1.Виды, жанры, художественно-выразительные средства изобразительного искусства

Понятие об искусстве. Предмет и метод искусства. Материальная основа развития искусства. Искусство как форма общественного сознания. Взаимосвязь искусства с политикой и моралью. Классовость и партийность в искусстве. Содержание и форма. Понятие о художественном стиле. Основные принципы развития художественного стиля. Направление и метод в искусстве. Традиции и новаторство в искусстве. Взаимосвязь национальных корней и внешних влияний; роль внешних влияний в развитии искусства. Место искусства в жизни народа.

Искусства пластические и пространственные. Взаимосвязь различных видов искусства.

Особенности архитектуры. Архитектурные конструкции и формы. Композиция в архитектуре. Конструктивность, функциональность, тактичность, декоративность в архитектуре. Архитектурные ансамбли. Садово-парковое искусство и его связь с архитектурой.

Скульптура. Виды скульптуры. Техника, композиция. Проявление стилевых особенностей в скульптуре.

Живопись. Виды живописи. Жанры. Композиция в живописи. Колорит. Стиль и манера. Техника живописи. Живопись и рисунок, линия и мазок в искусстве живописи.

Графика. Виды графики. Техника графики.

Прикладное искусство. Виды прикладного искусства. Стиль в прикладном искусстве. Техника. Художественная промышленность

2 Древнейшие этапы развития первобытной культуры, когда впервые появляется и искусство, относятся к палеолиту, причем искусство, как уже говорилось, появилось лишь в позднем (или верхнем) палеолите, в ориньяко-солютрейское время, то есть за 40 - 20 тысячелетий до н.э. Оно достигло большого расцвета в мадленское время (20 - 12 тысячелетия до н.э. Более поздние этапы развития первобытной культуры относятся уже к мезолиту (среднекаменному веку), неолиту (новому каменному веку) и ко времени распространения первых металлических орудий (медно-бронзовому веку). Примерами первых произведений первобытного искусства являются схематические контурные рисунки звериных голов на известняковых плитах, найденные в пещерах Ла-Ферраси (Франция).

Эти древнейшие изображения чрезвычайно примитивны и условны. Но в них, без сомнения, можно видеть зачатки тех представлений в сознании первобытных людей, которые были связаны с охотой и охотничьей магией. С появлением оседлости, продолжая использовать для обитания навесы скал, гроты и пещеры, люди начали устраивать и долговременные поселения - стоянки, состоявшие из нескольких жилищ. Так называемый «большой дом» родовой общины из поселения Костенки I, около Воронежа, был значительных размеров (35x16 м) и имел, повидимому, кровлю из жердей. Именно в такого рода жилищах, в ряде поселений охотников на мамонта и дикую лошадь, относящихся к ориньяко-солютрейскому времени, обнаружены вырезанные из кости, рога или мягкого камня небольшие по размерам (5 - 10 см) скульптурные фигурки, изображающие женщин. Большинство найденных статуэток изображает обнаженную стоящую женскую фигуру; в них ясно видно стремление первобытного художника передать черты женщины-матери (подчеркнуты грудь, огромный живот, широкие бедра).

3. Искусство Древнего Египта — живопись, скульптура, архитектура и другие виды искусства, которые зародились в Нильской долине ок. 5000 лет до н. э. и просуществовали до 300 года н. э. Скульптура Древнего Египта — одна из наиболее самобытных и строго канонически разработанных областей искусства Древнего Египта. Скульптура создавалась и развивалась, чтобы представить древнеегипетских богов, фараонов, царей и цариц в физической форме. Статуи богов и фараонов ставились на всеобщее смотрение, как правило, на открытых пространствах и вне храмов.Статуи, как правило, сохраняют первоначальную форму каменной глыбы или куска дерева, из которого она высечена.Существовал очень строгий канон[2] создания древнеегипетской скульптуры: цвет тела мужчины должен был быть темнее цвета тела женщины, руки сидящего человека должны были быть исключительно на коленях; существовали определенные правила изображения египетских богов. Так бога Гора следовало изображать с головой сокола, бога мертвых Анубиса — с головой шакала. Все скульптуры создавались по данному канону и следование было столь строгим, что почти за трехтысячелетнюю историю существования Древнего Египта он не претерпел изменений[3]. Живопись

Все рельефы в Древнем Египте ярко раскрашивались, меньше всего изображений было в гробницах, храмах и дворцах, там рисунки были только на поверхности. Каменная поверхность готовилась к покраске — грубый слой грязи с более мягким слоем гипса сверху, потом известняк — и краска ложилась более ровно. Строительные пигменты были, как правило, минеральными, дабы защитить изображения от солнечного света. Состав краски был неоднородным — яичная темпера, разнообразные вязкие вещества и смолы.

4. Искусство Древней Греции — период в истории искусства, охватывающий время примерно с 1050 г. до н. э. История древнегреческого искусства начинается после падения Микен и дорийского переселения и охватывает 11-1 вв. до н. э. В этом историко-художественном процессе обычно выделяют 4 этапа, которые соответствуют основным периодам общественного развития Древней Греции: 11-8 вв. до н. э. – гомеровский период; 7-6 вв. до н. э. -- архаика; 5 в – первые 3 четверти 4 в до н. э. – классика; 4 четверть 4 в – 1 в до н. э. – эллинизм. Принцип греческого классического искусства — это воспроизведение природы, творчески исправленное и дополненное художником, выявляющим в ней несколько более того, что видит глаз. Бронза становится излюбленным материалом ваятеля, ибо металл покорнее камня и в нем легче придавать фигуре любое положение, даже самое смелое, мгновенное, подчас даже «выдуманное». Великий скульптор Мирон, работавший в середине V в. в Афинах, создал статую, оказавшую огромное влияние на развитие изобразительного искусства. «Дискобол» «Дорифор» — юноша-копьеносец (Мраморная римская копия с бронзового оригинала. Неаполь, Национальный музей). В этом образе — гармоническое сочетание идеальной физической красоты и одухотворенности: юный атлет, тоже, конечно, олицетворяющий прекрасного и доблестного гражданина, кажется нам углубленным в свои мысли — и вся фигура его исполнена чисто эллинского классического благородства. Это не только статуя, а канон в точном смысле слова. Поликлет задался целью точно определить пропорции человеческой фигуры, согласные с его представлением об идеальной красоте. Пифагор Регийский (480—450 гг. до н. э.) был знаменитейшим скульптором. Раскрепощенностью своих фигур, включающих как бы два движения (исходное и то, в котором часть фигуры окажется через мгновение) Калокагати́я ( «прекрасный и хороший», в древнегреческой культуре — гармоническое сочетание физических (внешних) и нравственных (душевных, внутренних) достоинств, совершенство человеческой личности как идеал воспитания человека.

5. В VII - VI веках до н.э. искусство Рима, отражая простой и суровый уклад жизни, было проникнуто духом практичности. Большую роль в формировании искусства Древнего Рима сыграло искусство этрусков, а также самобытные искусства многих италийских племён и народов (например, сабинян, откуда родом, по легенде были жёны первых римлян). Огромное влияние на развитие римского искусства оказало искусство греческое. Однако, вбирая разнообразные элементы, римское искусство сохраняло свои оригинальные художественные черты. В основе римской художественной культуры лежат суровая проза, точность и историзм мышления. Трезвое, рационалистическое восприятие действительности определило практический склад римской культуры, который сказался во всём - в нормативном представлении о целесообразном миропорядке, в скрупулёзности римского права, учитывающие все жизненные ситуации, в интересе к точным историческим фактам, в примитивной конкретности религии с божествами, покровителями отдельных видов человеческой деятельности (боги удачи, добродетели, первого крика ребёнка и т.д.), в остром и суровом реализме, который составил основу римского искусства.

6. В искусстве Византии Византийцы создали художественную систему, в которой господствуют строгие нормы и каноны, а краса материального мира рассматривается только как блик неземной, божественной красы. Эти особенности ярко проявились как в архитектуре, так и в изобразительном искусстве. Тин античного храма был переосмыслен в согласовании с новыми религиозными требованиями. Сейчас он служил не местом хранения статуи божества, как это было в античную эру, а местом собрания верующих для роли в таинстве приобщения к божеству и слушания «слова божьего». Поэтому основное внимание уделялось организации внутреннего пространства.

Снаружи строения, дворцовые и культовые, получали постоянно совсем простую обработку: фасады, как правило, не штукатурились, а оформлялиськирпичом, чередовавшимся со слоями розового цементного раствора, а время от времени (в поздние периоды) и с темноватым камнем-известняком. Используемая узорная кирпичная кладка придавала зданиям необыкновенную фактуру. Кирпич, время от времени в сочетании с камнем, был главным строительным материалом, определявшим внешний вид многих византийских сооружений. Характерным архитектурным элементом были суженные арочные окна, которые частенько сводились в группы по два-три окна, часто разделявшихся колон-ками и объединенных наружна аркой над ними. Популярная тема византийской архитектуры — аркады на больших колоннах с корзинообразными капителями. Такие аркады частенько обхватывали фасад на всем его протяжении.

Происхождение византийского церковного строения следует находить в античности: римские базилики, служившие в старом Риме судебными и торговыми зданиями, стали употребляться как церкви, а потом стали строиться христианские храмы-базилики. Византийские базилики различаются простотой плана: к основному прямоугольному размеру с восточной стороны примыкает полукруглая алтарная апсида, перекрытая полукуполом (конхой). которой предшествует поперечный нефтрансепт. Частенько к западной стороне базилики примыкает прямоугольный двор, окруженный галереей с аркадами и имеющий в центре фонтан для омовения. Арочные перекрытия опираются не на антаблемент, как в античности, а на подушки— пульваны, лежащие на капителях и распределяющие умеренно нагрузку арок на капители колонн.

Внутри кроме главенствующего, более высокого, нефа имеются боковые нефы (их может быть и три, и пять). позже наибольшее распространение получил тип крестово- купольной церкви: квадратное в плане здание, в центральной части которого находилось четыре столба, поддерживающих купол. От центра расползались четыре сводчатых рукава, образуя равноконечный, так называемый греческий крест. Время от времени базилика соединялась с крестово-купольной церковью.

основным храмом всей Византийской империи стала церковь Святой Софии в Константинополе. Она была построена в 632—537 гг. Зодчими Анфимием из Траля и Исидором из Милета во времена правителя Юстиниана. Огромный купол храма имеет диаметр 30 м. Благодаря особенностям конструкции строения и прорезанным у основания купола окнам, он как бы парит в воздухе. Купол опирается на 40 радиальных арок. Переход от купола к четырехугольному подкупольному квадрату осуществляется посредством сферических треугольников — парусов. Малые купола расположены по углам, ниже центрального купола. Боковые апсиды ограничены аркадами, колонны которых были выполнены из порфира и малахита. Низ стенок облицован мраморами, а верх — мозаиками. Арки нефов поддерживают свыше ста колонн. Капители колонн украшены качественной резьбой по мрамору. Высота строения с куполом 55 м. Храм в плане имеет размеры приблизительно 80х72 м. В него ведет девять дверей, на средней из которых помещено мозаичное изображение Христа, благословляющего верующих, и надпись - «Мир — Вам. Я—свет мира». Внутреннее убранство собора пострадало во время крестовых походов и нашествия турков. После разгрома Константинополя он стал мечетью Айя-София. Заместо креста сейчас на нем полумесяц, символ языческих богинь Гекаты и Дианы.

7. Средневековое искусство возникло и существовало па почве феодализма, более прогрессивной общественной формации по сравнению с рабовладельческим строем. Художественная культура феодального общества, отличаясь в нравственном содержании от этических и эстетических идеалов античности, внесла в мировое искусство неповторимый вклад.

Стиль, господствовавший в Европе вХI - XIII веках называют романским (от латинского слова "Рома" - Рим), поскольку архитекторы этого времени применяли древнеримские строительные приемы. Дух воинственности пронизывает романские храмы, восходящие к раннехристианской базилике. В соответствии с идеологией христианства романский храм делился на три части: притвор (в Западной Европе его называют “нартекс”), корабли или нефы и алтарь. При этом символически эти части уподоблялись человеческому, ангельскому и божественному мирам; или телу, душе и духу. Восточная (алтарная) часть храма символизировала рай и была посвящена Христу; западная - ад и была посвящена сценам Страшного Суда; северная - олицетворяла смерь, мрак, зло; а южная - посвящалась Новому Завету. В то же время сам Христос говорил, что он есть “путь, истина и жизнь”. И потому проход верующего от западного портала (входа в храм) к алтарю символизировал путь его души из мрака и ада к свету и раю. Интересно, что в романских соборах вход устраивали часто не в западной стене храма, а в северной. Тогда и путь верующего пролегал из смерти и зла к добру и вечной жизни. Композицию в средневековье понимали буквально, как складывание, составление нового из готовых форм. И сегодня романский собор кажется нам как бы составленным из нескольких самостоятельных объемов (как из кубиков). Одну из важнейших особенностей романской архитектуры составляет употребление сводов для потолочных покрытий. Недаром многие современные историки архитектуры называют романский стиль “стилем полукруглой арки”. Массивные башни с шатровыми вершинами; толстые стены узкими окнами, почти лишенные украшений; простота и строгость линий, подчеркивающих устремленность вверх, внушали мысль о бессилии человека и помогали верующему сосредоточиться на происходящем богослужении Ясность силуэта, преобладание горизонталей, спокойная, суровая сила романского зодчества были ярким воплощением религиозного идеала этого времени, говорившем о грозном всемогуществе божества.

Воплощением новых тенденций в культурной жизни зрелого средневековья явился городской кафедральный собор готического стиля. Городской собор с XIII века становится не только местом богослужения. И на площади перед собором, и в самом соборе происходят диспуты, читаются лекции, разыгрываются театральные представления. Собор теперь должен был вмещать почти все сильно возросшее население города.

Трудно найти подходящие слова, чтобы описать впечатления от готического собора. Они высоки и тянутся к небу бесконечными стрелами башен и башенок, вимпергов, фиалов, заостренных арок. Вся воздушность, вся сказочность готического строения имеет рациональную основу: она вытекает из каркасной системы постройки

Во многом готический собор сохранял традиции романского. Это естественно: готика не изменила назначения собора, который по-прежнему остался местом богослужений. Но готика была связана с новой конструкционной системой - каменным каркасом, т.е. взаимосвязанными каменными стержнями.

Это позволило "прорубить" в соборах большие окна и практически “растворить” стену в пространстве воздуха.Этому же способствовала и стрельчатая арка, т.е. две арки, скрещивающиеся под углом и облегчающие готическую конструкцию. Промежутки между опорными столбами теперь повсеместно заполняются витражами - красочными мозаичными окнами, во многом заменившими готике и иконопись и скульптуру. Наружние каркасы усиливали рельефную выразительность здания, подчеркивая его устремленность вверх.

Человек чувствовал себя маленьким рядом с огромным собором или внутри его, но храм не подавлял верующего. Напротив, стрельчатые арки, башни и башенки с остроконечными шпилями, сотни, а иногда и

Тысячи статуй на фасадах и внутри здания - все это влекло взор и мысли человека вверх, к Богу.

8. Одной из важнейшие особенностей итальянского Возрождения является широкое использование античного наследия, традиции которого никогда не умирали в районе Средиземноморья. Интерес к классической древности пробудился здесь очень рано. Он сказался уже в произведениях художников итальянского Проторенессанса. В XV веке изучение античности становится одной из главных задач гуманистических штудий. В это время значительно расширяются сведения о культуре древнего мира Поиски произведений искусства привели к открытию большого числа античных рельефов, статуй, а позднее и фресковых росписей Древнего Рима. Художники неустанно изучали эти произведения. Это постоянное обращение к античности обогатило искусство Италии множеством новых для того времени мотивов, приемов и форм, внеся в него вместе с тем оттенок героической идеализации, совершенно отсутствующий в произведениях художников Северной Европы.

Другой существенной чертой итальянского Возрождения является его рационалистичность.

9. Северное Возрождение — термин, использующийся для описания эпохи Возрождения в северной Европе, или более обобщающее — во всей Европе за пределами Италии, к северу от Альп.

10. БАРОККО (итальянск. barocco — «странный», «причудливый»; португальск. perola barroca — «жемчужина неправильной формы»; существуют и другие предположения о происхождении этого слова) - стиль, преобладавший в искусстве Европы с конца 16 до середины 18 века и охвативший все виды творчества, наиболее монументально и мощно проявившись в архитектуре и изобразительном искусстве.Новый стиль, прежде всего, утвердился в церковной архитектуре. Он был призван прославлять могущество церкви и светской аристократии, тяготел к парадной торжественности и пышности. В этот период наблюдается расцвет архитектуры, выразившийся в создании грандиозных городских ансамблей и дворцово-парковых комплексов (Собор и площадь святого Петра в Риме, образованная колоннадой Бернини (1657-1663гг)). Основополагающей чертой барокко можно считать его стремление к синтезу искусств, объединению в один ансамбль архитектуры, скульптуры, живописи и декоративного искусства. Городской ансамбль, улица, площадь, парк, усадьба - стали пониматься как организованное, развивающееся в пространстве художественное целое, многообразно разворачивающееся перед зрителем. Дворцы и церкви барокко благодаря роскошной, причудливой пластике фасадов, беспокойной игре светотени, сложным криволинейным планам и очертаниям приобрели живописность и динамичность и как бы вливались в окружающее пространство. Парадные интерьеры зданий барокко украшались многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяли пространство, а живопись плафонов создавала иллюзию разверзшихся сводов.

11. Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века и представлен творчеством Рубенса, Ван Дейка, Йорданса, Снейдерса. Законодателем в новом стиле стал Питер Пауль Рубенс. В ранний период барочная стилистика воспринимается Рубенсом через призму живописи Караваджо — «Воздвижение креста», «Снятие с креста», «Похищение дочерей Левкиппа». Переходом к зрелой фазе творчества художника стал большой заказ цикла картин «Жизнь Марии Медичи». Картины театральны, аллегоричны, манера письма выразительна. Рубенс демонстрирует невероятную жизнеутверждающую силу барокко, его портреты, особенно женские, открывают этот неиссякаемый для него источник радости. В последний период творчества Рубенс продолжает тему вакханалий — «Вакх» — откровенно телесное восприятие жизни. В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франца Халса — в Харлеме, Рембрандта — в Амстердаме, Вермеера — в Делфте. В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни. Рембрандт это подчёркивал в следующих словах: «Небо, земля, море, животные, люди, — всё это служит для нашего упражнения».

12. МА́ЛЫЕ ГОЛЛА́НДЦЫ — обобщенное название голландских живописцев XVII в., приближающееся к понятию школы. Такое название возникло в связи с особенным камерным характером творчества и небольшим размером картин с изображением городских, сельских, морских пейзажей, бытовых сцен, интерьеров и натюрмортов (см. также жанр). Термины "малые голландцы" или "малый жанр" не означают меньшего художественного значения подобных картин, но позволяют отличать творчество этих художников от произведений иного масштаба, к примеру, картин Рембрандта. Творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606—1669) знаменует наивысший расцвет голландского искусства XVII века и одну из вершин мировогоискусства вообще. Демократическое и истинно гуманное, проникнутое горячейверой в торжество справедливых жизненных начал, оно воплотило в себе самыепередовые и жизнеутверждающие идеи своего времени. Художник поднялизобразительное искусство на новую ступень, обогатив его небывалойжизненностью и психологической глубиной. Рембрандт создал новый живописныйязык, в котором главную роль играли тонко разработанные приемы светотени инасыщенный, эмоционально напряженный колорит. Духовная жизнь человека сталаотныне доступной изображению средствами реалистического искусства.

13. sозданное в XVII веке для всего мира испанскими живописцами, Эль Греко, Рибера, Сурбараном, Веласкесом и Мурильо, записано золотыми буквами в книге истории искусства. Но уже в последней четверти этого века начался упадок, продолжавшийся в течение большей части XVIII века. Дух времени и здесь оказался сильнее народного духа. Замечательно то обстоятельство, что бурбонские короли для расписывания своих дворцов пользовались преимущественно иностранными художниками. Фердинанд VI (1746 – 1759), основавший вышеупомянутую академию Сан Фернандо с целью сделать ее средоточием всех придворных художественных стремлений, пригласил к себе на службу в 1747 г. эклектика венецианца Якопо Амигони (1675 – 1752), а в 1753 г. Коррадо Джаквинто (1700 – 1765), искусного ученика Солимены и Конка; Карл III, имя которого связано с раскопками Геркуланума и Помпей, назначил в 1762 г. своими придворными живописцами известного саксонца Антона Рафаэля Менгса, о котором мы еще будем говорить, а в 1762 г. чистейшего венецианца, уже знакомого нам Джованни Батиста Тьеполо. Рядом с ними, однако, были многие местные живописцы, расписывавшие преимущественно фресковой живописью церкви и писавшие алтари.

14. Классицизм - стилистическое направление в европейском искусстве, важнейшей чертой которого было обращение к античному искусству как эталону. Классицизм складывается в первой половине 17 века во Франции. Классицисты стремились к скульптурной четкости форм, пластической завершенности рисунка, к ясности и уравновешенности композиции. Классицизм формировался как антагонистическое направление по отношению к пышному и виртуозному искусству барокко. Но во второй половине 17 века классицизм вобрал в себя элементы барокко. Это проявилось в архитектуре Версаля, в творчестве живописца Ш.Лебрена, скульптуров Ф.Жирардона, и А.Куазевокса. Во главе направления становится парижская Академия художеств.Эта Академия установила принципы изображения эмоций (“страстей”) и разделение жанров на “высокие” и “низкие”. К “высоким” жанрам относились исторический, религиозный и мифологический жанры, к “низким” - портрет, пейзаж, бытовой жанр, натюрморт.

15. Рококо, стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века и распространившийся по всей Европе. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, Рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. С барочным стилем Рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то Рококо предпочитает изящество и лёгкость. Более тёмные цвета и пышная, тяжёлая позолота барочного декора сменяются светлыми тонами - розовыми, голубыми, зелёными, с большим количеством белых деталей. Рококо имеет в основном орнаментальную направленность; само название происходит от сочетания двух слов: барокко и рокайль (мотив орнамента, затейливая декоративная отделка камешками и ракушками гротов и фонтанов).

16. В годы Великой французской революции и империи Наполеона расцвел талант выдающегося представителя классицизма Жака Луи Давида. В его творчестве античные традиции, рационализм, присущие классицизма, органично слились с политическими реалиями, что позволяет говорить о революционном характере творчества Давида. Как призыв к революционной борьбе против деспотизма была воспринята французской общественностью его картина на сюжет римской истории «Клятва Горациев» (1784 г.). Лучшим же произведением Давида считается картина «Смерть Марата» (1793 г.), написанная под непосредственным впечатлением от события. Трагизм сюжета, простота и лаконизм композиции, сдержанность цвета и скульптурнисть - черты классицизма - делают эту картину подлинным памятником героям революции. В период правления Наполеона Давид написал несколько парадных портретов императора (он поставил его «первым живописцем империи»). Умер он в Бельгии, куда вынужден был эмигрировать после реставрации монархии Бурбонов. Классицизм, который трансформировался в академизм, то есть направление, официально признан академиями искусств, просуществовал всего XIX века, но остался на обочине магистральных путей развития изобразительного искусства.

17. В 19 веке продолжается расцвет музыки и литературы. Они являются ведущими видами искусства 19 века. Упадок архитектуры отрицательно влияет на развитие скульптуры и живописи. Для большинства стран Западной Европы характерны два периода:

1 от Французской революции 1789 г. до Парижской коммуны 1871 г.

2 1871 – до 90-х гг. 19 века

На первом этапе примерно до 40-х годов господствует романтизм, а затем с 40-х до 70-х гг. – критический реализм.

Романтизм – крупнейшее направление в европейской и американской литературе и искусстве конца 18 – первой половины 19 в. В 18 веке романтическим (от анг. – romantic) именовалось все фантастическое, необычное, странное. На рубеже 18 – 19 вв. термин «романтизм» обозначает новое направление, противостоящее классицизму. Романтизм стал реакцией на кризис всех предшествующих больших стилей – барокко, рококо, ампира). Главной чертой романтизма является идеализация прошлого (Древнего Рима – Roma, отсюда и название). Затем романтизм начинает идеализировать эпоху античности и средневековья).

Романтики мечтали о целостном разрешении всех противоречий жизни. Разлад между идеалом и действительностью приобретает в романтизме необычайную остроту и напряженность, что составляет сущность так называемого романтического двоемирия. Романтики открыли необычайную сложность и глубину духовного мира человека, внутреннюю бесконечность человеческой индивидуальности. Человек для них микрокосмос, маленькая Вселенная. Напряженный интерес к сильным и ярким чувствам и тайным движениям души, к ночной ее стороне, тяга к интуитивному и бессознательному – сущностные черты романтического мировосприятия. Требование историчности и народности искусства – одно из непреходящих завоевание романтического искусства. Историзм мышления романтиков ярко проявляется в жанре исторического романа (В. Скотт, Ф. Купер, В. Гюго). В области эстетики романтизм противопоставляет классическому «подражанию природе» творческую активность художника с правом на преобразование реального мира.

Классической страной романтизма была Германия. Основы романтического миросозерцания и эстетики заложены немецкими писателями и теоретиками иенской школы (Ваккенродер, Новалис, братья Шлегели, Тик).

18. Импрессионизм — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке.

19. В 80-х гг. XIX в. ситуация во французском искусстве сильно изменилась. Три последние выставки импрессионистов показали высшие достижения этого направления и одновременно свидетельствовали о том, что оно уже исчерпало себя. В конце столетия четыре художника громко заявили о себе, подводя итог искусству XIX столетия и прокладывая путь в будущее. Это были Поль Сезанн (1839—1906), Винсент Ван Гог (1853—1890), Поль Гоген (1848-1903) и Анри де Тулуз-Лотрек. Яркие индивидуальности, они не объединились в группу, однако с разных сторон двигались к одной цели — познанию истинной сущности вещей, скрывающейся под их внешностью. Так родился постимпрессионизм (от лат. post — «после»). Это течение было тесно связано с импрессионизмом и смогло проявить себя лишь в пору его заката. Сезанн, самый старший из четырёх художников, долгое время работал параллельно с импрессионистами. Знакомство с Камилем Писсарро и совместная работа на пленэре изменили живописный язык Сезанна. Он участвовал в первой и третьей выставках импрессионистов. Гоген в свою очередь познакомился с Писсарро в 1876 г. и по его рекомендации примкнул к импрессионистам. Его работы были представлены на четырёх последних выставках движения. Голландец Ван Гог соприкоснулся с импрессионизмом в 1886 г. после своего приезда в Париж. Палитра художника стала яркой и чистой под влиянием импрессионизма.