жившему в конце XII — начале XIII вв. Это живописное прославление учения Св. Франциска не случайно. Св. Франциск положил начало новому мироощущению человека. Человек для него — чудное божественное создание, которому поручено своей любовью оживить мир. Он учил, что во всем существующем разлита божья благодать — в звездах, растениях, животных, которых он называл братьями. (В росписях есть сцена, где Франциск проповедует птицам.) Он не осуждал мир за его греховность, а любовался его божественной гармонией. Францисканство было составной частью проторенессансного мироощущения. Не восстановление античности и отрицание христианства, а возрождение и просветление человека действие. Это новое слово в мировом искусстве живописи. Церковь Санта Мария дель Кармине стала своего рода академией, где учились поколения художников, испытавших влияние Мазаччо: Паоло Учелло, Андрей Кастанъо, Доменико Венициано и многие другие вплоть до Микеланджело Флорентийская школа долгое время оставалась ведущей в искусстве Италии. В нем существовало и более консервативное течение. Некоторые художники этого направления были монахами, поэтому в истории искусства они получили название монастырских. Одним из самых известных среди них был фра (т.е. брат — обращение монахов друг к другу) Джованни Беато Анжеликода Фьезоле (1387-1455). Его образы библейских персонажей на-писаны в духе средневековых традиций, они полны лиризма, спокойного достоинства и созерцательности. Его пейзажные фоны пронизаны чувством жизнерадостности, характерным для эпохи Возрождения. Характерная черта живописи позднего Кватроченто — многообразие школ и направлений. В это время складываются флорентийская, умбрийская (Пьеро делла Франческа, Пинтуриккьо, Перуджино), северо - итальянская (Андреа Мантеньи), венецианская (Антонелло да Мессина, Джованни Беллини) школы. Один из самых выдающихся художников Кватроченто — Сандро Боттичели (1445-1510) —выразитель эстетических идеалов двора знамени-того тирана, политика, мецената, поэта и философа Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Двор этого некоронованного государя был центром художественной культуры, объединившим знаменитых философов, ученых, художников. В искусстве Боттичелли происходит своеобразный синтез средневекового мистицизма с античной традицией, идеалов готики и Возрождения. В его мифологических образах происходит возрождение символизма. Он изображает прекрасных античных богинь не в чувственных обликах земной красоты, а в романтических, одухотворенных, возвышенных образах. Две прославившие его картины — «Рождение Венеры» и «Весна». В них мы видим своеобразный женский образ Боттичелли, который не спутаешь с работами других художников: удлиненный овал лица, длинный нос с тонкими нервными ноздрями, приподнятые брови, широко открытые, недоуменные, мечтающие и как будто страдающие глаза. Боттичелли удивительно сочетал языческую чувственность и повышенную одухотворенность, скульптурную жесткость и нежную хрупкость, изысканность, линейную точность и эмоциональность, изменчивость. Картины Боттичелли, помимо своей непосредственной выразительности, имеют еще скрытое эмоциональное звучание. Две прославившие его картины — «Рождение Венеры» и «Весна». В них мы видим своеобразный женский образ Боттичелли, который не спутаешь с работами других художников: удлиненный овал лица, длинный нос с тонкими нервными ноздрями, приподнятые брови, широко открытые, недоуменные, мечтающие и как будто страдающие глаза. Боттичелли удивительно сочетал языческую чувственность и повышенную одухотворенность, скульптурную жесткость и нежную хрупкость, изысканность, линейную точность и эмоциональность, изменчивость. Картины Боттичелли, помимо своей непосредственной выразительности, имеют еще скрытое эмоциональное звучание. В этом Боттичелли противоположен основной линии флорентийского Кватроченто: аналитичность, героика, интеллектуализм.

Архитектура, Скульптура.

Итальянская архитектура Раннего Возрождения открыла новую эпоху в истории европейского зодчества: она отказалась от господствующей в Европе готической системы и утвердила новые принципы, основанные на ордерной системе. Перелом этот совершился в Италии очень быстро, в течение жизни одного поколения. Но при всей радикальности перемен в архитектуре она сохранила связь с богатейшим наследием старого итальянского зодчества. Архитектура отражает общественного человека и ту среду, в которую он включен. Поэтому ей принадлежало очень важное место в ренессансной системе взглядов на мир. Гуманисты видели в архитектуре зримое выражение образа новой социальной действительности. Новый облик Флоренции начала XIV века, например, описывали как воплощение героической доблести республики. Жизнь итальянских городов сосредоточивалась вокруг площади, на которой обсуждались дела, где шел обмен словами и вещами, вдоль улиц, на которые выходили мастерские и лавки. Это были города-республики, объединявшие граждан коммуны, которыми управляли самые богатые. Города постоянно враждовали между собой, окружали себя укреплениями. Каждый дворец ощетинивался башнями с бойницами, между патрицианскими семьями тоже шло соперничество. Во всех коммунах Италии муниципальные здания, где заседали советы, представляли сооружения в римском стиле, с внутренним двориком, превращенные в крепости, способные выдержать осаду. Противоположность между готикой и Ренессансом не была такой глубокой, как думали современники. Именно готика создала этот тип дворца, который стал господствующим в Ренессансе. Прочные постройки, массивные стены, маленькие окна, свободный простор для декорации во дворе. Чем спокойнее становилась жизнь, тем более утрачивались представления о доме как о крепости, тем более украшения переходили на фасад здания. Элементами декора становились коринфские колонны, круглые арки, карнизы с античным профилем. Постепенно в верхних этажах появились ряды широких окон, они оживляются богатыми украшениями. Нижний этаж по-прежнему служит сильной опорой, но и он украшается: появляются аркады, поддерживаемые колоннами. Жители мечтали о порядке на своей маленькой родине, которую любили и украшали. Работы по украшению города, возведению муниципальных дворцов и соборов доверялись лучшим архитекторам и скульпторам, избранным на основе конкурса. Так, флорентийская коммуна руководство работами по возведению мостов и стен, муниципального дворца и собора поручила Джотто. Знаменитый скульптор Предвозрождения Джованни Лизано изготовил скульптурную группу, символизирующую г. Пизу в аллегорическом изображении женской фигуры в окружении четырех добродетелей, которая была установлена в центре собора. Конкурс, объявленный цеховой организацией купцов, на скульптурное оформление крещальни (баптистерия) Флорентийского собора в 1401 г. положил начало новой скульптуре. Лучшими были признаны проекты знаменитого в будущем архитектора Брунеллески и Гиберти. После того как Брунеллески отказался от совместной работы, заказ перешел Лоренцо Гиберти (1381-1455). Он был прославлен не только как скульптор Возрождения, но и как теоретик, автор «Комментариев» — первой книги по истории искусства Возрождения. Идеи национальной независимости, гражданской свободы были доступны простому народу лишь с помощью аллегорий, живых картин. Идеям нужно было придать зримый облик. В муниципальных дворцах, на площадях и улицах итальянских коммун появляются статуи, символизирующие мудрое правление, правосудие, доблесть города; они славят воинов, защищавших их, и на площадях возникают бронзовые всадники, напоминающие конные монументы римских императоров. На стенах муниципальных сооружений появляются барельефы, которые раньше украшали соборы, изваяния святых и патриархов, изображения сезонных работ и семи свободных искусств. Для теоретиков искусства Возрождения задачей архитектуры и зодчества было служение человеку. Этим и определяются закономерности архитектуры и пластики Ренессанса. Чрезвычайно популярной становится почерпнутая у античности идея о подобии здания человеку: формы зданий происходят от форм и пропорций человеческого тела. Очеловечивание пропорций здания (в отличие от готики) привело к созданию идеи этажа как пространственного слоя для жизни и деятельности человека. Ренессансные гуманисты считали красоту законом природы. Им представлялось, что гармоническое начало мироздания наиболее полно способна была выразить именно архитектура. Мир, в котором господствует гармония, идеальная упорядоченность форм, логика пропорциональных отношении, представлялся людям XV века в облике архитектурного пейзажа. Архитектура была любимым фоном в картинах и фресках, уступив место пейзажу только в конце XV века. Гуманисты видели в архитектуре материальное воплощение своих идеалов, архитекторов притягивали гуманистические круги как источник новых идей и знаний. Архитектурная среда была связующим звеном между гуманизмом и изобразительным искусством. Именно в архитектурной среде сложилась теория искусства, были созданы трактаты Алъберти, Филарете и др. Архитектура Возрождения, как и другие виды искусств, обращалась к античному наследию. Были найдены и по-новому прочитаны «10 книг об архитектуре» Витрувия, включавшие правила античного ордера. Активно проводились зарисовки и обмеры древнеримских сооружений. Не эллинская, а именно римская древность была взята за образец, потому что любовь к богатству и блеску, так присущая этому времени, не могла удовольствоваться простыми и строгими формами греческой архитектуры. Греческие здания со свободно стоящими колоннами гораздо меньше обращали на себя внимание зодчих Возрождения. Ведь постройки Ренессанса требовали сплошных стен, украшение которых было важной задачей искусства. В результате изучения античного наследия возникали новые архитектурные теоретические труды, которые способствовали быстрому усвоению принципов ордерной системы. Но для зодчих Возрождения ордер был не основой строительной конструкции, а украшением, средством организации стены и пространства, изобразительным элементом, частью декора здания практическая деятельность архитекторов Возрождения создавала новые архитектурные формы, ведь они жили в новую историческую эпоху с новыми общественными условиями и жизненными требованиями. Поиски гармонии архитектурных форм приводили к необходимости создания нового типа жилого здания и идеального храма. Архитектура Раннего Возрождения была еще архитектурой отдельного здания, а не архитектурой ансамбля, хотя замечательные попытки упорядочить облик целого города уже были, например, в Ферраре (архитектор Россетти). Начало новой эпохи в архитектуре связывают с именем Филиппо Брунеллески (1377-1446). Он был первым архитектором, который осознал необходимость реформы и ясно сформулировал идеи нового художественного мировоззрения. Теоретические размышления Брунеллески сыграли большую роль в переломе стиля. Предшествие теории практике характерно для искусства Ренессанса. Художники Возрождения понимали теорию искусства не в виде суммы полезных советов, они хотели видеть задачи и законы художественного творчества вообще. Брунеллески посвятил все свои силы изучению перспективы — основы всех художественных построений. Только в 1419 году он получил заказ, в котором мог воплотить свои новые архитектурные идеи. Это было светское здание — Воспитательный дом во Флоренции. Его считают первым зданием стиля Ренессанс, оно послужило образцом для всей архитектуры Возрождения. Художественный образ Воспитательного дома был необычен — открытая аркада, широкая лестница почти во всю ширину фасада. Совершенно новых форм не было, но Брунеллески сочетал их по-новому в точную гармоническую систему несомых и несущих частей. Простота, изящество, легкость постройки пленяли не одно поколение архитекторов. Творчество Брунеллески проникнуто глубоким пониманием гармонии античной архитектуры и в то же время связано с традициями тосканской архитектуры XII—XIV веков. Его смелое новаторство проявилось уже в первой крупной работе — грандиозном куполе собора Санта Мария делъ Фъоре (1420-1436). Он должен был осуществить проект, принятый задолго до его рождения,— соорудить гигантский купол. Проектируя собор Св. Петра, Браманте хотел создать величественное крестово-купольное здание с применением римской бетонной конструкции; он хотел водрузить купол Пантеона на своды базилики. Строительство собора началось в 1506 г., но велось оно очень долго, план постройки неоднократно менялся. Смерть помешала Браманте довести до конца задуманную им постройку. Он успел только поставить массивные столбы, поддерживающие купол, и тем определил его диаметр. После его смерти встал вопрос, быть ли центрическому зданию или вернуться к идее продольной базилики. По плану великого Микеланджело купол был закончен только в 1593 г. Почти одновременно с работами над собором Св. Петра Микеланджело получил еще одно очень важное поручение — проект застройки Капитолийского холма. Его проект открыл новые перспективы архитектурного творчества в области создания ансамбля зданий. Раньше рассматривалось каждое здание в отдельности; Микеланджело впервые задумал площадь как целое, все элементы которого (лестницы, конная статуя Марка Аврелия, боковые фасады) ведут к центру — господствующему над городом и площадью дворцу Сенаторов. Площади Ренессанса были замкнуты со всех сторон, Микеланджело раскрывает углы и оставляет совершенно свободной одну сторону — с широким видом на город. Благодаря этому площадь делается частью городского пейзажа, сливается с окружающим простым убранством. Это слияние архитектуры с пейзажем будет, потом блестяще развито стилем барокко. Архитектура, скульптура и живопись эпохи Возрождения были тесно увязаны в единую систему. Ее важнейшим детищем был не собор и даже не дворец, а надгробный памятник. Возведение и украшение небольших семейных часовен становится главным делом архитектуры скульптуры ХIV - XV вв. В эпоху Возрождения с ее пышными торжественными церемониалами обычай требовал устройства последнего праздника — перехода в другой мир,— как по случаю свадьбы или въезда в город коронованной особы. Прах умершего наряжали, гримировали, выставляли напоказ, толпы друзей, собратьев и нищих сопровождали его до последнего прибежища. Оно должно было быть монументальным. Как только семейство достигало определенного благосостояния, оно заказывало семейную усыпальницу. Ее следовало, по возможности, украсить изображениями усопших, лежащими на возвышениях в парад-ном одеянии, при оружии, если это рыцарь, или коленопреклоненными перед Богородицей в образе кающегося грешника, как в церкви. Формы капелл напоминали соборы в миниатюре. Эти надгробные камни целиком заполняли прилегающие участки и внутренние пространства церквей. Итальянские князья воспринимали от античности вкус к триумфальной демонстрации своего величия — воздвигнуть себе пышное надгробие означало в последний раз утвердить свое земное могущество, упрочить права династии. Надгробие превращалось в памятник гражданского величия. Во всех городах были зажиточные корпорации изготовителей надгробий. Лучшие создания знаменитых архитекторов, скульпторов, художников украшали погребения эпохи Возрождения. Погребальная капелла падуанского ростовщика Энрико Скровеньи украшена фресками величайшего художника мира — Джотто. Гробница папы Юлия II и гробница Медичи прославлены гением Микеланджело (скульптуры «Ночь», «День», «Утро», «Вечер», «Пъета»). XV век — время расцвета в Италии монументальной скульптуры. Она выходит из интерьеров на фасады церквей и гражданских зданий, на площади города, становится частью городского ансамбля. Она еще сохраняет связь с архитектурой, но уже не подчинена ей, как в средние века. Скульптура получает художественную самостоятельность и идейную значительность. Одна из ранних и самых знаменитых работ Микеланджело — пятиметровая статуя Давида на площади Сеньории во Флоренции, символизирующая победу юного Давида над великаном Голиафом. Открытие памятника превратилось в на-родное торжество, потому что флорентинцы видели в Давиде близкого им героя, гражданина и защитника республики. Скульпторы Возрождения обращались не только к традиционным христианским образам, но и к живым людям, современникам. С этим стремлением увековечить образ реального современника связано развитие жанра скульптурного портрета, надгробного монумента, портретной медали, конной статуи. Эти скульптуры украшали площади городов, изменяя их облик. Скульптура Ренессанса возвращается к античным традициям пластики. Памятники античной скульптуры становятся объектом изучения, образцом пластического языка. Скульптура раньше живописи отходит от средневековых канонов и встает на новый путь развития. Может быть, это объясняется тем местом, которое она занимала в средневековых храмах. При сооружении больших соборов создавались мастерские, которые обучали скульпторов-декораторов, проходивших здесь хорошую подготовку. Мастерские скульпторов были ведущими центрами художественной жизни, играли большую роль в изучении античности и анатомии человеческого тела. Достижения скульптуры Раннего Возрождения оказывали большое влияние на живописцев, которые воспринимали живого человека сквозь призму пластики. Скульпторы Ренессанса добиваются полного знания человеческого тела, они освобождают его из-под массы одежды, в которую прятала фигуры средневековая готика. Путь, который проделала Эллада в три века, в эпоху Возрождения совершен тремя поколениями мастеров. Скульптором, который открыл историю Раннего Возрождения наряду с архитектором Брунеллески и художником Мазаччо, был Донато ди Никколо ди Бетто Барди, известный как Донателло (136?-1466). Он был новатором почти во всех видах пластики, его творчество определило развитие европейской скульптуры в последующие века. Донателло создал тип самостоятельной, не связанной с архитектурой, круглой статуи, положил начало новому скульптурному портрету-бюсту, напоминающему римские портреты, создал новый тип надгробия, был автором I первого конного монумента в эпоху Возрождения, разработал новые виды рельефа, покрывающего фризы Ренессансных зданий. Он возродил античное изображение обнаженного человеческого тела, вызывающего чувство восхищения своим совершенством. В творчестве Донателло сочетаются обращение к античным законам пластики и глубокая религиозность, готическая традиция и реалистические идеалы Возрождения. Его работы служили образцом для многих поколений скульпторов. Это статуи Се. Георгия, Се. Марка, Давида (один из излюбленных сюжетов Возрождения), образы пророков для колокольни Джотто (которые скульптор ваял с реальных людей), конный монумент кондотьера Эразмо ди Нарни, прозванного Гаттамелатой (памятник до сих пор стоит на площади в Падуе). Ученики и последователи развивали те же темы и жанры ренессансной скульптуры. Фигуры самого Донателло и его последователей еще зависели от архитектурного заднего плана. Они были предназначены почти всегда для фронтального рассмотрения, их движение развивалось только в плоскости. Изучение форм было важной проблемой Ренессанса. Этот шаг сделал Андреа Дель Вероккио (1435-1488). Он установил принципы координации, т.е. соединения фигур в группу. Скульпторы его школы много и успешно работали над проблемой композиции. Вершиной искусства Высокого Возрождения по праву считают Микеланджело Буонарроти. Он был одним из титанов Возрождения. Гениальный архитектор, художник, поэт и скульптор. Скульптуру он ставил выше всех других искусств. Талант ваятеля ощущается и в его живописи, и в его поэзии. В предметах, человеческих телах, словах он видел выразительность объемных форм. Свои пластические образы он создавал не лепкой, а именно ваянием. В мраморной глыбе Микеланджело видел будущий образ, который нужно, было освободить из скрывающей его каменной оболочки. Он не лепил Вести статую «в черновике» — из глины, а сразу обтесывал камень, отсекая ненужное. Для такого способа ваяния нужен великий талант и высокий профессионализм, дающийся годами напряженного труда. Скульптуры Микеланджело не спутаешь с работами других авторов. Его образы полны внутренней силы, движения и мощи. Сравнивая развитие скульптуры и живописи Ренессанса, можно сказать, что они идут параллельно: от изображения фигур на плоскости к передаче движения тела и чувства пространства. Не было расхождения в путях архитектуры, живописи и скульптуры. Зодчий, проектируя здание, уже обдумывал его украшение. Сама система формирования мастеров искусств способствовала этому. Обучение художника могло начаться в литейном или ювелирном цехе, продолжиться в скульптурной мастерской и закончиться под руководством архитектора. Последовательное обучение разным профессиям было не исключением, а скорее, правилом. Целостный подход к искусству - характерная черта Возрождения. Художественное освоение действительности шло в прочном союзе архитектурных, скульптурных, живописных и литературных форм. Именно поэтому искусство Возрождения представляет собой стилевое единство.