Глава 1. Образ «Данаи» в западно – европейской живописи.

1.1 Восприятие образа «Данаи» в эпоху итальянского Возрождения. 

     «Даная» Тициана создана в Италии, во времена, которые в истории искусства принято обозначать как Высокое Возрождение.

     Термин  “Возрождение” указывал на связь  новой культуры с античностью. В это время итальянское общество активно интересуется культурой Древней Греции и Рима, разыскиваются рукописи античных писателей, уже были найдены сочинения Цицерона и Тита Ливия.

     В центре внимания деятелей Возрождения  был человек, поэтому мировоззрение носителей этой культуры обозначают термином “гуманистическое” (от лат. humanus - человеческий).

     Гуманисты Возрождения полагали, что в человеке важно не его происхождение или  социальное положение, а личностные качества, такие, как ум, творческая энергия, предприимчивость, чувство собственного достоинства, воля, образованность. 

     Исторически в Италии главным руслом бурной творческой активности Ренессанса стала не сама по себе мыслительная деятельность и  даже не изящная словесность, а изобразительное искусство.

     Золотой век итальянского искусства - это  век свободы. Живописцы Высокого Возрождения владеют всеми средствами изображения - острым и мужественным рисунком, вскрывающим остов человеческого  тела, колоритом, передающим уже и  воздух, и тени, и свет. Законы перспективы как-то сразу осваиваются художниками без всякого усилия. Движения становятся более уверенными, переживания - более глубокими и страстными. Овладев формой, светотенью, овладев третьим измерением, художники Высокого Возрождения овладели видимым миром во всем его бесконечном разнообразии, во всех его просторах и тайниках, чтобы представить нам его уже не дробно, а в могучем обобщении, в полном блеске его солнечной красоты. Четыре гения сияют в тогдашней Италии. Четыре гения, каждый из которых - целый мир, законченный, совершенный, впитавший в себя все знания, все достижения предыдущего века: Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, и – один из двух героев нашей работы – Тициан.

     Начиная с эпохи Возрождения, сам миф в искусстве выступает как форма художественной типизации жизненного материала. Образ Данаи в этом смысле – собирательный образ, и ее ситуация – решающая ситуация человеческой жизни, отобранная в процессе смены многих поколений и пропущенная через их духовный и художественный опыт.

     Миф очень живописен и привлекал  своим сюжетом многих художников эпохи Высокого Возрождения.

     Великий Тициан неоднократно рисовал Данаю  и золотой дождь. Известно как  минимум четыре его "Данаи". Картина  имела такой успех, что художнику  пришлось повторять ее несколько раз для различных заказчиков. И сейчас в разных музеях мира имеются картины, в которых с некоторыми изменениями трактуется один и тот же мифологический сюжет.

     Когда Тициан,  величайший художник венецианской школы, получил заказ от кардинала Фарнезе на картину «Даная», папский нунций Джованни делла Касса, сказал ему, что в сравнении с «Данаей», более ранняя работа «Венера Урбинская» кажется монашкой из ордена театинцев. «Даная», утверждал он, заставит «дьявола вскочить вам на спину» и вызовет похоть даже у известного своей аскетичностью доминиканского монаха Томазо Бадиа, кардинала Сильвестро.

     То, что её черты напоминают любовницу  Фарнезе Анжелу, не просто совпадение. Миниатюрист Джулио Кловио предоставил  Тициану подробное описание внешности Анжелы. Героиня картины была нарисована с целью польстить кардиналу и с надеждой на получение новых заказов. Тициан рассчитывал на то, чтобы его старший сын Помпонио, который стал священником и при этом вёл весьма расточительный образ жизни, получит приход.

     В картине, написанной для кардинала  Фарнезе, «Даная» лежит расслабленно на смятых льняных простынях и  продавленных подушках, в то время  как её глаза смотрят вверх, на монеты, которые сыплются с небес  на её раскрытые бёдра. Как и подобает принцессе, на пальце она носит кольцо с голубым драгоценным камнем. На запястье у неё дорогой браслет, а в ушах сияют серёжки с перламутром.

     Тициан  не только написал любовницу своего патрона. Картина также предполагает, что любовник вызывает у «Данаи»  восхищение. Возможно, художник льстил кардиналу, сравнивая его с любвеобильным богом, поскольку его огромное богатство, давало ему власть обладать всем, чего он желает. 

     В то же время голова «Данаи» повёрнута к зрителю вполоборота. Возможно, кардинал не хотел, чтобы лицо его любовницы было легко распознать. В то же время мифологический сюжет вносит в эту эротическую картину, предназначенную для приватной комнаты, налёт респектабельности.

     В 1554 году, спустя десять лет после  заказа кардинала Фарнезе, Тициан написал ещё одну версию «Данаи» - по заказу Филиппа II для королевского дворца в Мадриде.

       Здесь он заменил купидона  на няню, которая ловит дождь  золотых монет в свой передник. Видим ли мы теперь «Данаю» такой, какой её изображали Гораций и Боккаччо, то есть как женщину, которая продала себя Зевсу, или художник просто следует эротическому вкусу короля. Ведь королевская версия более откровенна, чем кардинальская.

     Картина буквально пышет жаром. Золотой  дождь теперь льётся из грозовых облаков. Драпировки стали красными, а кожа окрашена скорее в красные, чем в золотые тона. Простыня больше не закрывает бедра, левая рука Данаи лежит между, а губы сомкнуты в чувственном вздохе. Возле неё на мятых простынях спит, свернувшись в клубочек, маленькая собачка.

     И первую, и вторую «Данаю» можно назвать «мифологической поэзией» с очевидным эротическим смыслом. Встреча Данаи с Зевсом происходит на фоне теплого света заката, когда мягкие красочные тона как бы растворяются друг в друге. Фигура обнаженной женщины, несомненно, вдохновлена скульптурами Микеланджело – человека, похвалившего первую «Данаю» и вдохновившего художника на вторую. Истинно тициановским остается колорит картины, где краски словно мерцают от пронизывающего ее света, подчеркивая накал чувств.

     Между этими двумя картинами существуют и заметные отличия как в композиции, так и в концепции. Вторая версия более чувственная: тело полностью обнажено и готово к объятиям возлюбленного. Замена купидона на фигуру старой женщины обогащает картину: обнажённая фигура и одетая, лежащая фигура и сидящая, фронтальный вид и боковой вид, пассивная поза и активная поза. Отличаются картины и техникой исполнения - вторая выполнена серией коротких мазков и разведёнными масляными красками, благодаря чему мы можем видеть нити холста, на котором написана картина.

     Мне кажется, что Эрмитажу досталась  менее изящная версия, чем музею Прадо. Зато эта Даная, определённо, более чувственная .

     В картине, лицо Зевса появляется в просвете облаков, с небес сыплются золотые монеты, изумленная служанка торопится поймать их в подставленный фартук, но Даная спокойна. Она прекрасна как олимпийская богиня, и как богиня без удивления, без суеты, без подобострастия принимает как должное знак небесной любви. Ее лицо запрокинуто и наполовину погружено в прозрачную полутень. Об охватившем ее сладком томлении "говорит" не лицо, а тело. Прозрачными, "вплавленными" друг в друга мазками Тициан передает его нежную упругость, тепло золотистой кожи, розовеющие колени и ступни. 

    Я думаю, что эта картина была последней в цикле, потому что все мотивы здесь усилены. Вся композиция картины более динамична. Зевс едва просматривается среди облаков. Жадное лицо няни повернуто к нам, теперь она ловит монеты не в передник, а в золотой поднос. Стук монет по блюду контрастирует с тихим ливнем золота, который льётся на Данаю, подчёркивая  добродетельность Данаи и продажность её няни. Монеты щедро рассыпаны на переднем плане. Художник поместил на кровать Данаи розу, извечный символ любви.

     Посмотрев на Данаю из Музея Прадо, можно увидеть собачку на переднем плане . Маленькая собачка чаще всего является символом супружеской верности. На ложе Данаи в картине Тициана, она выглядит несколько странно, поскольку верность красавицы божественному возлюбленному носит явно вынужденный характер. Может быть, собачку стоит рассматривать как намек на чистоту Данаи?

       У Тициана есть более ранняя картина с похожей композицией: лежащая обнажённая женщина, роза и собачка.

     Это знаменитая "Венера Урбинская" из Галереи Уффици во Флоренции, написанная Тицианом в 1538 году. Эту картину Марк Твен называл "самой глупейшей, подлейшей и неприличнейшей картиной в мире". Известно, что существует два противоположных подхода к этой картине. Одни считают её "порнографией для элиты" (тот же Марк Твен обращал внимание на неприличное положение левой руки Венеры), а другие пишут о том, что это традиционная свадебная картина. В ней, действительно, присутствует свадебные символы: цветок мирта на окне, букет из роз в руках, служанки, достающие платья из сундука, а также собачка, которая в контексте этой картины трактуется как символ верности.

     Если  собачка - символ верности, тогда почему она появляется в постели Данаи  на картине из Прадо? И, если уж на то пошло, почему роза из "Венеры Урбинской" появляется на чрезвычайно откровенном варианте "Данаи" из Историко-художественного музея в Вене?

 

1.2 Образ « Данаи» в эпоху голландского барокко. 

     В Голландии, буржуазной республике, отринувшей католическую веру в пользу протестантизма, у  художников были иные возможности и  традиции.

     Голландия успешно завершив первую в истории буржуазную революцию, выдвинулась на одно из ведущих мест в экономическом и культурном отношениях. Маленькая страна переживает в XVII веке кратковременный, но бурный расцвет. 

     Живописцы работали в условиях рынка и не зависели от заказов короля или церкви. Их картины покупали зажиточные граждане, любившие украшать живописью стены своих домов. Следовательно, вкус горожан-обывателей, высшей ценностью для которых было благополучие и покой семьи, определял содержание полотен. Что хотели видеть на картинах голландцы? То, к чему они привыкли и что было не слишком обременительным для их интеллекта: уютные городские дворики, чистые комнаты домов, аккуратных, с неприметной внешностью хозяек в белых чепчиках, худосочных девушек, занимающихся шитьем, чтением или игрой на клавесине. Быт в этих полотнах представлен правдиво до мелочей, а простые обыденные сцены, изображенные художниками, можно было ежедневно наблюдать вокруг. Говорят, что по предметам, написанным на картинах голландцев, историки могут изучать экономику и торговые связи в XVII столетии.

     Голландские живописцы впервые увидели человека таким, каков он есть в жизни, и отразили в искусстве различные стороны его повседневного бытия. 

     Творцов бытовой живописи назвали позднее  «малыми голландцами» и за простоту сюжетов, и за небольшие размеры  работ. Излюбленные жанры «малых голландцев» — портрет, пейзаж, натюрморт.

     Можно смело сказать, что ни в одной  стране до  того живопись не пережила такого быстрого и интенсивного подъема, не имела такого исключительного распространения, такой поразительной популярности, не вошла так глубоко в быт самых широких слоев общества, как в Голландии. Столь широкому распространению картин способствовало их невероятное обилие и, вследствие этого крайняя дешевизна. Произведения многих из числа ныне весьма ценимых мастеров приобретались буквально за несколько гульденов. Голландский художник работает на рынок, что делает его свободным в искусстве и выборе средств к существованию.

     Вершина голландского искусства XVII в. — творчество гениального художника Харменса ван Рейна Рембрандта (1606—1669). Рембрандт  явился ярчайшим представителем направления, принятого называть вне стилевой линией и являющейся одной из трех основополагающих художественных концепций 17 века (вместе с барокко и классицизмом).

     Тема  искусства Рембрандта – реальная жизнь человека и, прежде всего, его внутренний мир. Глубокое человеческое переживание проходит в произведениях художника через все явления реального мира, оно преобразует обычное и будничное в образы высшей красоты.

     Удивительно, но никуда не выезжая из своей маленькой  бюргерской страны и не получив широкого образования, Рембрандт создал творения мирового общечеловеческого звучания. Но – Голландия 17 века была далека от Рембрандта. Она его не поняла, не поддержала и не прославила. Современники это не слишком понимали и относились к художнику снисходительно. Рембрандту дано было соединить простые житейские истины с высоким духовным опытом человечества, пройдя путь исканий от барочных композиций до высокого реализма.

     На  собственном примере он понял, что  толпа отдает предпочтение посредственности. А он был слишком необыкновенным, слишком таинственным и великим. Маленькие нидерландские мастера выбирали для своих картин светские и изящные сюжеты или изображали легкомысленное веселье, проказы, шалости, фарсы, празднества. Но Рембрандт, по словам Э. Верхарна, стоит на тех высотах, которые господствует над вершинами, расами и странами.

     Творчество  Рембрандта воплощает его лучшие качества – силу реалистического  отражения действительности, глубокую индивидуализацию образов и явлений, несет в себе черты подлинного демократизма. Его произведениям присущи огромная глубина идейного содержания, исключительная сила эмоционально-образного выражения, непревзойденное художественное мастерство. Врожденное стремление Рембрандта к психологизму, исключительная виртуозность его техники поразила современников.

     Среди других голландских мастеров Рембрандт  выделяется широтой своей тематики: картины на библейские  и мифологические сюжеты, исторический жанр, портрет, жанровая живопись, пейзаж и натюрморт. Рембрандт работал в двух областях искусства – живописи и офорте, – и до сих пор не решен вопрос, в котором из них он более велик.

     Уже в первых своих произведениях  Рембрандт подходит к тому, что  будет занимать его всю жизнь: стремясь к раскрытию внутренних переживаний человека, он уделяет огромное внимание светотени.

     В 1632 г. Рембрандт переезжает в Амстердам, богатой приморский город, главный  культурный и художественный центр  страны. Восприимчивый к пестрой  картине, которую развертывает перед  ним мировой город, Рембрандт находит богатый материал для своих работ.

     Продолжая поиски повышенной психологической  выразительности, он смело экспериментирует, применяя различный формат, композицию, меняя позы, повороты, движения, выражения  лица.

     В 1633 г. Рембрандт женился на Саскии ван Эйленбурх из богатой знатной семьи.

     Свою  жену Рембрандт любит изображать в образе различных мифологических героинь. Это – фантастические портреты.

     Так нам является Саския в чудесной картине 1636г. Фантазия художника на этот раз воплотила ее в образе Данаи. Сюжет картины был распространен в эпоху Возрождения. 

     У художника Ренессанса тема обнаженного  тела была наиболее благодарным объектом для воплощения их эстетических норм – возвышенного героизма и идеальной  красоты человека.  Иначе подошел к этой теме Рембрандт. Только в изображении богатых и пышных аксессуаров он отдает дань традиции.

     Необычайная правдивость и жизненная сила рембрандтовской “Данаи” объясняется, прежде всего, тем, что художник дал  изображение человека во всем его  духовном богатстве.

     Данаи Тициана и Андромеды Рубенса  воспринимаются как обобщенные образы прекрасных женщин; Даная Рембрандта воспринимается, прежде всего, как изображение  человеческой индивидуальности.

     В картине «Даная» ощущается  чувственный порыв, сильный эмоциональный подъем граничит с духовным преображением человека, охваченного высоким чувством любви. Светотень, всегда имеющая у Рембрандта очень важное эмоциональное значение, в данном случае имеет и смысловую функцию: предвещающий появление Юпитера поток света, навстречу которому устремляется Даная, заливает ее фигуру, внося в картину атмосферу особой эмоциональной приподнятости. Обилие света содействует общей мажорности образа.

     Обратимся к месту «Данаи» в творчестве Рембрандта. И здесь нам не обойтись без пристального взгляда на его возлюбленную Саскию, которая послужила первой моделью для «Данаи».

     Через десять лет после создания полотна  «Даная» - в 1646 и 1647 годах картина  была им переработана, после того, как  минуло уже несколько лет со дня  смерти Саскии и потрясения, связанного с ее преждевременной кончиной. Долгое время картина вызывала недоумение. Почему нет золотого дождя? Отчего плачет амурчик? Ответы получены благодаря рентгеновским лучам, когда стало понятно, что на полотне две «Данаи». Рембрандт переделал картину, изменив овал лица, длину пальчиков своей героини, детали интерьера - о чем только не расскажет рентгеновский анализ... Именно Саския была под верхним красочным слоем. На первом полотне художник изобразил счастливую, ждущую своей любви женщину. Она была накрыта белым покрывалом, ведь Рембрандт не хотел, чтобы чужие глаза касались наготы любимой Саскии. Там амурчик улыбался, и картина дышала радостью, что было в унисон с душевным состоянием художника. У второй Данаи амурчик, изображен со связанными руками и плачет. Наверно это были слёзы Рембрандта.

       Перед реставраторами стоит соблазн  расчистить нижнюю «Данаю», но  пока это только мечты. Стоит  остановиться на подробностях  личной жизни Рембрандта, чтобы  понять причину появления и  особенности этой второй «Данаи». Исследователей удивляла темноволосая головка Данаи, ведь Саския была совсем другой. 

     Единственным  утешением художника был сын  Титус, которого воспитывала служанка Гертье. Потихоньку Гертье заняла место  Саскии и завладела не только ключами, но и сердцем художника. Рембрандт изображает Гертье обнаженной и безразлично отдает зрителю неприкрытое тело служанки. По одной версии, именно с нее он пишет и вторую картину "Даная". Все чаще видят Гертье в украшениях и платьях Саскии - она стала полновластной хозяйкой дома. Забегая вперед, скажу, что Гертье кончила свою жизнь в тюрьме за мошенничество.

     По  другой версии, вторую «Данаю» Рембрандт  пишет с другой своей служанки – Хендрикье, в которой Гертье видела соперницу. Гертье заставляет Рембрандта жениться на себе и, получив отказ, подает жалобу в камеру семейных ссор, где его обвиняют в прелюбодеянии с двумя женщинами. Суд обязывает его выплачивать Гертье по 200 гульденов в год, что было огромной суммой по тем временам и отлучает Хендрикье от святого причастия. Преданная Хендрикье любит Рембрандта. Она готова быть с ним и в горе и в радости. Вскоре рождается дочь Корнелия, но Хендрикье тает на глазах. И вновь он теряет любимую, и вновь жизнь окрашивается в черные тона.

       Итак, по одной версии, вторая Даная написана с жадной и нехорошей мошенницы, по другой – с преданной простой девушки, ненадолго украсившей жизнь художника. Но в любом случае важно, что с разрывом в десять лет для Данаи позировали две разные женщины – "светлая" и "темная", контрастные, как утро и вечер, из коих первая - Саския, являла собой ухищрения изысканной моды, вторая – простая девушка с естественной природной грацией. Таким образом, голова, правая рука и в значительной степени тело Данаи, ожидающей в своей темнице возлюбленного, а также фигура старухи-служанки оказались написанными заново, в смелой широкой манере середины и второй половины 1640-х годов.

     Почти все остальные детали картины  остались такими, какими были написаны в 1636 году, характерным для предшествующего периода аккуратным, рисующим мазком.

       Значительным изменениям подвергся  и колорит картины. В первоначально  варианте господствовали холодные  тона, типичные для середины 1630-х  годов. Заменив золотой дождь  первого варианта золотым светом, как бы предвещающим появление влюбленного бога, Рембрандт выполняет теперь центральную часть картины в теплом тоне с золотистой охрой и красной киноварью в качеств доминант. 

  В России «Даная» Рембрандта появилась благодаря императрице Екатерине-II. Пережив историю о недавно затонувшем корабле с предметами искусства, она вновь купила в Европе самую знаменитую коллекцию Кроуза, где уже было несколько работ Рембрандта.

     Судьба  картины была горька.

     В 1985 году на экспозиции в зале Рембрандта мужчина из Литвы облил полотно  серной кислотой из литровой банки и дважды пырнул его ножом - несравненная женщина Рембрандта была обезображена. Почти сорок процентов полотна превратились в бурую массу. Сверх ценная часть - женская фигура - приняла на себя главный выплеск агрессии. ...«Увидев ее впервые в процессе реставрации, я не мог сдержать слез, - признается директор Эрмитажа Михаил Пиотровский. - Во многом потому, что это была другая «Даная». Но чем дольше наблюдал за ее возвращением к жизни, тем тверже убеждался: все равно это потрясающая картина, все равно гениальный Рембрандт в ней виден. Вообще картинам свойственно стареть. «Даная» изменилась резче прочих. Но для наших потомков именно эта, спасенная «Даная» будет настоящей, а эпопею спасения они спокойно воспримут, как часть ее биографии. Но, к сожалению, картина далека от прежней. Исчезло золотое свечение, ведь художник добавлял в краску толченый янтарь в только ему известной пропорции.