Основные принципы кубистского идеала красоты:

• культ искусственно изобретенных пространственных форм в противовес наблюдаемым,

• подчеркивание устойчивости и стабильности,

• особый интерес к техническим и «изломанным» (война, революция, катастрофа) сюжетам,

• геометризация линий и форм,

• отказ от объемности,

• одновременное изображение нескольких ракурсов предмета,

• ограниченная цветовая палитра.

Представители и работы для кубизма: Пикассо, "Авиньонские девицы", "Гитара", Грис Хуан,"Портрет Пикассо" Александр Архи́пенко «Шагающая»

Футуризм (от лат. Futurum - будущее) является дальнейшим развитием творческих позиций кубизма. Представителями футуризма являлись Умберто Боччони(скульптор и художник, картины: Мать с вязальным крючком, Синьора Массимино, скульптура: «Силовые линии бутылки») Джино Северини, Филиппо Маринетти, Карла Кара, Джакомо Балла (итальянская ветвь, более представленная в живописи и скульптуре), В.Маяковский (ранний период), братья Ф. и С. Бурлюки, В.Хлебников, А.Крученых, И.Северянин (русский футуризм, представленный живописью и поэзией). Футуризм был одним из первых предельно эпатажных направлений неклассического искусства. Их задача достаточно провокационна - напугать и встряхнуть обывателя.

Мы хотим разрушить музеи, библиотеки, сражаться с морализмом, феминизмом и всеми низостями, оппортунистическими и утилитарными. Нужно восстать против тирании слов «гармония», «хороший вкус». Критики искусства бесполезны и вредны.

Маринетти Филиппо

Также как и кубизм, данное направление решительно отказывается от «подражательной» живописи и стремится к «геометризации» мира. Однако если кубисты основное внимание сосредоточили на мире статичных форм, то футуристы свою основную цель видят в передаче движения. Футуристы находились под завораживающим впечатлением от возможностей наступившей технической цивилизации. Упоенные новейшими техническими изобретениями они призывают вырезать «раковую опухоль» традиционной культуры ножом урбанизма и техницизма. Гоночный автомобиль представляется им прекраснее Ники Самофракийской. Вся их живопись наполнена ритмом движения и прогресса, их излюбленные предметы - поезд, автомобиль. Футуристы стремятся к передаче даже не самих движущихся предметов, а, скорее, их энергетического образа и характера психолого-эмоционального воздействия на человека, изображаемые с помощью абстрактных лучащихся динамически закручивающихся в пространстве форм. Для передачи движения футуристы весьма активно используют прием дивизионизма, т.е. повторения. Повтор деталей предмета (множество ног идущей по балкону девочки у Д.Северини, ритмическое пересечение предмета повторяющимися линиями) - весьма типичный футуристический прием, напоминающий последовательное наложение кинематографических кадров. В результате футуристам удалось добиться изображения динамического пространства чисто живописными средствами.

В самом деле, все движется, все бежит, все быстро трансформируется. Профиль никогда не бывает неподвижным перед нами. Он беспрестанно появляется и исчезает. Ввиду устойчивости образа в сетчатке предметы множатся, деформируются, преследуя друг друга, как торопливая вибрация в пространстве, ими пробегаемом. Вот таким образом у бегущих лошадей не четыре ноги, а двадцать, и их движения треугольны.

Северини Джино

Футуристический герой - это машиноподобный, механический человек (в идеале - с заменяемыми частями тела!), а мир - бесконечный хаос, который должен быть преодолен посредством силы. Данная установка привела к тому, что культ силы и телесности - значимые мотивы футуризма (более выраженные в итальянской, чем русской, версии).

Футуризм как стилевое направление европейской живописи оказался недолговечен, возникнув в 1905-07 гг., он распался в начале 1 Мировой войны. Ф.Маринетти - основатель данного направления, автор скандально известного «Манифеста футуризма» - впоследствии примкнул к фашизму.

Конструктивизм - одно из направлений искусства ХХ века, поставившее в центр своих творческих изысканий понятие «конструкция». В отличие от иных форм авангарда, которые настаивали на принципиально неутилитарном характере нового искусства, представители данного направления исходили из убеждения, что целесообразно и рационально организованная конструкция, имеющая утилитарное и функциональное значение, является базовым понятием современного искусства. Именно функционализм, а не чистая художественно-эстетическая выразительность преобладают в конструктивизме.

Мы // разносчики новой веры, // красоте задающей железный тон. // Чтоб природами хилыми не осквернили скверы, // в небеса шарахнем железобетон.

Вл.Маяковский

Конструктивизм изначально возник в России в 1910-х годах в среде технократически ориентированных архитекторов и художников, сознательно исповедовавших революционную идеологию большевизма. С начала 20-х годов многие идеи конструктивистов начали расходиться с идеологией большевизма, они были обвинены в формализме и практически лишены возможности творчества.

Родоначальником считается архитектор Владимир Татлин, а «визитной карточкой» - созданный им проект Монумента III Интернационалу, так называемая «Башня» Татлина (1919-1920). Представителями русского конструктивизма также являлись архитекторы К.Мельников, И.Леонидов, режиссер Вс.Мейерхольд. Наиболее ярким примером западного конструктивизма является архитектура Ле Корбюзье. Значимый вклад в теорию и практику конструктивизма внес «Баухауз» - организованная в Германии архитектором В.Гроппиусом в 1919 г. художественно-промышленная школа, исповедовавшая принцип единства материального и духовного начал творчества, технико-прикладной и художественно-эстетической деятельности. В теории и практике конструктивизма большое внимание уделялось дизайну.

Абстракционизм - одно из наиболее интересных и продуктивных направлений искусства ХХ века, ориентированное на поиск неких чисто художественных пластических форм и цветовых сочетаний, позволяющих создать живописные полотна, предельно лишенные какого-либо вербализуемо-рассудочного содержания. Абстракционисты исходят из предпосылки, что произведения искусства являются самостоятельными сущностями, противостоящими природе, в своей основе не связаны с ней и не должны исходить из принципа внешнего подобия.

Живопись должна называться абстрактной, когда мы ничего не можем узнать в ней от объективной реальности, составляющей нормальную среду нашей жизни.

Воррингер В.

Идеи абстракционизма развивались в творчестве Хуана Миро, Франца Марка (Косули в камышах. Тироль), но самым знаменитый его представитель - Василий Кандинский («Колебание»,«Композиция»,«Москва»,«Восток»), являвшийся не только практиком, но и теоретиком данного направления.

Кандинский видел задачу нового искусства в том, чтобы увести зрителя от мира материальных форм в мир чистой духовной сущности. В отличие от других представителей авангардного искусства, проповедовавших принципиальный субъективизм, он считал, что в основе творчества лежит некое Абсолютное Духовное начало, проявляющее себя в любом предмете или фрагменте реальности. Художник, по Кандинскому, «слышит» внутреннее звучание Космоса и каждого предмета, «видит» его сокровенную духовную жизнь и его задача - высвобождение Духа от материально-предметной зависимости и господствующего утилитаризма. Это можно осуществить, только отказавшись от стремления воплотить внешне-явленческую сторону предмета; неважно как выглядит на самом деле тот или иной предмет, гораздо важнее передать его внутреннюю духовно-смысловую сущность, выраженную в «беспредметной» гармонии цвета и формы.

Задача искусства - путем ограничения внешнего заставить звучать внутреннее.

Кандинский В.

Художник-абстракционист может быть сравним с Алисой в Зазеркалье, которая видела улыбку Чеширского кота при отсутствии самого кота. Также и художник-абстракционист свободно манипулирует отдельными свойствами предмета - его формой и цветом, - самостоятельно существующими вне связи со своим носителем.

Приход беспредметной живописи на смену «реалистической» Кандинский сравнивает с появлением Нового Завета Христа, который не разрушил Ветхий Завет Моисея, но возник на его основе и углублял и развивал его более простые, прямолинейные нормы и установления. Если Закон Моисея в большей мере касался внешних поступков человека, то новозаветная этика прежде всего ориентирована на внутренние «деяния», для нее существенны и «мысленные грехи». Нечто подобное усматривает Кандинский и в беспредметной живописи. Она не отрицает и не зачеркивает старое искусство, но лишь «внутренне логично» и «чрезвычайно органично» развивает его; в ней делается акцент на требовании «внутренней жизни в произведении».

Бычков В.В.

На позициях, близких абстракционизму, основано творчество П.Мондриана (неопластицизм). Голландец Пит Мондриан полагал, что сущность мира может быть выражена посредством простых геометрических форм и линий. Оппозиция «горизонталь-вертикаль» с использованием локального цвета является наиболее типичной для его живописных полотен и наиболее адекватно, по его мнению, выражает ощущение пропорциональности, гармонии и равновесия как базовых принципов мироздания.

Супрематизм (от лат. supremus - высший, первейший, крайний) являлся геометрической вариацией абстракционизма. Наиболее известный представитель - Казимир Малевич. Малевич понимает супрематизм как апологию неутилитарного Искусства, независимое ни от каких социальных, политических, экономических, классовых или религиозных точек зрения и преследующее одну цель - эстетическое наслаждение красотой мира.

Для творчества Малевича характерно глубокое философско-мировоззренческое обоснование специфики художественного творчества. Он разделяет идеи Бергсона о принципиальной ограниченности рационально-рассудочного мышления и полагает, что в своей основе мир является «миром вне суждения». Предметная наполненность мира вторична, преходяща, поэтому бытийные основы мироздания могут быть выражены только посредством беспредметной живописи. Понятие «беспредметность» у Малевича предельно многоаспектно и является, во-первых, стилевым приемом современной ему живописи, во-вторых, онтологическим основанием мира, и, в-третьих, наилучшей из возможных форм возбуждения чисто эстетического наслаждения. Малевич, также как и другие представители абстракционизма, полагает, что беспредметное искусство является единственной формой, свободной от внехудожественных (воспитательно-назидательных, утилитарно-практических, религиозных и т.д.) отношений к произведению искусства. Только в беспредметной живописи можно достичь чистого эстетизма.

Главными изобразительными средствами для Малевича являются геометрические формы, особую роль из которых играет квадрат. Квадрат наделяется им совершенно различными, выходящими далеко за пределы только изобразительной семантики, значениями (красный - знак революции, белый - чистое действие и творчество). Квадрат становится символом бытия. (Напрашивается сравнение с философией и эстетикой пифагорейцев, рассматривавших числа как конструктивный элемент бытия, визуализировавших их в различных геометрических формах и наделявших их различными - политическими, этическими, сакральными - характеристиками).

Квадрат (в частности, черный) в философствующей живописи супрематизма - это символ «чистого» бытия, лишенного любой предметности и эмоциональности, это - прорыв в Ничто, способ связи человеческого и сакрально-космического, это - символ мира, из которого убрали все наше, человеческое, а следовательно, преходящее. Поэтому восприятие «Черного квадрата», также как и других супрематических композиций, не может быть вербально-рассудочным, созерцательным или даже чисто эстетическим, оно поднимается до уровня медитативно-философского. Не случайно А.Бенуа назвал «Черный квадрат» «голой иконой».

«Черный квадрат» Малевича - сущностный символ глобальной и полной «дегуманизации» искусства, свершившейся в ХХ веке, в нем средствами живописи явлена метафизическая «пустыня небытия», абсолютное Ничто, в котором нет и не может быть места человеку. Это космос до человека или после него; космос, который в принципе не для человека.

Бычков В.В.

Авангардное искусство, при всей своей пестроте и многоликости, имеет ряд сходных если не в собственно художественном, то в мировоззренческом плане черт. В качестве основных можно выделить:

• принцип эстетической дистанцированности искусства, т.е. его принципиальной независимости от любых внехудожественных (утилитарных, экономических, политических и т.д.) контекстов,

• полный отказ от миметического принципа («подражательной живописи»),

• акцент на формально-выразительных способностях формы.

Последним «вздохом» авангардной культуры можно считать поп-арт (от англ. рopular art - «популярное искусство»), возникший в 1950-60 гг. практически одновременно в США и Англии как своеобразная ироническая реакция на элитарность авангардно-модернистских течений в европейском изобразительном искусстве. Его корифеями являлись Р.Раушенбах, Э.Уорхол, Р.Лихтенштейн, К.Ольденбург. Поп-арт - это непосредственное выражение потребительских настроений технологического массового общества. Эстетика поп-арта пыталась обнаружить эстетическую ценность и выразительность предметов повседневного быта, ранее находившихся вне пределов искусства.

При всем своем эпатажном, откровенно бунтарском характере авангардное искусство сохраняло принцип видовой дифференциации искусства (живопись, скульптура, архитектура, музыка и т.д.), унаследованный от классики. В этот период возникли еще только самые первые попытки их смешения и возникновения нетрадиционных форм искусств, в частности, в рамках дадаизма и футуризма. В рамках поп-арта возникли новые формы арт-практик (коллаж, инсталляция) и арт-акций (хепенинг, перфоманс), активно развиваемые эстетикой пост-модерна.

Билет №26.