18. Направления модернизма второй половины 20 века. Авторы

Постмодернизм (постмодерн, поставангард) (от лат. post «после» и модернизм), совокупное название художественных тенденций, особенно четко обозначившихся в 1960-е годы и характеризующихся радикальным пересмотром позиции модернизма и авангарда.

Абстрактный экспрессионизм - послевоенный (кон. 40-х — 50-е гг. XX в.) этап развития абстрактного искусства. Сам термин еще в 20-е гг ввел немецкий искусствовед Э. фон Зюдов для обозначения некоторых аспектов искусства экспрессионистов. бурное развитие в 50-е гг. в США, в Европе, а затем и во всем мире.

А.э.— школа (движение) художников,

рисующих быстро и на больших полотнах,

с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда

капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций.

Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.

Целью художника при таком творческом методе является спонтанное выражение внутреннего мира (подсознания) в хаотических формах, не организованных логическим мышлением.

Прямыми родоначальниками абстрактного экспрессионизма считаются

ранний Кандинский,

экспрессионисты,

орфисты,

отчасти дадаисты и

сюрреалисты.

Философско-эстетическим основанием абстрактного экспрессионизма является философия экзистенциализма.

Начальная фаза движения — абстрактный сюрреализм появилась в 1940-е, под влиянием идей Андре Бретона, его основными приверженцами были американские художники Ганс Хоффман, Аршиль Горки, Адольф Готлиб и др. Особый размах движение получило в 1950-е гг., когда во главе его встали Джексон Поллок, Марк Ротко и Виллем де Кунинг. Абстрактным экспрессионистом называла себя и минималистка Агнес Мартин.

Один из основателей абстрактного экспрессионизма Аршил Горки (1904-1948) увлекшись автоматизмом и примитивной символикой Миро, тоже стал населять свои полотна плавающими в отвлеченном живописном пространстве фигурками, которые Бретон называл «гибридами».

Еще более спонтанно использовал метод спонтанного автоматизма Джексон Поллок (1912-1956). Он отказался от подрамников и, расстилая холст на полу, беспорядочно набрызгивал на него краску из тюбиков или банок. Такую технику назвали дриппинг, что в переводе означает «капающий». Дриппинг стал одним из методов живописи действия (или живописи жеста).

«Живопись действия» отвергала традиционно окрашенную поверхность картины. Краска появлялась на полотне или бумаге как след свободного жеста, произвольного движения руки. Считалось, что любое бессознательное действие есть отражение характера и психологического состояния художника, и именно в этом заключается смысл изображения.

Один из характерных признаков абстрактного экспрессионизма – крупный масштаб работ (некоторые холсты более 5 метров в длину).

Марк Ротко (1903-1970) также создавал «монументальные» полотна, но в отличие от «живописцев действия», покрывал их большими цветными плоскостями. Иногда он оставлял между ними не покрытые краской участки, пологая, что это должно возбудить воображение зрителя.

Произведения Барнетта Ньюмана (1905-1970) обычно строились на контрасте вертикальной цветной полосы и обширного яркого поля. Создавая их, художник помимо соотношения между «лентой» и общим красочным фоном учитывал и соразмерность всей картины в целом с размером стены, на которой она будет висеть. Таким образом, стирались границы между живописью и реальным пространством.

Френк Стелла (род. 1936) много экспериментировал с формой полотен. Срезая углы, и по сути, превращая картины в многоугольники, он покрывал их цветными полосами. Геометрическая декоративность в его работах стала самодовлеющей.

Одной из форм абстрактного экспрессионизма является ташизм, оба этих течения практически совпадают по идеологии и творческому методу, однако персональный состав художников, называвших себя ташистами или абстрактными экспрессионистами совпадает не полностью.

К 70-м гг. абстрактный экспрессионизм как направление прекратил свое существование.

Ready-made (реди-мэйд, от англ. ready «готовый» и англ. made «сделанный») — техника в разных видах искусства (главным образом — в изобразительном искусстве и в литературе), при которой автор представляет в качестве своего произведения некоторый объект или текст, созданный не им самим и не с художественными целями.

Термин ready-made в контексте изобразительного искусства впервые использовал французский художник Марсель Дюшан в 1913, создавший в этой технике несколько работ: «Велосипедное колесо» (1913), «Сушилка для бутылок» (1914), скандальный «Фонтан» (1917).

(колесо и фонтан)

Авторство художника или писателя, использующего ready-made, состоит в перемещении предмета из нехудожественного пространства в художественное, благодаря чему предмет открывается с неожиданной стороны, в нём проступают незаметные вне художественного контекста новые свойства.

Представители- Марсель Дюшан, Cальвадор Дали, Альберто Джакометти, Хуан Миро

Роберт Раушенберг, Зигмар Польке.

ОП-АРТ (англ. Op-art — сокращенный вариант opticalart — оптическое искусство) — художественное течение второй половины 20 века, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур.

Задача оп-арта —

обмануть глаз,

спровоцировать его на ложную реакцию,

вызвать образ «несуществующий».

Течение продолжает модернизм. Восходит к так называемому «геометрическому» абстракционизму представителем которого был В. Вазарели — основоположник оп-арта.

Возможности Оп-арта нашли некоторое применение в промышленной графике, плакате, оформительском искусстве.

в изобилии демонстрировались произведения художников этого направления — Виктора Вазарели, Еннио Финци и других.

Художники оп-арта нередко объединяются и выступают инкогнито: группа Н. (Падуя), группа Т. (Милан), группа Зеро (Дюссельдорф), группа поисков визуального искусства, возглавляемая Виктором Вазарели, которая дала первоначальный толчок движению оп-арта.

Представители: Яаков Агам, Ричард Аллен, Йозеф Альберс, ДжетулиоАльвиани, Anonimagroup,

Ричард Анушкевич, Виктор Вазарели, Людвиг Вайлдинг, Тони ДеЛап, МарианЗазеела, Карлос Крус-Диес, Хулио Ле Парк, Хайнц Мак, Джон Макгейл, Юрий Мессен-Яшин, Реджинальд Нил, БриджитРайли, Хесус Рафаэль Сото, Джулиан Странчак, Гюнтер Уекер, Гюнтер Фрутрунг.

Поп-арт

Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popularart) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

изменяются масштаб и материал;

обнажается приём или технический метод;

выявляются информационные помехи и др.

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (1926—1990) в 1966 году.

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блек, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?».

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство.

Представители:

Том Вессельман, РичардГамильтон, ДжасперДжонс, АленДжоунс, РойЛихтенштейн, КласОлденбург, РобертРаушенберг, ЭндиУорхол.

ГИПЕРРЕАЛИЗМ (hyperrealism — англ.), или фотореализм (photorealism — англ.) — худож. течение в живописи и скульптуре, основанное на фотографии, воспроизведении действительности.

И в своей практике, и в эстетических ориентациях на натурализм и прагматизм гиперреализм близок к поп-арту. их прежде всего объединяет возврат к фигуративности.

Основным для гиперреализма является

точное, бесстрастное, внеэмоц. воспроизведение действительности, имитирующее специфику фотографии.

Цвета, объемы, фактурность упрощаются. И хотя излюбленная проблематика гиперреализма —

реалии повседневной жизни, городская среда, реклама, макрофотографич. портрет «человека с улицы», создается

впечатление статичной, холодной, отстраненной, отчужденной от зрителя сверхреальности.

Наиболее известный из скульпторов-гиперреалистов — Д. де Эндреа, выполненные в натуральную величину работы отмечены иронич. отчуждением. Манекеноподобные обнаженные фигуры («Сидящая брюнетка на пьедестале», «Сидящие мужчина и женщина»), воспроизводящие роденовские позы — своего рода кичевые антигерои, пародирующие идолов коммерч. рекламной красоты

Художники, работающие в жанре и стилистике гиперреализма: Бернардо Торренс, МэлРамос, Скотт Прайор, УиллКоттон, Жак Боден, Педро Кампус, ЧакКлоуз, Жиль Эно, РонМьюек, Роберто Бернарди, ЧиараАлбертони, РафаэллаСпенси др.

Лэнд-арт (от англ. landart — земляное искусство), направление в изоискусстве последней трети XX в., основанное на использовании реального пейзажа в качестве главного художественного материала и объекта. Художники прорывают траншеи, создают причудливые нагромождения камней, раскрашивают скалы, избирая для своих акций обычно безлюдные места — первозданные и дикие ландшафты, тем самым как бы стремясь вернуть искусство в природу.

термин <лэнд-арт> появился в конце 60-х.

Основной материал — земля, используют её и всё, что она даёт. В символической форме это значит, что художники пробуют добраться до самой сущности произведения искусства.

Основные представители:

Роберт Смитсон,РичардЛонг,Герман де Врайс,Вальтер де Мария,МайклХейзер,АнаМендьета,

ХамишФултон,ЭндиГолдсворти,ЯцекТылицки,НиколайПолисский.

Виднейший лэнд-мастер Кристо (ХристоЯвачев) оборачивает или упаковывает на некоторое время в ткань (обычно серебристую) крупные природные или культурные объекты — острова во Флориде, участок побережья в Австралии, мост Пон-Неф в Париже, Рейхстаг и т.д.

Александр Голиздрин долгое время занимался лэнд-артом на местных российских природно-хозяйственных угодьях, например, вывезенные 16 кг гальки из Швейцарии высыпал у железнодорожного полотна в Саратовской области. И назвал это <Похищением Европы>.

От искусства создания ландшафтных парков лэнд-арт отличался своей бесполезностью с практической точки зрения.

Ландшафтные произведения искусства требуют немалых затрат на изготовление. И это также примета нашего времени: деньги играют в искусстве всё более важную роль.

Лэнд-арт тем не менее показал, что в искусстве всё ещё скрыты неизвестные силы, которые дают возможность нестандартно самовыражаться. Нет никакой теории, дающей полный анализ методов этого направления. Наоборот, стиль поощряет постоянное творческое движение, самобытность.

МИНИМАЛИЗМ (minimalart — англ.: минимальное искусство) — худож. течение, исходящее из

минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов,

простоты и единообразия форм,

монохромности,

творч. самоограничения художника.

Отвергая классич. приемы творчества и традиц. худож. материалы, минималисты используют

промышленные и природные материалы простых геометрич. форм и нейтральных цветов (черный, серый),

малых объемов,

применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства.

Артефакт в минималистской концепции творчества — определенный заранее рез-т процесса его производства. Получив наиболее полное развитие в живописи и скульптуре, минимализм, интерпретируемый в широком смысле как экономия худож. средств, нашел применение и в др. видах искусства, прежде всего театре, кинематографе.

Минимализм возник в США в пер. пол. 60-х гг.

Его истоки — в конструктивизме, супрематизме, дадаизме , абстракционизме, формалистической амер. живописи к. 50-х гг., поп-арте. Непосредств. предшественником минимализма.является амер. художник Ф. Стелла, представивший в 1959-60 серию «Черных картин». Среди наиболее репрезентативных минималистов — К. Андре, М. Бочнер, У. Де Ма-риа, Д. Флэвин. С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн. Их объединяет стремление вписать артефакт в окружающую среду, обыграть естественную фактуру материалов. Д. Жад определяет его как «специфич. объект», отличный от классич. произведений пластич. искусств. Самостоят, роль играет освещение как способ создания минималистских худож. ситуаций, оригинальных пространственных решений;

используются компьютерные способы создания произведений.

Хеппенинг

возник в конце 50-х годов, а в конце 60-х являлся одним из самых популярных видов современной художественной культуры на Западе. Как и поп-арт, хеппенинг зародился в США и вскоре перекочевал в Европу и Азию.

Само слово «хеппенинг» означает «происходящее», «случающееся», непреднамеренное происшествие или событие. На самом же деле хеппенинг – представление, заранее спланированное и подчиненное либретто и режиссерскому замыслу.

Автором первых постановок хеппенинга «Двор», творения» (1958-1959) был А. Кепроу. Постановки хеппенинга предполагают загадочные, порой алогичные действия исполнителей и характеризуются обилием реквизита из вещей, бывших в употреблении и даже взятых на свалке. Участники хеппенинга надевают яркие и нарочито нелепые костюмы, подчеркивающие неодушевленность исполнителей и их похожесть на ящики, ведра и т.п.

В хеппенинге используется световая живопись: свет меняет цвет и силу, направляется непосредственно на актера или просвечивает сквозь ширмы из разного материала. Часто он сопровождается звуковыми эффектами (звучание человеческого голоса, музыки, а также звяканье, треск, скрежет и т.д.). Звук иногда бывает очень сильным, неожиданным и намеренно вызывает шоковое воздействие. В представление включаются кадры кино и демонстрация диапозитивов. Порой используются и сильно пахнущие вещества.

Хеппенинг связан с художественными поисками начала XX в., с попытками некоторых живописцев и скульпторов перенести акцент с картины или скульптуры на творческий акт их написания или ваяния. Другими словами, хеппенинг берет свои истоки также и в «живописи действия»: в «каплеразбрызгивании» Дж. Поллока, в «хлещущих» ударах кистью Де Кунинга, в костюмированных живописных действах Ж. Матье.