48. Назовите основоположников Нидерландской школы живописи? Каковы их художественные достижения?

Голландская живопись была наследницей демократических традиций нидерландского искусства XVII века, лучших достижений Италии эпохи Возрождения. Значительную роль на живопись этой эпохи оказал итальянский художник Караваджо, в творчестве которого предметы и фигуры обрели еще большую реальность за счет виртуозной работы с техникой светотени. Наряду с традиционными жанрами: библейской и античной картинами, портретом возникают совершенно новые жанры, а пейзаж в Голландии получает необыкновенное распространение и начинает делиться на морской пейзаж – марина, городской пейзаж – ведута, на изображение животных – анималистическая живопись. Значительное влияние на пейзажную живопись оказывали произведения Питера Брейгеля. Голландцы первыми после великих итальянских художников утвердили в своем искусстве своеобразие природы родного края.    Совершенно новым стал жанр бытовой живописи – такие картины получат название жанровая живопись. Бытовой жанр сложился в двух разновидностях — крестьянский и бюргерский (городской) жанр. В жанровых картинах на первый план выходит изображение быта частного человека: пирушки гуляк, хозяйственная деятельность, музицирование. Необходимой частью уюта становились предметы: столик красного дерева, шкаф, кресло, обитое кожей, графин темного стекла и бокал, фрукты.    Совершенно оригинальным стал в Голландии жанр «завтраков» - вид натюрморта, в котором через изображение посуды, разнообразных съестных блюд передавался характер их владельцев.     Бытовой жанр — самое яркое и самобытное явление голландской школы открывшее для мирового искусства поэзию повседневной жизни частного человека. Первыми, кто внес в свои картины голландский дух были художники – портретисты, именно на их школе начали формироваться другие художники. Одним из художников, которые стояли у истоков формирования национальной голландской живописи был Аверкамп Хендрик.

48. Назовите основоположников Нидерландской школы живописи? Каковы их художественные достижения? Искусство Нидерландов началось еще в средние века, с миниатюрной живописи. В XV веке миниатюра достигла высокой степени совершенства, как можно видеть по знаменитому «Часослову герцога Беррийского», иллюстрированному братьями, Ян ван Эйком и другими известными тогда мастерами.  Маленькие картинки, украшающие рукописи, выросли в большие картины, украшающие створки алтарей. Появилось то, чего в миниатюре быть не могло: пристальный, сосредоточенный взгляд на человека, на его лицо, в глубину его глаз.  Основателем нидерландской школы был Роберт Кампен (известен как "Мастер из Флемаля")  Ян ван Эйк первый в Европе освоил живопись маслянными красками; необычны были работы Рогир ван дер Вейдена, Босха, Мемлинга, Брейгеля. 

_____________________________________

Роберт Кампен, называемый Флемальский мастер (нидерл. Robert Campin; ок. 1378 — 26 апреля 1444, Турне) — нидерландский живописец, стоящий у истоков традиции ранней нидерландской живописи (так называемых «фламандских примитивов»).  О дин из первых портретистов в европейской живописи.

Искусствоведы давно пытались найти истоки Северного Возрождения, выяснить, кто был первым мастером, заложившим эту манеру. Долго считалось, что первым художником, ушедшим от традиций готики был Ян ван Эйк. Но к концу XIX века стало ясно, что ван Эйку предшествовал еще один художник, кисти которого принадлежит триптих с Благовещеньем, ранее принадлежавший графине Мероде (т. н. «триптих Мероде»), а также т. н. Флемальский алтарь. Было предположено, что обе эти работы принадлежат руке Флемальского мастера, личность которого в то время ещё не была установлена.

И мя художника Кампена встречалось во многих старинных документах, но без указания созданных им произведений.  В начале XX в. была выдвинута гипотеза, затем подкрепленная достаточно вескими доказательствами, о его тождестве с анонимным Мастером из Флемаля, довольно обширный круг работ которого был уже известен. В настоящее время эта гипотеза принята большинством ученых.

Имя Кампена упоминается в Турне с 1406. Он играл тогда важную роль в жизни города, он развернул широкую деятельность, брался за самую разнообразную работу, от фресок до картонов для шпалер, не говоря уже о менее крупных заказах.

В его мастерской обучались многочисленные ученики. Согласно сохранившимся документам, Кампен был учителем знаменитого Рогира ван дер Вейдена и Жака Даре, которые упоминаются как его ученики с 1427 по 1432.  Общественный деятель, Кампен активно участвует в городском совете в период 1423-1428, когда он поддерживался, главным образом, цехами ремесленников.  В 1423 участвовал в восстании горожан против патрициата, став после этого членом нового городского управления. В дальнейшем социальное положение его резко изменилось, и он подвергся преследованиям. В 1427 Турне посетил Я. ван Эйк и, по всей видимости, познакомился с искусством Кампена.

49. В конце 17- начале 18 в. во Франции.  ( стиль классицизм от лат. "classicus" - "образцовый )  Зарождался параллельно со стилем барокко. А его эволюцию в начале 19 в. завершил - стиль ампир,Исторические корни классицизма. История классицизма начинается в Западной Европе с конца 16 столетия. В 17 в. достигает высшего своего развития, связанного с расцветом абсолютной монархии Людовика XIV во Франции и наивысшего подъема театрального искусства в стране. Классицизм продолжает плодотворно существовать и в 18 – начале 19 вв., пока на смену ему не пришел сентиментализм и романтизм. Чем для искусства барокко была Италия, тем для светского искусства второй половины 17 века стала Франция. Наиболее ярким примером художественного ансамбля эпохи классицизма может служить комплекс Версаля. Версаль состоял из монументального дворца и строго организованной системы садов, бассейнов и фонтанов. Авторы архитектурных сооружений Версаля (1668—1689)—Луи Лево и Жюль Ардуэн-Мансар и спланировавший парк Андре Ленотр — подчинили весь замысел, от основной идеи до мельчайших деталей, строгому придворному этикету. За сдержанным спокойным фасадом Версальского дворца скрыты приемные залы, украшенные с неслыханной роскошью. Изучив поэтику Аристотеля и практику греческого театра, французские классики предложили правила построения в своих произведениях, опирающиеся на основы рационалистического мышления 17 в. Прежде всего, это строгое соблюдение законов жанра, разделение на высшие жанры – оду, трагедию, эпос и низшие – комедию, сатиру. Законы классицизма характернее всеговыразились в правилах построения трагедии. От автора пьесы прежде всего требовалось, чтобы сюжет трагедии, а также страсти героев были правдоподобными. Но понимание правдоподобия у классицистов свое: не просто сходство изображаемого на сцене с действительностью, а согласованность происходящего с требованиями разума, с определенной морально-этической нормой. Как последовательная система классицизм складывается в первой половине 17 века во Франции. Его характеризует провозглашение идей гражданского долга, подчинение интересов личности интересам общества, торжество разумной закономерности. В это время широко используется темы, образы и мотивы античного и ренессансного искусства. Классицисты стремились к скульптурной четкости форм, пластической завершенности рисунка, к ясности и уравновешенности композиции. При этом для классицизма свойственно тяготение к отвлеченной идеализации, отрыв от конкретных образов современности, к установлению норм и канонов, регламентирующих художественное творчество. Крупнейшей фигурой классицизма был художник и теоретик Н.Пуссен. Для архитектуры французского классицизма 17 века были характерны логичность и уравновешенность композиций, четкость прямых линий, геометрическая правильность планов и строгость пропорций. Классицизм формировался как антагонистическое направление по отношению к пышному и виртуозному искусству барокко. Но, когда во второй половине 17 века классицизм стал официальным искусством абсолютистской монархии, он вобрал в себя элементы барокко. Это проявилось в архитектуре Версаля.

51.Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального измененияотношений между художником и внешним миром. Распространение караваджизма проходило тем более эффективно, что в определенной культурной и социальной сфере он отвечал требованиям обновления, и в особенности индивидуализации восприятия и отказа от традиционных норм и правил.Однако одним из последствий распространения стиля Караваджо стало появление ряда формальных требований (натурализм, изображение фигур в натуральную величину, падающий свет, экспрессия светотени) и иконографических тем (сцены в таверне, игра на лютне, гадалки), принятых и введенных в употребление многочисленными итальянскими и иностранными художниками, которых назвали <караваджистами>Влияние Караваджо на европейскую живопись шло в двух направлениях: с одной стороны, свобода в трактовке сюжета, с другой - точное следование живописной манере художника,вплоть до прямого копирования. Таким образом, если говорить о караваджизме в целом, то можно видеть в нем течение в европейской живописи XVII в., противостоящее академизму и блестящему иллюзионизму барокко.

53.

Представители: Каспар Давид Фридрих, Карл Фридрих Лессинг, Карл Шпицвег, Карл Блехен, Альберт Бирштадт, Теодор Жерико, Эжен Делакруа, Уильям Тёрнер, Фредерик Эдвин Чёрч, А-Ж. Гро, Ф. Гойя.

Романтизм в живописи – художественное и духовное направление в изобразительном искусстве на рубеже XVIII и XIX веков. Отказ от стереотипного мышления, высокая оценка личности художника характеризуют романтизм в живописи. В этот период в искусстве появился мечтательный восторг по поводу всего средневекового, восхищение античностью. Особенно широкое распространение это явление приобрело в Германии. Зарождающаяся здесь буржуазия была слишком слаба, чтобы свергнуть феодальную власть, как это было во Франции в 1789 году. С тоской и унынием обратила она взоры к временам Дюрера. Некоторые художники начали даже писать картины на религиозные темы в духе старых мастеров. Для немецкого романтизма характерны созерцательно-меланхолические настроения. Особенно ярко это проявилось в пейзажах. При этом такие мастера, как Каспар Давид Фридрих, привнесли в настроение изображаемых ими пейзажей и собственные наблюдения за окружающей их действительностью. Романтизм в живописи Франции стал результатом подавления прогрессивных стремлений монархической верхушкой. Французские художники связывали романтизм в живописи с пробуждающимся в народе революционным сознанием.

Художник-романтик хочет познать себя. Манера исполнения портрета быстрая и размашистая, будто бы уже в фактуре произведения должна быть передана духовная энергия творца; в темной красочной гамме выступают контрасты светлого и темного. Контрастность – характерный живописный прием мастеров-романтиков.

Выдающимся портретистом был Отто Рунге (1777—1810).Портреты этого мастера при внешнем спокойствии поражают интенсивной и напряженной внутренней жизнью.

Другой выдающийся живописец-романтик Германии Каспар Давид Фридрих (1774—1840) предпочел всем другим жанрам пейзаж и писал на протяжении всей своей жизни только картины природы. Основным мотивом творчества Фридриха является идея единства человека и природы.

“Прислушайтесь к голосу природы, который говорит внутри нас”, - дает наставление художник своим ученикам. Внутренний мир человека олицетворяет бесконечность Вселенной, поэтому, услышав себя, человек в состоянии постичь и духовные глубины мира.

Позиция вслушивания определяет основную форму“общения” человека с природой и ее изображения. Это величие, тайна или просветленность природы и сознательное состояние наблюдателя. Правда, очень часто в ландшафтное пространство своих картин Фридрих не позволяет “войти”фигуре, но в тонкой проникновенности образного строя раскинувшихся ощущается присутствие чувства, переживания человека. Субъективизм в изображении пейзажа приходит в искусство только с творчеством романтиков, предвещая лирическое раскрытие природы у мастеров второй половины XIX в.. Исследователи отмечают в работах Фридриха “расширение репертуара” пейзажных мотивов. Автора интересуют море, горы, леса и разнообразные оттенки состояния природы в различное время года и суток.

Романтики открывают мир человеческой души, индивидуальное, ни на кого не похожее, но искреннее и оттого близкое всемчувственное видение мира. Мгновенность образа в живописи, как говорил Делакруа,а не последовательность его в литературном исполнении определила нацеленностьхудожников на сложнейшую передачу движения, ради которого были найдены новыеформальные и колористические решения. Романтизм оставил в наследство второйполовине XIX в. все эти проблемы и раскрепощенную от правил академизмахудожественную индивидуальность. Символ, который у романтиков должен былвыразить сущностное соединение идеи и жизни, в искусстве второй половины XIX в.растворяется в полифоничности художественного образа, захватывающегомногообразие идей и окружающего мира.

54. Критический реализм — направление и искусстве ряда стран Европы и Америки, возникши в середине XIX в. В то же время во Франции появился реализм как важное понятие эстетической мысли. Критический реализм ориентирован на непосредственное изображение повседневной жизни людей, преимущественно бедных и обездоленных, противопоставляемых зажиточным и праздным слоям населения. Первые признаки критического реализма можно заметить в живописи итальянца Микеланджело Караваджо и его последователей - «караваджистов», проявлявших в конце XVI и в XVII в. острый интерес к быту низов общества — нищих, бродяг, разбойников, изображавшихся часто в увлекательном романтически-авантюрном обличий (живопись Сальваторе Розы, Алессандро Маньяско в Италии). В XVII в. голландец Ян Стеен, в XVIII в. итальянцы Якопо Черути, Гаспаре Траверс пытались изобразить без прикрас неприглядные стороны будничной жизни своих современников. Художники эпохи Просвещения XVIII в. (Уильям Когарт В Англии.) критиковали с точки зрения разума и справедливости социальные устои общества тех лет. Особенно острым и бесстрашным был анализ социальных противоречий в офортах и картинах Франциско Гойи в Испании на рубеже XVIII и XIX вв. Обобщенные образы социальных сил своего времени создали в XIX в. художники Александр Декан, Гюстав Курбе, Жан-Франсуа Милле во Франции, Константен Менье в Бельгии. Адольф Менцель, Вильгельм Лейбль в Германии, Михай Мункачи в Венгрии. В России критический реализм получил распространение уже в середине XIX в. Образ «маленького человека», возникший в произведениях А.С. Пушкина, И.В. Гоголя, нашел воплощение в жанровых сценах П.А. Федотова, в карикатурах и иллюстрациях А.А. Агина, П.М. Боклевского, Н.А. Степанова, П.М. Шмелькова, А.И. Лебедева. Во 2-й половине XIX — начале XX вв. художники-передвижники сделали критический реализм основным методом своего искусства. В.Г. Перов, Г.Г. Мясоедов, В.Е. Маковский, Н.А. Ярошенко, И.Е. Репин, А.Е. Архипов, Н.А. Касаткин, Л.В. Попов в своих картинах критиковали несправедливое общественное устройство, следуя за литературой (И.С. Тургенев, Л.Н. Толстой, Ф.М. Достоевский. А.П. Чехов). Традиции критического реализма — сатирическое обличение и анализ общественной ситуации - то и дело воскресали в советское время: в сатирической графике Кукрыниксов, Б.И. Пророкова, Л.В. Сойфертиса, в живописи Е.М. Чепцова, С.А. Адливанкина, СВ. Никритина, Г.М. Коржева, а в конце XX в. в саркастическом искусстве соц-арта.

55. Постмодернизм (англ. postmodernism), направление в архитектуре и искусстве развитых капиталистических стран второй половины 70-х - начала 80-х гг. XX в. Единого определения постмодернизма в советской и зарубежной науке нет. Наиболее приемлемо определение постмодернизма как направления, противопоставившего себя модернизму и претендующего на его замену, что отличает постмодернизм от существующего одновременно с ним "неоавангардизма" или "позднего модернизма", последовательно развивающего модернистские концепции.

Провозгласив идею возвращения искусства в рамки искусства, постмодернизм в поисках средств художественного языка открыто ориентируется на обыденные вкусы, взгляды и настроения массового сознания. При всём своём антиэлитаризме постмодернизм в сущности консервативен. Постмодернизм пропагандирует "реалистичность", то есть пассивное подчинение существующему социально-экономическому и культурному порядку буржуазного общества. Постмодернизм практикует открытый ретроспективизм, эклектическое обращение к традиционным художественным формам; сопоставляя их необычным способом, он создаёт своеобразную театрализованную эстетическую среду, в которую нередко вводятся элементы иронии и гротеска

Постмодернизм определил основной вектор направления развития мира живописи. Несмотря на то, что этот период воспринимается историками, как время застоя и кризиса искусств, именно эпоха постмодерна оказала огромное влияние на живопись, определила её основные приоритеты. Приверженцев и последователей той замечательной эпохи в мире довольно много. Одними из первых таких принято считать живописцев Комара и Меламида, долгое время работавших совместно. Но к этой идеологии они пришли не сразу, поначалу они были обычными соцреалистами. Вспомним ещё одного представителя постмодернизма – Илью Глазунова, который идею, разработанную Комаром и Меламидом, развил и понял по-своему, написав в этом стиле целую серию групповых портретов, на которых изображались видные исторические деятели того времени.

Понятие постмодернизма не имеет чётких определений, живопись под его влиянием расширила свои прежние рамки. Её значимость и ценность стала восприниматься исключительно в совокупности с теми художниками, которые олицетворяют ту эпоху и направление, названное в её честь.

56. Модерн- удожественное направление в искусстве, наиболее популярное во второй половине XIX — начале XX века. Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например в архитектуре), расцвет прикладного искусства.

Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, использование новых технологий (металл, стекло).

Как и ряд других стилей, архитектуру модерна отличает также стремление к созданию одновременно и эстетически красивых, и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались.

Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта (1861—1947). В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь, металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие какие-то фантастические растения. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, даже дверные ручки — все тщательно проектировалось в едином стиле. Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гима́р, создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро.

Ещё дальше от классических представлений об архитектуре ушёл Антони Гауди́. Здания, сооружённые им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.

Живопись:

Живопись стиля модерн была наполнена поэтикой символизма, сочетая характерные для него образы со сложным ритмом, линейной композицией в союзе с декоративным цветовым пятном.

Признаками стиля модерн считаются особая плавность форм, вытянутые фигуры, подчёркнутые контуры, чёткие одноцветные поверхности.

В живописи модерна эффект глубины имел второстепенное значение, всё изображение выглядело плоским, а в иных случаях казалось украшенным аппликациями стенным ковром.

Нередко художники в своих произведениях использовали растительные мотивы. Стебли, листья и цветы как будто увядших экзотических растений сплетались в причудливый узор, в котором иногда появлялись фигуры женщин или фантастических существ.

Модерн обнаруживает пристрастие к определенным сюжетам и темам. Это аллегорические сюжеты ( война, смерть, грех, любовь), мотивы, выражающие импульсивные проявления страсти (трепет, игру, вихревое движение). Благодаря таким качествам живописный язык модерна нередко использовали символисты для воплощения своих идей и образов.

С живописью модерна связаны П. Гоген, М. Дени, П. Боннар во Франции, Г. Климт в Австрии, Э. Мунк в Норвегии, М. Врубель, В. Васнецов, Е. Поленовой, А. Бенуа, Л. Бакст, К. Со Модерн в декоративно-прикладном искусстве.

Модерн в декоративно-прикладном искусстве:

Широкая популяризация стиля модерн путем распространения реклам, разнообразных плакатов, этикеток, вывесок, иллюстрированных и модных журналов, а также массовое производство стекла, фарфора. Мебели, тканей, дамских украшений способствовало тому, что за короткий срок он приобрел небывалую популярность в самых широких слоях, «окрасив» собой повседневный быт и создав иллюзию приобщения к искусству у многих никогда доселе над этими вопросами не задумывавшихся людей.

Общепринятый «набор» декоративных мотивов и предметов прикладного искусства в интерьерах русского модерна роднил между собой скромные квартиры людей «среднего достатка» и жилые покои дворцов и богатых особняков, создавая иллюзию демократичности этого стиля. От таких элементов убранства, как мебель, драпировки, декоративные лампы, часы и барометры, до общепринятого набора репродукций модных художников в «текучих» резных рамах – на всем лежала неизгладимая печать стиля модерн, терпкий привкус ,в чем-то роднивший между собой массовые ремесленные образцы и произведения подлинного искусства.

Именно расчет на быт, повседневность – причина того, что сохранилось не так уж много «музейных »,  законченных образцов этого стиля в декоративно-прикладном искусстве. Ему была присуща новизна и смелость в использовании разнообразных материалов и неожиданность их трактовки. Эксперименты со стеклом, теряющим  прозрачность и хрупкость, приобретающим видимую тягучесть, вязкость, упругость, поиски выразительных сочетаний формы, линий и цвета в фарфоре и керамике, широкое введение кованой меди, смальты, майолики, эмали в отделку люстр и часов, мебели и каминов, посуды и женских украшений, изощренные силуэты дамских нарядов, словно повторяющих текучие контуры драпировок и их орнаментику, - все это придавало совершенно особый характер интерьерам модерна. Стремление к «культуре деталей» от монументальных витражей до тончайших изделий ювелирного искусства, придавало стилевую цельность жизненной среде эпохи модерна, которую нельзя спутать ни с какой другой.